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Gordes . Francia, es un lugar para disfrutar de numerosas galerias de Arte.

El antiguo convento de Santo Domingo de Bonaval es actualmente la sede del 'Museo del Pueblo Gallego.

En el interior del convento destaca la extraordinaria triple escalera helicoidal de los siglos XVII y XVIII, obra del arquitecto Domingo de Andrade. Se compone de tres espirales independientes. En el mismo espacio se extienden tres rampas independientes, que conducen a diferentes salas; solo una de ellas llega hasta el mirador. Los peldaños de la escalera están hechos de una pieza entera, engastada en un nervio exterior sin necesidad de encajar en el muro ni unirse unos a otros.

 

Galicia - España

 

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Wikipedia:

La Ciutat de les Arts i les Ciències (en valencià: Ciutat dels Arts i els Ciències) és un complex arquitectònic, cultural i d'entreteniment de la ciutat de València (Espanya).

El complex, dissenyat per Santiago Calatrava i Félix Candela, juntament amb els enginyers Alberto Domingo i Carlos Lázaro autors del disseny estructural de les cobertes de L'Oceanogràfic, va ser inaugurat el 16 d'abril de 1998 amb l'obertura de L'Hemisfèric. L'últim gran component de la Ciutat de les Arts i les Ciències és l'Àgora, situat entre el pont de l'Assut de l'Or i l'Oceanogràfic. Els edificis que l'integren són, per ordre d'inauguració:

L'Hemisfèric: amb forma d'ull. Sala de projeccions de cinema IMAX, planetari i Làser. Disposa d'una superfície aproximada de 13.000 m².

El Museu de les Ciències Príncep Felipe: amb forma semblant a l'esquelet d'un dinosaure, és un museu interactiu de ciència. Ocupa al voltant de 40.000 m² repartits en tres pisos.

L'Umbracle: passeig enjardinat amb espècies vegetals autòctones de la Comunitat Valenciana (estepa, lentisca, romaní, espígol, lligabosc, buganvilla, palmeres, ...) cobert per arcs flotants des d'on es pot veure tot el complex de la Ciutat de les Arts i les Ciències. Alberga al seu interior El Passeig de les Escultures, una galeria d'art a l'aire lliure amb escultures d'autors contemporanis. (Miquel Navarro, Francesc Abad, Yoko Ono i altres ..)

L'Oceanogràfic: és l'aquari oceanogràfic més gran d'Europa amb 110.000 metres quadrats i 42 milions de litres d'aigua. La seva coberta en forma de nenúfar és obra de l'arquiteco Adrián Peláez Coronado nascut a València. El disseny estructural de les cobertes és dels enginyers Alberto Domingo i Carlos Lázaro.

Palau de les Arts Reina Sofia: amb quatre grans sales: una Sala Principal, Aula Magistral, Amfiteatre i Teatre de Cambra. Sala d'Exposicions. Està dedicat a la música ia les arts escèniques.

El Pont de l'Assut de l'Or que comunica la ronda sud amb el carrer Menorca, i el pilono de 125 metres d'altura és el punt més alt de la ciutat.

L'Àgora: Una plaça coberta en la qual se celebren concerts i esdeveniments esportius, com el nou gran premi de la Comunitat Valenciana de Tennis.

    

ESP:

La Ciudad de las Artes y las Ciencias (en valenciano: Ciutat de les Arts i les Ciències) es un complejo arquitectónico, cultural y de entretenimiento de la ciudad de Valencia (España).

 

El complejo, diseñado por Santiago Calatrava y Félix Candela, junto con los ingenieros Alberto Domingo y Carlos Lázaro autores del diseño estructural de las cubiertas del L'Oceanografic, fue inaugurado el 16 de abril de 1998 con la apertura de El Hemisférico. El último gran componente de la Ciudad de las Artes y las Ciencias es el Ágora, situado entre el puente de l'Assut de l'Or y l'Oceanogràfic.Los edificios que lo integran son, por orden de inauguración:

 

L'Hemisfèric: con forma de ojo. Sala de proyecciones de cine IMAX, planetario y Láser. Dispone de una superficie aproximada de 13.000 m².

