new icn messageflickr-free-ic3d pan white
View allAll Photos Tagged reputacion

By Soraya Ruby

EXCLUSIVE FOR @Bloom Event Round open March 21th

100% Original Mesh

Includes:

✩Mesh Option : Shirt Dres and Belt

✩Controler Hud with 42 Textures

✩Sizes for Suit : Legacy, Maitreya, Belleza [ Isis Freya ], Slink [HourGlass ]

✩Single Items available 'ONE TEXTURE'

✩Bloom Event:

maps.secondlife.com/secondlife/Prism%20Events/101/97/23

BLOG: camile-whitlock-zunimoor.blogspot.com/2020/03/post-8-lsr-...

By Soraya Ruby

EXCLUSIVE FOR @Bloom Event Round open March 21th

100% Original Mesh

Includes:

✩Mesh Option : Shirt Dres and Belt

✩Controler Hud with 42 Textures

✩Sizes for Suit : Legacy, Maitreya, Belleza [ Isis Freya ], Slink [HourGlass ]

✩Single Items available 'ONE TEXTURE'

✩Bloom Event:

maps.secondlife.com/secondlife/Prism%20Events/101/97/23

BLOG: camile-whitlock-zunimoor.blogspot.com/2020/03/post-8-lsr-...

Me preocupo más por mi conciencia que por mi reputación.

Mi conciencia es lo que soy.

Mi reputación es lo que los demás piensan que soy..

By Soraya Ruby

EXCLUSIVE FOR @Bloom Event Round open March 21th

100% Original Mesh

Includes:

✩Mesh Option : Shirt Dres and Belt

✩Controler Hud with 42 Textures

✩Sizes for Suit : Legacy, Maitreya, Belleza [ Isis Freya ], Slink [HourGlass ]

✩Single Items available 'ONE TEXTURE'

✩Bloom Event:

maps.secondlife.com/secondlife/Prism%20Events/101/97/23

BLOG: camile-whitlock-zunimoor.blogspot.com/2020/03/post-8-lsr-...

By Soraya Ruby

EXCLUSIVE FOR @Bloom Event Round open March 21th

100% Original Mesh

Includes:

✩Mesh Option : Shirt Dres and Belt

✩Controler Hud with 42 Textures

✩Sizes for Suit : Legacy, Maitreya, Belleza [ Isis Freya ], Slink [HourGlass ]

✩Single Items available 'ONE TEXTURE'

✩Bloom Event:

maps.secondlife.com/secondlife/Prism%20Events/101/97/23

BLOG: camile-whitlock-zunimoor.blogspot.com/2020/03/post-8-lsr-...

La fotografía tiene la deslucida reputación

de ser la más realista, y por ende la más hacedera, de

las artes miméticas. De hecho, es el único arte que

ha logrado cumplir con la ostentosa y secular amenaza

de una usurpación surrealista de la sensibilidad

moderna, mientras que la mayor parte de los

candidatos con linaje ha abandonado la carrera.

 

Susan Sontag

.

  

tu reputacion son las primeras seis letras de esa palabra llevarte a la cama era más fácil que respirar tu teléfono es de total dominio popular y tu colchón tuene más huellas que una playa en pleno verano has hecho el amor más veces que mi abuela y aun no acabas ni la escuela y aún sabiendo que no eres el mejor partido dime quién puede contra cupido y es que si yo no he sido un monje porque voy a exigirte que seas santa. Si el pasado te enseñó a besar así bendito sea el que estuvo antes de mí no es dama la que se abstiene dama es la que se detiene cuando encuentra lo que tu encontraste aquí Si el pasado te enseñó a tocarme así benditos los que estuvieron antes de mí si otros han sido tu escuela yo seré tu graduación ♫

Sin reputación no hay respeto.

 

Conozco esta zona

esta mona no se anda por la ramas

hablo claro consecuencias llegan

si me necesitas llama por que no ?

Gracias por la visita, comentarios, premios, invitaciones y favoritos.

Por favor, no use esta imagen en su web, blogs u otros medios de comunicación sin mi permiso explícito.

© Todos los derechos reservados.

 

Thanks for the visit, comments, awards, invitations and favorites.

Please don't use this image on websites, blogs or other media without my explicit permission.

© All rights reserved

 

Pulsa "L" y la veras mejor.

Press L (or just click image) to see it on a dark gray background

 

albertolamasdiaz@gmail.com

 

Peter Carl Fabergé, conocido también como Karl Gustavovich Fabergé (en ruso, Карл Густавович Фаберже) (30 de mayo de 1846, San Petersburgo, Rusia – 24 de septiembre de 1920, Lausana, Suiza), fue un joyero ruso. Es considerado uno de los orfebres más destacados del mundo, que realizó 69 huevos de Pascua entre los años 1885 a 1917, 61 de ellos se conservan.

En 1870 pasa a ser el responsable de la empresa familiar de joyería en San Petersburgo. Con una excelente reputación como diseñador, trabaja con piedras preciosas y metales, y realiza diseños de diferentes estilos como ruso antiguo, griego, renacentista, barroco, Art Nouveau, naturalista y caricaturesco.

Sus obras fueron expuestas en la Exposición Panrusa de Moscú de 1882 y recibieron la medalla de oro. Recibió el nombramiento de orfebre y joyero de la Corte Imperial Rusa y de otras muchas monarquías europeas. Fabricó joyas con forma de huevos de Pascua de oro y esmalte, animales en miniatura, cálices, bomboneras y otros objetos

Para la Pascua de 1885, el zar Alejandro III le encargó al orfebre Peter Carl Fabergé la construcción de un huevo para regalarle a su mujer, la zarina María. El regalo consistió en un huevo con cáscara de platino que contenía dentro uno más pequeño de oro. Al abrirse este último, se encontraba una gallina de oro en miniatura que tenía sobre su cabeza una réplica de la corona imperial rusa. Este particular Huevo de Pascua le gustó tanto a la emperatriz que el zar le ordenó a Fabergé que realizara uno nuevo para cada Pascua.

Once fueron en total los huevos que Alejandro III le regaló a su mujer. Luego, su hijo Nicolás II continuó con esta tradición y mandó realizar otros para regalarle a su mujer y a su madre. Los 57 huevos que confeccionó la casa Fabergé tenían en su interior algún obsequio, réplica en miniatura de una de las pertenencias de los zares.

La Revolución rusa acabó con la firma.

Desde la Segunda Guerra Mundial han salido a subasta seis de estas obras de arte. En noviembre de 1994 el Winter Egg (creado en 1913, y que se creía perdido hasta 1984) alcanzó los 5.600.000 dólares.

Recientemente (28 de noviembre de 2007) un huevo fabricado por Fabergé para la familia de banqueros Rothschild, alcanzó en subasta el precio récord de 18 millones de dólares.

 

es.wikipedia.org/wiki/Peter_Carl_Fabergé

www.san-petersburgo.net/museo-faberge/

fabergemuseum.ru/

  

Peter Carl Fabergé, also known as Karl Gustavovich Fabergé (Russian: Карл Гу́ставович Фаберже́, Karl Gustavovich Faberzhe; 30 May 1846 – 24 September 1920), was a Russian jeweller best known for the famous Fabergé eggs made in the style of genuine Easter eggs, but using precious metals and gemstones rather than more mundane materials. He was the founder of the famous jewelry legacy House of Fabergé.

Peter Carl Faberge was born in Saint Petersburg, Russia, to the Baltic German jeweller Gustav Fabergé and his Danish wife Charlotte Jungstedt. Gustav Fabergé's paternal ancestors were Huguenots, originally from La Bouteille, Picardy, who fled from France after the revocation of the Edict of Nantes, first to Germany near Berlin, then in 1800 to the Pernau (today Pärnu)[2] Baltic province of Livonia, then part of Russia, now Estonia.

Until he was 14 years old he went to the German St Anne School in Saint Petersburg, Russia.[citation needed] In 1860 his father retired from his jewelry business and moved with his family to Germany. He left the House of Fabergé in Saint Petersburg in the hands of his business partner. Carl Fabergé undertook a course at the Dresden Arts and Crafts School. In 1862 Agathon Fabergé, the Fabergés' second son, was born in Dresden, Germany, where he went to school as well.

In 1864, Peter Carl Fabergé embarked upon a Grand Tour of Europe. He received tuition from respected goldsmiths in Germany, France and England, attended a course at Schloss's Commercial College in Paris, and viewed the objects in the galleries of Europe's leading museums.

His travel and study continued until 1872, when at the age of 26 he returned to St. Petersburg and married Augusta Julia Jacobs. 1874 saw the arrival of his first child, Eugene Fabergé and two years later, Agathon Fabergé was born; Alexander Fabergé and Nicholas Fabergé followed in 1877 and 1884 respectively. For the following 10 years, his father's trusted workmaster Hiskias Pendin acted as his mentor and tutor. The company was also involved with cataloguing, repairing, and restoring objects in the Hermitage during the 1870s. In 1881 the business moved to larger street-level premises at 16/18 Bolshaya Morskaya.

Upon the death of Hiskias Pendin in 1882, Carl Fabergé took sole responsibility for running the company. Carl was awarded the title Master Goldsmith, which permitted him to use his own hallmark in addition to that of the firm. In 1885 his brother Agathon Fabergé joined the firm and became Carl Faberge's main assistant in the designing of jewelry.[3]

Carl and Agathon Fabergé Sr. were a sensation at the Pan-Russian Exhibition held in Moscow in 1882. Carl was awarded a gold medal and the St. Stanisias Medal. One of the Fabergé pieces displayed was a replica of a 4th-century BC gold bangle from the Scythian Treasure in the Hermitage. The Tsar, Alexander III, "Emperor and Autocrat of all the Russians", declared that he could not distinguish the Fabergé's work from the original and ordered that objects by the House of Fabergé should be displayed in the Hermitage as examples of superb contemporary Russian craftsmanship. The House of Fabergé with its range of jewels was now within the focus of Russia's Imperial Court.

When Peter Carl took over the House, there was a move from producing jewellery in the then-fashionable French 18th century style to becoming artist-jewellers. Fabergé's production of the very first so-called Fabergé egg, the Hen Egg, given as a gift from the Tsar to his wife Maria Fyodorovna on Orthodox Easter (24 March) of 1885 so delighted her that on 1 May the Emperor assigned Fabergé the title Goldsmith by special appointment to the Imperial Crown of that year. This meant that Fabergé now had full personal access to the important Hermitage Collection, where he was able to study and find inspiration for developing his unique personal style. Influenced by the jewelled bouquets created by the eighteenth century goldsmiths Jean-Jacques Duval and Jérémie Pauzié, Fabergé re-worked their ideas combining them with his accurate observations and his fascination for Japanese art. This resulted in a revival of the lost art of enameling and a focus on the setting of every single gemstone in a piece to its best visual advantage. Indeed, it was not unusual for Agathon to make ten or more wax models so that all possibilities could be exhausted before deciding on a final design. Shortly after Agathon joined the firm, the House introduced objects deluxe: gold bejewelled items embellished with enamel ranging from electric bell pushes to cigarette cases and including objects de fantaisie.

In light of the Empress' response to receiving one of Fabergé's eggs on Easter, the Tsar soon commissioned the company to make an Easter egg as a gift for her every year thereafter. The Tsar placed an order for another egg the following year. Beginning in 1887, the Tsar apparently gave Carl Fabergé complete freedom with regard to egg designs, which then became more and more elaborate. According to Fabergé Family tradition, not even the Tsar knew what form they would take— the only stipulation was that each one should be unique and each should contain a surprise. Upon the death of Alexander III, his son, the next Tsar, Nicholas II, followed this tradition and expanded it by requesting that there be two eggs each year, one for his mother (who was eventually given a total of 30 such eggs) and one for his wife, Alexandra (who received another 20). These Easter gift eggs are today distinguished from the other jeweled eggs Fabergé ended up producing by their designation as "Imperial Easter eggs" or "Tsar Imperial Easter eggs". The tradition continued until the October Revolution when the entire Romanov dynasty was executed and the eggs and many other treasures were confiscated by the interim government. The two final eggs were never delivered nor paid for.

Although today the House of Fabergé is famed for its Imperial Easter eggs, it made many more objects ranging from silver tableware to fine jewelry which were also of exceptional quality and beauty, and until its departure from Russia during the revolution, Fabergé's company became the largest jewelry business in the country. In addition to its Saint Petersburg headquarters, it had branches in Moscow, Odessa, Kiev and London. It produced some 150,000 to 200,000 objects from 1882 until 1917.

In 1900, Fabergé's work represented Russia at the 1900 World's Fair in Paris. As Carl Fabergé was a member of the jury, the House of Fabergé exhibited hors concours (without competing). Nevertheless, the House was awarded a gold medal and the city's jewelers recognized Carl Fabergé as a maître. Additionally, France recognized Carl Fabergé with one of the most prestigious of French awards, appointing him a knight of the Legion of Honour. Two of Carl's sons and his head workmaster were also honored. Commercially, the exposition was a great success and the firm acquired a great many orders and clients.

In 1916, the House of Fabergé became a joint-stock company with a capital of 3-million rubles.

The following year upon the outbreak of the October Revolution, the business was taken over by a 'Committee of the Employees of the Company K Fabergé. In 1918 The House of Fabergé was nationalised by the Bolsheviks. In early October the stock was confiscated. The House of Fabergé was no more.]

After the nationalisation of the business, Carl Fabergé left St. Petersburg on the last diplomatic train for Riga. In mid-November, the Revolution having reached Latvia, he fled to Germany and first settled in Bad Homburg and then in Wiesbaden. Eugène, the Fabergés' eldest, travelled with his mother in darkness by sleigh and on foot through snow-covered woods and reached Finland in December 1918. During June 1920, Eugène reached Wiesbaden and accompanied his father to Switzerland where other members of the family had taken refuge at the Bellevue Hotel in Pully, near Lausanne.

Peter Carl Fabergé never recovered from the shock of the Russian Revolution. He died in Switzerland on September 24, 1920. His family believed he died of a broken heart. His wife, Augusta, died in 1925. The two were reunited in 1929 when Eugène Fabergé took his father's ashes from Lausanne and buried them in his mother's grave at the Cimetière du Grand Jas in Cannes, France.

Fabergé had four sons: Eugène (1874–1960), Agathon (1876–1951), Alexander (1877–1952) and Nicholas (1884–1939). Descendants of Peter Carl Fabergé live in mainland Europe, Scandinavia and South America.

Henry Bainbridge, a manager of the London branch of the House of Fabergé, recorded recollections of his meetings with his employer in both his autobiography and the book he wrote about Fabergé. We are also given an insight into the man from the recollections of François Birbaum, Fabergé's senior master craftsman from 1893 until the House's demise.

From Bainbridge we know that while punctilious with his dress, Fabergé "rarely if ever wore black but favoured well-cut tweeds". He added "There was an air of the country gentleman about him, at times he reminded one of an immaculate gamekeeper with large pockets." He was a very focused individual with no wasted actions or speech. He did not like small talk. On one occasion during dinner Bainbridge, feeling out of the conversation said, "I see Lord Swaythingly is dead". Fabergé asked who he was and upon being told responded cuttingly, "And what can I do with a dead banker?"

When taking orders from customers he was always in a hurry and would soon forget the fine detail. He would then interrogate the staff so as to find any who had been standing near him and may have overheard. His great-granddaughter Tatiana Fabergé notes that he usually had a knotted handkerchief in his breast pocket.

When Carl noticed an unsuccessfully wrought item, he would call for his senior master craftsman and make endless derisory and ironic remarks. On occasions when Birbaum realized Fabergé was the designer, he would show him his sketch. Fabergé would then smile guiltily and say, "Since there is nobody to scold me, I have had to do it myself".

From Birbaum we also know that Carl was famous for his wit and was quite merciless to fops, whom he hated. A certain prince who fell into this category boasted to Fabergé about his latest honour from the Tsar, adding that he had no idea as to why the award was made. The prince expected the jeweler to shower him with congratulations. Instead, Fabergé simply replied, "Indeed, your Highness, I too have no idea what for".

Carl never traveled with luggage—he bought all his requisites at his destination. On one occasion, when he arrived at the Negresco Hotel in Nice the doorman barred him from entering because of the amount of luggage he carried. Thankfully one of the grand dukes who was in residence called out a greeting and Carl Fabergé was promptly ushered apologetically into the establishment.

Bainbridge concludes, "Taking him all in all, Fabergé came as near to a complete understanding of human nature as it is possible for a man to come, with one word only inscribed on his banner, and that word – tolerance. There is no doubt whatsoever that this consideration for the worth of others was the foundation for his success."

en.wikipedia.org/wiki/Peter_Carl_Fabergé

 

Piotr Ilich Chaikovski (en ruso: Пётр Ильич Чайковский) (Vótkinsk, 25 de abriljul./ 7 de mayo de 1840greg.-San Petersburgo, 25 de octubrejul./ 6 de noviembre de 1893greg.) fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como los ballets El lago de los cisnes, La bella durmiente y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta y la ópera Eugenio Oneguin.

Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar del interés musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.

Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de trece años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los cincuenta y tres años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.

A pesar de ser popular en todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor es hoy en día segura,2 y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.

De hecho, Chaikovski está considerado actualmente como el más destacado músico de Rusia y una de las figuras más importantes de la cultura de ese país a lo largo de su historia.

Piotr Chaikovski nació en Vótkinsk, un pequeño pueblo en la actual Udmurtia, que anteriormente fue parte de la provincia de Vyatka del Imperio ruso. Su padre, Iliá Petróvich Chaikovski, era el hijo de Piotr Fiódorovich Chaika (conocido posteriormente como Piotr Fiódorovich Chaikovski quien obtuviera un título nobiliario por sus servicios como médico militar para la zarina Catalina II de Rusia). Su padre fue un ingeniero de minas del Estado, de ascendencia ucraniana. Chaika (ucr. Чайка, significa gaviota) es un apellido tradicional de Ucrania. Nació en 1745 en Nikoláevka, cerca de Poltava, Ucrania, fue el segundo hijo de Fiódor Chaika (ca. 1695-1767) y su mujer Anna (1717-?), y estudió en un seminario en Kiev, pero más tarde recibió enseñanzas de medicina en San Petersburgo.5 La madre de Piotr, Aleksandra Andréyevna, de soltera d'Assier, provenía de raíces parcialmente francesas y fue la segunda de las tres esposas de Iliá. El dramaturgo, libretista y traductor Modest Ilich Chaikovski6 fue uno de los hermanos menores de Piotr.

En 1843, los padres de Chaikovski contrataron los servicios de una institutriz francesa llamada Fanny Dürbach. Su pasión y afecto por el cargo contrarrestaban la actitud de Aleksandra, descrita por un biógrafo como una madre fría, infeliz y distante, no dada a mostrar afecto físico.7 Sin embargo, otros autores afirman que Aleksandra adoraba a su hijo.

Piotr Chaikovski empezó las lecciones de piano a los cinco años. Fue un alumno precoz, en tres años fue capaz de leer música tan bien como su profesor. Sin embargo, la pasión de sus padres sobre su talento musical pronto se enfrió. En 1850, la familia decidió enviarlo a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo. Esta institución atendía principalmente a la pequeña nobleza y prepararía a Chaikovski como funcionario. Dado que la edad mínima para acceder era de doce años, Chaikovski tuvo que pasar dos años en un internado de la escuela preparatoria de la Escuela Imperial de Jurisprudencia, a unos 1300 km de su familia. Una vez que estos dos años pasaron, Chaikovski fue trasladado a la Escuela Imperial de Jurisprudencia para empezar un curso de estudios que duraría siete años.

El 25 de junio de 1854, Chaikovski se vio profundamente afectado por la muerte de su madre Aleksandra a causa del cólera. Lo afectó tanto que se sintió incapaz de darle la noticia a Fanny Dürbach hasta transcurridos dos años. Sin embargo, unos meses después de la muerte de su madre, realizó el primer intento serio de composición, un vals en su memoria. Varios autores afirman que la pérdida de su madre contribuyó al desarrollo sexual de Chaikovski, así como su experiencia con las supuestamente extendidas prácticas homosexuales entre estudiantes de la Escuela Imperial de Jurisprudencia. Sea cual fuere la verdad de esto, algunas amistades con sus compañeros, como Alekséi Apujtin y Vladímir Gerard, fueron suficientemente intensas para durar el resto de su vida.

La música no era una prioridad alta en la Escuela, pero Chaikovski asistía regularmente al teatro y a la ópera con otros estudiantes. Se aficionó a las obras de Rossini, Bellini, Verdi y Mozart. El fabricante de pianos Franz Becker realizaba visitas de vez en cuando a la Escuela como profesor de música simbólico. Esta fue la única instrucción formal sobre música que recibió allí. Desde 1855, su padre, Iliá Chaikovski, le financió lecciones privadas con Rudolph Kündinger, un reconocido profesor de piano de Núremberg. Iliá además le preguntó a Kündinger sobre la posibilidad de una carrera musical para su hijo. Kündinger contestó que nada sugería que fuera un compositor potencial o incluso un buen intérprete. A Chaikovski se le dijo que acabara su curso y luego intentara acceder a un puesto en el Ministerio de Justicia.

Chaikovski se graduó el 25 de mayo de 1859 con el rango de consejero titular, el rango más bajo en la carrera de funcionario. El 15 de junio fue admitido en el Ministerio de Justicia. Seis meses más tarde alcanzó el puesto de asistente subalterno y dos meses después de esto, asistente superior. En ese cargo se quedó Chaikovski para el resto de su carrera de funcionario, que duraría tres años.

En 1861, asistió a las clases de teoría musical organizadas por la Sociedad Musical Rusa (SMR) impartidas por Nikolái Zaremba. Un año más tarde siguió a Zaremba para entrar en el nuevo Conservatorio de San Petersburgo. Chaikovski no dejaría su puesto en el Ministerio hasta «que no estuviera bastante seguro de que estaba destinado a ser músico en vez de funcionario». Desde 1862 hasta 1865 estudió armonía, contrapunto y fuga con Zaremba, y Antón Rubinstein, director y fundador del Conservatorio, le impartió instrumentación y composición. En 1863 abandonó su carrera de funcionario y se dedicó a estudiar música a tiempo completo, graduándose en diciembre de 1865. Rubinstein estaba impresionado por el talento musical de Chaikovski, pero esto no evitó tanto los conflictos con él como con Zaremba acerca de la Primera Sinfonía del joven compositor, escrita tras su graduación, cuando la envió para que le dieran una lectura concienzuda. La sinfonía recibió su primera interpretación completa en Moscú en febrero de 1868, donde fue bien recibida.

La orientación de Rubinstein hacia la música occidental le trajo la oposición del grupo nacionalista musical conocido como Grupo de los Cinco. Al ser el alumno más conocido de Rubinstein, Chaikovski fue tratado como un blanco fácil, especialmente como carne de cañón para las críticas de César Cui. Esta actitud cambió ligeramente cuando Rubinstein abandonó el panorama musical de San Petersburgo en 1867. En 1869 Chaikovski inició una relación laboral con el compositor Mili Balákirev, líder de Los Cinco; el resultado fue el reconocimiento de la primera obra maestra de Chaikovski, la fantasía-obertura Romeo y Julieta, una obra que Los Cinco adoptaron incondicionalmente. Permaneció cordial con ellos, pero nunca intimó con la mayoría del grupo de Los Cinco, dado que su música le parecía ambivalente; sus metas y estilo estético no iban con él. Se aseguró de mantener una independencia musical de ellos así como de la facción conservadora del Conservatorio de San Petersburgo, una actitud que facilitó su aceptación como profesor del Conservatorio de Moscú, puesto que le fue ofrecido por Nikolái Rubinstein.

Chaikovski compaginó sus quehaceres profesionales con la realización de críticas musicales mientras seguía componiendo. Algunas de sus obras más conocidas de este periodo son Primer concierto para piano, las Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta, la Sinfonía «Pequeña Rusia» y el ballet El lago de los cisnes. El Primer concierto para piano recibió un rechazo inicial por parte de Nikolái Rubinstein, persona a la cual el concierto iba dedicado, tal y como contó Chaikovski tres años después. La obra fue entonces ofrecida al pianista Hans von Bülow, cuya manera de interpretar había impresionado a Chaikovski durante una aparición en Moscú en marzo de 1874. Bülow estrenó la obra en Boston en octubre de 1875; Rubinstein finalmente acabó apoyando la obra.

El escritor Aleksandr Poznanski mostró a través de su investigación que Chaikovski tuvo sentimientos homosexuales y que algunas de las relaciones más cercanas que mantuvo fueron con personas del mismo sexo. El criado de Chaikovski, Alekséi Sofrónov y el sobrino del compositor, Vladímir "Bob" Davýdov, han sido citados como intereses románticos.

Más dudas plantea la conformidad que tenía Chaikovski de su propia naturaleza sexual. Tras leer toda la correspondencia de Chaikovski, incluyendo la no publicada, Poznanski concluye que el compositor «finalmente empezó a ver sus peculiaridades sexuales como algo inevitable e incluso como una parte natural de su personalidad... sin haber sufrido ningún daño psicológico grave». También han sido publicadas secciones importantes de la autobiografía de su hermano Modest, en las cuales se refiere a esta orientación sexual de su hermano, que comprendía por ser similar a la suya. Algunas cartas que fueron suprimidas por los censores soviéticos, en las cuales Chaikovski habla abiertamente sobre su homosexualidad, han sido publicadas en ruso, así como traducidas al inglés por Poznanski. Sin embargo, el biógrafo Anthony Holden afirma que la búsqueda del musicólogo y erudito británico Henry Zajaczkowski «mediante líneas psicoanalíticas» tiende en cambio a «una inhibición severa inconsciente por parte del compositor acerca de sus sentimientos sexuales»:

"Una consecuencia de esto podría ser una indulgencia sexual excesiva como una especie de solución falsa: el individuo de ese modo se engaña a sí mismo diciéndose que acepta sus impulsos sexuales. Complementando esto y, además, como sistema de defensa psicológica, sería precisamente la idealización por Chaikovski de algunos jóvenes de su círculo [el así denominado «Cuarta Suite»], en la cual Poznanski centra su atención. Si la respuesta del compositor a posibles objetivos sexuales era o usarlos y rechazarlos o idealizarlos, aquello muestra que era incapaz de iniciar una relación íntegra y segura con otro hombre. Esto era, sin lugar a duda, la tragedia [de Chaikovski]."

El musicólogo e historiador Roland John Wiley sugiere una tercera alternativa, basada en las cartas de Chaikovski. Sugiere que a pesar de que Chaikovski no sufría «ningún sentimiento insoportable de culpabilidad» sobre su homosexualidad, permaneció temeroso de las consecuencias negativas de que eso saliera a la luz, especialmente en las ramas de su familia. Su decisión de casarse e intentar llevar una doble vida fue propiciada por varios factores: la posibilidad de que se revelara su situación, la voluntad de agradar a su padre, su propio deseo de una casa permanente y su amor por los niños y la familia. A pesar de que Chaikovski pudiera haber tenido una vida activa en cuanto a romances, las pruebas sobre emplear «argot sexual y tener encuentros apasionados» son limitadas. Buscó la compañía de homosexuales en su círculo durante largos periodos, «asociándose abiertamente y estableciendo conexiones profesionales con ellos». Wiley añade, «las críticas de inexpertos en la materia sobre lo contrario, que no justifican su asunción, salvo por el periodo de [corta vida matrimonial], afirman que la sexualidad de Chaikovski incluso afectó a su inspiración profundamente, o hizo de su música una confesión idiosincrática o incapaz de comunicar contenido filosófico». Lo cierto es que el último movimiento de la Sexta Sinfonía de Chaikovski, más conocida como la Patética, refleja la progresiva desesperación del autor ante la hostilidad de su entorno social y anuncia acaso su suicidio, camuflado bajo el manto de una enfermedad autoinducida, nueve días después de su estren

En 1868, Chaikovski conoció a la soprano belga Désirée Artôt, que por aquel entonces se encontraba en una gira por Rusia. Se encapricharon el uno del otro y se comprometieron al matrimonio. Chaikovski le dedicó su Romance en fa menor para piano, Op. 5. Sin embargo, el 15 de septiembre de 1869, sin decirle nada a Chaikovski, Artôt se casó con un miembro de su grupo, el barítono español Mariano Padilla y Ramos. La opinión generalizada es que Chaikovski superó el asunto bastante pronto. Sin embargo, se ha postulado que codificó su nombre en el Concierto para piano n.º 1 en si bemol menor y el poema sinfónico Fatum. Se volvieron a ver, más tarde, en varias ocasiones y en octubre de 1888 Chaikovski escribió Seis canciones francesas, Op. 65, para ella, como respuesta a su simple petición de una única canción. Chaikovski más tarde llegó a decir que fue la única mujer que jamás amó.

En abril de 1877, el alumno favorito de Chaikovski, Vladímir Shilovski, se casó de repente con la aristócrata Anna Vasílieva, hija del conde Alekséi Vasíliev. La boda de Shilovski pudo incitarlo en cambio a plantearse tomar también tal paso. Declaró su intención de casarse en una carta a su hermano. A esto le siguió el desdichado matrimonio de Chaikovski con una de sus antiguas estudiantes de composición, Antonina Miliukova. El poco tiempo que duró con su mujer lo llevó a una crisis emocional, seguida de una estancia en Clarens (Suiza) para descansar y recuperarse. Permanecieron casados legalmente pero nunca volvieron a vivir juntos ni tuvieron ningún hijo, aunque ella más tarde tendría tres hijos con otro hombre.

La debacle marital de Chaikovski pudo haberlo obligado a enfrentarse a la verdad en lo concerniente a su sexualidad. Aparentemente, nunca más consideró el matrimonio como camuflaje o vía de escape, ni se consideró capaz de amar a una mujer de la misma forma que a un hombre. Le escribió una carta a su hermano Anatoli desde Florencia (Italia) el 19 de febrero de 1878:

"Gracias a la rutina de mi vida ahora, a la algunas veces tediosa pero siempre inviolable tranquilidad, y por encima de todo, al tiempo que cura todas las heridas, me he recuperado totalmente de mi locura. No hay ninguna duda de que durante algunos meses he estado un poco loco, y sólo ahora, al estar completamente recuperado, he aprendido a relacionar objetivamente con todo lo que hice durante mi breve periodo de locura. El hombre que en mayo se le ocurrió casarse con Antonina Ivánovna, quien durante junio escribió una ópera entera como si nada hubiera pasado, quien en septiembre huyó de su mujer, quien en noviembre se embarcó destino a Roma y otras cosas por el estilo; ese hombre no era yo, sino otro Piotr Ilich."

Unos días más tarde, en otras cartas dirigidas a Anatoli, añadió que no había «nada más en vano que intentar ser alguien distinto al que soy por naturaleza».