El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe: con forma parecida al esqueleto de un dinosaurio, es un museo interactivo de ciencia. Ocupa alrededor de 40.000 m² repartidos en tres pisos.

L'Umbracle: paseo ajardinado con especies vegetales autóctonas de la Comunidad Valenciana (jara, lentisca, romero, lavanda, madreselva, buganvilla, palmeras,...) cubierto por arcos flotantes desde donde se puede ver todo el complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Alberga en su interior El Paseo de las Esculturas, una galería de arte al aire libre con esculturas de autores contemporáneos. (Miquel Navarro, Francesc Abad, Yōko Ono y otros..)

El Oceanográfico: es el acuario oceanográfico más grande de Europa con 110.000 metros cuadrados y 42 millones de litros de agua. Su cubierta en forma de nenúfar es obra del arquiteco Adrián Peláez Coronado nacido en Valencia. El diseño estructural de las cubiertas es de los ingenieros Alberto Domingo y Carlos Lázaro.

Palacio de las Artes Reina Sofía: con cuatro grandes salas: una Sala Principal, Aula Magistral, Anfiteatro y Teatro de Cámara. Sala de Exposiciones. Está dedicado a la música y a las artes escénicas.

El Puente de l'Assut de l'Or que comunica la ronda sur con la calle Menorca, y cuyo pilono de 125 metros de altura es el punto más alto de la ciudad.

El Ágora: Una plaza cubierta en la que se celebran conciertos y eventos deportivos, como el nuevo gran premio de la Comunidad Valenciana de Tenis.

 

Na minha opinião uma das mais belas igrejas do Rio de Janeiro, sua grandiosidade chega a ser quase opressora se comparada a outras igrejas do Rio de Janeiro.

Sua Historia é repleta de Lendas, desde de sua criação, onde não se sabe ao certo onde começa a historia e termina a Lenda.

 

Conta que uma embarcação chamada de Candelaria estava em uma grande tormenta, um casal espanhol (Antonio Martins Palma e Leonor Gonçalves) fez uma promessa a Nossa Senhora da Candelaria que edificariam uma capela onde conseguissem aportar e essa hermita foi construida no local onde hoje é a igreja em 1609, apartir dai foram sendo construidas templos maiores ate que hoje temos uma das mais importantes igreja da cidade, seja pela historia ou pela galeria de artes sacras de artistas renomados de varios periodos historicos.

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A igreja que era conhecida por casamentos e batizados da alta sociedade carioca acabou tendo seu nome ligada a uma chachina de menores que aconteceu em 1993.

 

Com o plano da Construção da Avenida Getulio Vargas na decada de 40, ela escapou de vir ao chão por bem pouco, a exemplo do que aconteceu outras importantes igreja do Rio de Janeiro que foram ao Chão para dar lugar ao Projeto de Vargas e que ele batizaria com o nome seu Proprio nome, todo ditador tem um serio problema de Ego

 

* Todas as fotos da sequencia estão abertas, pois já foram publicadas anteriormente e mostram o interior da Igreja Nossa Senhora da Candelária

 

Foto repostada: Igreja Nossa Senhora da Candelária - Rio de Janeiro

 

Conforme a Lei 9.610/98, é proibida a reprodução total ou parcial ou divulgação comercial ou não sem a autorização prévia e expressa do autor (artigo 29). ® Todos os direitos reservados.

 

According to Law 9.610/98, it is prohibited the partial or total commercial reproduction without the previous written authorization of the author (article 29). ® All rights are reserved.

Alte Nationalgalerie, Museumsinsel, Berlin.

 

La Alte Nationalgalerie de Berlín es una galería de arte que muestra una colección de obras de arte neoclásico, romántico, biedermeier, impresionista y modernista temprano, parte de la Galería Nacional de Berlín, que a su vez forma parte del Staatliche Museen zu Berlin. Es el edificio original de la Galería Nacional, cuyas propiedades ahora se encuentran en varios edificios adicionales. Está situado en la Isla de los Museos, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

 

La Alte Nationalgalerie, junto con el Museo Altes, el Museo Neues, el Museo Bode, el Museo Pergamon, la Catedral de Berlín y el Lustgarten, conforman el complejo Isla de los Museos en Berlín. Está situado en el centro de la isla, entre los rieles de Berlin Stadtbahn y Bode Street en las orillas orientales.

 

Está conectado con el Museo de Pérgamo al norte, y con el Museo de Neues, el Museo de Altes y la Catedral de Berlín al sur. El edificio fue diseñado por Friedrich August Stüler con detalles de Carl Busse, en un estilo arquitectónico que es una mezcla entre el clasicismo tardío y el neorrenacentismo temprano, y realizado por Heinrich Strack. Fue pensado para expresar "la unidad del arte, la nación y la historia", y por lo tanto tiene aspectos que recuerdan a una iglesia (un ábside) y un teatro (la gran escalera), así como un templo. Una estatua ecuestre de Federico Guillermo IV remata las escaleras, y las escaleras interiores tienen un friso de Otto Geyer que representa la historia alemana desde la prehistoria hasta el siglo XIX. El exterior del edificio aún conserva su aspecto original, mientras que el interior ha sido renovado muchas veces para adaptarse a las exhibiciones.

 

The Alte Nationalgalerie in Berlin is an art gallery showing a collection of Neoclassical, Romantic, Biedermeier, Impressionist and early Modernist artwork, part of the Berlin National Gallery, which in turn is part of the Staatliche Museen zu Berlin. It is the original building of the National Gallery, whose holdings are now housed in several additional buildings. It is situated on Museum Island, a UNESCO-designated World Heritage site.

 

The Alte Nationalgalerie, together with the Altes Museum, the Neues Museum, the Bode Museum, the Pergamon Museum, the Berlin Cathedral and the Lustgarten, make up the Museum Island complex in Berlin. It is situated in the middle of the island, between the rails of the Berlin Stadtbahn and Bode Street on the eastern banks.

 

It is connected to the Pergamon Museum to the north, and to the Neues Museum, the Altes Museum, and the Berlin Cathedral to the south. The building was designed by Friedrich August Stüler with details by Carl Busse, in an architectural style that is a mix between late Classicism and early Neo-Renaissance, and realised by Heinrich Strack. It was intended to express "the unity of art, nation, and history", and therefore has aspects reminiscent of a church (an apse) and a theatre (the grand staircase) as well as a temple. An equestrian statue of Frederick William IV tops the stairs, and the inside stairs have a frieze by Otto Geyer depicting German history from prehistoric times to the 19th century. The exterior of the building still retains its original appearance, whereas the interior has been renovated many times in order to suit the exhibits.

São Paulo - SP

 

Como se costume, toda cidade que tenho postado uma foto coloco a descrição e história da cidade.

Impossível escrever a história de São Paulo aqui, pra falar de São Paulo é melhor descrever em números e fotos.

 

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São Paulo em números

 

Data de Fundação: 25 de janeiro de 1554

Área: 1.522,986 km²

População: 11.037.593 (2009)

Densidade Demográfica: 7.233,6 habitantes por km²

Altitude: 760 Mts

Produto Interno Bruto (PIB)*: R$ 160.637.533.438,00 (2004)

Renda Per Capita*: R$ 14.821,00 (2004)

Frota de veículos: 6 Milhões

Atual Prefeito: Gilberto Kassab

Site Oficial: www.prefeitura.sp.gov.br

 

Consumo

240 mil lojas

79 shoppings

59 ruas especializadas em mais de 51 segmentos

4 mil farmácias

5 mil pet shops

900 feiras livres semanais

864 mil transações de cartão de crédito por dia

1.931 agências bancárias

34 mil indústrias

arrecadação de ISS em 2009: R$ 125,1 milhões

  

Gastronomia

 

12,5 mil restaurantes

52 tipos de cozinhas

15 mil bares

3,2 mil padarias (10,4 milhões de pãezinhos por dia e 7,2 mil por minuto)

500 churrascarias

250 restaurantes japoneses

1,5 mil pizzarias (1 milhão de pizzas por dia, 720 por minuto)