Se suele afirmar que la tensión del matrimonio y el estado emocional de Chaikovski justo antes, en realidad, pudieron haber mejorado la creatividad del compositor. Hasta cierto punto, pudo darse este caso. Mientras la Cuarta Sinfonía se inició algunos meses antes de que Chaikovski se casara con Antonina, tanto la sinfonía como la ópera Eugenio Oneguin, que podría decirse que son dos de sus mejores composiciones, se sostienen como una prueba de esta mejoría en su creatividad. Acabó ambas obras en los seis meses que pasaron desde su compromiso hasta el fin de la cura de reposo tras su crisis matrimonial. Cuando estuvo en Clarens además compuso su Concierto para violín, recibiendo para ello ayuda técnica de uno de sus antiguos estudiantes, el violinista Iósif Kotek. Kotek posteriormente le ayudaría a establecer contacto con Nadezhda von Meck, la viuda de un magnate de los ferrocarriles, que se convirtió en su mecenas y confidente.

Como el Primer concierto para piano, el Concierto para violín fue rechazado inicialmente por la persona a la cual el concierto iba dedicado, en este caso el notable virtuoso y pedagogo Leopold Auer. Recibió el estreno en manos de otro solista (Adolph Brodsky), y a pesar de que finalmente contaría con el favor del público, la audiencia silbó durante su estreno en Viena, y fue denigrado por el crítico musical Eduard Hanslick:

"El compositor ruso Chaikovski seguramente posea un talento no ordinario, pero más bien, uno exagerado, obsesionado con actuar como un hombre de letras, pero careciendo de criterio y gusto... lo mismo puede decirse de su nuevo, largo y ambicioso Concierto para violín. Durante un rato avanza discretamente, con sobriedad, con musicalidad y sin ser irreflexivo, pero pronto la vulgaridad toma la mano superior y sigue así hasta el final del primer movimiento. El violín a partir de entonces no se toca: es zarandeado, rasgado, maltrecho... El Adagio intentaba en un principio reconciliarnos y convencernos cuando, demasiado pronto, se interrumpe para dirigirse a un final que nos transporta a la brutal y espantosa jovialidad de una celebración de iglesia rusa. Vemos una gran cantidad de caras burdas y soeces, escuchar insultos groseros y oler el aliento a alcohol. Durante una discusión sobre ilustraciones obscenas, Friedrich Vischer una vez sostuvo que había pinturas cuyo hedor uno podía incluso ver. El Concierto para violín de Chaikovski nos enfrenta por primera vez con la espantosa idea de que puede haber composiciones musicales cuyo tufo hediondo uno puede escuchar."

uer tardíamente aceptaría el concierto y finalmente lo tocaría con gran éxito entre el público. En el futuro enseñó la obra a sus alumnos, incluyendo Jascha Heifetz y Nathan Milstein. Auer más tarde diría sobre el comentario de Hanslick que «el hecho de que el último movimiento tuviera un ligero aroma a vodka [...] no iba acorde con su buen juicio ni con su reputación como crítico».

La intensidad de la emoción personal fluyendo ahora a través de las obras de Chaikovski era totalmente nueva en la música rusa. Esto instó a algunos comentaristas rusos a colocar su nombre junto con el del novelista Fiódor Dostoyevski. Como los personajes de Dostoyevski, sentían que el héroe musical de Chaikovski persistía al explorar el significado de la vida mientras se está atrapado en un triángulo fatal de amor, muerte y destino. El crítico Ossovski escribió sobre Chaikovski y Dostoyevski: «Con una pasión oculta ambos se detienen ante los momentos de horror, ante el sentimiento total de derrumbe y encuentran aguda dulzura en la fría trepidación del corazón ante el abismo, ambos obligan al lector a experimentar estos sentimientos también».

La fama de Chaikovski entre las audiencias de conciertos empezó a expandirse fuera de Rusia y continuó creciendo. Hans von Bülow se convirtió en un ferviente defensor de la música del compositor tras escuchar algunas de sus obras en un concierto en Moscú durante la cuaresma de 1874. En un periódico alemán a finales de ese año, alabó el Primer cuarteto de cuerda, Romeo y Julieta y otras obras, e interpretaría algunas otras obras de Chaikovski tanto como pianista y como director. En Francia, Camille Benoit empezó a introducir la música de Chaikovski a los lectores de la Revue et gazette musicale de Paris. La música también recibió bastante publicidad durante la Exhibición Internacional de 1878 en París. Mientras, la reputación de Chaikovski crecía, el aumento correspondiente de interpretaciones de sus obras no tuvo lugar hasta que empezó a dirigirlas él mismo, empezando a mediados de la década de 1880. Sin embargo, en el año 1880 todas las óperas que Chaikovski había completado hasta la fecha ya habían contado con una puesta en escena y todas sus obras orquestales habían tenido interpretaciones recibidas con comprensión.

Nadezhda von Meck era la viuda de un rico empresario de ferrocarriles ruso y una mecenas influyente en las artes. Tras oír alguna obra de Chaikovski, fue animada por el violinista Kotek para que le encargara algunas piezas de música de cámara. Su apoyo llegó a significar un elemento importante en la vida de Chaikovski; finalmente von Meck le acabaría pagando un subsidio anual de 6000 rublos, lo que le permitió dejar el puesto en el Conservatorio de Moscú en octubre de 1878 y concentrarse en la composición. Con el mecenazgo de von Meck se inició una relación que, debido a la insistencia de ella, fue principalmente epistolar: ella estipuló desde un principio que nunca se conocieran cara a cara. Intercambiaron unas 1000 cartas desde 1877 hasta 1890. En estas cartas Chaikovski fue mucho más abierto sobre su vida y proceso creativo que con ninguna otra persona.

Además de ser una adepta entregada a las obras musicales de Chaikovski, von Meck se convirtió en una parte vital para su existencia en el día a día. Tal y como le explicó a ella,

"Hay algo tan especial sobre nuestra relación que a veces me deja atónito. Te he contado más de una vez, creo que tú eres para mí la misma mano del Destino, vigilándome y protegiéndome. El mismo hecho de que no te conozco personalmente, junto con el hecho de sentirme tan cerca de ti, hace que te imagine como una presencia oculta pero benevolente, como una Providencia divina."

En 1884 Chaikovski y von Meck quedaron emparentados por el matrimonio de uno de sus hijos, Nikolái, y la sobrina de Chaikovski, Anna Davýdova. Sin embargo, en 1890 von Meck de repente dio por terminada la relación. Padecía problemas de salud que dificultaban su escritura; también había presiones por parte de la familia además de dificultades financieras debido a la mala gestión de sus propiedades por parte de su hijo Vladímir. La ruptura con Chaikovski fue anunciada en una carta entregada por un criado de confianza, en lugar del servicio postal habitual. Contenía la petición de que nunca la olvidara y venía con el adelanto del subsidio de un año. Justificaba esto al estar en bancarrota, lo cual, si no literalmente cierto, era evidentemente una amenaza real por aquel entonces.

Chaikovski se enteró casi un año más tarde de los problemas financieros de su benefactora.63 Esto no le impidió continuar dando por sentado el subsidio (con frecuentes expresiones efusivas sobre su gratitud eterna), ni se ofreció a devolver el anticipo que recibió con la carta de despedida. A pesar de su creciente popularidad por toda Europa, la asignación de von Meck seguía siendo una tercera parte de los ingresos del compositor. Aunque ya no necesitara su dinero tanto como en el pasado, la pérdida de su amistad, apoyo y ánimo fue devastadora; permaneció confundido y resentido sobre su abrupta desaparición durante los restantes tres años de su vida.

Chaikovski volvió al Conservatorio de Moscú en otoño de 1879, tras haber abandonado Rusia durante un año al desintegrarse su matrimonio. Sin embargo, rápidamente dimitió, estableciéndose en Kámenka aunque viajando sin cesar. Durante estos años, contando con la seguridad de los ingresos regulares de von Meck, erró por Europa y la Rusia rural, sin permanecer mucho tiempo en un sitio y viviendo principalmente solo, evitando el contacto social siempre que le fuera posible. Esto pudo haberse debido en parte a problemas con Antonina, quien accedería o rechazaría alternativamente la opción de divorciarse, llegando hasta un punto en el que se trasladó a un apartamento justo debajo del de su marido. Chaikovski enumera las acusaciones de Antonina hacia él en detalle a Modest: «Soy un impostor que se casó con ella para ocultar mi verdadera naturaleza... La insultaba cada día, sus padecimientos por mi culpa eran grandes... a ella le horroriza mi vergonzosa voz, etc., etc.». Es posible que viviera durante el resto de su vida con el miedo de que Antonina pudiera revelar públicamente su inclinación sexual. Estos factores pueden explicar el por qué, excepto por el Trío para piano que escribió tras la muerte de Nikolái Rubinstein, sus mejores trabajos durante este periodo sean en géneros que no dependen mucho de la expresión personal.

Conforme la reputación de Chaikovski crecía rápidamente fuera de Rusia, se consideró, tal y como Alexandre Benois lo escribió en sus memorias, «obligatorio [en los círculos progresistas musicales en Rusia] tratar a Chaikovski como un renegado, un maestro dependiente principalmente de Occidente». En 1880 esta opinión cambió, prácticamente de la noche a la mañana. Durante las ceremonias de conmemoración para el monumento dedicado a Pushkin en Moscú, Fiódor Dostoyevski dijo que el poeta había recibido un aviso profético de que Rusia conformaría una «unión universal» con Occidente. Un clamor sin precedentes a raíz del mensaje de Dostoyevski se extendió por toda Rusia y el desdén por la música de Chaikovski se disipó. Incluso creó un culto siguiendo a varios jóvenes intelectuales de San Petersburgo, incluyendo Benois, Léon Bakst y Serguéi Diáguilev.

En 1880 la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, encargo del zar Alejandro I para conmemorar la derrota de Napoleón Bonaparte en 1812, estaba a punto de finalizarse; el 25 aniversario de la coronación de Alejandro II tendría lugar en 1881 y la Exhibición de Artes e Industria de Moscú de 1882 estaba en los preparativos. Nikolái Rubinstein sugirió una pieza conmemorativa grandiosa para emplearse en las festividades relacionadas. Chaikovski empezó el proyecto en octubre de 1880, acabándolo en seis semanas. Le escribió a von Meck que la obra resultante, la Obertura 1812, sería «demasiado fuerte y ruidosa, pero la escribí sin un cálido sentimiento de amor, por tanto no tendrá ningún mérito artístico». También le advirtió al director Eduard Nápravník que «no me sorprenderé ni ofenderé si encuentras que la obra está escrita en un estilo inapropiado para conciertos sinfónicos». Sin embargo, esta obra se ha convertido para muchos, tal y como la autoridad en Chaikovski, David Brown lo expresa, en «la pieza de Chaikovski que mejor conocen».

El 23 de marzo de 1881, Nikolái Rubinstein murió en París. Chaikovski estaba de vacaciones en Roma y acudió inmediatamente para asistir al funeral en París de su respetado mentor, pero llegó demasiado tarde (aunque formaría parte del grupo de gente que vio el féretro de Rubinstein al volver a Rusia). En diciembre, empezó a trabajar en un Trío para piano en la menor, «dedicado a la memoria de un gran artista». El trío fue estrenado de forma privada en el Conservatorio de Moscú, en el cual Rubinstein había sido director, durante el primer aniversario de su muerte por tres de sus profesores: el pianista Serguéi Tanéyev, el violinista Jan Hřímalý y el violonchelista Wilhelm Fitzenhagen. La pieza se hizo extremadamente popular en vida del compositor y, como un irónico giro del destino, sería la elegía del propio compositor cuando se interpretó en los conciertos memoriales que tuvieron lugar en Moscú y San Petersburgo en noviembre de 1893.

Durante 1884 Chaikovski empezó a deshacerse de su insociabilidad y preocupaciones. En marzo de ese año, el zar Alejandro III le otorgó la Orden de San Vladimiro (de cuarta clase), llevada por la nobleza hereditaria. La condecoración del zar fue una muestra visible del apoyo oficial, que ayudó a la rehabilitación social del compositor. Esta recuperación se sustentó en la confianza ganada tras el tremendo éxito de su Tercera Suite orquestal en su estreno de enero de 1885 en San Petersburgo, bajo la dirección de Hans von Bülow. Chaikovski le escribió a Nadezhda von Meck: «No había visto nunca tal triunfo. Vi como toda la audiencia se conmovía y me daba las gracias. Estos momentos suponen el mejor reconocimiento de toda la vida de un artista. Hacen que toda la vida empleada y todo el trabajo valgan la pena». La prensa al igual se mostró unánimemente favorable.

En 1885, Chaikovski se estableció de nuevo en Rusia. El zar le pidió personalmente una nueva producción de Eugenio Oneguin para que se representara en San Petersburgo. La ópera se había visto previamente solo en Moscú de la mano de un conjunto de estudiantes del Conservatorio. Aunque la recepción de la crítica de la producción de Oneguin que tuvo lugar en San Petersburgo fue negativa, la ópera llenaba cada noche; 15 años más tarde el hermano del compositor Modest identificó este momento como el momento en el que Chaikovski empezó a ser conocido y apreciado por las masas, alcanzando el mayor grado de popularidad que jamás contara un compositor ruso. Las noticias sobre el éxito de la ópera se extendieron y la obra se interpretó en los teatros de ópera de toda Rusia y el extranjero.

Una peculiaridad de la producción de Oneguin que tuvo lugar en San Petersburgo fue que Alejandro III solicitó que la ópera se representara no en el Teatro Mariinski sino en el Teatro Bolshói Kámenny. Esto supuso que la música de Chaikovski estaba reemplazando la ópera italiana como el arte imperial oficial. Además, gracias a Iván Vsévolozhski, director de los Teatros Imperiales y mecenas del compositor, Chaikovski fue recompensado con una pensión vitalicia de 3000 rublos al año por parte del zar. En esencia este hecho hizo que se convirtiera en el compositor principal de la corte en la práctica, no siendo un título en realidad.

En enero de 1887 se produjo el debut de Chaikovski como director invitado, realizando una sustitución de última hora en el Teatro Bolshói de Moscú para las primeras tres interpretaciones de su ópera Cherevichki.81 Dirigir era una actividad que el compositor quería conquistar desde hace una década, dado que se dio cuenta de que obtener éxito fuera de Rusia dependía hasta cierto punto de dirigir uno mismo sus propias obras. En un año de interpretaciones de la obra Cherevichki, Chaikovski contaba con considerable demanda por toda Europa y Rusia, que le ayudaron a superar el miedo escénico que tenía desde siempre y potenciar su confianza en sí mismo. Le escribió a von Meck, «¿¡Reconocerías ahora en este músico ruso que viaja por toda Europa a aquel hombre que, solo unos años atrás, huyó de la vida en sociedad y vivió recluido en el extranjero o en el país!?» En 1888 dirigió el estreno de su Quinta Sinfonía en San Petersburgo, repitiendo la obra una semana más tarde con el estreno de su poema sinfónico Hamlet. A pesar de que ambas obras fueron recibidas con gran entusiasmo por la audiencia, los críticos se mostraron hostiles, con César Cui tildando la sinfonía de «rutinaria» y «rimbombante». No obstante, Chaikovski continuó dirigiendo la sinfonía en Rusia y Europa. Esta etapa como director lo llevó a Norteamérica en 1891, donde dirigió la orquesta de la Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York en su Marcha Eslava en el concierto inaugural de la sala de conciertos Carnegie Hall de Nueva York. En 1893, la Universidad de Cambridge en Reino Unido le otorgó a Chaikovski un grado honorario como Doctor of Music.

Chaikovski murió en San Petersburgo el 6 de noviembre de 1893, nueve días después del estreno de su Sexta Sinfonía, la Patética. Fue enterrado en el Cementerio Tíjvinskoye en el Monasterio de Alejandro Nevski, cerca de las tumbas de sus compañeros compositores Aleksandr Borodín, Mijaíl Glinka, Nikolái Rimski-Kórsakov, Mili Balákirev y Modest Músorgski. Debido a la innovación formal de la Patética y el contenido emocionalmente incontenible en sus movimientos centrales, la obra fue recibida por el público con silenciosa incomprensión durante su primera interpretación. La segunda interpretación, dirigida por Nápravník, tuvo lugar veinte días después en un concierto memorial y fue aceptada de manera más favorable. La Patética desde entonces se ha convertido en una de las obras más conocidas de Chaikovski.

La muerte de Chaikovski ha sido atribuida tradicionalmente al cólera, contraído con mayor probabilidad al beber agua contaminada durante varios días antes. Sin embargo, algunos han elaborado teorías sobre la base de un supuesto suicidio. De acuerdo con una variación de esta teoría, se le impuso una sentencia de muerte en un «tribunal de honor» por un compañero de la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo, como reprobación por la homosexualidad del compositor. Esta teoría no demostrada salió a la luz por la musicóloga rusa Aleksandra Orlova en 1979, cuando emigró a Occidente. Wiley afirma en el New Grove (2001), «La polémica acerca de la muerte [de Chaikovski] puede que haya llegado a un punto muerto... Estos rumores, por culpa de su fama, tardaron en extinguirse... Con respecto a la enfermedad, existen problemas con las pruebas que no ofrecen ninguna esperanza de hallar un resultado satisfactorio; la confusión de los testigos; sin tener en cuenta los efectos a largo plazo del tabaco y el alcohol. No sabemos cómo murió Chaikovski. Puede que jamás lo descubramos...»

Chaikovski escribió varias obras que son populares entre el público aficionado a la música clásica, entre las que se encuentran Romeo y Julieta, la Obertura 1812, sus tres ballets (El cascanueces, El lago de los cisnes y La bella durmiente) y la Marcha Eslava. Estas, junto con dos de sus cuatro conciertos, tres de sus seis sinfonías numeradas y, de sus diez óperas, La dama de picas y Eugenio Oneguin, son probablemente sus obras más familiares. Casi tan populares son la Sinfonía Manfredo, Francesca da Rimini, el Capricho italiano y la Serenata para cuerdas. Sus tres cuartetos de cuerdas y tríos para piano contienen bellos pasajes, así como sus ciento seis canciones siguen siendo interpretadas en recitales. Chaikovski también escribió unas cien obras para piano, a lo largo de su vida. Brown afirma que «aunque algunas de ellas pueden ser exigentes técnicamente, la mayoría son composiciones encantadoras, no pretenciosas, dirigidas a pianistas aficionados». Añade, no obstante, que «hay más atractivo e ingenio en estas piezas de las que cabría esperar».

La educación formal que recibió Chaikovski en el conservatorio le permitió escribir obras con tendencias y técnicas orientadas al estilo occidental. Su música es una muestra de un amplio ámbito y amplitud de técnicas, desde una forma «clásica» equilibrada simulando la elegancia rococó del siglo XVIII, hasta un estilo más característico de los nacionalistas rusos, o (según Brown) un idioma musical expreso para canalizar sus propias emociones trastornadas. A pesar de su reputación como «máquina de hacer llorar», la auto-expresión no era un principio central para Chaikovski. En una carta a von Meck del 5 de diciembre de 1878, le explicó que hay dos tipos de inspiración para un compositor sinfónico, una subjetiva y otra objetiva, y que la música programática puede y debe existir, al igual que es imposible exigir que la literatura se las arregle sin el elemento épico y se limite únicamente al lirismo. Igualmente, las grandes obras orquestales que Chaikovski compuso pueden dividirse en sendas categorías: las sinfonías en una y otras obras, como los poemas sinfónicos, en otra. De acuerdo con el musicólogo Francis Maes, la música programática como Francesca da Rimini o la Sinfonía Manfredo eran en su mayor parte el credo artístico del compositor como una expresión de su «ego lírico». Maes también identifica un grupo de composiciones que están fuera de la dicotomía de la música programática contra el «ego lírico», donde Chaikovski tiende a la estética pre-romántica. Entre las obras de este grupo se encuentran las cuatro suites orquestales, el Capricho italiano, el Concierto para violín y la Serenata para cuerdas.

Aunque la música de Chaikovski ha sido siempre popular entre el público, frecuentemente fue juzgada duramente por músicos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia está hoy en día aceptada. Su música ha ganado seguidores en las salas de conciertos de todo el mundo, en segundo lugar justo por detrás de Beethoven, gracias en gran parte a lo que Harold C. Schonberg califica de «una dulce, inagotable y supersensual fuente de melodía... con un toque de neurosis, tan emotivo como un grito desde una ventana en una noche oscura». Según Wiley, esta combinación de melodía sobrecargada y emoción recargada polariza a los oyentes, con un popular ruego de la música de Chaikovski compensada con el desdén crítico hacia ella entendida como vulgar y carente de pensamiento elevado o filosofía. Recientemente, la música de Chaikovski ha recibido una revaluación profesional, en la que los músicos reaccionan favorablemente a la música llena de melodías y su artesanía.

Chaikovski creía que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad en sus obras le distanciaban de sus contemporáneos del «Grupo de los Cinco». Compartía varios ideales suyos, incluyendo un énfasis en el carácter nacionalista en su música. Su intención era, no obstante, unir esos ideales con un estándar lo suficientemente alto para satisfacer los criterios de Europa Oriental. Su perfeccionismo, además, impulsó su deseo de alcanzar un público mayor, no sólo nacional sino internacional, que fue lo que finalmente logró.

Chaikovski pudo haber recibido influencias para sus composiciones del mecenazgo mayoritario denominado «del siglo XVIII» prevalente en la Rusia de aquella época, que todavía estaba profundamente influido por su aristocracia. En este estilo de mecenazgo, el mecenas y el artista a menudo estarían en igualdad de condiciones. Las dedicatorias dirigidas a los benefactores no eran un acto de humilde gratitud sino expresiones de su asociación artística. La dedicatoria de la Cuarta Sinfonía a von Meck se sabe que significó un sello sobre su amistad. La relación de Chaikovski con el duque Konstantín Konstantínovich nació a partir del fruto creativo de las Seis canciones, Op. 63, para las cuales el gran duque escribió la letra. Chaikovski no tuvo conflictos de estilo en tocar para los gustos del público, aunque nunca se demostró que satisficiera otros gustos aparte del suyo propio. Los temas patrióticos y el estilismo de las melodías del siglo XVIII en sus obras concordaban con los valores de la aristocracia rusa.

Según Brown en el New Grove (1980), las melodías de Chaikovski van del «estilo occidental al estilismo de canciones populares y en ocasiones las mismas canciones populares». Su empleo de repeticiones con estas melodías generalmente reflejan el estilo secuencial de las prácticas occidentales, las cuales Chaikovski extendía en una inmensa longitud, construyendo «una emocionante experiencia de intensidad casi insostenible». Experimentó en ocasiones con métricas inusuales, aunque usualmente, como en sus melodías de danza, empleaba una firma, en esencia un compás regular que «a veces se convertía en el agente más expresivo en algunos movimientos debido a su enérgico uso». Chaikovski además practicó con un amplio rango de armonías, desde las prácticas de las armonías y texturas occidentales de sus primeros dos cuartetos de cuerda al empleo de la escala de tonos enteros en el centro del final de su Segunda Sinfonía; esta última era una práctica que solían usar el Grupo de los Cinco.

Debido a que Chaikovski escribió la mayoría de su música para orquesta, sus texturas musicales estaban condicionadas cada vez más con los colores orquestales que empleaba, especialmente tras la Segunda suite orquestal. Brown mantiene que mientras que el compositor estaba habituado a las prácticas orquestales de Occidente, él «prefería diferenciar los colores orquestales haciéndolos más brillantes y definidos según la tradición establecida por Glinka». Tendía a emplear más los instrumentos agudos por su «veloz delicadeza», aunque equilibra esta tendencia con «una certera exploración de los sonidos oscuros e incluso lúgubres de los instrumentos de metal».

Wiley cita a Chaikovski como «el primer compositor ruso de un nuevo tipo, totalmente profesional, que asimiló con firmeza la maestría sinfónica de la tradición de Europa Occidental; en un estilo profundamente original, personal y nacional en el cual unificó el saber hacer de Beethoven y Schumann con las obras Glinka y transformó los logros de Liszt y Berlioz en la música programática en materias de elevación shakesperiana y de importancia psicológica».

Chaikovski creía que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad en sus obras le distanciaban de sus contemporáneos del Grupo de los Cinco. Compartía varios ideales suyos, incluyendo un énfasis en el carácter nacionalista en su música. Su intención era, no obstante, unir esos ideales con un estándar lo suficientemente alto para satisfacer los criterios de Europa Oriental. Holden sostiene que Chaikovski fue el primer compositor ruso profesional legitimado, afirmando que sólo las tradiciones de música popular y la música de la Iglesia ortodoxa rusa existían antes de nacer él. Holden continúa, «Veinte años después de la muerte de Chaikovski, en 1913, La consagración de la primavera de Ígor Stravinski estalló en la escena musical, marcando la llegada de Rusia en la música del siglo XX. Entre estos dos mundos, la música de Chaikovski se convirtió en el único puente».

Su perfeccionismo, además, impulsó su deseo de alcanzar un público mayor, no sólo nacional sino internacional, que fue lo que finalmente logró. El musicólogo ruso Solomón Vólkov sostiene que Chaikovski fue quizás el primer compositor ruso en pensar sobre el sitio de su país en la cultura musical europea." Como el compositor escribe a von Meck desde París,

"Qué agradable es estar convencido de antemano del éxito de nuestra literatura en Francia. Cada libro étalage contiene traducciones de Tolstói, Turguénev y Dostoyevski... Los periódicos están imprimiendo constantemente artículos muy entusiastas sobre uno u otro de estos escritores. ¡Quizás algún día esto también ocurra con la música rusa!

Chaikovski se convirtió en el primer compositor ruso en dar a conocer personalmente al público extranjero sus obras así como las de otros compositores rusos. Además mantuvo lazos cercanos de negocios y personales con muchos de los principales músicos de Europa y de los Estados Unidos. Para los rusos, según Vólkov, esto era algo totalmente nuevo e inusual.

Por último, el impacto de las propias obras de Chaikovski, especialmente en el ballet, no pueden subestimarse; su dominio de las danseuse (melodías que se ajustan a los movimientos físicos a la perfección), junto con su viva orquestación, temas efectivos y continuidad de ideas eran inauditas en el género, estableciendo nuevos estándares para el papel de la música en el ballet clásico. Noel Goodwin caracteriza El lago de los cisnes como «una obra maestra imperecedera [en el género del ballet]» y La bella durmiente como «el ejemplo supremo de ballet clásico del siglo XIX», mientras que Wiley calificó la última obra como «potente, variada y rítmicamente compleja».

es.wikipedia.org/wiki/Piotr_Ilich_Chaikovski

es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Composiciones_de_Piotr_Ilich_...

es.wikipedia.org/wiki/Piotr_Ilich_Chaikovski_y_Los_Cinco

  

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (Russian: Пётр Ильи́ч Чайко́вский; 7 May 1840 [O.S. 25 April] – 6 November [O.S. 25 October] 1893) was a Russian composer of the romantic period, whose works are among the most popular music in the classical repertoire. He was the first Russian composer whose music made a lasting impression internationally, bolstered by his appearances as a guest conductor in Europe and the United States. He was honored in 1884 by Emperor Alexander III, and awarded a lifetime pension.

Although musically precocious, Tchaikovsky was educated for a career as a civil servant. There was scant opportunity for a musical career in Russia at that time and no system of public music education. When an opportunity for such an education arose, he entered the nascent Saint Petersburg Conservatory, from which he graduated in 1865. The formal Western-oriented teaching he received there set him apart from composers of the contemporary nationalist movement embodied by the Russian composers of The Five, with whom his professional relationship was mixed. Tchaikovsky's training set him on a path to reconcile what he had learned with the native musical practices to which he had been exposed from childhood. From this reconciliation he forged a personal but unmistakably Russian style—a task that did not prove easy. The principles that governed melody, harmony and other fundamentals of Russian music ran completely counter to those that governed Western European music; this seemed to defeat the potential for using Russian music in large-scale Western composition or for forming a composite style, and it caused personal antipathies that dented Tchaikovsky's self-confidence. Russian culture exhibited a split personality, with its native and adopted elements having drifted apart increasingly since the time of Peter the Great. This resulted in uncertainty among the intelligentsia about the country's national identity—an ambiguity mirrored in Tchaikovsky's career.

Despite his many popular successes, Tchaikovsky's life was punctuated by personal crises and depression. Contributory factors included his early separation from his mother for boarding school followed by his mother's early death, the death of his close friend and colleague Nikolai Rubinstein, and the collapse of the one enduring relationship of his adult life, which was his 13-year association with the wealthy widow Nadezhda von Meck who was his patron even though they never actually met each other. His homosexuality, which he kept private, has traditionally also been considered a major factor, though some musicologists now downplay its importance. Tchaikovsky's sudden death at the age of 53 is generally ascribed to cholera; there is an ongoing debate as to whether cholera was indeed the cause of death, and whether his death was accidental or self-inflicted.

While his music has remained popular among audiences, critical opinions were initially mixed. Some Russians did not feel it was sufficiently representative of native musical values and expressed suspicion that Europeans accepted the music for its Western elements. In an apparent reinforcement of the latter claim, some Europeans lauded Tchaikovsky for offering music more substantive than base exoticism and said he transcended stereotypes of Russian classical music. Others dismissed Tchaikovsky's music as "lacking in elevated thought," according to longtime New York Times music critic Harold C. Schonberg, and derided its formal workings as deficient because they did not stringently follow Western principles.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky was born in Votkinsk, a small town in Vyatka Governorate (present-day Udmurtia) in the Russian Empire, into a family with a long line of military service. His father, Ilya Petrovich Tchaikovsky, had served as a lieutenant colonel and engineer in the Department of Mines, and would manage the Kamsko-Votkinsk Ironworks. His grandfather, Pyotr Fedorovich Tchaikovsky (né Petro Fedorovych Chaika), was born in the village of Mikolayivka, Poltava Gubernia, Russian Empire (present day Ukraine), and served first as a physician's assistant in the army and later as city governor of Glazov in Vyatka. His great-grandfather, a Ukrainian Cossack named Fyodor Chaika, distinguished himself under Peter the Great at the Battle of Poltava in 1709. Tchaikovsky's mother, Alexandra Andreyevna was the second of Ilya's three wives, 18 years her husband's junior and French on her father's side. Both Ilya and Alexandra were trained in the arts, including music—a necessity as a posting to a remote area of Russia also meant a need for entertainment, whether in private or at social gatherings. Of his six siblings, Tchaikovsky was close to his sister Alexandra and twin brothers Anatoly and Modest. Alexandra's marriage to Lev Davydov would produce seven children and lend Tchaikovsky the only real family life he would know as an adult, especially during his years of wandering. One of those children, Vladimir Davydov, whom the composer would nickname 'Bob', would become very close to him.

In 1844, the family hired Fanny Dürbach, a 22-year-old French governess. Four-and-a-half-year-old Tchaikovsky was initially thought too young to study alongside his older brother Nikolai and a niece of the family. His insistence convinced Dürbach otherwise. By the age of six, he had become fluent in French and German. Tchaikovsky also became attached to the young woman; her affection for him was reportedly a counter to his mother's coldness and emotional distance from him, though others assert that the mother doted on her son. Dürbach saved much of Tchaikovsky's work from this period, including his earliest known compositions, and became a source of several childhood anecdotes.

Tchaikovsky began piano lessons at age five. Precocious, within three years he had become as adept at reading sheet music as his teacher. His parents, initially supportive, hired a tutor, bought an orchestrion (a form of barrel organ that could imitate elaborate orchestral effects), and encouraged his piano study for both aesthetic and practical reasons. However, they decided in 1850 to send Tchaikovsky to the Imperial School of Jurisprudence in Saint Petersburg. They had both graduated from institutes in Saint Petersburg and the School of Jurisprudence, which mainly served the lesser nobility, and thought that this education would prepare Tchaikovsky for a career as a civil servant. Regardless of talent, the only musical careers available in Russia at that time—except for the affluent aristocracy—were as a teacher in an academy or as an instrumentalist in one of the Imperial Theaters. Both were considered on the lowest rank of the social ladder, with individuals in them enjoying no more rights than peasants. His father's income was also growing increasingly uncertain, so both parents may have wanted Tchaikovsky to become independent as soon as possible. As the minimum age for acceptance was 12 and Tchaikovsky was only 10 at the time, he was required to spend two years boarding at the Imperial School of Jurisprudence's preparatory school, 1,300 kilometres (800 mi) from his family. Once those two years had passed, Tchaikovsky transferred to the Imperial School of Jurisprudence to begin a seven-year course of studies.

Tchaikovsky's early separation from his mother caused an emotional trauma that lasted the rest of his life and was intensified by her death from cholera in 1854, when he was fourteen. The loss of his mother also prompted Tchaikovsky to make his first serious attempt at composition, a waltz in her memory. Tchaikovsky's father, who had also contracted cholera but recovered fully, sent him back to school immediately in the hope that classwork would occupy the boy's mind. Isolated, Tchaikovsky compensated with friendships with fellow students that became lifelong; these included Aleksey Apukhtin and Vladimir Gerard. Music, while not an official priority at school, also bridged the gap between Tchaikovsky and his peers. They regularly attended the opera and Tchaikovsky would improvise at the school's harmonium on themes he and his friends had sung during choir practice. "We were amused," Vladimir Gerard later remembered, "but not imbued with any expectations of his future glory". Tchaikovsky also continued his piano studies through Franz Becker, an instrument manufacturer who made occasional visits to the school; however, the results, according to musicologist David Brown, were "negligible".

In 1855, Tchaikovsky's father funded private lessons with Rudolph Kündinger and questioned him about a musical career for his son. While impressed with the boy's talent, Kündinger said he saw nothing to suggest a future composer or performer. He later admitted that his assessment was also based on his own negative experiences as a musician in Russia and his unwillingness for Tchaikovsky to be treated likewise. Tchaikovsky was told to finish his course and then try for a post in the Ministry of Justice.

On 10 June 1859, the 19-year-old Tchaikovsky graduated as a titular counselor, a low rung on the civil service ladder. Appointed to the Ministry of Justice, he became a junior assistant within six months and a senior assistant two months after that. He remained a senior assistant for the rest of his three-year civil service career.

Meanwhile, the Russian Musical Society (RMS) was founded in 1859 by the Grand Duchess Elena Pavlovna (a German-born aunt of Tsar Alexander II) and her protégé, pianist and composer Anton Rubinstein. Previous tsars and the aristocracy had focused almost exclusively on importing European talent. The aim of the RMS was to fulfill Alexander II's wish to foster native talent. It hosted a regular season of public concerts (previously held only during the six weeks of Lent when the Imperial Theaters were closed) and provided basic professional training in music. In 1861, Tchaikovsky attended RMS classes in music theory taught by Nikolai Zaremba at the Mikhailovsky Palace (now the Russian Museum). These classes were a precursor to the Saint Petersburg Conservatory, which opened in 1862. Tchaikovsky enrolled at the Conservatory as part of its premiere class. He studied harmony and counterpoint with Zaremba and instrumentation and composition with Rubinstein.

The Conservatory benefited Tchaikovsky in two ways. It transformed him into a musical professional, with tools to help him thrive as a composer, and the in-depth exposure to European principles and musical forms gave him a sense that his art was not exclusively Russian or Western. This mindset became important in Tchaikovsky's reconciliation of Russian and European influences in his compositional style. He believed and attempted to show that both these aspects were "intertwined and mutually dependent". His efforts became both an inspiration and a starting point for other Russian composers to build their own individual styles.

Rubinstein was impressed by Tchaikovsky's musical talent on the whole and cited him as "a composer of genius" in his autobiography. He was less pleased with the more progressive tendencies of some of Tchaikovsky's student work. Nor did he change his opinion as Tchaikovsky's reputation grew. He and Zaremba clashed with Tchaikovsky when he submitted his First Symphony for performance by the RMS in Saint Petersburg. Rubinstein and Zaremba refused to consider the work unless substantial changes were made. Tchaikovsky complied but they still refused to perform the symphony. Tchaikovsky, distressed that he had been treated as though he were still their student, withdrew the symphony. It was given its first complete performance, minus the changes Rubinstein and Zaremba had requested, in Moscow in February 1868.

Once Tchaikovsky graduated in 1865, Rubinstein's brother Nikolai offered him the post of Professor of Music Theory at the soon-to-open Moscow Conservatory. While the salary for his professorship was only 50 rubles a month, the offer itself boosted Tchaikovsky's morale and he accepted the post eagerly. He was further heartened by news of the first public performance of one of his works, his Characteristic Dances, conducted by Johann Strauss II at a concert in Pavlovsk Park on 11 September 1865 (Tchaikovsky later included this work, re-titled, Dances of the Hay Maidens, in his opera The Voyevoda).

From 1867 to 1878, Tchaikovsky combined his professorial duties with music criticism while continuing to compose. This activity exposed him to a range of contemporary music and afforded him the opportunity to travel abroad. In his reviews, he praised Beethoven, considered Brahms overrated and, despite his admiration, took Schumann to task for poor orchestration. He appreciated the staging of Wagner's Der Ring des Nibelungen at its inaugural performance in Bayreuth, Germany, but not the music, calling Das Rheingold "unlikely nonsense, through which, from time to time, sparkle unusually beautiful and astonishing details". A recurring theme he addressed was the poor state of Russian opera.

In 1856, while Tchaikovsky was still at the School of Jurisprudence and Anton Rubinstein lobbied aristocrats to form the RMS, critic Vladimir Stasov and an 18-year-old pianist, Mily Balakirev, met and agreed upon a nationalist agenda for Russian music, one that would take the operas of Mikhail Glinka as a model and incorporate elements from folk music, reject traditional Western practices and use exotic harmonic devices such as the whole tone and octatonic scales. They saw Western-style conservatories as unnecessary and antipathetic to fostering native talent. Eventually, Balakirev, César Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov and Alexander Borodin became known as the moguchaya kuchka, translated into English as the Mighty Handful or The Five. Rubinstein criticized their emphasis on amateur efforts in musical composition; Balakirev and later Mussorgsky attacked Rubinstein for his musical conservatism and his belief in professional music training. Tchaikovsky and his fellow conservatory students were caught in the middle.

While ambivalent about much of The Five's music, Tchaikovsky remained on friendly terms with most of its members. In 1869, he and Balakirev worked together on what became Tchaikovsky's first recognized masterpiece, the fantasy-overture Romeo and Juliet, a work which The Five wholeheartedly embraced. The group also welcomed his Second Symphony, subtitled the Little Russian. Despite their support, Tchaikovsky made considerable efforts to ensure his musical independence from the group as well as from the conservative faction at the Saint Petersburg Conservatory.

he infrequency of Tchaikovsky's musical successes, won with tremendous effort, exacerbated his lifelong sensitivity to criticism. Nikolai Rubinstein's private fits of rage critiquing his music, most famously attacking the First Piano Concerto, did not help matters. His popularity grew, however, as several first-rate artists became willing to perform his compositions. Hans von Bülow premiered the First Piano Concerto and championed other Tchaikovsky works both as pianist and conductor. Other artists included Adele Aus der Ohe, Max Erdmannsdörfer, Eduard Nápravník and Sergei Taneyev.

 

Another factor that helped Tchaikovsky's music become popular was a shift in attitude among Russian audiences. Whereas they had previously been satisfied with flashy virtuoso performances of technically demanding but musically lightweight compositions, they gradually began listening with increasing appreciation of the music itself. Tchaikovsky's works were performed frequently, with few delays between their composition and first performances; the publication from 1867 onward of his songs and great piano music for the home market also helped boost the composer's popularity.

During the late 1860s, Tchaikovsky began to compose operas. His first, The Voyevoda, based on a play by Alexander Ostrovsky, premiered in 1869. The composer became dissatisfied with it, however, and, having re-used parts of it in later works, destroyed the manuscript. Undina followed in 1870. Only excerpts were performed and it, too, was destroyed. Between these projects, Tchaikovsky started to compose an opera called Mandragora, to a libretto by Sergei Rachinskii; the only music he completed was a short chorus of Flowers and Insects.

The first Tchaikovsky opera to survive intact, The Oprichnik, premiered in 1874. During its composition, he lost Ostrovsky's part-finished libretto. Tchaikovsky, too embarrassed to ask for another copy, decided to write the libretto himself, modelling his dramatic technique on that of Eugène Scribe. Cui wrote a "characteristically savage press attack" on the opera. Mussorgsky, writing to Vladimir Stasov, disapproved of the opera as pandering to the public. Nevertheless, The Oprichnik continues to be performed from time to time in Russia.

The last of the early operas, Vakula the Smith (Op.14), was composed in the second half of 1874. The libretto, based on Gogol's Christmas Eve, was to have been set to music by Alexander Serov. With Serov's death, the libretto was opened to a competition with a guarantee that the winning entry would be premiered by the Imperial Mariinsky Theatre. Tchaikovsky was declared the winner, but at the 1876 premiere, the opera enjoyed only a lukewarm reception. After Tchaikovsky's death, Rimsky-Korsakov wrote the opera Christmas Eve, based on the same story.

Other works of this period include the Variations on a Rococo Theme for cello and orchestra, the Third and Fourth Symphonies, the ballet Swan Lake, and the opera Eugene Onegin.

Discussion of Tchaikovsky's personal life, especially his sexuality, has perhaps been the most extensive of any composer in the 19th century and certainly of any Russian composer of his time. It has also at times caused considerable confusion, from Soviet efforts to expunge all references to same-sex attraction and portray him as a heterosexual, to efforts at armchair analysis by Western biographers. Biographers have generally agreed that Tchaikovsky was homosexual. He sought the company of other men in his circle for extended periods, "associating openly and establishing professional connections with them". His first love was reportedly Sergey Kireyev, a younger fellow student at the Imperial School of Jurisprudence. According to Modest Tchaikovsky, this was Pyotr Ilyich's "strongest, longest and purest love". The degree to which the composer might have felt comfortable with his sexual nature has, however, remained open to debate. It is still unknown whether Tchaikovsky, according to musicologist and biographer David Brown, "felt tainted within himself, defiled by something from which he finally realized he could never escape" or whether, according to Alexander Poznansky, he experienced "no unbearable guilt" over his sexual nature and "eventually came to see his sexual peculiarities as an insurmountable and even natural part of his personality ... without experiencing any serious psychological damage". Relevant portions of his brother Modest's autobiography, where he tells of the composer's sexual orientation, have been published, as have letters previously suppressed by Soviet censors in which Tchaikovsky openly writes of it. Such censorship has persisted in the current Russian government, resulting in many officials, including the current culture minister Vladimir Medinsky, to outright deny his homosexualit

Piotr Ilich Chaikovski (en ruso: Пётр Ильич Чайковский) (Vótkinsk, 25 de abriljul./ 7 de mayo de 1840greg.-San Petersburgo, 25 de octubrejul./ 6 de noviembre de 1893greg.) fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como los ballets El lago de los cisnes, La bella durmiente y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta y la ópera Eugenio Oneguin.

Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar del interés musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.

Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de trece años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los cincuenta y tres años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.

A pesar de ser popular en todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor es hoy en día segura,2 y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.

De hecho, Chaikovski está considerado actualmente como el más destacado músico de Rusia y una de las figuras más importantes de la cultura de ese país a lo largo de su historia.

Piotr Chaikovski nació en Vótkinsk, un pequeño pueblo en la actual Udmurtia, que anteriormente fue parte de la provincia de Vyatka del Imperio ruso. Su padre, Iliá Petróvich Chaikovski, era el hijo de Piotr Fiódorovich Chaika (conocido posteriormente como Piotr Fiódorovich Chaikovski quien obtuviera un título nobiliario por sus servicios como médico militar para la zarina Catalina II de Rusia). Su padre fue un ingeniero de minas del Estado, de ascendencia ucraniana. Chaika (ucr. Чайка, significa gaviota) es un apellido tradicional de Ucrania. Nació en 1745 en Nikoláevka, cerca de Poltava, Ucrania, fue el segundo hijo de Fiódor Chaika (ca. 1695-1767) y su mujer Anna (1717-?), y estudió en un seminario en Kiev, pero más tarde recibió enseñanzas de medicina en San Petersburgo.5 La madre de Piotr, Aleksandra Andréyevna, de soltera d'Assier, provenía de raíces parcialmente francesas y fue la segunda de las tres esposas de Iliá. El dramaturgo, libretista y traductor Modest Ilich Chaikovski6 fue uno de los hermanos menores de Piotr.

En 1843, los padres de Chaikovski contrataron los servicios de una institutriz francesa llamada Fanny Dürbach. Su pasión y afecto por el cargo contrarrestaban la actitud de Aleksandra, descrita por un biógrafo como una madre fría, infeliz y distante, no dada a mostrar afecto físico.7 Sin embargo, otros autores afirman que Aleksandra adoraba a su hijo.

Piotr Chaikovski empezó las lecciones de piano a los cinco años. Fue un alumno precoz, en tres años fue capaz de leer música tan bien como su profesor. Sin embargo, la pasión de sus padres sobre su talento musical pronto se enfrió. En 1850, la familia decidió enviarlo a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo. Esta institución atendía principalmente a la pequeña nobleza y prepararía a Chaikovski como funcionario. Dado que la edad mínima para acceder era de doce años, Chaikovski tuvo que pasar dos años en un internado de la escuela preparatoria de la Escuela Imperial de Jurisprudencia, a unos 1300 km de su familia. Una vez que estos dos años pasaron, Chaikovski fue trasladado a la Escuela Imperial de Jurisprudencia para empezar un curso de estudios que duraría siete años.

El 25 de junio de 1854, Chaikovski se vio profundamente afectado por la muerte de su madre Aleksandra a causa del cólera. Lo afectó tanto que se sintió incapaz de darle la noticia a Fanny Dürbach hasta transcurridos dos años. Sin embargo, unos meses después de la muerte de su madre, realizó el primer intento serio de composición, un vals en su memoria. Varios autores afirman que la pérdida de su madre contribuyó al desarrollo sexual de Chaikovski, así como su experiencia con las supuestamente extendidas prácticas homosexuales entre estudiantes de la Escuela Imperial de Jurisprudencia. Sea cual fuere la verdad de esto, algunas amistades con sus compañeros, como Alekséi Apujtin y Vladímir Gerard, fueron suficientemente intensas para durar el resto de su vida.

La música no era una prioridad alta en la Escuela, pero Chaikovski asistía regularmente al teatro y a la ópera con otros estudiantes. Se aficionó a las obras de Rossini, Bellini, Verdi y Mozart. El fabricante de pianos Franz Becker realizaba visitas de vez en cuando a la Escuela como profesor de música simbólico. Esta fue la única instrucción formal sobre música que recibió allí. Desde 1855, su padre, Iliá Chaikovski, le financió lecciones privadas con Rudolph Kündinger, un reconocido profesor de piano de Núremberg. Iliá además le preguntó a Kündinger sobre la posibilidad de una carrera musical para su hijo. Kündinger contestó que nada sugería que fuera un compositor potencial o incluso un buen intérprete. A Chaikovski se le dijo que acabara su curso y luego intentara acceder a un puesto en el Ministerio de Justicia.

Chaikovski se graduó el 25 de mayo de 1859 con el rango de consejero titular, el rango más bajo en la carrera de funcionario. El 15 de junio fue admitido en el Ministerio de Justicia. Seis meses más tarde alcanzó el puesto de asistente subalterno y dos meses después de esto, asistente superior. En ese cargo se quedó Chaikovski para el resto de su carrera de funcionario, que duraría tres años.

En 1861, asistió a las clases de teoría musical organizadas por la Sociedad Musical Rusa (SMR) impartidas por Nikolái Zaremba. Un año más tarde siguió a Zaremba para entrar en el nuevo Conservatorio de San Petersburgo. Chaikovski no dejaría su puesto en el Ministerio hasta «que no estuviera bastante seguro de que estaba destinado a ser músico en vez de funcionario». Desde 1862 hasta 1865 estudió armonía, contrapunto y fuga con Zaremba, y Antón Rubinstein, director y fundador del Conservatorio, le impartió instrumentación y composición. En 1863 abandonó su carrera de funcionario y se dedicó a estudiar música a tiempo completo, graduándose en diciembre de 1865. Rubinstein estaba impresionado por el talento musical de Chaikovski, pero esto no evitó tanto los conflictos con él como con Zaremba acerca de la Primera Sinfonía del joven compositor, escrita tras su graduación, cuando la envió para que le dieran una lectura concienzuda. La sinfonía recibió su primera interpretación completa en Moscú en febrero de 1868, donde fue bien recibida.

La orientación de Rubinstein hacia la música occidental le trajo la oposición del grupo nacionalista musical conocido como Grupo de los Cinco. Al ser el alumno más conocido de Rubinstein, Chaikovski fue tratado como un blanco fácil, especialmente como carne de cañón para las críticas de César Cui. Esta actitud cambió ligeramente cuando Rubinstein abandonó el panorama musical de San Petersburgo en 1867. En 1869 Chaikovski inició una relación laboral con el compositor Mili Balákirev, líder de Los Cinco; el resultado fue el reconocimiento de la primera obra maestra de Chaikovski, la fantasía-obertura Romeo y Julieta, una obra que Los Cinco adoptaron incondicionalmente. Permaneció cordial con ellos, pero nunca intimó con la mayoría del grupo de Los Cinco, dado que su música le parecía ambivalente; sus metas y estilo estético no iban con él. Se aseguró de mantener una independencia musical de ellos así como de la facción conservadora del Conservatorio de San Petersburgo, una actitud que facilitó su aceptación como profesor del Conservatorio de Moscú, puesto que le fue ofrecido por Nikolái Rubinstein.

Chaikovski compaginó sus quehaceres profesionales con la realización de críticas musicales mientras seguía componiendo. Algunas de sus obras más conocidas de este periodo son Primer concierto para piano, las Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta, la Sinfonía «Pequeña Rusia» y el ballet El lago de los cisnes. El Primer concierto para piano recibió un rechazo inicial por parte de Nikolái Rubinstein, persona a la cual el concierto iba dedicado, tal y como contó Chaikovski tres años después. La obra fue entonces ofrecida al pianista Hans von Bülow, cuya manera de interpretar había impresionado a Chaikovski durante una aparición en Moscú en marzo de 1874. Bülow estrenó la obra en Boston en octubre de 1875; Rubinstein finalmente acabó apoyando la obra.

El escritor Aleksandr Poznanski mostró a través de su investigación que Chaikovski tuvo sentimientos homosexuales y que algunas de las relaciones más cercanas que mantuvo fueron con personas del mismo sexo. El criado de Chaikovski, Alekséi Sofrónov y el sobrino del compositor, Vladímir "Bob" Davýdov, han sido citados como intereses románticos.

Más dudas plantea la conformidad que tenía Chaikovski de su propia naturaleza sexual. Tras leer toda la correspondencia de Chaikovski, incluyendo la no publicada, Poznanski concluye que el compositor «finalmente empezó a ver sus peculiaridades sexuales como algo inevitable e incluso como una parte natural de su personalidad... sin haber sufrido ningún daño psicológico grave». También han sido publicadas secciones importantes de la autobiografía de su hermano Modest, en las cuales se refiere a esta orientación sexual de su hermano, que comprendía por ser similar a la suya. Algunas cartas que fueron suprimidas por los censores soviéticos, en las cuales Chaikovski habla abiertamente sobre su homosexualidad, han sido publicadas en ruso, así como traducidas al inglés por Poznanski. Sin embargo, el biógrafo Anthony Holden afirma que la búsqueda del musicólogo y erudito británico Henry Zajaczkowski «mediante líneas psicoanalíticas» tiende en cambio a «una inhibición severa inconsciente por parte del compositor acerca de sus sentimientos sexuales»:

"Una consecuencia de esto podría ser una indulgencia sexual excesiva como una especie de solución falsa: el individuo de ese modo se engaña a sí mismo diciéndose que acepta sus impulsos sexuales. Complementando esto y, además, como sistema de defensa psicológica, sería precisamente la idealización por Chaikovski de algunos jóvenes de su círculo [el así denominado «Cuarta Suite»], en la cual Poznanski centra su atención. Si la respuesta del compositor a posibles objetivos sexuales era o usarlos y rechazarlos o idealizarlos, aquello muestra que era incapaz de iniciar una relación íntegra y segura con otro hombre. Esto era, sin lugar a duda, la tragedia [de Chaikovski]."

El musicólogo e historiador Roland John Wiley sugiere una tercera alternativa, basada en las cartas de Chaikovski. Sugiere que a pesar de que Chaikovski no sufría «ningún sentimiento insoportable de culpabilidad» sobre su homosexualidad, permaneció temeroso de las consecuencias negativas de que eso saliera a la luz, especialmente en las ramas de su familia. Su decisión de casarse e intentar llevar una doble vida fue propiciada por varios factores: la posibilidad de que se revelara su situación, la voluntad de agradar a su padre, su propio deseo de una casa permanente y su amor por los niños y la familia. A pesar de que Chaikovski pudiera haber tenido una vida activa en cuanto a romances, las pruebas sobre emplear «argot sexual y tener encuentros apasionados» son limitadas. Buscó la compañía de homosexuales en su círculo durante largos periodos, «asociándose abiertamente y estableciendo conexiones profesionales con ellos». Wiley añade, «las críticas de inexpertos en la materia sobre lo contrario, que no justifican su asunción, salvo por el periodo de [corta vida matrimonial], afirman que la sexualidad de Chaikovski incluso afectó a su inspiración profundamente, o hizo de su música una confesión idiosincrática o incapaz de comunicar contenido filosófico». Lo cierto es que el último movimiento de la Sexta Sinfonía de Chaikovski, más conocida como la Patética, refleja la progresiva desesperación del autor ante la hostilidad de su entorno social y anuncia acaso su suicidio, camuflado bajo el manto de una enfermedad autoinducida, nueve días después de su estren

En 1868, Chaikovski conoció a la soprano belga Désirée Artôt, que por aquel entonces se encontraba en una gira por Rusia. Se encapricharon el uno del otro y se comprometieron al matrimonio. Chaikovski le dedicó su Romance en fa menor para piano, Op. 5. Sin embargo, el 15 de septiembre de 1869, sin decirle nada a Chaikovski, Artôt se casó con un miembro de su grupo, el barítono español Mariano Padilla y Ramos. La opinión generalizada es que Chaikovski superó el asunto bastante pronto. Sin embargo, se ha postulado que codificó su nombre en el Concierto para piano n.º 1 en si bemol menor y el poema sinfónico Fatum. Se volvieron a ver, más tarde, en varias ocasiones y en octubre de 1888 Chaikovski escribió Seis canciones francesas, Op. 65, para ella, como respuesta a su simple petición de una única canción. Chaikovski más tarde llegó a decir que fue la única mujer que jamás amó.

En abril de 1877, el alumno favorito de Chaikovski, Vladímir Shilovski, se casó de repente con la aristócrata Anna Vasílieva, hija del conde Alekséi Vasíliev. La boda de Shilovski pudo incitarlo en cambio a plantearse tomar también tal paso. Declaró su intención de casarse en una carta a su hermano. A esto le siguió el desdichado matrimonio de Chaikovski con una de sus antiguas estudiantes de composición, Antonina Miliukova. El poco tiempo que duró con su mujer lo llevó a una crisis emocional, seguida de una estancia en Clarens (Suiza) para descansar y recuperarse. Permanecieron casados legalmente pero nunca volvieron a vivir juntos ni tuvieron ningún hijo, aunque ella más tarde tendría tres hijos con otro hombre.

La debacle marital de Chaikovski pudo haberlo obligado a enfrentarse a la verdad en lo concerniente a su sexualidad. Aparentemente, nunca más consideró el matrimonio como camuflaje o vía de escape, ni se consideró capaz de amar a una mujer de la misma forma que a un hombre. Le escribió una carta a su hermano Anatoli desde Florencia (Italia) el 19 de febrero de 1878:

"Gracias a la rutina de mi vida ahora, a la algunas veces tediosa pero siempre inviolable tranquilidad, y por encima de todo, al tiempo que cura todas las heridas, me he recuperado totalmente de mi locura. No hay ninguna duda de que durante algunos meses he estado un poco loco, y sólo ahora, al estar completamente recuperado, he aprendido a relacionar objetivamente con todo lo que hice durante mi breve periodo de locura. El hombre que en mayo se le ocurrió casarse con Antonina Ivánovna, quien durante junio escribió una ópera entera como si nada hubiera pasado, quien en septiembre huyó de su mujer, quien en noviembre se embarcó destino a Roma y otras cosas por el estilo; ese hombre no era yo, sino otro Piotr Ilich."

Unos días más tarde, en otras cartas dirigidas a Anatoli, añadió que no había «nada más en vano que intentar ser alguien distinto al que soy por naturaleza».

Se suele afirmar que la tensión del matrimonio y el estado emocional de Chaikovski justo antes, en realidad, pudieron haber mejorado la creatividad del compositor. Hasta cierto punto, pudo darse este caso. Mientras la Cuarta Sinfonía se inició algunos meses antes de que Chaikovski se casara con Antonina, tanto la sinfonía como la ópera Eugenio Oneguin, que podría decirse que son dos de sus mejores composiciones, se sostienen como una prueba de esta mejoría en su creatividad. Acabó ambas obras en los seis meses que pasaron desde su compromiso hasta el fin de la cura de reposo tras su crisis matrimonial. Cuando estuvo en Clarens además compuso su Concierto para violín, recibiendo para ello ayuda técnica de uno de sus antiguos estudiantes, el violinista Iósif Kotek. Kotek posteriormente le ayudaría a establecer contacto con Nadezhda von Meck, la viuda de un magnate de los ferrocarriles, que se convirtió en su mecenas y confidente.

Como el Primer concierto para piano, el Concierto para violín fue rechazado inicialmente por la persona a la cual el concierto iba dedicado, en este caso el notable virtuoso y pedagogo Leopold Auer. Recibió el estreno en manos de otro solista (Adolph Brodsky), y a pesar de que finalmente contaría con el favor del público, la audiencia silbó durante su estreno en Viena, y fue denigrado por el crítico musical Eduard Hanslick:

"El compositor ruso Chaikovski seguramente posea un talento no ordinario, pero más bien, uno exagerado, obsesionado con actuar como un hombre de letras, pero careciendo de criterio y gusto... lo mismo puede decirse de su nuevo, largo y ambicioso Concierto para violín. Durante un rato avanza discretamente, con sobriedad, con musicalidad y sin ser irreflexivo, pero pronto la vulgaridad toma la mano superior y sigue así hasta el final del primer movimiento. El violín a partir de entonces no se toca: es zarandeado, rasgado, maltrecho... El Adagio intentaba en un principio reconciliarnos y convencernos cuando, demasiado pronto, se interrumpe para dirigirse a un final que nos transporta a la brutal y espantosa jovialidad de una celebración de iglesia rusa. Vemos una gran cantidad de caras burdas y soeces, escuchar insultos groseros y oler el aliento a alcohol. Durante una discusión sobre ilustraciones obscenas, Friedrich Vischer una vez sostuvo que había pinturas cuyo hedor uno podía incluso ver. El Concierto para violín de Chaikovski nos enfrenta por primera vez con la espantosa idea de que puede haber composiciones musicales cuyo tufo hediondo uno puede escuchar."

uer tardíamente aceptaría el concierto y finalmente lo tocaría con gran éxito entre el público. En el futuro enseñó la obra a sus alumnos, incluyendo Jascha Heifetz y Nathan Milstein. Auer más tarde diría sobre el comentario de Hanslick que «el hecho de que el último movimiento tuviera un ligero aroma a vodka [...] no iba acorde con su buen juicio ni con su reputación como crítico».

La intensidad de la emoción personal fluyendo ahora a través de las obras de Chaikovski era totalmente nueva en la música rusa. Esto instó a algunos comentaristas rusos a colocar su nombre junto con el del novelista Fiódor Dostoyevski. Como los personajes de Dostoyevski, sentían que el héroe musical de Chaikovski persistía al explorar el significado de la vida mientras se está atrapado en un triángulo fatal de amor, muerte y destino. El crítico Ossovski escribió sobre Chaikovski y Dostoyevski: «Con una pasión oculta ambos se detienen ante los momentos de horror, ante el sentimiento total de derrumbe y encuentran aguda dulzura en la fría trepidación del corazón ante el abismo, ambos obligan al lector a experimentar estos sentimientos también».

La fama de Chaikovski entre las audiencias de conciertos empezó a expandirse fuera de Rusia y continuó creciendo. Hans von Bülow se convirtió en un ferviente defensor de la música del compositor tras escuchar algunas de sus obras en un concierto en Moscú durante la cuaresma de 1874. En un periódico alemán a finales de ese año, alabó el Primer cuarteto de cuerda, Romeo y Julieta y otras obras, e interpretaría algunas otras obras de Chaikovski tanto como pianista y como director. En Francia, Camille Benoit empezó a introducir la música de Chaikovski a los lectores de la Revue et gazette musicale de Paris. La música también recibió bastante publicidad durante la Exhibición Internacional de 1878 en París. Mientras, la reputación de Chaikovski crecía, el aumento correspondiente de interpretaciones de sus obras no tuvo lugar hasta que empezó a dirigirlas él mismo, empezando a mediados de la década de 1880. Sin embargo, en el año 1880 todas las óperas que Chaikovski había completado hasta la fecha ya habían contado con una puesta en escena y todas sus obras orquestales habían tenido interpretaciones recibidas con comprensión.

Nadezhda von Meck era la viuda de un rico empresario de ferrocarriles ruso y una mecenas influyente en las artes. Tras oír alguna obra de Chaikovski, fue animada por el violinista Kotek para que le encargara algunas piezas de música de cámara. Su apoyo llegó a significar un elemento importante en la vida de Chaikovski; finalmente von Meck le acabaría pagando un subsidio anual de 6000 rublos, lo que le permitió dejar el puesto en el Conservatorio de Moscú en octubre de 1878 y concentrarse en la composición. Con el mecenazgo de von Meck se inició una relación que, debido a la insistencia de ella, fue principalmente epistolar: ella estipuló desde un principio que nunca se conocieran cara a cara. Intercambiaron unas 1000 cartas desde 1877 hasta 1890. En estas cartas Chaikovski fue mucho más abierto sobre su vida y proceso creativo que con ninguna otra persona.

Además de ser una adepta entregada a las obras musicales de Chaikovski, von Meck se convirtió en una parte vital para su existencia en el día a día. Tal y como le explicó a ella,

"Hay algo tan especial sobre nuestra relación que a veces me deja atónito. Te he contado más de una vez, creo que tú eres para mí la misma mano del Destino, vigilándome y protegiéndome. El mismo hecho de que no te conozco personalmente, junto con el hecho de sentirme tan cerca de ti, hace que te imagine como una presencia oculta pero benevolente, como una Providencia divina."

En 1884 Chaikovski y von Meck quedaron emparentados por el matrimonio de uno de sus hijos, Nikolái, y la sobrina de Chaikovski, Anna Davýdova. Sin embargo, en 1890 von Meck de repente dio por terminada la relación. Padecía problemas de salud que dificultaban su escritura; también había presiones por parte de la familia además de dificultades financieras debido a la mala gestión de sus propiedades por parte de su hijo Vladímir. La ruptura con Chaikovski fue anunciada en una carta entregada por un criado de confianza, en lugar del servicio postal habitual. Contenía la petición de que nunca la olvidara y venía con el adelanto del subsidio de un año. Justificaba esto al estar en bancarrota, lo cual, si no literalmente cierto, era evidentemente una amenaza real por aquel entonces.

Chaikovski se enteró casi un año más tarde de los problemas financieros de su benefactora.63 Esto no le impidió continuar dando por sentado el subsidio (con frecuentes expresiones efusivas sobre su gratitud eterna), ni se ofreció a devolver el anticipo que recibió con la carta de despedida. A pesar de su creciente popularidad por toda Europa, la asignación de von Meck seguía siendo una tercera parte de los ingresos del compositor. Aunque ya no necesitara su dinero tanto como en el pasado, la pérdida de su amistad, apoyo y ánimo fue devastadora; permaneció confundido y resentido sobre su abrupta desaparición durante los restantes tres años de su vida.

Chaikovski volvió al Conservatorio de Moscú en otoño de 1879, tras haber abandonado Rusia durante un año al desintegrarse su matrimonio. Sin embargo, rápidamente dimitió, estableciéndose en Kámenka aunque viajando sin cesar. Durante estos años, contando con la seguridad de los ingresos regulares de von Meck, erró por Europa y la Rusia rural, sin permanecer mucho tiempo en un sitio y viviendo principalmente solo, evitando el contacto social siempre que le fuera posible. Esto pudo haberse debido en parte a problemas con Antonina, quien accedería o rechazaría alternativamente la opción de divorciarse, llegando hasta un punto en el que se trasladó a un apartamento justo debajo del de su marido. Chaikovski enumera las acusaciones de Antonina hacia él en detalle a Modest: «Soy un impostor que se casó con ella para ocultar mi verdadera naturaleza... La insultaba cada día, sus padecimientos por mi culpa eran grandes... a ella le horroriza mi vergonzosa voz, etc., etc.». Es posible que viviera durante el resto de su vida con el miedo de que Antonina pudiera revelar públicamente su inclinación sexual. Estos factores pueden explicar el por qué, excepto por el Trío para piano que escribió tras la muerte de Nikolái Rubinstein, sus mejores trabajos durante este periodo sean en géneros que no dependen mucho de la expresión personal.

Conforme la reputación de Chaikovski crecía rápidamente fuera de Rusia, se consideró, tal y como Alexandre Benois lo escribió en sus memorias, «obligatorio [en los círculos progresistas musicales en Rusia] tratar a Chaikovski como un renegado, un maestro dependiente principalmente de Occidente». En 1880 esta opinión cambió, prácticamente de la noche a la mañana. Durante las ceremonias de conmemoración para el monumento dedicado a Pushkin en Moscú, Fiódor Dostoyevski dijo que el poeta había recibido un aviso profético de que Rusia conformaría una «unión universal» con Occidente. Un clamor sin precedentes a raíz del mensaje de Dostoyevski se extendió por toda Rusia y el desdén por la música de Chaikovski se disipó. Incluso creó un culto siguiendo a varios jóvenes intelectuales de San Petersburgo, incluyendo Benois, Léon Bakst y Serguéi Diáguilev.

En 1880 la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, encargo del zar Alejandro I para conmemorar la derrota de Napoleón Bonaparte en 1812, estaba a punto de finalizarse; el 25 aniversario de la coronación de Alejandro II tendría lugar en 1881 y la Exhibición de Artes e Industria de Moscú de 1882 estaba en los preparativos. Nikolái Rubinstein sugirió una pieza conmemorativa grandiosa para emplearse en las festividades relacionadas. Chaikovski empezó el proyecto en octubre de 1880, acabándolo en seis semanas. Le escribió a von Meck que la obra resultante, la Obertura 1812, sería «demasiado fuerte y ruidosa, pero la escribí sin un cálido sentimiento de amor, por tanto no tendrá ningún mérito artístico». También le advirtió al director Eduard Nápravník que «no me sorprenderé ni ofenderé si encuentras que la obra está escrita en un estilo inapropiado para conciertos sinfónicos». Sin embargo, esta obra se ha convertido para muchos, tal y como la autoridad en Chaikovski, David Brown lo expresa, en «la pieza de Chaikovski que mejor conocen».

El 23 de marzo de 1881, Nikolái Rubinstein murió en París. Chaikovski estaba de vacaciones en Roma y acudió inmediatamente para asistir al funeral en París de su respetado mentor, pero llegó demasiado tarde (aunque formaría parte del grupo de gente que vio el féretro de Rubinstein al volver a Rusia). En diciembre, empezó a trabajar en un Trío para piano en la menor, «dedicado a la memoria de un gran artista». El trío fue estrenado de forma privada en el Conservatorio de Moscú, en el cual Rubinstein había sido director, durante el primer aniversario de su muerte por tres de sus profesores: el pianista Serguéi Tanéyev, el violinista Jan Hřímalý y el violonchelista Wilhelm Fitzenhagen. La pieza se hizo extremadamente popular en vida del compositor y, como un irónico giro del destino, sería la elegía del propio compositor cuando se interpretó en los conciertos memoriales que tuvieron lugar en Moscú y San Petersburgo en noviembre de 1893.

Durante 1884 Chaikovski empezó a deshacerse de su insociabilidad y preocupaciones. En marzo de ese año, el zar Alejandro III le otorgó la Orden de San Vladimiro (de cuarta clase), llevada por la nobleza hereditaria. La condecoración del zar fue una muestra visible del apoyo oficial, que ayudó a la rehabilitación social del compositor. Esta recuperación se sustentó en la confianza ganada tras el tremendo éxito de su Tercera Suite orquestal en su estreno de enero de 1885 en San Petersburgo, bajo la dirección de Hans von Bülow. Chaikovski le escribió a Nadezhda von Meck: «No había visto nunca tal triunfo. Vi como toda la audiencia se conmovía y me daba las gracias. Estos momentos suponen el mejor reconocimiento de toda la vida de un artista. Hacen que toda la vida empleada y todo el trabajo valgan la pena». La prensa al igual se mostró unánimemente favorable.

En 1885, Chaikovski se estableció de nuevo en Rusia. El zar le pidió personalmente una nueva producción de Eugenio Oneguin para que se representara en San Petersburgo. La ópera se había visto previamente solo en Moscú de la mano de un conjunto de estudiantes del Conservatorio. Aunque la recepción de la crítica de la producción de Oneguin que tuvo lugar en San Petersburgo fue negativa, la ópera llenaba cada noche; 15 años más tarde el hermano del compositor Modest identificó este momento como el momento en el que Chaikovski empezó a ser conocido y apreciado por las masas, alcanzando el mayor grado de popularidad que jamás contara un compositor ruso. Las noticias sobre el éxito de la ópera se extendieron y la obra se interpretó en los teatros de ópera de toda Rusia y el extranjero.

Una peculiaridad de la producción de Oneguin que tuvo lugar en San Petersburgo fue que Alejandro III solicitó que la ópera se representara no en el Teatro Mariinski sino en el Teatro Bolshói Kámenny. Esto supuso que la música de Chaikovski estaba reemplazando la ópera italiana como el arte imperial oficial. Además, gracias a Iván Vsévolozhski, director de los Teatros Imperiales y mecenas del compositor, Chaikovski fue recompensado con una pensión vitalicia de 3000 rublos al año por parte del zar. En esencia este hecho hizo que se convirtiera en el compositor principal de la corte en la práctica, no siendo un título en realidad.

En enero de 1887 se produjo el debut de Chaikovski como director invitado, realizando una sustitución de última hora en el Teatro Bolshói de Moscú para las primeras tres interpretaciones de su ópera Cherevichki.81 Dirigir era una actividad que el compositor quería conquistar desde hace una década, dado que se dio cuenta de que obtener éxito fuera de Rusia dependía hasta cierto punto de dirigir uno mismo sus propias obras. En un año de interpretaciones de la obra Cherevichki, Chaikovski contaba con considerable demanda por toda Europa y Rusia, que le ayudaron a superar el miedo escénico que tenía desde siempre y potenciar su confianza en sí mismo. Le escribió a von Meck, «¿¡Reconocerías ahora en este músico ruso que viaja por toda Europa a aquel hombre que, solo unos años atrás, huyó de la vida en sociedad y vivió recluido en el extranjero o en el país!?» En 1888 dirigió el estreno de su Quinta Sinfonía en San Petersburgo, repitiendo la obra una semana más tarde con el estreno de su poema sinfónico Hamlet. A pesar de que ambas obras fueron recibidas con gran entusiasmo por la audiencia, los críticos se mostraron hostiles, con César Cui tildando la sinfonía de «rutinaria» y «rimbombante». No obstante, Chaikovski continuó dirigiendo la sinfonía en Rusia y Europa. Esta etapa como director lo llevó a Norteamérica en 1891, donde dirigió la orquesta de la Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York en su Marcha Eslava en el concierto inaugural de la sala de conciertos Carnegie Hall de Nueva York. En 1893, la Universidad de Cambridge en Reino Unido le otorgó a Chaikovski un grado honorario como Doctor of Music.

Chaikovski murió en San Petersburgo el 6 de noviembre de 1893, nueve días después del estreno de su Sexta Sinfonía, la Patética. Fue enterrado en el Cementerio Tíjvinskoye en el Monasterio de Alejandro Nevski, cerca de las tumbas de sus compañeros compositores Aleksandr Borodín, Mijaíl Glinka, Nikolái Rimski-Kórsakov, Mili Balákirev y Modest Músorgski. Debido a la innovación formal de la Patética y el contenido emocionalmente incontenible en sus movimientos centrales, la obra fue recibida por el público con silenciosa incomprensión durante su primera interpretación. La segunda interpretación, dirigida por Nápravník, tuvo lugar veinte días después en un concierto memorial y fue aceptada de manera más favorable. La Patética desde entonces se ha convertido en una de las obras más conocidas de Chaikovski.

La muerte de Chaikovski ha sido atribuida tradicionalmente al cólera, contraído con mayor probabilidad al beber agua contaminada durante varios días antes. Sin embargo, algunos han elaborado teorías sobre la base de un supuesto suicidio. De acuerdo con una variación de esta teoría, se le impuso una sentencia de muerte en un «tribunal de honor» por un compañero de la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo, como reprobación por la homosexualidad del compositor. Esta teoría no demostrada salió a la luz por la musicóloga rusa Aleksandra Orlova en 1979, cuando emigró a Occidente. Wiley afirma en el New Grove (2001), «La polémica acerca de la muerte [de Chaikovski] puede que haya llegado a un punto muerto... Estos rumores, por culpa de su fama, tardaron en extinguirse... Con respecto a la enfermedad, existen problemas con las pruebas que no ofrecen ninguna esperanza de hallar un resultado satisfactorio; la confusión de los testigos; sin tener en cuenta los efectos a largo plazo del tabaco y el alcohol. No sabemos cómo murió Chaikovski. Puede que jamás lo descubramos...»

Chaikovski escribió varias obras que son populares entre el público aficionado a la música clásica, entre las que se encuentran Romeo y Julieta, la Obertura 1812, sus tres ballets (El cascanueces, El lago de los cisnes y La bella durmiente) y la Marcha Eslava. Estas, junto con dos de sus cuatro conciertos, tres de sus seis sinfonías numeradas y, de sus diez óperas, La dama de picas y Eugenio Oneguin, son probablemente sus obras más familiares. Casi tan populares son la Sinfonía Manfredo, Francesca da Rimini, el Capricho italiano y la Serenata para cuerdas. Sus tres cuartetos de cuerdas y tríos para piano contienen bellos pasajes, así como sus ciento seis canciones siguen siendo interpretadas en recitales. Chaikovski también escribió unas cien obras para piano, a lo largo de su vida. Brown afirma que «aunque algunas de ellas pueden ser exigentes técnicamente, la mayoría son composiciones encantadoras, no pretenciosas, dirigidas a pianistas aficionados». Añade, no obstante, que «hay más atractivo e ingenio en estas piezas de las que cabría esperar».

La educación formal que recibió Chaikovski en el conservatorio le permitió escribir obras con tendencias y técnicas orientadas al estilo occidental. Su música es una muestra de un amplio ámbito y amplitud de técnicas, desde una forma «clásica» equilibrada simulando la elegancia rococó del siglo XVIII, hasta un estilo más característico de los nacionalistas rusos, o (según Brown) un idioma musical expreso para canalizar sus propias emociones trastornadas. A pesar de su reputación como «máquina de hacer llorar», la auto-expresión no era un principio central para Chaikovski. En una carta a von Meck del 5 de diciembre de 1878, le explicó que hay dos tipos de inspiración para un compositor sinfónico, una subjetiva y otra objetiva, y que la música programática puede y debe existir, al igual que es imposible exigir que la literatura se las arregle sin el elemento épico y se limite únicamente al lirismo. Igualmente, las grandes obras orquestales que Chaikovski compuso pueden dividirse en sendas categorías: las sinfonías en una y otras obras, como los poemas sinfónicos, en otra. De acuerdo con el musicólogo Francis Maes, la música programática como Francesca da Rimini o la Sinfonía Manfredo eran en su mayor parte el credo artístico del compositor como una expresión de su «ego lírico». Maes también identifica un grupo de composiciones que están fuera de la dicotomía de la música programática contra el «ego lírico», donde Chaikovski tiende a la estética pre-romántica. Entre las obras de este grupo se encuentran las cuatro suites orquestales, el Capricho italiano, el Concierto para violín y la Serenata para cuerdas.

Aunque la música de Chaikovski ha sido siempre popular entre el público, frecuentemente fue juzgada duramente por músicos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia está hoy en día aceptada. Su música ha ganado seguidores en las salas de conciertos de todo el mundo, en segundo lugar justo por detrás de Beethoven, gracias en gran parte a lo que Harold C. Schonberg califica de «una dulce, inagotable y supersensual fuente de melodía... con un toque de neurosis, tan emotivo como un grito desde una ventana en una noche oscura». Según Wiley, esta combinación de melodía sobrecargada y emoción recargada polariza a los oyentes, con un popular ruego de la música de Chaikovski compensada con el desdén crítico hacia ella entendida como vulgar y carente de pensamiento elevado o filosofía. Recientemente, la música de Chaikovski ha recibido una revaluación profesional, en la que los músicos reaccionan favorablemente a la música llena de melodías y su artesanía.

Chaikovski creía que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad en sus obras le distanciaban de sus contemporáneos del «Grupo de los Cinco». Compartía varios ideales suyos, incluyendo un énfasis en el carácter nacionalista en su música. Su intención era, no obstante, unir esos ideales con un estándar lo suficientemente alto para satisfacer los criterios de Europa Oriental. Su perfeccionismo, además, impulsó su deseo de alcanzar un público mayor, no sólo nacional sino internacional, que fue lo que finalmente logró.

Chaikovski pudo haber recibido influencias para sus composiciones del mecenazgo mayoritario denominado «del siglo XVIII» prevalente en la Rusia de aquella época, que todavía estaba profundamente influido por su aristocracia. En este estilo de mecenazgo, el mecenas y el artista a menudo estarían en igualdad de condiciones. Las dedicatorias dirigidas a los benefactores no eran un acto de humilde gratitud sino expresiones de su asociación artística. La dedicatoria de la Cuarta Sinfonía a von Meck se sabe que significó un sello sobre su amistad. La relación de Chaikovski con el duque Konstantín Konstantínovich nació a partir del fruto creativo de las Seis canciones, Op. 63, para las cuales el gran duque escribió la letra. Chaikovski no tuvo conflictos de estilo en tocar para los gustos del público, aunque nunca se demostró que satisficiera otros gustos aparte del suyo propio. Los temas patrióticos y el estilismo de las melodías del siglo XVIII en sus obras concordaban con los valores de la aristocracia rusa.

Según Brown en el New Grove (1980), las melodías de Chaikovski van del «estilo occidental al estilismo de canciones populares y en ocasiones las mismas canciones populares». Su empleo de repeticiones con estas melodías generalmente reflejan el estilo secuencial de las prácticas occidentales, las cuales Chaikovski extendía en una inmensa longitud, construyendo «una emocionante experiencia de intensidad casi insostenible». Experimentó en ocasiones con métricas inusuales, aunque usualmente, como en sus melodías de danza, empleaba una firma, en esencia un compás regular que «a veces se convertía en el agente más expresivo en algunos movimientos debido a su enérgico uso». Chaikovski además practicó con un amplio rango de armonías, desde las prácticas de las armonías y texturas occidentales de sus primeros dos cuartetos de cuerda al empleo de la escala de tonos enteros en el centro del final de su Segunda Sinfonía; esta última era una práctica que solían usar el Grupo de los Cinco.

Debido a que Chaikovski escribió la mayoría de su música para orquesta, sus texturas musicales estaban condicionadas cada vez más con los colores orquestales que empleaba, especialmente tras la Segunda suite orquestal. Brown mantiene que mientras que el compositor estaba habituado a las prácticas orquestales de Occidente, él «prefería diferenciar los colores orquestales haciéndolos más brillantes y definidos según la tradición establecida por Glinka». Tendía a emplear más los instrumentos agudos por su «veloz delicadeza», aunque equilibra esta tendencia con «una certera exploración de los sonidos oscuros e incluso lúgubres de los instrumentos de metal».

Wiley cita a Chaikovski como «el primer compositor ruso de un nuevo tipo, totalmente profesional, que asimiló con firmeza la maestría sinfónica de la tradición de Europa Occidental; en un estilo profundamente original, personal y nacional en el cual unificó el saber hacer de Beethoven y Schumann con las obras Glinka y transformó los logros de Liszt y Berlioz en la música programática en materias de elevación shakesperiana y de importancia psicológica».

Chaikovski creía que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad en sus obras le distanciaban de sus contemporáneos del Grupo de los Cinco. Compartía varios ideales suyos, incluyendo un énfasis en el carácter nacionalista en su música. Su intención era, no obstante, unir esos ideales con un estándar lo suficientemente alto para satisfacer los criterios de Europa Oriental. Holden sostiene que Chaikovski fue el primer compositor ruso profesional legitimado, afirmando que sólo las tradiciones de música popular y la música de la Iglesia ortodoxa rusa existían antes de nacer él. Holden continúa, «Veinte años después de la muerte de Chaikovski, en 1913, La consagración de la primavera de Ígor Stravinski estalló en la escena musical, marcando la llegada de Rusia en la música del siglo XX. Entre estos dos mundos, la música de Chaikovski se convirtió en el único puente».

Su perfeccionismo, además, impulsó su deseo de alcanzar un público mayor, no sólo nacional sino internacional, que fue lo que finalmente logró. El musicólogo ruso Solomón Vólkov sostiene que Chaikovski fue quizás el primer compositor ruso en pensar sobre el sitio de su país en la cultura musical europea." Como el compositor escribe a von Meck desde París,

"Qué agradable es estar convencido de antemano del éxito de nuestra literatura en Francia. Cada libro étalage contiene traducciones de Tolstói, Turguénev y Dostoyevski... Los periódicos están imprimiendo constantemente artículos muy entusiastas sobre uno u otro de estos escritores. ¡Quizás algún día esto también ocurra con la música rusa!

Chaikovski se convirtió en el primer compositor ruso en dar a conocer personalmente al público extranjero sus obras así como las de otros compositores rusos. Además mantuvo lazos cercanos de negocios y personales con muchos de los principales músicos de Europa y de los Estados Unidos. Para los rusos, según Vólkov, esto era algo totalmente nuevo e inusual.

Por último, el impacto de las propias obras de Chaikovski, especialmente en el ballet, no pueden subestimarse; su dominio de las danseuse (melodías que se ajustan a los movimientos físicos a la perfección), junto con su viva orquestación, temas efectivos y continuidad de ideas eran inauditas en el género, estableciendo nuevos estándares para el papel de la música en el ballet clásico. Noel Goodwin caracteriza El lago de los cisnes como «una obra maestra imperecedera [en el género del ballet]» y La bella durmiente como «el ejemplo supremo de ballet clásico del siglo XIX», mientras que Wiley calificó la última obra como «potente, variada y rítmicamente compleja».

es.wikipedia.org/wiki/Piotr_Ilich_Chaikovski

es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Composiciones_de_Piotr_Ilich_...

es.wikipedia.org/wiki/Piotr_Ilich_Chaikovski_y_Los_Cinco

  

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (Russian: Пётр Ильи́ч Чайко́вский; 7 May 1840 [O.S. 25 April] – 6 November [O.S. 25 October] 1893) was a Russian composer of the romantic period, whose works are among the most popular music in the classical repertoire. He was the first Russian composer whose music made a lasting impression internationally, bolstered by his appearances as a guest conductor in Europe and the United States. He was honored in 1884 by Emperor Alexander III, and awarded a lifetime pension.

Although musically precocious, Tchaikovsky was educated for a career as a civil servant. There was scant opportunity for a musical career in Russia at that time and no system of public music education. When an opportunity for such an education arose, he entered the nascent Saint Petersburg Conservatory, from which he graduated in 1865. The formal Western-oriented teaching he received there set him apart from composers of the contemporary nationalist movement embodied by the Russian composers of The Five, with whom his professional relationship was mixed. Tchaikovsky's training set him on a path to reconcile what he had learned with the native musical practices to which he had been exposed from childhood. From this reconciliation he forged a personal but unmistakably Russian style—a task that did not prove easy. The principles that governed melody, harmony and other fundamentals of Russian music ran completely counter to those that governed Western European music; this seemed to defeat the potential for using Russian music in large-scale Western composition or for forming a composite style, and it caused personal antipathies that dented Tchaikovsky's self-confidence. Russian culture exhibited a split personality, with its native and adopted elements having drifted apart increasingly since the time of Peter the Great. This resulted in uncertainty among the intelligentsia about the country's national identity—an ambiguity mirrored in Tchaikovsky's career.

Despite his many popular successes, Tchaikovsky's life was punctuated by personal crises and depression. Contributory factors included his early separation from his mother for boarding school followed by his mother's early death, the death of his close friend and colleague Nikolai Rubinstein, and the collapse of the one enduring relationship of his adult life, which was his 13-year association with the wealthy widow Nadezhda von Meck who was his patron even though they never actually met each other. His homosexuality, which he kept private, has traditionally also been considered a major factor, though some musicologists now downplay its importance. Tchaikovsky's sudden death at the age of 53 is generally ascribed to cholera; there is an ongoing debate as to whether cholera was indeed the cause of death, and whether his death was accidental or self-inflicted.

While his music has remained popular among audiences, critical opinions were initially mixed. Some Russians did not feel it was sufficiently representative of native musical values and expressed suspicion that Europeans accepted the music for its Western elements. In an apparent reinforcement of the latter claim, some Europeans lauded Tchaikovsky for offering music more substantive than base exoticism and said he transcended stereotypes of Russian classical music. Others dismissed Tchaikovsky's music as "lacking in elevated thought," according to longtime New York Times music critic Harold C. Schonberg, and derided its formal workings as deficient because they did not stringently follow Western principles.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky was born in Votkinsk, a small town in Vyatka Governorate (present-day Udmurtia) in the Russian Empire, into a family with a long line of military service. His father, Ilya Petrovich Tchaikovsky, had served as a lieutenant colonel and engineer in the Department of Mines, and would manage the Kamsko-Votkinsk Ironworks. His grandfather, Pyotr Fedorovich Tchaikovsky (né Petro Fedorovych Chaika), was born in the village of Mikolayivka, Poltava Gubernia, Russian Empire (present day Ukraine), and served first as a physician's assistant in the army and later as city governor of Glazov in Vyatka. His great-grandfather, a Ukrainian Cossack named Fyodor Chaika, distinguished himself under Peter the Great at the Battle of Poltava in 1709. Tchaikovsky's mother, Alexandra Andreyevna was the second of Ilya's three wives, 18 years her husband's junior and French on her father's side. Both Ilya and Alexandra were trained in the arts, including music—a necessity as a posting to a remote area of Russia also meant a need for entertainment, whether in private or at social gatherings. Of his six siblings, Tchaikovsky was close to his sister Alexandra and twin brothers Anatoly and Modest. Alexandra's marriage to Lev Davydov would produce seven children and lend Tchaikovsky the only real family life he would know as an adult, especially during his years of wandering. One of those children, Vladimir Davydov, whom the composer would nickname 'Bob', would become very close to him.

In 1844, the family hired Fanny Dürbach, a 22-year-old French governess. Four-and-a-half-year-old Tchaikovsky was initially thought too young to study alongside his older brother Nikolai and a niece of the family. His insistence convinced Dürbach otherwise. By the age of six, he had become fluent in French and German. Tchaikovsky also became attached to the young woman; her affection for him was reportedly a counter to his mother's coldness and emotional distance from him, though others assert that the mother doted on her son. Dürbach saved much of Tchaikovsky's work from this period, including his earliest known compositions, and became a source of several childhood anecdotes.

Tchaikovsky began piano lessons at age five. Precocious, within three years he had become as adept at reading sheet music as his teacher. His parents, initially supportive, hired a tutor, bought an orchestrion (a form of barrel organ that could imitate elaborate orchestral effects), and encouraged his piano study for both aesthetic and practical reasons. However, they decided in 1850 to send Tchaikovsky to the Imperial School of Jurisprudence in Saint Petersburg. They had both graduated from institutes in Saint Petersburg and the School of Jurisprudence, which mainly served the lesser nobility, and thought that this education would prepare Tchaikovsky for a career as a civil servant. Regardless of talent, the only musical careers available in Russia at that time—except for the affluent aristocracy—were as a teacher in an academy or as an instrumentalist in one of the Imperial Theaters. Both were considered on the lowest rank of the social ladder, with individuals in them enjoying no more rights than peasants. His father's income was also growing increasingly uncertain, so both parents may have wanted Tchaikovsky to become independent as soon as possible. As the minimum age for acceptance was 12 and Tchaikovsky was only 10 at the time, he was required to spend two years boarding at the Imperial School of Jurisprudence's preparatory school, 1,300 kilometres (800 mi) from his family. Once those two years had passed, Tchaikovsky transferred to the Imperial School of Jurisprudence to begin a seven-year course of studies.

Tchaikovsky's early separation from his mother caused an emotional trauma that lasted the rest of his life and was intensified by her death from cholera in 1854, when he was fourteen. The loss of his mother also prompted Tchaikovsky to make his first serious attempt at composition, a waltz in her memory. Tchaikovsky's father, who had also contracted cholera but recovered fully, sent him back to school immediately in the hope that classwork would occupy the boy's mind. Isolated, Tchaikovsky compensated with friendships with fellow students that became lifelong; these included Aleksey Apukhtin and Vladimir Gerard. Music, while not an official priority at school, also bridged the gap between Tchaikovsky and his peers. They regularly attended the opera and Tchaikovsky would improvise at the school's harmonium on themes he and his friends had sung during choir practice. "We were amused," Vladimir Gerard later remembered, "but not imbued with any expectations of his future glory". Tchaikovsky also continued his piano studies through Franz Becker, an instrument manufacturer who made occasional visits to the school; however, the results, according to musicologist David Brown, were "negligible".

In 1855, Tchaikovsky's father funded private lessons with Rudolph Kündinger and questioned him about a musical career for his son. While impressed with the boy's talent, Kündinger said he saw nothing to suggest a future composer or performer. He later admitted that his assessment was also based on his own negative experiences as a musician in Russia and his unwillingness for Tchaikovsky to be treated likewise. Tchaikovsky was told to finish his course and then try for a post in the Ministry of Justice.

On 10 June 1859, the 19-year-old Tchaikovsky graduated as a titular counselor, a low rung on the civil service ladder. Appointed to the Ministry of Justice, he became a junior assistant within six months and a senior assistant two months after that. He remained a senior assistant for the rest of his three-year civil service career.

Meanwhile, the Russian Musical Society (RMS) was founded in 1859 by the Grand Duchess Elena Pavlovna (a German-born aunt of Tsar Alexander II) and her protégé, pianist and composer Anton Rubinstein. Previous tsars and the aristocracy had focused almost exclusively on importing European talent. The aim of the RMS was to fulfill Alexander II's wish to foster native talent. It hosted a regular season of public concerts (previously held only during the six weeks of Lent when the Imperial Theaters were closed) and provided basic professional training in music. In 1861, Tchaikovsky attended RMS classes in music theory taught by Nikolai Zaremba at the Mikhailovsky Palace (now the Russian Museum). These classes were a precursor to the Saint Petersburg Conservatory, which opened in 1862. Tchaikovsky enrolled at the Conservatory as part of its premiere class. He studied harmony and counterpoint with Zaremba and instrumentation and composition with Rubinstein.

The Conservatory benefited Tchaikovsky in two ways. It transformed him into a musical professional, with tools to help him thrive as a composer, and the in-depth exposure to European principles and musical forms gave him a sense that his art was not exclusively Russian or Western. This mindset became important in Tchaikovsky's reconciliation of Russian and European influences in his compositional style. He believed and attempted to show that both these aspects were "intertwined and mutually dependent". His efforts became both an inspiration and a starting point for other Russian composers to build their own individual styles.

Rubinstein was impressed by Tchaikovsky's musical talent on the whole and cited him as "a composer of genius" in his autobiography. He was less pleased with the more progressive tendencies of some of Tchaikovsky's student work. Nor did he change his opinion as Tchaikovsky's reputation grew. He and Zaremba clashed with Tchaikovsky when he submitted his First Symphony for performance by the RMS in Saint Petersburg. Rubinstein and Zaremba refused to consider the work unless substantial changes were made. Tchaikovsky complied but they still refused to perform the symphony. Tchaikovsky, distressed that he had been treated as though he were still their student, withdrew the symphony. It was given its first complete performance, minus the changes Rubinstein and Zaremba had requested, in Moscow in February 1868.

Once Tchaikovsky graduated in 1865, Rubinstein's brother Nikolai offered him the post of Professor of Music Theory at the soon-to-open Moscow Conservatory. While the salary for his professorship was only 50 rubles a month, the offer itself boosted Tchaikovsky's morale and he accepted the post eagerly. He was further heartened by news of the first public performance of one of his works, his Characteristic Dances, conducted by Johann Strauss II at a concert in Pavlovsk Park on 11 September 1865 (Tchaikovsky later included this work, re-titled, Dances of the Hay Maidens, in his opera The Voyevoda).

From 1867 to 1878, Tchaikovsky combined his professorial duties with music criticism while continuing to compose. This activity exposed him to a range of contemporary music and afforded him the opportunity to travel abroad. In his reviews, he praised Beethoven, considered Brahms overrated and, despite his admiration, took Schumann to task for poor orchestration. He appreciated the staging of Wagner's Der Ring des Nibelungen at its inaugural performance in Bayreuth, Germany, but not the music, calling Das Rheingold "unlikely nonsense, through which, from time to time, sparkle unusually beautiful and astonishing details". A recurring theme he addressed was the poor state of Russian opera.

In 1856, while Tchaikovsky was still at the School of Jurisprudence and Anton Rubinstein lobbied aristocrats to form the RMS, critic Vladimir Stasov and an 18-year-old pianist, Mily Balakirev, met and agreed upon a nationalist agenda for Russian music, one that would take the operas of Mikhail Glinka as a model and incorporate elements from folk music, reject traditional Western practices and use exotic harmonic devices such as the whole tone and octatonic scales. They saw Western-style conservatories as unnecessary and antipathetic to fostering native talent. Eventually, Balakirev, César Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov and Alexander Borodin became known as the moguchaya kuchka, translated into English as the Mighty Handful or The Five. Rubinstein criticized their emphasis on amateur efforts in musical composition; Balakirev and later Mussorgsky attacked Rubinstein for his musical conservatism and his belief in professional music training. Tchaikovsky and his fellow conservatory students were caught in the middle.

While ambivalent about much of The Five's music, Tchaikovsky remained on friendly terms with most of its members. In 1869, he and Balakirev worked together on what became Tchaikovsky's first recognized masterpiece, the fantasy-overture Romeo and Juliet, a work which The Five wholeheartedly embraced. The group also welcomed his Second Symphony, subtitled the Little Russian. Despite their support, Tchaikovsky made considerable efforts to ensure his musical independence from the group as well as from the conservative faction at the Saint Petersburg Conservatory.

he infrequency of Tchaikovsky's musical successes, won with tremendous effort, exacerbated his lifelong sensitivity to criticism. Nikolai Rubinstein's private fits of rage critiquing his music, most famously attacking the First Piano Concerto, did not help matters. His popularity grew, however, as several first-rate artists became willing to perform his compositions. Hans von Bülow premiered the First Piano Concerto and championed other Tchaikovsky works both as pianist and conductor. Other artists included Adele Aus der Ohe, Max Erdmannsdörfer, Eduard Nápravník and Sergei Taneyev.

 

Another factor that helped Tchaikovsky's music become popular was a shift in attitude among Russian audiences. Whereas they had previously been satisfied with flashy virtuoso performances of technically demanding but musically lightweight compositions, they gradually began listening with increasing appreciation of the music itself. Tchaikovsky's works were performed frequently, with few delays between their composition and first performances; the publication from 1867 onward of his songs and great piano music for the home market also helped boost the composer's popularity.

During the late 1860s, Tchaikovsky began to compose operas. His first, The Voyevoda, based on a play by Alexander Ostrovsky, premiered in 1869. The composer became dissatisfied with it, however, and, having re-used parts of it in later works, destroyed the manuscript. Undina followed in 1870. Only excerpts were performed and it, too, was destroyed. Between these projects, Tchaikovsky started to compose an opera called Mandragora, to a libretto by Sergei Rachinskii; the only music he completed was a short chorus of Flowers and Insects.

The first Tchaikovsky opera to survive intact, The Oprichnik, premiered in 1874. During its composition, he lost Ostrovsky's part-finished libretto. Tchaikovsky, too embarrassed to ask for another copy, decided to write the libretto himself, modelling his dramatic technique on that of Eugène Scribe. Cui wrote a "characteristically savage press attack" on the opera. Mussorgsky, writing to Vladimir Stasov, disapproved of the opera as pandering to the public. Nevertheless, The Oprichnik continues to be performed from time to time in Russia.

The last of the early operas, Vakula the Smith (Op.14), was composed in the second half of 1874. The libretto, based on Gogol's Christmas Eve, was to have been set to music by Alexander Serov. With Serov's death, the libretto was opened to a competition with a guarantee that the winning entry would be premiered by the Imperial Mariinsky Theatre. Tchaikovsky was declared the winner, but at the 1876 premiere, the opera enjoyed only a lukewarm reception. After Tchaikovsky's death, Rimsky-Korsakov wrote the opera Christmas Eve, based on the same story.

Other works of this period include the Variations on a Rococo Theme for cello and orchestra, the Third and Fourth Symphonies, the ballet Swan Lake, and the opera Eugene Onegin.

Discussion of Tchaikovsky's personal life, especially his sexuality, has perhaps been the most extensive of any composer in the 19th century and certainly of any Russian composer of his time. It has also at times caused considerable confusion, from Soviet efforts to expunge all references to same-sex attraction and portray him as a heterosexual, to efforts at armchair analysis by Western biographers. Biographers have generally agreed that Tchaikovsky was homosexual. He sought the company of other men in his circle for extended periods, "associating openly and establishing professional connections with them". His first love was reportedly Sergey Kireyev, a younger fellow student at the Imperial School of Jurisprudence. According to Modest Tchaikovsky, this was Pyotr Ilyich's "strongest, longest and purest love". The degree to which the composer might have felt comfortable with his sexual nature has, however, remained open to debate. It is still unknown whether Tchaikovsky, according to musicologist and biographer David Brown, "felt tainted within himself, defiled by something from which he finally realized he could never escape" or whether, according to Alexander Poznansky, he experienced "no unbearable guilt" over his sexual nature and "eventually came to see his sexual peculiarities as an insurmountable and even natural part of his personality ... without experiencing any serious psychological damage". Relevant portions of his brother Modest's autobiography, where he tells of the composer's sexual orientation, have been published, as have letters previously suppressed by Soviet censors in which Tchaikovsky openly writes of it. Such censorship has persisted in the current Russian government, resulting in many officials, including the current culture minister Vladimir Medinsky, to outright deny his homosexualit

Es vana tu obsesión por la reputación. Lo más difícil de mantener en secreto es el secreto mismo. (Josu Sein)

 

Francisco Pizarro fue un hombre de personalidad bastante oscura. Se encuentran pocas biografías que le conciernen y quedan muchos misterios sobre su juventud. Habría nacido en Trujillo en 1475 según el cronista Garcilaso de la Vega Inca o en 1471 según otros.

Hijo ilegítimo del Capitán Hernando Pizarro y de Francisca González, Francisco Pizarro era un niño de pueblo (al contrario de otros conquistadores). Ciertos historiadores lo ven como porquero en su pueblo natal. Otros piensan que fue recogido por su abuelo materno, que trabajó como administrador hasta que se enganchó en la armada y fue a Italia bajo las órdenes de Gonzalo Fernández de Córdoba.

Muchos conquistadores aprendieron el arte de la guerra en Italia. La armada española tenía la reputación de ser la mejor del mundo, la más moderna, de una disciplina rígida, la más diestra, el comando más competente; su táctica y su estrategia, inspirada en los soldados suizos, la más eficaz.

Pizarro luchó en esta armada como simple soldado antes de embarcarse para las Indias en 1502 con Nicolás de Ovando. Permaneció en la isla de Hispaniola antes de ir sobre "Terre Ferme" en 1509 con la expedición de Alonso de Ojeda que quería poblar la bahía de Darien (Itsmo de Panamá).

II. Pizarro parte para las Indias

En 1509, Ojeda fundó el puerto de San Sebastián de la Buenavista. Pero faltó de recursos y regresó a Hispaniola dejando una guarnición en la cual se encontraba Pizarro. Pero estos últimos sufrieron los asaltos mortales de los indios. Entonces vino a su socorro Núñez de Balboa. Pizarro se colocó enseguida bajo las órdenes del conquistador.

Balboa supo de la existencia de un Mar del Sur cerca del cual abundarían tesoros en oro tan codiciados por los españoles. Condujo entonces sus tropas a través de las ciénagas y el 25 de septiembre de 1513 percibió una inmensa superficie azul: El Pacífico.

Pero Pedrarias, el gobernador de la "Castilla de oro" (el Darien), desembarcó en 1515 con una fuerte armada y dio muerte a Balboa.

Pizarro recibió tierras en la "Castilla de oro" y se asoció a dos hombres: Diego de Almagro, un soldado sin educación y de padres desconocidos, y el Padre Don Hernando Luque, Canciller de la catedral del Darien. El padre Luque sería el financiador de los otros dos.

Para asegurarse el apoyo del gobernador, los tres hombres hicieron entrar a Pedrarias Davila en su empresa en 1526 : Cederían un tercio de los beneficios a cambio de su apoyo.

Tres años antes, en 1523, Pascual de Andagoya había embarcado en Panamá y había bordeado el litoral hasta el sur de Colombia. Su navío encontró canoas de indios que dijeron venir de un país lejano llamado "Birú". Este país sería muy rico en oro.

III. El mito de Eldorado.

Existiría una región donde el oro sería tan abundante que el jefe de una tribu tiraría ofrendas de este metal en las aguas de un lago. En efecto, el jefe de Guatavita (a 57 kilómetros al norte de Bogotá) había castigado cruelmente a su mujer por su infidelidad. Ella se tiró en las aguas del lago con su hija. Un dragón que vivía en el lago le devoró los ojos a su hija y se enamoró de la madre. El jefe se impuso un ritual para expiar su culpa tirando objetos de oro en el lago, lo que hicieron en adelante todos sus sucesores. El rito se efectuaba desde una barca de donde hacían sus ofrendas.

En realidad, los indios de Guatavita no tenían minas de oro sino únicamente de sal. Ellos cambiaban la sal por oro y algodón. Los españoles no podían comprender que la sal tuviese más valor para los indios que el oro.

IV. Primeras expediciones por el sur.

El 24 de noviembre de 1524, Pizarro partió de Panamá con una centena de hombres rumbo al sur. Navegó entre el golfo de San Miguel y el Archipiélago de las Perlas, dirigiéndose hacia Puerto Piñas, último límite alcanzado por Andagoya. Penetró en las tierras remontando el río Biru, pero no encontró más que tierras inhospitalarias.

De acuerdo son sus hombres decidió proseguir la expedición más al sur. Todo a lo largo de la costa una vegetación densa e inextricable les impidió desembarcar. Los víveres comenzaban a faltar, el navío soportaba tempestades. Al fin encontraron una costa más acogedora donde pudieron desembarcar.

Pero si la costa parecía hospitalaria, los españoles no encontraron más que desolación a medida que penetraban en el interior de esas tierras. Los hombres estaban desanimados y hambrientos. Sin ninguna otra posibilidad, enviaron al mar al único navío, bajo el mando del capitán Montenegro, en busca de socorro.

Pero el navío se perdió haciendo ruta hacia el norte, camino del archipiélago de las Perlas, donde pensaban encontrar víveres. Durante este tiempo, Pizarro y el resto de los hombres esperaban en el lugar en una situación deplorable. Una veintena de hombres murieron de hambre mientras que los otros intentaban sobrevivir alimentándose de raíces y frutos del mar. Pizarro salía en busca de alimentos, ayudaba a los enfermos y enterraba los muertos.

En el momento en que todo parecía perdido, los españoles percibieron una hoguera. Esta tierra estaba habitada! A golpes de hacha, abrieron un camino hacia esta fuente de luz. Después de muchos esfuerzos llegaron a una villa abandonada por los indios que habían huído advirtiendo la presencia de los extranjeros. Pero habían dejado víveres y algunos objetos de oro.

Poco a poco los españoles lograron entrar en contacto con los tímidos indígenas que regresaron a la villa.

Fueron sólo varios días después que Montenegro hizo su aparición en la costa. Su retorno era esperado con impaciencia porque sin su navío la expedición no podía proseguirse.

Sin aventurarse mucho el navío continuó bordeando las costas. Llegando a Candelaria, los españoles descubrieron algo que los horrorizó: Examinando el contenido de unas marmitas vieron pies y manos de seres humanos. Delante de tal espectáculo prefirieron reprender la mar en medio de una tempestad.

Desembarcando en Punta Quemada, los españoles encontraron una vez más una villa abandonada. Cada vez, los indios huían a la llegada de estos seres extraños. Los españoles decidieron explorar más estas tierras, pero una lluvia de flechas cayó sobre ellos y no llegaron a repeler a los indios sino después de numerosas dificultades.

La situación era peligrosa y no era cuestión de ir más lejos con el navío dañado por las tempestades.

Pizarro reunió sus capitanes en consejo a fin de tomar una decisión. Lo más sabio sería regresar a Panamá y organizar una nueva expedición con el oro encontrado en estas tierras. Pizarro dio entonces la orden de retomar la ruta hacia el norte. Pero no quería hacer su informe al gobernador Pedrarias y decidió desembarcar con la mayor parte de sus hombres en la región de Chicama, dejando al navío alcanzar Panamá con un puñado de soldados.

Entretanto, Diego de Almagro dejó el puerto de con la misión de encontrar la expedición de Pizarro. Atracó sobre las tierras ya visitadas por sus predecesores y debió afrontar a los indios vueltos aún más belicosos. En el transcurso de una de estas batallas Almagro perdió un ojo, pero eso no le impidió continuar su ruta hacia el sur.

Cerca del río San Juan los españoles observaron huellas de una civilización evolucionada, pero preocupados por la suerte de Pizarro no se retrasaron, y la expedición retomó el rumbo al norte y encontró por fin a este último y sus hombres en Chicama.

Almagro marchó de nuevo enseguida a Panamá para buscar refuerzos que obtuvo con dificultades gracias al talento de diplomático del padre Luque quien logró convencer a Pedrarias.

El 10 de marzo de 1526, los acuerdos entre los expedicionarios y el gobernador se firmaron. Almagro y Pizarro podían retomar la mar con dos navíos, 160 hombres y perros de guerra. Su primer piloto era el muy experimentado Bartolomé Ruíz. Fue a partir del río San Juan, último lugar descubierto por Almagro, que los españoles iban a retomar su aventura.

En el interior de esas tierras descubrieron un rico tesoro. Con esta fortuna decidieron hacer venir refuerzos. Una vez más fue a Almagro que tocó esta tarea.

Pero durante su ausencia, Pizarro no quedó inactivo. Partió en reconocimiento abriéndose paso en la jungla espesa y hostil.

Durante este tiempo, Bartolomé Ruiz exploró la costa sur. Descubrió la isla del Gallo pero los indígenas lo recibieron con hostilidad. Prosiguió entonces hasta la bahía de San Mateo. A medida que la expedición progresaba los españoles podían observar una población cada vez más densa y mucho mejor organizada. Pero no pensaban en desembarcar.

El navío se aproximó a una canoa indígena y sus ocupantes les confirmaron la existencia de una rica civilización más al sur, en Tumbes. Bartolomé Ruiz hizo embarcar algunos de estos indígenas y se reunió con Pizarro cerca del río San Juan.

Almagro regresó igualmente con 180 hombres de refuerzo y la noticia del cambio de gobernador en Panamá. Pedro de los Ríos venía a reemplazar a Pedrarias y se mostraba más entusiasta hacia la expedición de Pizarro.

Ellos partieron nuevamente entonces hacia el sur, pero las tempestades los obligaron a refugiarse en la isla del Gallo. Repararon los navíos y retomaron la mar quince días más tarde para desembarcar en la costa de Atacames. El oro y las esmeraldas abundaban. Pero los indios, muy bien organizados militarmente, se mostraban amenazantes. A pesar de sus refuerzos, Pizarro juzgaba sus tropas poco numerosas para afrontar al enemigo. Partieron de la isla del Gallo, de donde Almagro estará encargado una vez más de traer refuerzos.

V. Los "Trece" de la isla del Gallo.

Pero el descontento comenzaba a ganar a los hombres. Almagro, de regreso en Panamá, no llegó a reclutar otros hombres, y el gobernador decidió enviar una expedición para recuperar a aquellos que permanecían en la isla del Gallo. El mando del navío fue confiado a Juan Tafur.

La llegada de este último a la isla del Gallo provocó la alegría de los expedicionarios desesperados. Tafur no impuso a nadie regresar a Panamá, pero la gran mayoría ya se había hecho a la idea.

Fue entonces que Pizarro se mostró valiente. En medio de sus hombres dio un paso adelante. Con su espada, de un gesto arrogante, trazó una línea sobre la arena de este a oeste. Indicando el sur, declaró: "Camaradas y amigos, de este lado se encuentran la muerte, las penas y el hambre". Después indicó el norte, pisándolo: "Del otro, el placer. Sean testigos de que he sido el primero en la necesidad, el primero en el ataque y el último en la retirada. De este lado se va a España, permaneciendo pobre. Del otro lado, hacia el Perú para volverse rico y llevar la palabra de Cristo. Ustedes eligen".

Pizarro franqueó entonces primero la línea hacia el sur, seguido de 13 de sus hombres. Los otros embarcaron con Tafur.

La isla del Gallo no era hospitalaria y los 13 hombres que quedaron en tierra vieron muy rápidamente sus víveres disminuir. durante siete meses iban a vivir en una condición muy precaria esperando los refuerzos que Almagro y Bartolomé Ruiz habían partido a buscar a Panamá.

Una noche, un navío apareció en el horizonte. Bartolomé Ruiz llegó con refuerzos. Los trece hombres embarcaron sobre el navío que puso rumbo al sur. Después de 13 semanas de navegación, llegaron al Golfo de Guayaquil. Los españoles desembarcaron en la isla de Santa Elena y pudieron contemplar la ciudad de Tumbes separada por un brazo del mar.

Era una ciudad con numerosos templos y una fortaleza para defenderla. el puerto estaba cerrado por una puerta. Pizarro no se arriesgó a penetrar. Se contentó de colectar noticias de las cuales ciertas daban cuenta de una guerra civil que dividía el gran Imperio.

Pero Pizarro comprendía que sus fuerzas eran ridículas frente a este poderoso imperio y decidió regresar a Panamá. Sobre la ruta del norte hizo embarcar unos jóvenes indios, bautizados Felipillo y Martinillo, quienes jugaron el rol de intérpretes.

Su llegada, mientras que se los creía perdidos, alegró a Panamá. Regresaban triunfantes con pruebas reales de la existencia de la tierra que todo el mundo buscaba. Pero el gobernador Pedro de los Ríos no quería dejarse convencer. Almagro y Luque pidieron entonces a Pizarro de ir a ver al rey.

Pizarro embarca en la primavera de 1528 para España.

Carlos Quinto lo recibió cordialmente y escuchó con atención los relatos increibles de Pizarro. Pero el rey estaba ocupado con otros problemas: Estaba a punto de hacerse coronar Gran Emperador del Santo Imperio Romano Germánico. Carlos Quinto lo envía al Gran Consejo Real de Indias. Fue la emperatriz Isabel quien firmó las Capitulaciones de la conquista del Perú el 26 de julio de 1529. Pizarro recibió los títulos de Gobernador y de Capitán General.

Pizarro se fue a Trujillo y llevó con él a sus hermanos Hernando, Juan y Gonzalo, así como a Francisco Martín de Alcántara. El 19 de enero de 1530 un navío emprendió la mar a fin de reunirse en Panamá con Diego de Almagro y el padre Luque.

VI. La Conquista del Perú.

Fue en los primeros días del año 1531 que Pizarro emprendió la mar con 180 hombres y 3 navíos. Almagro quedó en Panamá para reclutar otros hombres y completar el abastecimiento.

La flota se dirigió hacia Tumbes, pero el mal tiempo los obligó a desembarcar dos leguas más al norte.

Pizarro decidió continuar por tierra. En la región de Coaque, los españoles descubrieron riquezas en las ciudades abandonadas por los indios. Una parte del oro es enviado a Panamá a fin de acelerar el reclutamiento de refuerzos. Los tres navíos regresan a Panamá dejando a Pizarro y sus hombres sin ningún medio de comunicación con el mundo que han dejado.

Pero poco a poco los refuerzos van a llegar. En medio de los recién llegados se encontraban capitanes que iban a ilustrarse en las conquistas futuras: Sebastián Benalcázar, Conquistador de Quito; Hernando de Soto, futuro explorador del Mississippi.

Sintiéndose suficientemente armado, Pizarro decidió por fin desembarcar en Tumbes, listo para conquistar el imperio Inca dividido por una guerra fratricida que oponía a los hijos del emperador difunto Huayna Capac, Huascar y Atahualpa.

En Tumbes los españoles no encontraron hostilidad por parte de los indios. Pero poco tiempo después cayeron en una emboscada: tres de ellos fueron hechos prisioneros y terminaron en una marmita. Gracias a la caballería los otros escapan de la muerte. Los indios huyeron ante estas estas extrañas criaturas, refugiándose en la selva. Tumbes fue abandonada por sus habitantes.

El 16 de mayo de 1532 Pizarro salió de la ciudad, dejando en el lugar un pequeño destacamento. Quiso explorar estas tierras y encontrar un entorno ideal para fundar una ciudad que le sirviera de base para la conquista. Mientras que exploraba la costa, Hernando de Soto se dirigió hacia las montañas.

Al cabo de tres o cuatro semanas, a treinta leguas al sur de Tumbes, en el valle de Tangara, los españoles fundaron San Miguel, la primera ciudad hispánica del Perú.

Después de haber organizado la ciudad, los españoles partieron en la búsqueda del Inca en el mes de septiembre de 1532. Ciento setenta hombres atravezaron tierras ricas que probaban la existencia de un pueblo trabajador y técnicamente avanzado.

Los indios se mostraban dóciles y ofrecían su colaboración a Pizarro para luchar contra Atahualpa, el usurpador.

Hernando de Soto partió en expedición y regresó 8 días más tarde en compañía de un embajador de Atahualpa, encargado de conocer las intenciones de los españoles.

Después de haber atravezado Lambayeque y Chiclayo, los españoles lucharon de nuevo contra los indios. Uno de ellos es tomado prisionero y aceptó servir de espía. A su regreso, Pizarro supo que Atahualpa se encontraba en Cajamarca a la cabeza de una gran armada.

Pizarro decidió ir a Cajamarca y emprendió con sus hombres la difícil ascensión de los Andes. La vegetación se hizo más rara, el frío más amenazante. Los españoles sufrían del mal de las montañas, el Soroche, y manifestaban dificultades para respirar. Un ataque en estas condiciones sería catastrófico para los españoles.

Pero Atahualpa no intentó nada contra ellos, estimando que este puñado de hombres tal vez no sería peligroso frente a su armada invencible.

Una vez llegados a la cima, los españoles recibieron a los embajadores del Inca que les ofrecieron presentes. Pizarro y su tropa descendieron entonces hacia el valle de Cajamarca al que divisaron al cabo de siete días.

El 15 de noviembre de 1532, después de haber dividido sus hombres en tres compañías, Pizarro avanzó hasta el centro de Cajamarca.

La ciudad parecía dormida o abandonada. Pizarro envió a Hernando de Soto hasta el campamento del Inca. Soto fue recibido por Atahualpa. Pizarro se les unió. Al momento de partir, Hernando de Soto hizo encabritar su caballo. Algunos soldados de Atahualpa sintieron miedo. Después de la partida de los españoles los miedosos fueron ejecutados.

Caída la noche, se podía observar un gran número de fogatas que testificaban la importancia de la armada del inca. Ciertos españoles sintieron miedo, pero Pizarro intentó tranquilizarlos, dobló la guardia y estudió con sus capitanes el plan de operación del día siguiente.

Al amanecer, las tropas españolas se repartieron alrededor de Cajamarca. El emperador Atahualpa hizo su entrada en la ciudad sobre un palanquín dorado, llevado a espaldas de hombre, en medio de su poderosa armada. Llegado a la plaza de la ciudad, Fray Vicente de Valverde blandió frente al emperador una biblia, le habló de un dios único, de su representante en la tierra, el Papa, quien concedió al rey de Castilla Carlos Quinto estas tierras para una misión evangélica. Después le pidió al Inca reconocer esta soberanía. Pero el Inca le preguntó de dónde tomó esas palabras. El hermano Vicente le respondió que estaban en ese libro, tendiéndole la biblia. Atahualpa la tomó, la llevó a su oído y no oyendo nada la tiró al suelo.

El Hermano Vicente Valverde gritó al sacrílego. Era el momento que esperaban los españoles para salir de su escondite, atacando a la armada inca por sorpresa. Fue un ataque breve, durante el cual Pizarro puso a cubierto al emperador. La armada india intentó huir pero los españoles la persiguieron, dejando alrededor de dos mil muertos en menos de media hora.

IV. Primeras expediciones por el sur.

El 24 de noviembre de 1524, Pizarro partió de Panamá con una centena de hombres rumbo al sur. Navegó entre el golfo de San Miguel y el Archipiélago de las Perlas, dirigiéndose hacia Puerto Piñas, último límite alcanzado por Andagoya. Penetró en las tierras remontando el río Biru, pero no encontró más que tierras inhospitalarias.

De acuerdo son sus hombres decidió proseguir la expedición más al sur. Todo a lo largo de la costa una vegetación densa e inextricable les impidió desembarcar. Los víveres comenzaban a faltar, el navío soportaba tempestades. Al fin encontraron una costa más acogedora donde pudieron desembarcar.

Pero si la costa parecía hospitalaria, los españoles no encontraron más que desolación a medida que penetraban en el interior de esas tierras. Los hombres estaban desanimados y hambrientos. Sin ninguna otra posibilidad, enviaron al mar al único navío, bajo el mando del capitán Montenegro, en busca de socorro.

Pero el navío se perdió haciendo ruta hacia el norte, camino del archipiélago de las Perlas, donde pensaban encontrar víveres. Durante este tiempo, Pizarro y el resto de los hombres esperaban en el lugar en una situación deplorable. Una veintena de hombres murieron de hambre mientras que los otros intentaban sobrevivir alimentándose de raíces y frutos del mar. Pizarro salía en busca de alimentos, ayudaba a los enfermos y enterraba los muertos.

En el momento en que todo parecía perdido, los españoles percibieron una hoguera. Esta tierra estaba habitada! A golpes de hacha, abrieron un camino hacia esta fuente de luz. Después de muchos esfuerzos llegaron a una villa abandonada por los indios que habían huído advirtiendo la presencia de los extranjeros. Pero habían dejado víveres y algunos objetos de oro.

Poco a poco los españoles lograron entrar en contacto con los tímidos indígenas que regresaron a la villa.

Fueron sólo varios días después que Montenegro hizo su aparición en la costa. Su retorno era esperado con impaciencia porque sin su navío la expedición no podía proseguirse.

Sin aventurarse mucho el navío continuó bordeando las costas. Llegando a Candelaria, los españoles descubrieron algo que los horrorizó: Examinando el contenido de unas marmitas vieron pies y manos de seres humanos. Delante de tal espectáculo prefirieron reprender la mar en medio de una tempestad.

Desembarcando en Punta Quemada, los españoles encontraron una vez más una villa abandonada. Cada vez, los indios huían a la llegada de estos seres extraños. Los españoles decidieron explorar más estas tierras, pero una lluvia de flechas cayó sobre ellos y no llegaron a repeler a los indios sino después de numerosas dificultades.

La situación era peligrosa y no era cuestión de ir más lejos con el navío dañado por las tempestades.

Pizarro reunió sus capitanes en consejo a fin de tomar una decisión. Lo más sabio sería regresar a Panamá y organizar una nueva expedición con el oro encontrado en estas tierras. Pizarro dio entonces la orden de retomar la ruta hacia el norte. Pero no quería hacer su informe al gobernador Pedrarias y decidió desembarcar con la mayor parte de sus hombres en la región de Chicama, dejando al navío alcanzar Panamá con un puñado de soldados.

Entretanto, Diego de Almagro dejó el puerto de Panamá con la misión de encontrar la expedición de Pizarro. Atracó sobre las tierras ya visitadas por sus predecesores y debió afrontar a los indios vueltos aún más belicosos. En el transcurso de una de estas batallas Almagro perdió un ojo, pero eso no le impidió continuar su ruta hacia el sur.

Cerca del río San Juan los españoles observaron huellas de una civilización evolucionada, pero preocupados por la suerte de Pizarro no se retrasaron, y la expedición retomó el rumbo al norte y encontró por fin a este último y sus hombres en Chicama.

Almagro marchó de nuevo enseguida a Panamá para buscar refuerzos que obtuvo con dificultades gracias al talento de diplomático del padre Luque quien logró convencer a Pedrarias.

El 10 de marzo de 1526, los acuerdos entre los expedicionarios y el gobernador se firmaron. Almagro y Pizarro podían retomar la mar con dos navíos, 160 hombres y perros de guerra. Su primer piloto era el muy experimentado Bartolomé Ruíz. Fue a partir del río San Juan, último lugar descubierto por Almagro, que los españoles iban a retomar su aventura.

En el interior de esas tierras descubrieron un rico tesoro. Con esta fortuna decidieron hacer venir refuerzos. Una vez más fue a Almagro que tocó esta tarea.

Pero durante su ausencia, Pizarro no quedó inactivo. Partió en reconocimiento abriéndose paso en la jungla espesa y hostil.

Durante este tiempo, Bartolomé Ruiz exploró la costa sur. Descubrió la isla del Gallo pero los indígenas lo recibieron con hostilidad. Prosiguió entonces hasta la bahía de San Mateo. A medida que la expedición progresaba los españoles podían observar una población cada vez más densa y mucho mejor organizada. Pero no pensaban en desembarcar.

El navío se aproximó a una canoa indígena y sus ocupantes les confirmaron la existencia de una rica civilización más al sur, en Tumbes. Bartolomé Ruiz hizo embarcar algunos de estos indígenas y se reunió con Pizarro cerca del río San Juan.

Almagro regresó igualmente con 180 hombres de refuerzo y la noticia del cambio de gobernador en Panamá. Pedro de los Ríos venía a reemplazar a Pedrarias y se mostraba más entusiasta hacia la expedición de Pizarro.

Ellos partieron nuevamente entonces hacia el sur, pero las tempestades los obligaron a refugiarse en la isla del Gallo. Repararon los navíos y retomaron la mar quince días más tarde para desembarcar en la costa de Atacames. El oro y las esmeraldas abundaban. Pero los indios, muy bien organizados militarmente, se mostraban amenazantes. A pesar de sus refuerzos, Pizarro juzgaba sus tropas poco numerosas para afrontar al enemigo. Partieron de la isla del Gallo, de donde Almagro estará encargado una vez más de traer refuerzos.

V. Los "Trece" de la isla del Gallo.

Pero el descontento comenzaba a ganar a los hombres. Almagro, de regreso en Panamá, no llegó a reclutar otros hombres, y el gobernador decidió enviar una expedición para recuperar a aquellos que permanecían en la isla del Gallo. El mando del navío fue confiado a Juan Tafur.

La llegada de este último a la isla del Gallo provocó la alegría de los expedicionarios desesperados. Tafur no impuso a nadie regresar a Panamá, pero la gran mayoría ya se había hecho a la idea.

Fue entonces que Pizarro se mostró valiente. En medio de sus hombres dio un paso adelante. Con su espada, de un gesto arrogante, trazó una línea sobre la arena de este a oeste. Indicando el sur, declaró: "Camaradas y amigos, de este lado se encuentran la muerte, las penas y el hambre". Después indicó el norte, pisándolo: "Del otro, el placer. Sean testigos de que he sido el primero en la necesidad, el primero en el ataque y el último en la retirada. De este lado se va a España, permaneciendo pobre. Del otro lado, hacia el Perú para volverse rico y llevar la palabra de Cristo. Ustedes eligen".

Pizarro franqueó entonces primero la línea hacia el sur, seguido de 13 de sus hombres. Los otros embarcaron con Tafur.

La isla del Gallo no era hospitalaria y los 13 hombres que quedaron en tierra vieron muy rápidamente sus víveres disminuir. durante siete meses iban a vivir en una condición muy precaria esperando los refuerzos que Almagro y Bartolomé Ruiz habían partido a buscar a Panamá.

Una noche, un navío apareció en el horizonte. Bartolomé Ruiz llegó con refuerzos. Los trece hombres embarcaron sobre el navío que puso rumbo al sur. Después de 13 semanas de navegación, llegaron al Golfo de Guayaquil. Los españoles desembarcaron en la isla de Santa Elena y pudieron contemplar la ciudad de Tumbes separada por un brazo del mar.

Era una ciudad con numerosos templos y una fortaleza para defenderla. el puerto estaba cerrado por una puerta. Pizarro no se arriesgó a penetrar. Se contentó de colectar noticias de las cuales ciertas daban cuenta de una guerra civil que dividía el gran Imperio.

Pero Pizarro comprendía que sus fuerzas eran ridículas frente a este poderoso imperio y decidió regresar a Panamá. Sobre la ruta del norte hizo embarcar unos jóvenes indios, bautizados Felipillo y Martinillo, quienes jugaron el rol de intérpretes.

Su llegada, mientras que se los creía perdidos, alegró a Panamá. Regresaban triunfantes con pruebas reales de la existencia de la tierra que todo el mundo buscaba. Pero el gobernador Pedro de los Ríos no quería dejarse convencer. Almagro y Luque pidieron entonces a Pizarro de ir a ver al rey.

Pizarro embarca en la primavera de 1528 para España.

Carlos Quinto lo recibió cordialmente y escuchó con atención los relatos increibles de Pizarro. Pero el rey estaba ocupado con otros problemas: Estaba a punto de hacerse coronar Gran Emperador del Santo Imperio Romano Germánico. Carlos Quinto lo envía al Gran Consejo Real de Indias. Fue la emperatriz Isabel quien firmó las Capitulaciones de la conquista del Perú el 26 de julio de 1529. Pizarro recibió los títulos de Gobernador y de Capitán General.

Pizarro se fue a Trujillo y llevó con él a sus hermanos Hernando, Juan y Gonzalo, así como a Francisco Martín de Alcántara. El 19 de enero de 1530 un navío emprendió la mar a fin de reunirse en Panamá con Diego de Almagro y el padre Luque.

VI. La Conquista del Perú.

Fue en los primeros días del año 1531 que Pizarro emprendió la mar con 180 hombres y 3 navíos. Almagro quedó en Panamá para reclutar otros hombres y completar el abastecimiento.

La flota se dirigió hacia Tumbes, pero el mal tiempo los obligó a desembarcar dos leguas más al norte.

Pizarro decidió continuar por tierra. En la región de Coaque, los españoles descubrieron riquezas en las ciudades abandonadas por los indios. Una parte del oro es enviado a Panamá a fin de acelerar el reclutamiento de refuerzos. Los tres navíos regresan a Panamá dejando a Pizarro y sus hombres sin ningún medio de comunicación con el mundo que han dejado.

Pero poco a poco los refuezos van a llegar. En medio de los recién llegados se encontraban capitanes que iban a ilustrarse en las conquistas futuras: Sebastián Benalcázar, Conquistador de Quito; Hernando de Soto, futuro explorador del Mississippi.

Sintiéndose suficientemente armado, Pizarro decidió por fin desembarcar en Tumbes, listo para conquistar el imperio Inca dividido por una guerra fratricida que oponía a los hijos del emperador difunto Huayna Capac, Huascar y Atahualpa.

En Tumbes los españoles no encontraron hostilidad por parte de los indios. Pero poco tiempo después cayeron en una emboscada: tres de ellos fueron hechos prisioneros y terminaron en una marmita. Gracias a la caballería los otros escapan de la muerte. Los indios huyeron ante estas estas extrañas criaturas, refugiándose en la selva. Tumbes fue abandonada por sus habitantes.

El 16 de mayo de 1532 Pizarro salió de la ciudad, dejando en el lugar un pequeño destacamento. Quiso explorar estas tierras y encontrar un entorno ideal para fundar una ciudad que le sirviera de base para la conquista. Mientras que exploraba la costa, Hernando de Soto se dirigia hacia las montañas.

Al cabo de tres o cuatro semanas, a treinta leguas al sur de Tumbes, en el valle de Tangara, los españoles fundaron San Miguel, la primera ciudad hispánica del Perú.

Después de haber organizado la ciudad, los españoles partieron en la búsqueda del Inca en el mes de septiembre de 1532. Ciento setenta hombres atravezaron tierras ricas que probaban la existencia de un pueblo trabajador y técnicamente avanzado.

Los indios se mostraban dóciles y ofrecían su colaboración a Pizarro para luchar contra Atahualpa, el usurpador.

Hernando de Soto partió en expedición y regresó 8 días más tarde en compañía de un embajador de Atahualpa, encargado de conocer las intenciones de los españoles.

Después de haber atravezado Lambayeque y Chiclayo, los españoles lucharon de nuevo contra los indios. Uno de ellos es tomado prisionero y aceptó servir de espía. A su regreso, Pizarro supo que Atahualpa se encontraba en Cajamarca a la cabeza de una gran armada.

Pizarro decidió ir a Cajamarca y emprendió con sus hombres la difícil ascensión de los Andes. La vegetación se hizo más rara, el frío más amenazante. Los españoles sufrían del mal de las montañas, el Soroche, y manifestaban dificultades para respirar. Un ataque en estas condiciones sería catastrófico para los españoles.

Pero Atahualpa no intentó nada contra ellos, estimando que este puñado de hombres tal vez no sería peligroso frente a su armada invencible.

Una vez llegados a la cima, los españoles recibieron a los embajadores del Inca que les ofrecieron presentes. Pizarro y su tropa descendieron entonces hacia el valle de Cajamarca al que divisaron al cabo de siete días.

El 15 de noviembre de 1532, después de haber dividido sus hombres en tres compañías, Pizarro avanzó hasta el centro de Cajamarca.

Como estatua ecuestre de Francisco Pizarro se conoce a un conjunto de tres esculturas de bronce obras del escultor norteamericano Charles Cary Rumsey, ubicadas una en la ciudad de Trujillo, España (lugar de nacimiento de Pizarro) otra en la ciudad de Lima, capital del Perú (lugar donde falleció y se encuentra enterrado), y la última en la ciudad de Buffalo (Estados Unidos) situada al frente de la Albright-Knox Art Gallery.1 Representan al conquistador Francisco Pizarro montado sobre un caballo y ataviado para la lucha con armadura y espada. Pizarro es célebre por haber liderado la Conquista del Perú en el siglo XVI y haber fundado la ciudad de Lima el 18 de enero de 1535 estableciendo lo que sería el Virreinato del Perú

La ciudad parecía dormida o abandonada. Pizarro envió a Hernando de Soto hasta el campamento del Inca. Soto fue recibido por Atahualpa. Pizarro se les unió. Al momento de partir, Hernando de Soto hizo encabritar su caballo. Algunos soldados de Atahualpa sintieron miedo. Después de la partida de los españoles los miedosos fueron ejecutados.

Caída la noche, se podía observar un gran número de fogatas que testificaban la importancia de la armada del inca. Ciertos españoles sintieron miedo, pero Pizarro intentó tranquilizarlos, dobló la guardia y estudió con sus capitanes el plan de operación del día siguiente.

Al amanecer, las tropas españolas se repartieron alrededor de Cajamarca. El emperador Atahualpa hizo su entrada en la ciudad sobre un palanquín dorado, llevado a espaldas de hombre, en medio de su poderosa armada. Llegado a la plaza de la ciudad, Fray Vicente de Valverde blandió frente al emperador una biblia, le habló de un dios único, de su representante en la tierra, el Papa, quien concedió al rey de Castilla Carlos Quinto estas tierras para una misión evangélica. Después le pidió al Inca reconocer esta soberanía. Pero el Inca le preguntó de dónde tomó esas palabras. El hermano Vicente le respondió que estaban en ese libro, tendiéndole la biblia. Atahualpa la tomó, la llevó a su oído y no oyendo nada la tiró al suelo.

El Hermano Vicente Valverde gritó al sacrílego. Era el momento que esperaban los españoles para salir de su escondite, atacando a la armada inca por sorpresa. Fue un ataque breve, durante el cual Pizarro puso a cubierto al emperador. La armada india intentó huir pero los españoles la persiguieron, dejando alrededor de dos mil muertos en menos de media hora.

Como estatua ecuestre de Francisco Pizarro se conoce a un conjunto de tres esculturas de bronce obras del escultor norteamericano Charles Cary Rumsey, ubicadas una en la ciudad de Trujillo, España (lugar de nacimiento de Pizarro) otra en la ciudad de Lima, capital del Perú (lugar donde falleció y se encuentra enterrado), y la última en la ciudad de Buffalo (Estados Unidos) situada al frente de la Albright-Knox Art Gallery. Representan al conquistador Francisco Pizarro montado sobre un caballo y ataviado para la lucha con armadura y espada. Pizarro es célebre por haber liderado la Conquista del Perú en el siglo XVI y haber fundado la ciudad de Lima el 18 de enero de 1535 estableciendo lo que sería el Virreinato del Perú

(WIKIPEDIA

cosas que no sabías sobre las avispas

Las avispas están posiblemente entre los insectos más temidos y que peor reputación tienen entre nosotros los humanos. Esto se debe, sobre todas las cosas, a las conocidas y extremadamente dolorosas picaduras que dan cuando sienten algún tipo de amenaza sobre ellas o su territorio. Sin embargo, más allá de esa particularidad, las avispas son animales fascinantes y llenos de curiosidades que quizás no conozcas y que queremos compartir contigo.

Hay avispas sociales y avispas solitarias

La gran cantidad de especies de avispas se dividen en dos grupos según su comportamiento social: las avispas solitarias, grupo en el que se incluyen la gran mayoría de ellas; y las avispas sociales, representadas por muchas menos especies, pero que para los seres humanos son más conocidas por ser comúnmente más visibles e incluir algunas particularmente peligrosas.

Las avispas son muy diferentes de las abejas

Aunque ambas construyen nidos que les sirven de hogar, las abejas los construyen con cera, los conocidos panales, mientras que las avispas los construyen con un material semejante al papel o el cartón, que obtienen mediante la masticación de fibras de madera a las que convierten en una pulpa que se endurece al contacto con el aire. Otra diferencia que puede resultar clara en muchos casos es la forma del abdomen, que en las abejas es ensanchado y con una cintura corta y poco perceptible, mientras que las avispas presentan la conocida cintura estrecha y su abdomen es puntiagudo.

Las avispas pueden picar más de una vez

Mientras las abejas pican una sola vez en su vida porque esta les provoca el desgarro de sus órganos y por consiguiente la muerte, las avispas pueden picar reiteradas veces a su víctima, haciéndolas más peligrosas. Por cierto, un dato muy curioso es que solo las hembras tienen la capacidad de picar al ser las que portan el aguijón, que son órganos sexuales femeninos modificados con este fin.

www.vix.com/es/btg/curiosidades/5694/5-cosas-que-no-sabia...

La buena reputación

Es conveniente dejarla caer

A los pies de la cama

Hoy tienes una ocasión

De demostrar que eres una mujer

Además de una dama

Anda, deja que te desabroche un botón;

 

On Me:

 

{ Speakeasy } Paix Tattoo Faded

Stealthic Male Hairbase Faded

+AH+ Loke rigged Ear Piercings

CATWA HEAD Shaheen

Modulus - Fabian Hair

[Signature] Gianni Body

 

On Her:

 

[theSkinnery] Maddie

. PUKI . My Rings Set #03

CATWA HEAD Lona

DOUX - Melanie Hairstyle

[BODY] Legacy

[Glitzz] Sharon Lingerie

 

Decor: {YD} Moment Bedroom

 

Blog: Zane's Blog

Siempre habrá alguien al cual tu libertad le resulte irritante...

 

En mi pueblo sin pretensión

Tengo mala reputación,

Haga lo que haga es igual

Todo lo consideran mal

 

Yo no pienso pues hacer ningún daño

Queriendo vivir fuera del rebaño;

 

No, a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

No, a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe.

Todos todos me miran mal

Salvo los ciegos es natural.

 

Cuando la fiesta nacional

Yo me quedo en la cama igual,

Que la música militar

Nunca me supo levantar.

 

En el mundo pues no hay mayor pecado

Que el de no seguir al abanderado.

 

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Todos me muestran con el dedo

Salvo los mancos, quiero y no puedo.

 

Si en la calle corre un ladrón

Y a la zaga va un ricachón

Zancadilla doy al señor

Y aplastado el perseguidor

Eso sí que sí que será una lata

Siempre tengo yo que meter la pata.

 

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Todos tras de mí a correr

Salvo los cojos, es de creer.

 

No hace falta saber latín

Yo ya se cual será mi fin,

En el pueblo se empieza a oir,

Muerte, muerte al villano vil,

Yo no pienso pues armar ningún lío

Con que no va a Roma el camino mío,

 

No a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

No a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Todos vendrán a verme ahorcar,

Salvo los ciegos, es natural.

 

George Brassens: “La mala reputación”

 

La mala reputación

 

View On Black

  

Tubbataha - Filipinas, Atolón Sur, Arrecife Roca Negra.

 

Tiene la reputación de ser el pez más grande del planeta, pero por buscar una similitud, realmente es un pacífico filtrador de fitoplancton, necton, macro algas, kril, y ocasionalmente de larvas de crustáceos; y un incansable navegante.

 

Los especímenes más grandes suelen llegar a los 12 mts de longitud.

 

Una de mis mejores experiencias; el haber podido contemplar y fotografiar en solitario a este bello y enigmático animal.

 

Iluminación: Dos Flashes SEA&SEA D2 en modo DS-TTL

 

Tocar sobre la imagen para obtener la maxima nitidez.

 

It has the reputation of being the largest fish on the planet, but for looking for a similarity, it really is a peaceful phytoplankton filter, necton, macro algae, krill, and occasionally crustacean larvae; and a tireless navigator.

 

The largest specimens usually reach 12 meters in length.

 

One of my best experiences; having been able to contemplate and photograph alone this beautiful and enigmatic animal.

 

Illumination: Two SEA & SEA D2 Flashes in DS-TTL mode

 

Touch on the image to obtain the maximum sharpness

 

www.flickr.com/groups/3216767@N21/

www.flickr.com/groups/3534586@N2

 

© Todos los derechos reservados.

Por favor: Esta prohibido descargar esta fotografia, recortar mi nombre, editarla con marca de agua, publicar en pagina web, blogs, revista, periodico u otros medios de comunicacion sin mi permiso explicito por escrito, gracias.

 

© All rights reserved.

Please: Download this photography is prohibited, cut my name, edit with watermark publish in website, blogs, magazine, newspaper or other media without my explicit written permission, thanks.

  

MALA REPUTACIÓN

(Bad Reputation)

  

Me importa un carajo mi mala reputación.

Vives en el pasado, es una nueva generación.

Una chica puede hacer lo que le plazca

Y eso es lo que voy hacer.

Y no me importa mi mala reputación.

 

Orfarra y Rapi

Bogotá 2010

©MARIAELENAMATALLANA

La reputación de las arañas no es muy buena..pero por qué no hacerles una foto????

MALA REPUTACIÓN

(Bad Reputation)

  

Me importa un carajo mi mala reputación.

Vives en el pasado, es una nueva generación.

Una chica puede hacer lo que le plazca

Y eso es lo que voy hacer.

Y no me importa mi mala reputación.

 

Shampoo

Bogotá 2010

©MARIAELENAMATALLANA

5 cosas que no sabías sobre las avispas

 

Las avispas están posiblemente entre los insectos más temidos y que peor reputación tienen entre nosotros los humanos. Esto se debe, sobre todas las cosas, a las conocidas y extremadamente dolorosas picaduras que dan cuando sienten algún tipo de amenaza sobre ellas o su territorio. Sin embargo, más allá de esa particularidad, las avispas son animales fascinantes y llenos de curiosidades que quizás no conozcas y que queremos compartir contigo.

 

5. Hay avispas sociales y avispas solitarias

La gran cantidad de especies de avispas se dividen en dos grupos según su comportamiento social: las avispas solitarias, grupo en el que se incluyen la gran mayoría de ellas; y las avispas sociales, representadas por muchas menos especies, pero que para los seres humanos son más conocidas por ser comúnmente más visibles e incluir algunas particularmente peligrosas.

 

4. Las avispas son muy diferentes de las abejas

Aunque ambas construyen nidos que les sirven de hogar, las abejas los construyen con cera, los conocidos panales, mientras que las avispas los construyen con un material semejante al papel o el cartón, que obtienen mediante la masticación de fibras de madera a las que convierten en una pulpa que se endurece al contacto con el aire. Otra diferencia que puede resultar clara en muchos casos es la forma del abdomen, que en las abejas es ensanchado y con una cintura corta y poco perceptible, mientras que las avispas presentan la conocida cintura estrecha y su abdomen es puntiagudo.

 

3. Las avispas pueden picar más de una vez

Mientras las abejas pican una sola vez en su vida porque esta les provoca el desgarro de sus órganos y por consiguiente la muerte, las avispas pueden picar reiteradas veces a su víctima, haciéndolas más peligrosas. Por cierto, un dato muy curioso es que solo las hembras tienen la capacidad de picar al ser las que portan el aguijón, que son órganos sexuales femeninos modificados con este fin.

 

2. Ayudan a controlar el ecosistema y combatir las plagas

La mayoría de las avispas son totalmente inofensivas para el hombre y juegan un poco conocido pero importantísimo papel como controladoras de otros insectos que son verdaderas plagas, sobre todo para los cultivos, prestándonos así un valioso e invaluable servicio. La mayoría de ellas se alimentan principalmente de otros insectos, a los que pueden capturar al vuelo o en reposo. Por otra parte, son un elemento esencial en la cadena de alimentación en el ecosistema, al servir a su vez de alimento a otras especies como por ejemplo, algunas aves.

 

1. Las avispas pueden parasitar a otros insectos

Algunas especies de avispasponen sus huevos en el interior del cuerpo de otras especies de insectos y, cuando nace la larva, esta se alimenta de los tejidos vivos del mismo hasta que lo mata irremediablemente.

 

www.vix.com/es/btg/curiosidades/5694/5-cosas-que-no-sabia...

 

El cancán (a veces escrito can-can ) es un baile rápido y vivaz de reputación escandalosa, cuyas principales características son los movimientos provocativos, las patadas altas y el alzamiento y movimiento de las faldas. Se originó en el siglo XIX en París y fue inmortalizado en la ópera de Offenbach Orfeo en los Infiernos (1858).

El cancán apareció por primera vez en los salones de baile de la clase trabajadora de Montparnasse en París, alrededor de 1830. Era una versión más animada del galope, un baile rápido en un compás de 2/4, el cual solía ser la figura final en la cuadrilla. Por lo tanto, el cancán era originalmente una danza para parejas, las cuales realizaban patadas altas y otros gestos con los brazos y las piernas. Se cree que éstos fueron influenciados por los movimientos de un popular animador de los años 1820s, Charles Mazurier, quien era muy conocido por sus demostraciones acrobáticas, las cuales incluían el grand écart- que más tarde sería una característica popular del cancán. Para este momento, y durante la mayor parte del siglo XIX en Francia, el baile fue también conocido como el chahut. Ambos términos son franceses, cancan significa "escándalo", mientras que chahut significa "ruido" o "alboroto".

 

A medida que los bailarines de cancán se volvieron más habilidosos y arriesgados, fue desarrollando gradualmente una existencia paralela como entretenimiento además de la forma participativa. Unos pocos hombres fueron estrellas del cancán entre los años 1840s y 1860s, pero las mujeres bailarinas fueron mucho más populares. Éstas eran mayormente cortesanas de mediana categoría, y sólo animadoras semiprofesionales- a diferencia de las bailarinas de los 1890s, tal como La Goulue y Jane Avril, quienes eran muy bien remuneradas por sus presentaciones en el Moulin Rouge y en otros lugares. Estas mujeres desarrollaron los variados movimientos de cancán que fueron luego incorporados por el coreógrafo Pierre Sandrini en el espectacular "Cancán Francés", el cual presentó en el Moulin Rouge en los 1920s y en su propio Bal Tabarin a partir de 1928. En 1924 se estrenó la primera presentación en Londres del musical "Can Can".

  

Reglas

El cancán se baila en un compás de 2/4, y en la actualidad se suele bailar en un escenario, formando una hilera. En la Francia del siglo XIX el cancán permaneció como una danza para bailarines individuales, quienes se exponían en la pista de baile. En el Reino Unido, los Estados Unidos y otros lugares, el cancán adquirió popularidad en salones de baile, en donde era bailado por grupos de mujeres con rutinas coreografiadas. Este estilo fue importado a Francia en los años 20 para el beneficio de los turistas, y así nació el Cancán Francés- una rutina altamente coreografiada que dura alrededor de diez minutos, con oportunidad para que cada bailarín muestre sus especialidades.

 

Los principales movimientos son la patada alta o battement, el rond de jambe (rápido movimiento rotativo de la pantorrilla con la rodilla levantada y la falda sostenida a lo alto), el port d'armes (girar sobre una pierna, mientras se sostiene la otra por el tobillo de forma casi vertical), el puente y el grand écart. Además, la práctica del cancán casi siempre incluye gritos, chiflidos y trinos mientras se baila.

Caja negra en

www.flickr.com/photos/cesarangel/7774538714/in/photostrea...

 

El área en la que se encuentra la galería era ya muy urbanizada en el siglo XVI y se caracterizó por una maraña de calles cortas unidas por carriles paralelos, que el Toledo floreció frente a Castel Nuovo. Estos callejones disfrutado de una mala reputación como había tabernas, casas de mala reputación y había consumido crímenes de todo tipo. El prestigio ganado durante siglos la zona permaneció durante la mayor parte del 'siglo XIX.

En la década de los ochenta del siglo XIX, la degradación tocó extremos: en las calles de rosa edificios de seis pisos, el nivel de higiene era pobre y no es de extrañar que entre 1835 y 1884 en este ámbito se habían producido nueve brotes de cólera. Bajo la presión de la opinión pública, después de la epidemia de 1884 empezó a considerar la intervención del gobierno.

En 1885 se aprobó la ley para la reorganización de la ciudad de Nápoles (que era precisamente el tiempo que la consolidación), que permite a la zona de Santa Brígida recibió una nueva definición territorial. Hubo una serie de propuestas, el proyecto consistió en diseñar un ganador Rocco Emmanuele, que se extendió más tarde por Ernesto di Mauro. Este proyecto consistió en una galería con cuatro brazos que se cruzan en un octógono de crucero cubierto por una cúpula. La demolición de los edificios existentes se inició el 01 de mayo 1887 y 05 de noviembre de ese año se colocó la primera piedra del edificio. Dentro de tres años, precisamente en 19 de noviembre 1890, la nueva galería se abrió.

La entrada principal, que se abre en la Via San Carlo, consta de una fachada de pórtico, en los que dintel tiene un pórtico sostenido por columnas de mármol travertino y dos arcos ciegos, una puerta de entrada a la galería, el "más abierta sobre"ambulatoria. Siguen un orden de ventanas serliana, separadas por pares de pilastras de la capital compuesto, y un segundo piso con ventanas de doble y pilastras similares a las anteriores. El ático tiene pares de ventanas cuadradas y pilastra capitales de la Toscana, este último se ranurado entre las ventanas.

El arco de la derecha muestra las columnas de izquierda a derecha, el 'invierno, la primavera, el 'Verano el 'Otoño, los temas tradicionales que representan el curso de los tiempos en los que están vinculados a las actividades humanas, el trabajo y el genio la ciencia. En el frontón son las de Comercio el 'Industria medio de descanso a los lados de la riqueza, los mitos de la sociedad burguesa.

El arco de la izquierda muestra las columnas, los cuatro continentes 'sde Europa, el "Asia, el «África el 'América. Los nichos están representados por el contrario, la izquierda, la Física y, a la derecha, la química. En el frontón, acostado, el Telegraph, a la derecha, y de vapor, en el flanco izquierdo de la figura de 'Abundancia. Por lo tanto, presenta una imagen positiva de la ciencia y el progreso son capaces de unificar las diferentes partes del mundo. En el techo del porche se puede ver una serie de rondas con los dioses clásicos. Los dioses son representados Diana, Crono, Venus, Júpiter, Mercurio y Juno.

Los niños fachadas tienen una estructura similar, pero sólo han estuco. La fachada de la Via Toledo elemento a ambos lados de dos pares de querubines con escudos que están representados en los emblemas de los dos colegios electorales en Nápoles: el caballo lento a derecha Capuana, y dejó un puerto para Portanova. La fachada sobre la calle Santa Brígida muestra, sus escudos rige por querubines, los emblemas de los escaños en Porto, el hombre abandonó el medio marino, y de la montaña con la montaña a la derecha. Los lados de los paneles hay dos alusiones a la guerra y la paz. La fachada de la calle Verdi, en el escudo, los emblemas de la sede del Nido, un caballo salvaje de la izquierda, y el Pueblo, con P de la derecha. Los lados de los dos paneles se alude a la abundancia y la riqueza de la tierra se caracteriza por el cultivo y la explotación de la navegación.

Interna

El interior del túnel consta de dos caminos que se cruzan en ángulo recto, cubierto por una estructura de hierro y vidrio. Delimitar el número de edificios, de los cuales cuatro han dall'ottagono acceso central. Sus fachadas reflejan la principal, de hecho, la orden inferior está dividido por grandes pilastras lisas, pintadas de mármol de imitación que enmarcan la entrada de las tiendas y altillo encima de ella. Aquí están los serliane primer plano, de conformidad con las ventanas geminadas, las ventanas cuadradas en el ático.

La bóveda, de cristal y hierro, diseñado por Paul Boubée, se las arregla para combinar a la perfección con la estructura de bloques, lo que contribuye a la estrecha relación entre las estructuras de mampostería y hierro forjado del. En las ocho enjutas de la cúpula de ocho figuras femeninas de apoyo candelabros de cobre, ya no existen. Los grandes ventiladores colocados en la cabeza de escenas complejas portar armas en el yeso, todo lo relacionado a la música. El tambor de la cúpula, decorada con ventanas de medio punto, se puede ver la estrella de David, repite en las cuatro ventanas. La razón de su presencia es aparentemente desconocido.

En el piso bajo la cúpula son mosaicos con vientos y los signos del zodíaco Padoan firmado por la empresa en Venecia, que se creó en 1952 para reemplazar el original dañada por el pisoteo y la guerra. El bombardeo provocó la destrucción de todas las cubiertas de vidrio. En los bustos de las entradas y lugares conmemorativos desaparecido y los que participaron en la ejecución del proyecto.

En el brazo de la Via Verdi es una inscripción que recuerda la posada Moriconi que en 1787 fue sede de Goethe. En lugar de entrar en el lado del Teatro San Carlo se encuentra la placa con Pablo Boubée. En el área debajo de la galería hay otro crucero, más pequeño, con una sala central de la Belle Epoque, el Salone Margherita.

La zona su cui sorge la Galleria era già intensamente urbanizzata nel XVI secolo ed era caratterizzata da un groviglio di strade parallele raccordate da brevi vicoli, che da via Toledo sboccavano di fronte a Castel Nuovo. Questi vicoli godevano di cattiva fama in quanto vi si trovavano taverne, case di malaffare e vi si consumavano delitti di ogni genere. La fama conquistata nei secoli dalla zona si mantenne per quasi tutto l'Ottocento.

Negli anni ottanta del XIX secolo il degrado toccò punte estreme: nei vicoli si levavano edifici a sei piani, la situazione igienica era pessima e non fa meraviglia che tra il 1835 ed il 1884 in questa area si fossero verificate ben nove epidemie di colera. Sotto la spinta dell'opinione pubblica, dopo l'epidemia del 1884 si cominciò a considerare un intervento governativo.

Nel 1885 fu approvata la Legge per il risanamento della città di Napoli (quel periodo fu appunto detto del risanamento), grazie alla quale la zona di Santa Brigida ricevette una nuova definizione territoriale. Furono presentate varie proposte, il progetto che risultò vincente fu quello dell'ingegner Emmanuele Rocco, che fu poi ampliato da Ernesto di Mauro. Tale progetto prevedeva una galleria a quattro braccia che si intersecavano in una crociera ottagonale coperta da una cupola. Le demolizioni degli edifici preesistenti iniziarono il 1 maggio 1887 ed il 5 novembre dello stesso anno fu posta la prima pietra dell'edificio. Nel giro di tre anni, precisamente il 19 novembre 1890, la nuova galleria veniva inaugurata.

L'ingresso principale, che si apre su via San Carlo, è costituito da una facciata ad esedra, che in basso, presenta un porticato architravato, retto da colonne di travertino e due archi ciechi, l'uno d'accesso alla galleria, l'altro aperto sull'ambulacro. Seguono un ordine di finestre a serliana, separate da coppie di lesene dal capitello composito, ed un secondo piano con finestre a bifora e lesene simili alle precedenti. L'attico presenta coppie di finestre quadrate e lesene dal capitello tuscanico, quest'ultime tra le finestre sono scanalate.

L'arco di destra mostra, sulle colonne, da sinistra verso destra, l'Inverno, la Primavera, l'Estate e l'Autunno, soggetti tradizionali che rappresentano lo svolgersi del tempo a cui sono legate le attività umane, il Lavoro e il Genio della scienza. Sul fastigio troviamo il Commercio e l'Industria semisdraiati ai lati della Ricchezza, miti della società borghese.

L'arco di sinistra mostra, sulle colonne, i quattro continenti l'Europa, l'Asia, l'Africa e l'America. Nelle nicchie invece sono rappresentati, a sinistra, la Fisica e, a destra, la Chimica. Sul fastigio, sdraiati, il Telegrafo, a destra, e il Vapore, a sinistra che affiancano la figura dell'Abbondanza. Si presenta dunque un'immagine positiva della scienza e del progresso capaci di unificare le diverse parti del mondo. Nel soffitto del porticato si notano una serie di tondi con divinità classiche. Gli dei raffigurati sono Diana, Crono, Venere, Giove, Mercurio e Giunone.

Le facciate minori hanno una struttura simile ma presentano unicamente decorazioni in stucco. La facciata su via Toledo reca, ai lati dell'ingresso, due coppie di putti con scudi nei quali sono rappresentati gli emblemi dei due seggi di Napoli: il cavallo frenato per Capuana a destra, ed una porta per Portanova a sinistra. La facciata su via Santa Brigida presenta, negli scudi retti dai putti, gli emblemi dei seggi di Porto, con l'uomo marino a sinistra, e di Montagna con i monti a destra. Ai lati dell'arco ci sono due pannelli allusivi alla guerra e alla pace. La facciata di via Verdi ha, negli scudi, gli emblemi del seggio di Nido, con un cavallo sfrenato a sinistra, e del Popolo, con la P a destra. Ai lati dell'arco sono presenti due pannelli allusivi all'abbondanza e alla ricchezza caratterizzati dalla coltivazione della terra e dall'esercizio della navigazione.

Interno

L'interno della galleria è costituito da due strade che si incrociano ortogonalmente, coperte da una struttura in ferro e vetro. Le delimitano alcuni palazzi, quattro dei quali con accesso dall'ottagono centrale. Le loro facciate rispecchiano quella principale, infatti l'ordine inferiore è diviso da grandi lesene lisce, dipinte a finto marmo che inquadrano gli ingressi dei negozi e dei soprastanti mezzanini. Seguono al primo piano le serliane, al secondo le bifore, nell'attico le finestre quadrate.

La volta, in vetro e ferro, progettata da Paolo Boubée, riesce ad armonizzarsi perfettamente con la struttura in muratura, a ciò contribuisce lo stretto rapporto fra le strutture portanti in muratura e quelle in ferro. Negli otto pennacchi della cupola otto figure femminili in rame sostenevano lampadari, ormai non più esistenti. Gli ampi ventagli posti nelle testate dei bracci recano complesse scene in stucco, tutte in relazione con la musica. Sul tamburo della cupola, decorato con finestre a semicerchio, è visibile la Stella di Davide, riproposta in tutte e quattro le finestre. La ragione della sua presenza è apparentemente sconosciuta.

Nel pavimento sotto la cupola si trovano mosaici con venti e segni dello zodiaco firmati dalla ditta Padoan di Venezia, che li realizzò nel 1952 a sostituzione degli originali danneggiati dal calpestio e dalla guerra. I bombardamenti provocarono la distruzione di tutte le coperture in vetro. Presso gli ingressi busti e lapidi commemorano luoghi scomparsi e coloro che parteciparono alla realizzazione dell'opera.

Nel braccio verso via Verdi si trova una scritta che ricorda la locanda Moriconi che nel 1787 aveva ospitato Goethe. Entrando invece del lato del Teatro San Carlo ci si imbatte nella lapide dedicata a Paolo Boubée. Nella parte sottostante la Galleria esiste un'altra crociera, di dimensioni minori, con al centro il teatro della Belle Epoque, il Salone Margherita.

MALA REPUTACIÓN

(Bad Reputation)

  

Me importa un carajo mi mala reputación.

Vives en el pasado, es una nueva generación.

Una chica puede hacer lo que le plazca

Y eso es lo que voy hacer.

Y no me importa mi mala reputación.

 

Shampoo

Bogotá 2010

©MARIAELENAMATALLANA

Ovejero alemán .La raza ovejero alemán es la más popular de la Argentina y una de las más populares del mundo. Su reputación se debe a varios factores. Uno de ellos es que el perro de raza ovejero alemán presenta una gran capacidad para el aprendizaje y una excelente respuesta al entrenamiento de obediencia. Otro se relaciona con el comportamiento de guardia, ya que la raza de perro ovejero alemán tiene una de las más altas puntuaciones en lo que respecta a defensa territorial y a su actitud de ladrido ante situaciones de posible invasión de su territorio.

 

Sin embargo, el factor que probablemente explique su enorme popularidad lo constituye su gran versatilidad, quizá la mayor entre todas las razas existentes. El ovejero alemán es utilizado para cumplir diversas funciones, entre las que podemos mencionar la de guardia, guía de ciegos, detector de drogas y explosivos, salvataje y su muy difundida aptitud como compañero de familia. Por lo tanto, si uno quiere adquirir un ejemplar de raza ovejero alemán deberá previamente estudiar profundamente la línea genética a la que pertenecen los posibles candidatos a ser incorporados a la familia, a fin de elegir el que mejor se adecue a sus necesidades.

 

Otra característica a resaltar es su estabilidad emocional. En general, son perros equilibrados, aunque lamentablemente su alta popularidad está llevando a una crianza indiscriminada que da como resultado la aparición de ejemplares muy inestables. Esta inestabilidad se caracteriza por un excesivo temor o la desmesurada agresividad, o lo que es peor, una combinación de ambas conductas. Por este motivo resulta imprescindible no sólo una profunda evaluación del pedigrí, sino también del cachorro en cuestión antes de su adquisición.

 

Para la convivencia, el ovejero alemán es un perro vigoroso, bastante excitable y activo. Es esencial que su dueño le provea mucha ejercitación diaria, que contribuirá a una convivencia armónica con la familia. En cuanto a su relación con los niños, puede ser un buen compañero ya que es un perro altamente sociable y está casi siempre dispuesto al juego. Sin embargo, muchas personas repiten que un ovejero alemán tiene más paciencia con los niños que cualquier ser humano. Por esta falsa creencia muchos padres no supervisan la relación que sus hijos establecen con su perro o permiten que tengan un trato inadecuado para con el animal. Este tipo de actitud puede traer como consecuencia una respuesta agresiva por parte del perro, a quien se acusará de la agresión, aunque en realidad no sea el responsable.

 

Una de las características negativas de la raza suele ser su comportamiento destructivo de objetos y muebles, sobre todo cuando se lo deja solo durante algunas horas. Es necesario tener esto en cuenta a fin de proveerle al perro elementos adecuados, para no tener que lamentar roturas.

 

Finalmente, resulta necesario saber que los ejemplares de esta raza, en especial los machos, pueden ser agresivos con otros perros y bastante dominantes con sus propietarios. Requieren una educación y un entrenamiento de obediencia adecuados, ya que en caso contrario la convivencia puede ser bastante complicada. Para quienes no saben nada de perros se recomienda en consecuencia adquirir una hembra. De todos modos, la mayoría de los problemas de agresividad que se presentan en esta raza suelen ser producto de perros dominantes que han recibido una educación inadecuada por parte de sus dueños y un mal entrenamiento de obediencia por parte de muchos adiestradores que utilizan el castigo como método básico de enseñanza. La gran capacidad de aprendizaje y adaptabilidad del ovejero alemán hace que estos animales respondan bien a técnicas de enseñanza inadecuadas que a largo plazo llevan a la aparición de serios trastornos de conducta. Por esta razón, resulta imprescindible asesorarse muy bien antes de elegirles un instructor.

 

Podemos afirmar que, salvo en algunos casos, el ovejero alemán es un excelente perro. No obstante, antes de adquirir un cachorro de esta raza uno debería preguntarse si está en condiciones de convertirse en un excelente dueño.

Fuente : Comportamiento animal . (Gerzovich Lis)

    

La buena reputación es conveniente dejarla caer a los pies de la cama.

Hoy tienes una ocasión de demostrar que eres una mujer además de una dama...

   

Joaquín Sabina

  

Despues de la locura en mi ultima foto me veo obligado a limpiar mi reputacion, pues a finales de mes en la revista digital foto publicaran alguna foto mia con el enlace a mi flickr (supongo) y no quiero asustar al personal jajajaja

Gracias a tod@s los que jugasteis en la ultima foto, fué divertidisimo!!!!

 

------

porfavor no uses mis fotos, si estas interesado en alguna ponte en contacto conmigo.

 

Please don't use my pics.If you are interested in this pic contact me.

 

email: rugercm@gmail.com

 

El área en la que se encuentra la galería era ya muy urbanizada en el siglo XVI y se caracterizó por una maraña de calles cortas unidas por carriles paralelos, que el Toledo floreció frente a Castel Nuovo. Estos callejones disfrutado de una mala reputación como había tabernas, casas de mala reputación y había consumido crímenes de todo tipo. El prestigio ganado durante siglos la zona permaneció durante la mayor parte del 'siglo XIX.

En la década de los ochenta del siglo XIX, la degradación tocó extremos: en las calles de rosa edificios de seis pisos, el nivel de higiene era pobre y no es de extrañar que entre 1835 y 1884 en este ámbito se habían producido nueve brotes de cólera. Bajo la presión de la opinión pública, después de la epidemia de 1884 empezó a considerar la intervención del gobierno.

En 1885 se aprobó la ley para la reorganización de la ciudad de Nápoles (que era precisamente el tiempo que la consolidación), que permite a la zona de Santa Brígida recibió una nueva definición territorial. Hubo una serie de propuestas, el proyecto consistió en diseñar un ganador Rocco Emmanuele, que se extendió más tarde por Ernesto di Mauro. Este proyecto consistió en una galería con cuatro brazos que se cruzan en un octógono de crucero cubierto por una cúpula. La demolición de los edificios existentes se inició el 01 de mayo 1887 y 05 de noviembre de ese año se colocó la primera piedra del edificio. Dentro de tres años, precisamente en 19 de noviembre 1890, la nueva galería se abrió.

La entrada principal, que se abre en la Via San Carlo, consta de una fachada de pórtico, en los que dintel tiene un pórtico sostenido por columnas de mármol travertino y dos arcos ciegos, una puerta de entrada a la galería, el "más abierta sobre"ambulatoria. Siguen un orden de ventanas serliana, separadas por pares de pilastras de la capital compuesto, y un segundo piso con ventanas de doble y pilastras similares a las anteriores. El ático tiene pares de ventanas cuadradas y pilastra capitales de la Toscana, este último se ranurado entre las ventanas.

El arco de la derecha muestra las columnas de izquierda a derecha, el 'invierno, la primavera, el 'Verano el 'Otoño, los temas tradicionales que representan el curso de los tiempos en los que están vinculados a las actividades humanas, el trabajo y el genio la ciencia. En el frontón son las de Comercio el 'Industria medio de descanso a los lados de la riqueza, los mitos de la sociedad burguesa.

El arco de la izquierda muestra las columnas, los cuatro continentes 'sde Europa, el "Asia, el «África el 'América. Los nichos están representados por el contrario, la izquierda, la Física y, a la derecha, la química. En el frontón, acostado, el Telegraph, a la derecha, y de vapor, en el flanco izquierdo de la figura de 'Abundancia. Por lo tanto, presenta una imagen positiva de la ciencia y el progreso son capaces de unificar las diferentes partes del mundo. En el techo del porche se puede ver una serie de rondas con los dioses clásicos. Los dioses son representados Diana, Crono, Venus, Júpiter, Mercurio y Juno.

Los niños fachadas tienen una estructura similar, pero sólo han estuco. La fachada de la Via Toledo elemento a ambos lados de dos pares de querubines con escudos que están representados en los emblemas de los dos colegios electorales en Nápoles: el caballo lento a derecha Capuana, y dejó un puerto para Portanova. La fachada sobre la calle Santa Brígida muestra, sus escudos rige por querubines, los emblemas de los escaños en Porto, el hombre abandonó el medio marino, y de la montaña con la montaña a la derecha. Los lados de los paneles hay dos alusiones a la guerra y la paz. La fachada de la calle Verdi, en el escudo, los emblemas de la sede del Nido, un caballo salvaje de la izquierda, y el Pueblo, con P de la derecha. Los lados de los dos paneles se alude a la abundancia y la riqueza de la tierra se caracteriza por el cultivo y la explotación de la navegación.

Interna

El interior del túnel consta de dos caminos que se cruzan en ángulo recto, cubierto por una estructura de hierro y vidrio. Delimitar el número de edificios, de los cuales cuatro han dall'ottagono acceso central. Sus fachadas reflejan la principal, de hecho, la orden inferior está dividido por grandes pilastras lisas, pintadas de mármol de imitación que enmarcan la entrada de las tiendas y altillo encima de ella. Aquí están los serliane primer plano, de conformidad con las ventanas geminadas, las ventanas cuadradas en el ático.

La bóveda, de cristal y hierro, diseñado por Paul Boubée, se las arregla para combinar a la perfección con la estructura de bloques, lo que contribuye a la estrecha relación entre las estructuras de mampostería y hierro forjado del. En las ocho enjutas de la cúpula de ocho figuras femeninas de apoyo candelabros de cobre, ya no existen. Los grandes ventiladores colocados en la cabeza de escenas complejas portar armas en el yeso, todo lo relacionado a la música. El tambor de la cúpula, decorada con ventanas de medio punto, se puede ver la estrella de David, repite en las cuatro ventanas. La razón de su presencia es aparentemente desconocido.

En el piso bajo la cúpula son mosaicos con vientos y los signos del zodíaco Padoan firmado por la empresa en Venecia, que se creó en 1952 para reemplazar el original dañada por el pisoteo y la guerra. El bombardeo provocó la destrucción de todas las cubiertas de vidrio. En los bustos de las entradas y lugares conmemorativos desaparecido y los que participaron en la ejecución del proyecto.

En el brazo de la Via Verdi es una inscripción que recuerda la posada Moriconi que en 1787 fue sede de Goethe. En lugar de entrar en el lado del Teatro San Carlo se encuentra la placa con Pablo Boubée. En el área debajo de la galería hay otro crucero, más pequeño, con una sala central de la Belle Epoque, el Salone Margherita.

La zona su cui sorge la Galleria era già intensamente urbanizzata nel XVI secolo ed era caratterizzata da un groviglio di strade parallele raccordate da brevi vicoli, che da via Toledo sboccavano di fronte a Castel Nuovo. Questi vicoli godevano di cattiva fama in quanto vi si trovavano taverne, case di malaffare e vi si consumavano delitti di ogni genere. La fama conquistata nei secoli dalla zona si mantenne per quasi tutto l'Ottocento.

Negli anni ottanta del XIX secolo il degrado toccò punte estreme: nei vicoli si levavano edifici a sei piani, la situazione igienica era pessima e non fa meraviglia che tra il 1835 ed il 1884 in questa area si fossero verificate ben nove epidemie di colera. Sotto la spinta dell'opinione pubblica, dopo l'epidemia del 1884 si cominciò a considerare un intervento governativo.

Nel 1885 fu approvata la Legge per il risanamento della città di Napoli (quel periodo fu appunto detto del risanamento), grazie alla quale la zona di Santa Brigida ricevette una nuova definizione territoriale. Furono presentate varie proposte, il progetto che risultò vincente fu quello dell'ingegner Emmanuele Rocco, che fu poi ampliato da Ernesto di Mauro. Tale progetto prevedeva una galleria a quattro braccia che si intersecavano in una crociera ottagonale coperta da una cupola. Le demolizioni degli edifici preesistenti iniziarono il 1 maggio 1887 ed il 5 novembre dello stesso anno fu posta la prima pietra dell'edificio. Nel giro di tre anni, precisamente il 19 novembre 1890, la nuova galleria veniva inaugurata.

L'ingresso principale, che si apre su via San Carlo, è costituito da una facciata ad esedra, che in basso, presenta un porticato architravato, retto da colonne di travertino e due archi ciechi, l'uno d'accesso alla galleria, l'altro aperto sull'ambulacro. Seguono un ordine di finestre a serliana, separate da coppie di lesene dal capitello composito, ed un secondo piano con finestre a bifora e lesene simili alle precedenti. L'attico presenta coppie di finestre quadrate e lesene dal capitello tuscanico, quest'ultime tra le finestre sono scanalate.

L'arco di destra mostra, sulle colonne, da sinistra verso destra, l'Inverno, la Primavera, l'Estate e l'Autunno, soggetti tradizionali che rappresentano lo svolgersi del tempo a cui sono legate le attività umane, il Lavoro e il Genio della scienza. Sul fastigio troviamo il Commercio e l'Industria semisdraiati ai lati della Ricchezza, miti della società borghese.

L'arco di sinistra mostra, sulle colonne, i quattro continenti l'Europa, l'Asia, l'Africa e l'America. Nelle nicchie invece sono rappresentati, a sinistra, la Fisica e, a destra, la Chimica. Sul fastigio, sdraiati, il Telegrafo, a destra, e il Vapore, a sinistra che affiancano la figura dell'Abbondanza. Si presenta dunque un'immagine positiva della scienza e del progresso capaci di unificare le diverse parti del mondo. Nel soffitto del porticato si notano una serie di tondi con divinità classiche. Gli dei raffigurati sono Diana, Crono, Venere, Giove, Mercurio e Giunone.

Le facciate minori hanno una struttura simile ma presentano unicamente decorazioni in stucco. La facciata su via Toledo reca, ai lati dell'ingresso, due coppie di putti con scudi nei quali sono rappresentati gli emblemi dei due seggi di Napoli: il cavallo frenato per Capuana a destra, ed una porta per Portanova a sinistra. La facciata su via Santa Brigida presenta, negli scudi retti dai putti, gli emblemi dei seggi di Porto, con l'uomo marino a sinistra, e di Montagna con i monti a destra. Ai lati dell'arco ci sono due pannelli allusivi alla guerra e alla pace. La facciata di via Verdi ha, negli scudi, gli emblemi del seggio di Nido, con un cavallo sfrenato a sinistra, e del Popolo, con la P a destra. Ai lati dell'arco sono presenti due pannelli allusivi all'abbondanza e alla ricchezza caratterizzati dalla coltivazione della terra e dall'esercizio della navigazione.

Interno

L'interno della galleria è costituito da due strade che si incrociano ortogonalmente, coperte da una struttura in ferro e vetro. Le delimitano alcuni palazzi, quattro dei quali con accesso dall'ottagono centrale. Le loro facciate rispecchiano quella principale, infatti l'ordine inferiore è diviso da grandi lesene lisce, dipinte a finto marmo che inquadrano gli ingressi dei negozi e dei soprastanti mezzanini. Seguono al primo piano le serliane, al secondo le bifore, nell'attico le finestre quadrate.

La volta, in vetro e ferro, progettata da Paolo Boubée, riesce ad armonizzarsi perfettamente con la struttura in muratura, a ciò contribuisce lo stretto rapporto fra le strutture portanti in muratura e quelle in ferro. Negli otto pennacchi della cupola otto figure femminili in rame sostenevano lampadari, ormai non più esistenti. Gli ampi ventagli posti nelle testate dei bracci recano complesse scene in stucco, tutte in relazione con la musica. Sul tamburo della cupola, decorato con finestre a semicerchio, è visibile la Stella di Davide, riproposta in tutte e quattro le finestre. La ragione della sua presenza è apparentemente sconosciuta.

Nel pavimento sotto la cupola si trovano mosaici con venti e segni dello zodiaco firmati dalla ditta Padoan di Venezia, che li realizzò nel 1952 a sostituzione degli originali danneggiati dal calpestio e dalla guerra. I bombardamenti provocarono la distruzione di tutte le coperture in vetro. Presso gli ingressi busti e lapidi commemorano luoghi scomparsi e coloro che parteciparono alla realizzazione dell'opera.

Nel braccio verso via Verdi si trova una scritta che ricorda la locanda Moriconi che nel 1787 aveva ospitato Goethe. Entrando invece del lato del Teatro San Carlo ci si imbatte nella lapide dedicata a Paolo Boubée. Nella parte sottostante la Galleria esiste un'altra crociera, di dimensioni minori, con al centro il teatro della Belle Epoque, il Salone Margherita.

Sin reputación no hay respeto conozco esta zona

esta mona no se anda por las rama

hablo claro consecuencias llegan

si me necesitas llama ¿Porqué no? ♫

 

- Esta cancion la YEAH ! o no feñA ?

 

RE: prestigio,mala fama, fantochismo cronico, egoismo ambulante, ambición de midas, reconocimiento prematuro,

cuartico de hora, hagame famoso.

PUTACIÓN: Hola bebe que mas pues.

130x97 cms.

Trabajo con Herzog

La reputación internacional de Kinski se forjó gracias a sus colaboraciones con el director Werner Herzog —a quien, curiosamente, había conocido cuando Herzog era todavía un niño, pues habían compartido pensión en Múnich. Protagonizó cinco de sus cintas: Nosferatu, el vampiro un film clásico del terror que alberga una de sus mejores actuaciones, en un papel hecho a su medida, Aguirre: la cólera de Dios (o Aguirre, la ira de Dios), Woyzeck, Fitzcarraldo y Cobra verde.

Entre Herzog y Kinski siempre hubo una difícil relación profesional que se podría calificar de amor-odio y que quedó plasmada en el documental Mi enemigo íntimo, en el que Herzog afirma que ambos llegaron a planear asesinarse mutuamente.

De hecho Kinski habló de Herzog de la siguiente forma:

Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de la cabeza a los pies. Su supuesto "talento" consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, y eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablar.

Klaus Kinsky

Ya desde un inicio, las tensiones en el tándem Herzog-Kinski habían tocado picos peligrosos y se amenazaron de muerte en repetidas ocasiones. Por otro lado, la actitud de divo que ostentaba Kinski en las filmaciones le granjeó numerosos enemigos, hasta el punto de que, según Herzog, en una ocasión un jefe indio se le ofreció para matar a Kinski. El actor plasmó su rencor y resentimiento hacia Herzog en su autobiografía, en la que dice, refiriéndose a Herzog: "sucio bastardo, que no sabe nada de cine, todo lo rodé yo, no tiene nada de cultura, es un analfabeto" y sigue "le rompería la cara, le cortaría la cabeza, lo mataré con mi fusil de balines".[cita requerida] Afirma también que es un "cagado y gallina", que le tiene miedo a los indígenas, y que es un cruel y vil que maltrata a los animales y a la gente de su troupe. En fin, para completar el cuadro, hay que decir que Werner Herzog afirma que estos insultos fueron una maniobra publicitaria planeada por ambos.

La más turbulenta colaboración de Kinski con Herzog fue, sin duda, Cobra verde, en la que representaba al tratante de esclavos Francisco Manoel Da Silva. Durante el rodaje, Kinski atacó físicamente a Herzog y abandonó la filmación sin haber concluido la película. Dicho episodio terminó de romper la relación entre Kinski y Herzog.

Fuente Wikipedia.

En mi pueblo sin pretensión

Tengo mala reputación,

Haga lo que haga es igual

Todo lo consideran mal,

Yo no pienso pues hacer ningún daño

Queriendo vivir fuera del rebaño;

No, a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe.

No, a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Todos todos me miran mal

Salvo los ciegos, es natural.

 

Cuando la fiesta nacional

Yo me quedo en la cama igual,

Que la música militar

Nunca me pudo levantar.

En el mundo pues no hay mayor pecado

Que el de no seguir al abanderado.

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Todos me muestran con el dedo

Salvo los mancos, quiero y no puedo.

 

Si en la calle corre un ladrón

Y a la zaga va un ricachón

Zancadilla doy al señor

Y he aplastado al perseguidor.

Eso sí que sí que será una lata

Siempre tengo yo que meter la pata.

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Y a la gente no gusta que

Uno tenga su propia fe.

Tras de mí todos a correr

Salvo los cojos, es de creer.

 

Ya sé con mucha precisión

Como acabará la función

No les falta más que el garrote

Pa' matarme como un coyote

A pesar de que no arme ningún lío

¡Con que no va a Roma, el camino mío!

Que a le gente no gusta que

Uno tenga su propia fe

Que a le gente no gusta que

Uno tenga su propia fe.

Tras de mí todos a ladrar

Salvo los mudos, es de pensar.

  

Georges Brassens

   

-----------------------------------------------------------

Nos encanta el sentido del humor que tiene esta letra.

Pongo aquí el enlace a la canción en Youtube. ^__~

 

www.youtube.com/watch?v=lM3IBOkkeCw

MALA REPUTACIÓN

(Bad Reputation)

  

Me importa un carajo mi mala reputación.

Vives en el pasado, es una nueva generación.

Una chica puede hacer lo que le plazca

Y eso es lo que voy hacer.

Y no me importa mi mala reputación.

 

Orfarra

Bogotá 2010

©MARIAELENAMATALLANA

MALA REPUTACIÓN

(Bad Reputation)

  

Me importa un carajo mi mala reputación.

Vives en el pasado, es una nueva generación.

Una chica puede hacer lo que le plazca

Y eso es lo que voy hacer.

Y no me importa mi mala reputación.

 

Rapi

Bogotá 2010

©MARIAELENAMATALLANA

via

 

La cobra real, o cobra rey o también conocida como serpiente cobra es un depredador largo, muy elegante y mortal se encuentra en el sureste asiático es una especie preciosa, que es famosa por ser la víbora mas venenosa a lo largo del planeta.

 

La serpiente cobra rey es un padre dedicado que se mueve por medio de los matorrales subtropicales de los bosques del sureste asiático que marcan su territorio a lo largo del camino. Extraordinariamente territorial. La Rey Cobra es un peligroso reptil con una reputación temible y leyendas contadas desde hace bastante tiempo que están conectados a su existencia.

 

Es el único miembro de la familia Elapidae que no es técnicamente una ‘verdadera cobra’ y, por consiguiente, no está clasificado en el género de la ‘Naja’. No obstante, se sabe para la caza de otras cobras en la naturaleza.

 

Descripción física

 

Cobra real en su habitat

 

El tamaño medio de la cobra real es entre 3.5 y 5 metros con un cuerpo de piel con gracia largo, delgado y suave. Ha habido múltiples informes que señalan que esta víbora puede lograr una longitud mayor de 5 metros con lo que es la víbora venenosa más larga del planeta. El peso promedio de las especies es de en torno a 6 kg, si bien puede ser más pesado si criados en cautividad. El espécimen más largo conocido con un tamaño de 5.7 m. Se mantuvo en cautiverio en el parque zoológico de la ciudad de Londres. El espécimen más pesadas del Rey Cobra se sostuvo a la Zoological Park New York en 1972. La víbora pesaba 12.7 kg y media 4.4 m.

 

Largo de la cobra real, desierto

 

Con una longitud media de hasta 5 metros, la cobra real es la víbora venenosa más larga del planeta?.

Pese a su importante tamaño y el capó alargado, Las serpientes cobras rey nacen como los depredadores que son veloces, diligentes y venenosísimas. Ellos se pueden distinguir de cobras asiáticas por el tamaño de la campana que es parcialmente grande y las rayas del galón en el cuello que es una sola forma (ojo doble en el caso de cobras comunes). Esta especie fue descrita por vez primera por el conocido zoólogo danés Theodore Edward Cantor en una de sus publicaciones que se publicaron nuevamente en 1836. El promedio de vida de la cobra real es de en torno entre 16 y 18 años. No obstante, en cautiverio, que puede vivir hasta 20 años.

 

Cobra Real hábitat y distribución geográfica

 

La cobra real habita de manera especial los bosques subtropicales del sureste asiático donde radica en madrigueras o bien arbustos gruesos. Prefiere los bosques de altura espesos que salpican con agua o bien lagos, y asimismo se pueden localizar en los pastizales. Por lo general, las viboras cobras ocupan matorrales de bambú llenos de presas potenciales o bien manglares espesos en zonas de anidación son rebosantes. Prefieren un tiempo húmedo donde la temperatura es de cerca de 35 grados centígrados. En consecuencia, la víbora puede encontrarse de manera frecuente en las zonas subtropicales. Debido a la destrucción del hábitat, muchas cobras rey escapan cara áreas agrícolas y por tanto se exponen a los humanos. Esto ha dado sitio a múltiples incidentes en los que o son asesinados, capturados o bien los ataques de víboras como una acción de autodefensa.

 

Natación de la cobra real en el agua

 

Conocido como un bañista, el Rey Cobra habita en los bosques que se hallan cerca de los riachuelos y estanques.?

 

La cobra real habita en los bosques del sureste de Asia las zonas que ocupan como Bangladesh, el sur de China y el este de la India. Otros países como Bután, Myanmar, Laos, Indonesia, Nepal y unas partes del sur de Filipinas asimismo sostienen una cierta población de la cobra real. La especie asimismo se pueden localizar en Singapur, Tailandia y Vietnam. No obstante, debido a la destrucción de los bosques, la especie ha sufrido una minoración masiva de la población en la mayor parte de los países citados previamente.

 

Domador de King Cobra

 

Anatomía

 

Las cobras reales son delgadas, especies largas y diligentes con una cabeza encajada aproximadamente, que es ancha y aplanada. La serpiente real es de color verde oliva, negro o bien bronceada con las bandas cruzadas de color amarillo pálido que se distribuyen durante su longitud del cuerpo. La cabeza de un maduro de la cobra real es enorme, grande en apariencia con 15 filas de escamas dorsales que se ejecutan a lo largo del centro. Al paso que los hombres exhiben alrededor de 235 a 250 escalas a lo largo del lado ventral, las hembras tienen un total de 239 – 275 escalas. Las escalas subcaudales son ya sea solo o bien en pares que mejoran todavía más las complicadas escalas en su cuerpo resplandeciente. Los cobertizos de víbora o bien mudas múltiples veces por año y una nueva piel se cultiva con tapas de ojo tras cada etapa de muda.

 

Siguiente de la campana de la cobra real

 

La campana es mayor en comparación con una cobra común y se extiende durante costillas cervicales extendidos.

 

La campana de la cobra real es más grande en tamaño en comparación con una cobra común que se ensancha abierta cuando se agita la víbora. Se extiende mediante las costillas cervicales extendidos que se abren a desplegarse piel suelta que es bastante equiparable con un paraguas. Los colmillos de 2 pulgadas de largo que sobresalen de su boca son largos, afilados y fijo. La víbora emplea estos colmillos como una aguja hipodérmica para proveer el veneno de las glándulas salivales en su presa.

 

Alimentacion de la Serpiente Cobra Rey

 

Conocido por ser un escalador simple y bañista, el Rey Cobra habita en los bosques que se hallan cerca de los riachuelos y estanques. La razón tras esto es que la especie prefiere un tiempo tropical, donde el alimento es rebosante. Un bosque rico y floración que cobija una serie de pequeños roedores y reptiles forman gran parte de la dieta de la cobra real. Se nutre primordialmente de pequeños víboras, tanto venenosas y no venenosas, aves y roedores.

 

Su dieta incluye víboras rata, pitones, cobras y kraits. En situaciones de escasez, el Rey Cobra asimismo puede alimentarse de pájaros, lagartos y en ciertos casos asimismo se puede comer uno de su clase, en especial jovenes king cobras.

 

Presa

 

Las adaptaciones físicas de la cobra real hacen que sea un notable depredador en su hábitat natural con enormes colmillos que dejan fuera suficiente veneno mortal para hacer una persona ciega. Su morfología ha sido objeto de intensa investigación y se ha observado que la cobra real prefiere un hábitat tropical que sea lleno de vida. La especie es diurna en la naturaleza que se sostiene cerca de agua y asimismo se considera un depredador de emboscada. El pequeño cuerpo de la víbora y la estructura aerodinámica la dejan nadar de forma fácil en lagos o bien estanques en pos de kraits (víboras venenosas elapid) y pequeños reptiles .

 

La serpiente cobra rey comer otras víbora que son mascota en Khon Kaen, Tailandia

 

El nombre significa ‘Ophiophagus’ ‘comedor de serpiente’ y se refiere a la capacidad de la cobra real a devorar otras víboras como comestible.?

 

La serpiente real no tiene oídos externos no obstante, usa su lengua bífida para recoger partículas en el aire desde el aire que estimulan un receptor sensorial llamado órgano de Jacobson, un órgano que está presente en el techo de la boca. La especie recoge vibraciones que ondulan por medio de su piel y transmiten a la calavera y más en el tambor del oído interno. La cobra rey además de esto contiene las olas de calor para advertir a sus presas a lo largo de la noche, que puede ser de 100 yardas de distancia. Tras consumir una comida grande, la cobra real puede vivir sin comestibles a lo largo de meses puesto que tiene una baja tasa metabólica.

 

King Cobra tragar mascota víbora, Khon Kaen, Tailandia.

 

Se tragan la presa entera?

 

De las mejores adaptaciones físicas de la cobra real es su veneno que afecta el nervio y el sistema cardiovascular. La especie es capaz de dar una mordedura que forma una dosis de 200 a 500 mg de veneno. El veneno de la cobra real es capaz de matar a los animales tan grandes como un elefante. Cuando se inyecta el veneno de la víbora consume la especie entera y, en ocasiones puede envolverse en torno a su presa para constreñir a la muerte. Si es mordido por una cobra real, la víctima en general padece de dolor agudo, visión turbia, somnolencia, parálisis y por último la muerte.

 

Depredador

 

La cobra real es una suerte de orgullo que difícilmente se encara a cualquier oponente en la naturaleza. No obstante, sí tiene unos predadores naturales como la mangosta y aves como el águila real. Normalmente, la especie tiende a eludir la confrontación con los humanos, mas pueden ser muy violentos si se les provoca. Cuando se siente conminado, la cobra rey levanta su cuerpo a una tercera parte de su longitud y se extiende su capó mostrando sus colmillos violentamente para el depredador. La especie es muy territorial y advierte movimientos con sencillez. Se puede dar múltiples picaduras que tienen la capacidad de agredir con una gran distancia. Grandes ciempiés, mangostas y lagartos de manera frecuente se nutren de los huevos de una serpiente cobra rey.

 

La cobra real habita en bosques espesos y es realmente bastante reducido por la naturaleza. Que la naturaleza se cambia a lo largo de la época de apareamiento. A lo largo de este periodo, la serpiente cobra de sexo masculino rara vez tienede a ser realmente violentos y territoriales. La especie tiende a silbar con cualquiera de sus depredadores naturales, un sonido que se refiere de manera frecuente como un gruñido. Si bien la mayor parte de las víboras silban a una frecuencia. La cobra rey gruñe continuamente en una frecuencia que está bajo 2500 Hz. Esta especie se encara a unos depredadores que no sean la mangosta veloz y diligente. Puede ser asesinada por los humanos si hay exposición repentina.

 

Cobra Rey Ciclo Reproductivo

 

La cobras reales son territoriales a lo largo de la época de reproducción, un tiempo en el que las hembras emiten feromonas que atraen a parejas potenciales. La temporada de apareamiento empieza en el primer mes del año y empieza con una muda en la que estas feromonas se anexan. Un macho de la cobra real puede combatir o bien competir por exactamente la misma hembra a través de un procedimiento conocido como la ‘Lucha del cuello’. Las dos víboras se enroscan cerca de la otra y intentar empujar cara abajo el otro como un acto de dominación. Esto es cuando el cortejo empieza y las películas de sexo masculino con su lengua sobre la hembra y espera a la aceptación. Si bien muchos machos cobras rey compiten por exactamente la misma hembra, que son conocidos por ser realmente exigente.

 

El apareamiento en sí tiene una duración de veinte minutos a un mínimo en el que los 2 entrelazan sus cuerpos juntos, y habitualmente se quedan adheridas después a lo largo de horas o bien aun días. En torno a 8 semanas después, a lo largo del mes de abril o bien principios de mayo, la hembra de la cobra real genera múltiples huevos en un nido que se fundamenta sobre todo el empleo de ramas y hojas. 20 a 30 días ya antes de este embrague, la hembra elabora el nido a través de la colección de ramas y hojas por el bucle su cola cerca de la pila desperdigada. El montículo de anidación puede medir de 3 a 5 metros de radio en el que la hembra pone en torno a 2 y 40 huevoes. El periodo de incubación lleva adelante a lo largo de 11 a 12 semanas en el que la hembra se cerciora de que la temperatura se sostiene estable (28 grados Celsius) a fin de que los huevos eclosionan.

 

Al tiempo que los huevos están bajo la incubación la hembra se comporta como un padre tenaz, que guarda su montículo contra los depredadores y otros varones King Cobras de 70 a 90 días en un tramo. A lo largo del periodo de cuidado de la cría, la hembra de la cobra real se sienta encima de su nido, al tiempo que el macho continúa cerca. La hembra de la cobra real abandona el nido una vez que el periodo de incubación para eludir la tentación de devorar los jóvenes víboras. Las crías jóvenes salen de sus huevos en tres meses más o menos con exactamente la misma superficie refulgente con bandas trasversales repartidos por todo. El joven rey cobras nacido son de 45 a 55 cm de largo y puede dar de forma fácil una carga completa de veneno para defenderse.

 

En un inicio, el recién nacido cobra rey vive en la digestión de huevo saco vitelino el interior de su estómago. En el momento en que la cobra recién nacido ha mudado por vez primera, que se toma sitio en el tiempo de una semana, empieza a apresar. King Cobras juveniles se nutren de invertebrados más pequeños como sapos y también insectos. Tras 4 años alcanzan la madurez sexual y pronto se transforman en predadores excelentes. Las cobras reales jovenes nacen con dentadura proteroglyphous y colmillos cortos que pueden virar cara atrás, lo que ayuda a sostener la presa atrapada. Estos colmillos medran en tamaño conforme maduran. Pues la cantidad de veneno empleado no puede ser controlado por los juveniles, son más peligroso acercarse en este periodo.

 

Comportamiento

 

La serpiente cobra es un depredador tímido que solo muestra su presencia a lo largo de la época de apareamiento, un tiempo a lo largo del como son muy territoriales y beligerantes. La cobra rey es por lo general obediente, mas puede ser vicioso cuando se siente conminado. Son animales solitarios en la naturaleza y pueden ser caníbal si hay una escasez de comestibles. Ha habido observaciones de que un hombre de la cobra real atacó a una hembra a lo largo de la época de apareamiento. Este comportamiento tuvo intrigado a los biólogos a lo largo de un buen tiempo antes que viniesen con una explicación conveniente para ello. Ahora se piensa que el rey cobra, singularmente los machos beligerantes, tienden a matar a su especie, así sea por el alimento o bien en el momento en que una víbora viaja mediante su territorio.

 

A lo largo de la temporada de celo, la serpiente cobra rey es muy territorial y violento?.

 

Las cobras reales tienen la costumbre general de marcar su territorio y no dejan la cercanía de otros machos, singularmente a lo largo de la época de reproducción. La especie caza a lo largo del día y es poco usual en la noche. Se puede advertir una presa en lugares tan lejos como 100 metros de distancia. La especie es muy consciente de su territorio y la defenderá. Tiene una enorme inteligencia poco común y es regular la adoración de ahí que. El hecho de que esta víbora se yergue y se extiende su enorme campana a lo largo de un encuentro hace que sea tanto un depredador temible y precioso. La víbora es un principiante veloz y, de ser criados en cautividad, aprende de forma fácil distinguir entre un cuidador y extraño. Aun al nacer, un juvenil de la cobra real está alarmado y puede reventar su capó si se siente amenazado por instinto.

 

Pese a ser solitaria, el Rey Cobra es un amante romántico y se transforma en social a lo largo de la época de apareamiento con una hembra. Ellas son criaturas inteligentes que pueden advertir de forma fácil partículas de tierra trasmitidas dándoles una visión aguda de su presa y su localización. La cobra rey tiene un carácter suave y es un padre muy dedicado. Para eludir ataques de depredadores como el meloncillo o bien grandes lagartos que pueden destruir su nido, la hembra de la cobra real no deja su nido a lo largo de todo el periodo de incubación. Cuando el Rey Cobra está ya listo para pegar se enrosca en sí, se extiende su capó y levanta la parte delantera de su cuerpo. Este mecanismo de defensa es bastante pasmante, en tanto que atemoriza a muchos depredadores.

 

La serpiente cobra, tiene la situación de alarma y puede reventar su capó cuando se ven conminados por instinto.

 

Amenazas

 

La cobra real se encara a la pérdida de hábitat y es capturado frecuentemente para el comercio ilegal de mascotas. La superficie cultivada está incrementando debido a una enorme demanda de productos agrícolas y es una de las primordiales causas de la destrucción del hábitat.

 

Zonas de anidación, casas de reposo y madrigueras son destruidos y que expone a las especies a los humanos a consecuencia de ello.

 

Conforme con la Lista Roja de la UICN, el Rey Cobra ha sido clasificado como frágil y ha sido clasificado en el Apéndice II de la CITES. Esto es debido a Birmania, Indonesia y Malasia son los lugares donde se han establecido muchas granjas de víboras para el comercio de mascotas y el comercio ilegal de veneno conocidos. En la India, la especie ha sufrido una reducción del 30 por ciento de la población debido a la deforestación continua. En consecuencia, La serpiente cobra rey está ahora protegido por la Lista II de la Ley de Protección de la Naturaleza de 1972 en la India. La ley establece que toda persona declarada culpable de caza una cobra o bien matar puede ser aprisionado por 6 años.

 

En la zona de Chitwan de Nepal y Vietnam, la población ha sufrido más de 80% de minoración en los últimos diez años.?

La especie ha desaparecido en la zona de Chitwan de Nepal y Vietnam, donde la población ha sufrido más de ochenta por ciento de minoración en los últimos 10 años. Las especies rara vez se pueden ver en Camboya y también Indonesia, donde el comercio de piel se ha transformado en una tendencia exótica. En China, la especie asimismo ha sufrido una minoración masiva de la población debido a la explotación de su piel con fines medicinales. La cobra real se negocia asimismo en Java y se exporta a China para el consumo y trofeos locales o bien nacionales. En Vietnam, la población ha disminuido seriamente a resultas de la recolección de veneno, el comercio y el hecho de que esta especie se emplea para generar vino de víbora.

 

Quizas te puede interesar ver la lista de animales con peligro de extincion

 

Relevancia cultural

 

En Myanmar, la cobra real es frecuentemente usado por los cautivadores de víboras hembra del clan Pakkoku que mezcla el veneno de la víbora con la tinta que se usará para el tatuaje. Se piensa que este género de tatuajes a resguardar contra el ataque de víbora y diferentes deficiencias.

 

“Desde el instante en que el rey cobras son potencialmente suecos, prosiguen los movimientos de los cautivadores de víboras de la mano y no la música”

El cautivador de víbora es frecuentemente tatuado con 3 pictogramas y al final de la serie, el cautivador besa la víbora en su cabeza.

 

Conocida situación de la cobra real

 

La cobra real prosigue los movimientos rítmicos de la mano de un cautivador de víboras y no la música en tanto que son potencialmente suecos.?

 

En la India, se piensa que la cobra rey es una parte de un mito legendario que señala la inteligencia de la víbora. Conforme el mito, de la cobra real es una criatura de memoria inusual y, frecuentemente recuerda la cara de su asesino. Esta es recogido después por el asociado de la víbora que vaga en busca del asesino de su pareja en pos de venganza. Debido a este mito, muchas cobras han sido asesinados o bien quemados hasta la muerte anteriormente, mas el gobierno ha puesto fin a esta noción actualmente.

 

Mas informacion sobre la cobra real

 

El nombre significa ‘Ophiophagus’ ‘Comedor de serpientes’ y se refiere a la capacidad de la cobra real a devorar otras víboras como comestible.

 

Un brebaje de alcohol y de tierra de la raíz de la cúrcuma puede ser usado como una bebida antídoto para el tratamiento de la mordedura de una cobra en Tailandia.

 

La cobra real es muy popular en la India y es reverenciado en un día provechos conocido como ‘Nag Panchmi’.

 

La cobra real es la víbora venenosa más larga del planeta.

 

Una hembra de cobra real puede amontonar espermatozoides del macho en el cuerpo aun tras la época de reproducción se acabó a empaparse a lo largo de temporadas sucesivas.

 

El veneno de la serpiente cobra rey se emplea en la manera de medicina sintético para calmar el dolor y tratar la artritis.

 

La cobra real tiene la lengua más larga en forma de horquilla de todas y cada una de las especies de víboras.

 

Una adaptación física única de la cobra real es su capacidad de saltar que puede ser una distancia de una tercera parte de su longitud de cuerpo.

 

La entrada La Cobra Real, Caracteristicas, Habitat, Alimentacion, Anatomia aparece primero en Animales1.

 

animales1.com/cobra-real/

El orgullo de la gente va abrasándome la piel

mi ciudad cambia de acera, hoy no me ha querido ver.

www.youtube.com/watch?v=epG53tVj7Ew

Es la amante que regresa

con el frio del invierno,

la que olvida que en verano

con otros se fue corriendo.

Quien besaba con lujuria

mis labios en otro tiempo,

se cobija en la tormenta

y con el sol me deja enfermo.

Cheval en liberté dans les prés salés de la baie de somme

Mouton de prés salé dont la réputation n'est plus a faire pour la qualité de sa chair

 

Horse in freedom in the salt meadows of the berry of sum salt Sheep of meadows whose reputation is not any more has make for the quality of his flesh

 

Pferd in der Freiheit in den gesalzenen Wiesen der Bucht des Schläfchens gesalzenes Schaf der Wiesen, dessen Ruf nicht mehr ist, hat, für die Qualität seines Fleisches zu machen

 

Caballo en libertad en los prados salados de la bahía de suma Cordero salado de prados cuya reputación no es más tiene hacer para la cualidad de su carne

La reputación de la compañía es terrible. En tres ocasiones (1997, 2000 y 2006) ha aparecido en la lista que la prestigiada revista Multinational Monitor elabora para designar a las peores empresas del año. La primera se dio en 1997: por la contaminación ambiental que provoca. La segunda fue por sus prácticas para monopolizar la cría y engorda de marranos, dejando fuera del mercado a los pequeños productores familiares. La tercera por sus prácticas laborales, antisindicales y violatorias de la legislación estadunidense.

 

La empresa ha sido encontrada culpable de violar la ley federal del trabajo, de hacer trampas para bajar salarios, cerrando plantas, espiando a los afiliados al sindicato y agrediendo a empleados. De los 58 mil 100 empleados que laboran para el consorcio en el mundo, sólo 28 mil 800 cuentan con contrato colectivo.

 

Smithfield creció más de mil por ciento entre 1990 y 2005. Su proceso de concentración fue posible gracias a una estrategia empresarial en la que controla cada eslabón de la cadena de producción, desde el momento en el que el puerco nace hasta que pasa a la carnicería. Ha conquistado y monopolizado los mercados quebrando a todos los pequeños ganaderos alrededor suyo.

Los perros (una pandilla temprano con sus raíces en la ciudad de Nueva York)) en la acción; se especializaron en ataques racistas contra los chilenos, peruanos y mexicanos. Sus ataques dieron lugar a la primera movimiento vigilante .

 

En los meses de primavera y principios del verano de 1849, San Francisco fue afligido con la presencia y los excesos de una parcela de los pícaros y rufianes veriest que nunca frecuentó una comunidad. La primera noticia del descubrimiento de oro en California, naturalmente enviasteis acá los aventureros más audaces e inteligentes de la reputación manchada de sus propios países, que vieron en esta Dorado moderno teatro apto para la repetición rentable de esos trucos y ultrajes, cuyo ejercicio había prestado sus hogares nativos ya no lucrativas o lugares seguros donde residen pulg

 

Mucho antes de cualquier gran número de la población en general había emigrado de los Estados del Atlántico o de Europa, San Francisco estaba lleno de esos hombres de los diversos países y puertos en el Pacífico, y en particular de la costa oeste de las Américas. Un poco más tarde llegaron vagabundos callejeros de Australia, donde se había recogido la elección de los criminales convictos de Gran Bretaña. El regimiento de voluntarios de Nueva York, que algún tiempo antes había sido disuelta, y de la que tanto bien que se esperaba en última instancia, poblando la tierra con los colonos de primera clase, había decepcionado mucho las esperanzas de sus proyectores y amigos. Muchos de los canallas más notables del país resultó haber sido antes soldados en ese cuerpo; y tal vez estos mismos hombres formaron el núcleo y la fuerza de los "sabuesos" ellos mismos. Las llegadas más tempranas también de los puertos orientales se componen en gran parte de la clase ruidoso y bribón. Ellos sí habían requerido sin mucho tiempo para hacer los preparativos para el viaje. Su equipaje estaba a sus espaldas, y su monedero en el bolsillo de cada hombre honesto. Salieron a bordo del primer barco y bueno para California! Estos vagabundos nunca tuvieron la intención de seguir una vocación de buena reputación allí, pero como estafadores, jugadores y aventureros de engaño en toda variedad de esquema, se prepararon sólo para acosar a la comunidad en general. Cada cosa en San Francisco les animó a pensar que era lo que sus compañeros iban a llamar a la especulación seguro. Las organizaciones municipales y estatales estaban todavía sin forma, y las pocas autoridades locales eran muy insuficientes para hacer frente a un cuerpo de la villanía, como fue desarrollado en breve.

 

Los "perros" eran la consecuencia natural de un estado de cosas. Una fiesta, que se hacen llamar por ese nombre, se escuchó primero un poco a hacia el final de 1848; pero no fue sino hasta la primavera del año siguiente a aquél sus depredaciones excitaron mucho aviso. En el deseo de hacer fortuna con facilidad y en un apuro, el pueblo de San Francisco overtoiled prestado poca atención a cualquier cosa, pero lo que de inmediato de que se trate a sí mismos, de manera individual, y tanto crimen se le permitió estar comprometido con la impunidad, porque a nadie le importaba, o tenido tiempo para pensar en ello, o que pueda poner en el asunto. Así, los "sabuesos habían perpetrado numerosos atentados contra antes de la indignación pública estaba totalmente excitado Éstas se dirigieron principalmente contra los extranjeros -. Chilenos, peruanos y mexicanos, ya que se supone menos capaces de defenderse a sí mismos, y que fueron igualmente imaginado poseer menos simpatías de la comunidad en su nombre. Esta clase de la población extranjera en general era de carácter más bajo y el más degradado.

 

Hemos visto que uno de los primeros inmigrantes a las minas eran una multitud de extranjeros de origen español, a partir de las diversas repúblicas y provincias de las costas del Pacífico de América. La presencia de estas personas - muchos de los cuales parecía poco más que esclavos-a sueldo y bajo el mando de sus propios compatriotas más ricos, fue considerado por los mineros estadounidenses de ser injusto para ellos mismos, como señores naturales del suelo, adquirido por su propia sangre y tesoro, y lo que tiende a reducir tanto la dignidad y los beneficios de la extracción de oro. Muchas disputas, a veces asistido con el derramamiento de sangre, se habían producido en las minas entre la población de los Estados Unidos y los extranjeros, el último de los cuales fueron poco a poco expulsados ​​de los distritos mineros que habían seleccionado, en parte por la violencia, aunque principalmente por amenazas.

 

Este estado de asuntos en los distritos mineros, que a menudo no se desaprobó, pero fue incluso abiertamente aprobados de muchos ciudadanos respetables, así como el carácter de baja de la clase que se alude en el propio San Francisco, fuertemente alentada y prestó un pretexto endeble para los ataques criminales por forajidos en esa ciudad en contra de la población extranjera. Los "perros de caza", que eran un cuerpo numeroso de jóvenes y mujeres en la flor de la vida, profesaban ellos sólo una asociación de "defensa mutua", pero en realidad no eran más que una banda de ladrones de auto-licencia, que pensaban que cada Chileno fue justa juego para sus propensiones saqueo. Ellos organizaron hasta ahora que tenían un lugar de reunión regular, o Head Quarters, que llamaron Tammany Hall, en una gran tienda de campaña, cerca del City Hotel. Los líderes fueron designados para llevar a cabo las operaciones, y después repartir el botín. En un grado tal osadía fueron asuntos llevados que el cuerpo, orgullosos de su fuerza y ​​número, intentó una especie de exhibición militar, y los domingos, armados con porras y revólveres cargados, desfiló por las calles, en plena luz del día, con el juego de tambor y pífano y banderas desplegadas. Fue en medio de la noche, sin embargo, cuando se realizaron sus ultrajes. Había entonces ni luces en las calles sin forma, ni una fuerza policial para velar por la seguridad de la ciudad. Los ciudadanos bien dispuestos-, temerosos de peleas, se retiró temprano a sus viviendas, y cuanto más ruido y disturbios que pudieran oír a una distancia más cerca, se deslizaron en literas o para preparar sus armas para la defensa solo de sus propios domicilios adecuados. En esos momentos los "sabuesos" marcharían a las tiendas de Chilenos conocidos, y, rompiendo hacia abajo, robar y saquear el contenido de valor, y vergonzosamente maltratar e incluso asesinar a los presos. Otras veces se contentan con la extorsión mediante amenazas de grandes sumas de dinero y regalos de joyas y objetos de valor de todas las clases de extranjeros, ya veces de los propios estadounidenses, a pesar de que rara vez se enrede la segunda. Un deporte favorito era molestar a sí mismos, incluso en pleno día, en una numerosa banda, en tabernas y hoteles, y la demanda de bebidas y alimentos de alto precio, que al recibir - para personas eran demasiado miedo de sus vidas y la propiedad de rechazar- -les imprudentemente destruir los muebles más cercano a la mano y al instante decamp tan audazmente como habían entrado, sin preocuparse de la cabeza en cuanto a quién debe pagar por el daño o los artículos consumidos.

 

Este estado de cosas ha seguido desde hace unos meses, cuando en una de sus expediciones destructivos sobre las tiendas de campaña y enseres de la Chilenos, un joven con el nombre de Beatty, no propiamente uno de ellos, sino que pasó a estar entre o cerca de la banda en ese momento, recibió un disparo mortal de uno de los extranjeros atacados. Esto despertó a los "perros" a la venganza contra toda la población de origen español, y se convirtieron más feroz y destructiva en sus excesos que nunca. Ahora la gente no podía evitar tomar nota de estos abusos sin ley; pero la indignación pública aún no estaba lleno. Por esta época los "sabuesos" cambiado su nombre por el de "reguladores", y tuvo el descaro de profesar sí mismos guardianes de la comunidad contra las usurpaciones de los extranjeros de España. Al sonido del "latido asamblea" en el tambor, se recogerían en gran número en "Tammany Hall," listo para cometer cualquier violencia que sus líderes pueden dirigir.

 

En la tarde del domingo, 15 de julio, una gran banda de los "perros" o "reguladores", que regresaban de una excursión a merodeadores de Contra Costa, decidido a señalizar la ocasión por algunos de los nuevos exploits. Armados con armas de fuego y palos pesados, y bajo el mando de uno vestido con uniforme, a los que llamaban Teniente, que desfilaron por la ciudad a su manera ridícula costumbre, y hacia la tarde procedieron a atacar a varias tiendas chilenas. Estos violentamente derribaron, despojarlos de dinero y objetos de valor, que se llevaron, y destruyendo totalmente in situ tales artículos, ya que no creo que vale la pena aprovechar. Sin provocación, ya sangre fría, que bárbaramente golpearon con palos y piedras, y esposadas y patadas a los extranjeros inofensivos. No contento con eso, que en repetidas ocasiones y arbitrariamente despedidos entre los heridos, y en medio de los gritos de las mujeres y los gemidos de los heridos aterrorizados, temerariamente continuaron su curso terribles en diferentes barrios, donde, de hecho, la malicia o la sed de botín les llevaron. Esto fue en plena luz del día; pero no hubo personas valientes o temerarios suficiente para resistir el avance de una multitud tan salvaje, cuya exacta vigor era desconocido, pero que se cree que son numerosas y desesperadas.

 

Al día siguiente, lunes 16 de julio, cuando las noticias de los últimos atropellos se distribuyeron entre los ciudadanos, todo el pueblo se levantó en el mayor estado de excitación. Alcalde Leavenworth, quien era incapaz de sofocar los disturbios, se miraban a por el capitán Beser Simmons y el Sr. Samuel Brannan, e instó a estos señores al instante de tomar algunas medidas para organizar a la comunidad para protegerse a sí mismo, y dejó decididamente estos perturbadores de la paz pública. Por lo tanto obligado a alguna acción definida, el alcalde el mismo día emitió una proclama pidiendo al público al instante a reunirse en la Plaza de Portsmouth. A las tres de ese día, toda la parte honesta de la comunidad parecía convertirse en el lugar designado. Sr. WDM Howard fue elegido presidente de la reunión, y el Dr. Victor J. Fourgeaud, secretario. Sr. Samuel Brannan luego se dirigió a la reunión, y denunció en términos forzosas las depredaciones y muchos crímenes de los "sabuesos". A su movimiento, una lista de suscripción fue abierta para el alivio de los que sufren por los disturbios de la noche anterior. Fue junto sugirió que los ciudadanos deben organizarse en una fuerza de policía para detener a los criminales y arrastrarlos a la justicia. Esto se hizo de inmediato; y doscientos treinta personas de los presentes en la reunión incluyeron a sí mismos como agentes especiales. El comando general del cuerpo se le dio al Sr. WE Spofford, mientras que los señores Stevenson, Wadleigh, Simmons, Smith, Turk, Gillespie, Hughes, Sacerdote, Webb y Stevens fueron nombrados capitanes. Estaban armados con mosquetes, sesenta de las cuales fueron decoradas gratuitamente por el señor Hiram Webb, ahora de la firma de Webb & Harris. Esta fuerza voluntaria ejercida a sí mismos con tanta diligencia, que, a pesar de varios intentos de resistencia abierta de los "sabuesos", casi veinte de los manifestantes fueron detenidos esa misma tarde, examinó y puesto en prisión a bordo del buque de Estados Unidos Warren, existiendo entonces no hay lugar seguro en tierra en la que para mantenerlos en custodia. El líder, "Sam" Roberts, también fue detenido cuando se dirigía a Stockton. Sr. AJ Ellis que había sido elegido para actuar como sheriff, tomó una parte efectiva en la toma de estas detenciones.

 

Al día siguiente, martes, un gran jurado de veinticuatro ciudadanos se reunió, y, en pruebas, encontró un verdadero proyecto de ley contra Samuel Roberts y otros supuestos miembros de los "sabuesos", con el número de diecinueve años, en los diferentes cargos de conspiración , motín, robo y asalto con intención de matar.

 

Al día siguiente, miércoles, los ensayos comenzaron. Se observó que todas las formas judiciales habituales, y no hubo aparente deseo de presionar duramente a los prisioneros. Probablemente si hubieran quedado atrapados en sus propios actos de violencia en el domingo anterior, las personas enfurecidas se han ejecutado a la vez justicia popular en ellos; pero ahora la indignación pública se calmó un poco, y los ensayos se han desarrollado con el mayor decoro y la imparcialidad. Francis J. Lippitt, Horace Hawes, Hall McAllister, y Frank Turk aparecieron como los abogados de las personas; mientras que P. Barry y Myron Norton fueron designado para actuar en nombre de los acusados. Los jueces fueron el alcalde, TM Leavenworth, y los Sres. Gwin y Ward. El abogado de la defensa después de haber renunciado a todas las excepciones a la forma de la acusación, el jurado fue Convocó.

 

El jurado declaró Roberts, el jefe de la banda, culpable de todos los cargos, y otros ocho culpables de uno o más de ellos. Roberts y Saunders (otro de los "sabuesos" más activos) fueron entonces condenados a diez años de prisión, con trabajos forzados, en cualquier centro penitenciario del gobernador de California podría dirigir, y el resto a penas de prisión con trabajos forzados por períodos más cortos, así como la mayoría de ellos a multas considerables, algunos de ellos también están obligados a otorgar bonos por grandes sumas de dinero para mantener la paz durante doce meses. Desde diversas circunstancias estas sanciones no fueron infligidas; pero los prisioneros, algunos de los cuales fueron enviados fuera del país, se crearon poco después en libertad.

 

Así terminó el asunto de los "sabuesos", que había alarmado a la comunidad tanto, y que los había obligado, ante la ausencia de un órgano jurisdiccional firme y regular, a tomar la ley en sus propias manos, y administrar justicia en una pronta y manera decisiva. El temprano éxito y la seguridad de los "perros de caza", durante un largo periodo después conducido a excesos todavía más audaces y penales por parte de los bandidos con los que la ciudad continuó siendo perseguido, y que fueron revisados ​​por sólo un poco de tiempo en su delitos por los ejemplos realizados de Roberts y sus compañeros. Por otro lado, la facilidad con la que un número de hombres respetables y decididos podría poner así a una banda desordenada, después alentó la formación de la famosa "Comité de Vigilancia" del año 1851, cuando, que entre el robo y allanamiento de morada, asalto, asesinato e incendio en la gran escala, que se convirtió en casi una lucha de vida o muerte para el ciudadano honesto para preservar su propiedad y habitar la ciudad de la paz y la seguridad personal. Algunos de los "sabuesos", quienes habían escapado de la debida sanción de los delitos cometidos en este tiempo, se reunieron dentro de poco después en las minas, donde varios de ellos fueron sin contemplaciones colgado, en el aviso de una hora, por los mineros enfurecidos, sobre quienes tenían intentado probar los trucos que habían jugado tanto tiempo con la impunidad en San Francisco.

 

A pesar de todo lo que hemos dicho, no es otra fase de la "sabuesos" del negocio, que puede ser justo lo notó. En ese período, pasó a ser partes influyentes en San Francisco, que estaban decididos a hacer "capital político" por sí mismos, y que considera que un curso apacible de alteración del orden público, si bien puede no conducir al ningún resultado materialmente el mal, podría ser empleado, o al menos sus instrumentos, para facilitar los objetos que tenían a la vista, y promover sus propios intereses personales. Estas personas eran sospechosos en el momento, y poco después se conoce, de haber tenido intimidades secretas y misteriosas relaciones con ciertos líderes de los "sabuesos", quienes se comprometieron a promover los propósitos de la antigua y al mismo tiempo sirvieron a los suyos. Pero el monstruo, que si no nació, fue, al menos, cuidó en fuerza por estos aspirantes muy respetables, pronto superó el poder de sus protectores para mantenerlo dentro de los límites, y se convirtió en el último de su ignominia y de terror. Temerosos de cometer ellos mismos por ser dueño de una antigua relación, por insignificante que fuera, con una asociación tan vil, algunas de las personas más ricas e influyentes de la ciudad escuchado tranquilamente de todos los abusos cometidos por sus protegidos, pero no tomó medidas para sofocar ellos. Sería imprudente en este momento para mencionar nombres, pero el hecho es tan sin embargo. La parte verdaderamente liberal, honesto y valiente de la comunidad tenía, por tanto, una tarea doblemente difícil de lograr; no sólo tuvo que sofocar los "sabuesos" ellos mismos, que estaban envalentonados para resistir por el conocimiento que tenían "amigos de la corte", sino que también tuvo que superar la reticencia no disimulada de muchos de sus conciudadanos a moverse a todos en el asunto, y dejar de lado los diversos obstáculos que éstos factiously se permitió lanzar en el camino.

 

- Anales de San Francisco, 1855

 

1 3 4 5 6 7 ••• 79 80