2 mil opções de delivery

  

Hotelaria

 

São Paulo reúne as principais redes hoteleiras nacionais e internacionais

410 hotéis (42 mil apartamentos disponíveis)

taxa de ocupação média dos hotéis em 2009: 62,2%

diária média em 2009: R$ 197

  

Transporte

37 mil táxis

15 mil ônibus urbanos

1.335 linhas de ônibus

28 terminais de ônibus

5 linhas de metrô

62,3 km de linhas de metrô + 20,0 km em construção

55 estações do metrô

270 kms de linhas de trem

Segunda maior frota de helicópteros do mundo

44 empresas aéreas

4 aeroportos na Grande São Paulo, sendo 1 em Campinas e 1 em Guarulhos

  

Cultura e Lazer

 

160 teatros

110 museus

260 salas em 55 cinemas

280 salas de teatro (600 espetáculos teatrais em média por ano)

40 centros culturais

64 parques e áreas verdes

7 parques temáticos (na Grande São Paulo)

7 grandes casas de espetáculos

294 salas para shows e concertos

mil academias de ginástica

2 iate clubes

12 clubes de golfe

7 estádios de futebol

1 autódromo internacional

  

Pontos turísticos e Culturais

 

- Pateo do Collegio

- Teatro Municipal

- MASP (Museu de Arte de São Paulo)

- MAM (Museu da Arte Moderna)

- MAC (Museu de Arte Contemporânea)

- MIS (Museu da Imagem e do Som)

- Museu da Universidade de São Paulo (Museu do Ipiranga)

- Museu da Língua Portuguesa

- Museu da Imagem e do Som

- Pátio do Colégio

- Pinacoteca do Estado

- Estação Pinacoteca

- Sala São Paulo

-Centros culturais São Paulo

- Memorial da América Latina

- Museu de Arte Sacra de São Paulo

- Museu de Arte Moderna

- Museu do Futebol

- Museu do lixo

- Museu da Imigração

- Museu dos Transportes

- Museu das Invenções

- Museu do catavento

- Cinemateca Brasileira

- Planetário do Ibirapuera

- Parque do Ibirapuera

- Parque da Aclimação

- Parque Burle Marx

- Parque do Povo

- Parque do Carmo

- Horto Florestal

- Pico do Jaragua

- Monumento às Bandeiras

- Catedral Metropolitana de São Paulo (Catedral da Sé)

- Edifício Itália

- Edifício Copan

- Edifício Altino Arantes (Banespão)

- Mirante do Vale (Zarzur)

- Edifício Martineli

- Galeria Olido

- Galeria do Rock

- Parque Estadual da Serra da Cantareira

- Parque Ecológico do Tiete

- Parque Ecológico do Guarapiranga

- Solo Sagrado de Guarapiranga

- Vale do Anhangabaú

- Mosteiro de São Bento

- Largo de São Francisco

- Instituto Butantan

- Mercado Municipal

- Jockey Club de São Paulo

- Av. Paulista

- Rua Oscar Freire

- Rua 25 de Março (Odeio)

- Rua Santa Ifigênia

- Bairro da Liberdade

- Bairro do Brás

- Bairro do Bom Retiro

- Jardim Botânico

- Zoológico de São Paulo

- Zoo Safari

- Aquário de São Paulo

- Autódromo de Interlagos

- Centro de convênções do Anhembi

- Sambódromo do Anhembi

- Estação da Luz

- Estádio

- Estádio Municipal Paulo Machado de Carvalho (Estádio do Pacaembú)

- Estádio Cícero Pompeu de Toledo (Estádio de Morumbi - do Tricolor mais querido do Brasil)

- Etc. Etc, Etc... (Minha memória tem limites)

  

Principais moradores

 

- Diógenes Araújo

- Etc.

  

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Con aire mediterráneo y sabor marinero

 

Situada en plena península del Cabo de Creus, Cadaqués es una de las localidades más emblemáticas de la Costa Brava gerundense.

 

Su rocoso litoral, recorrido por bellas playas y recoletas calas, constituye uno de sus principales atractivos, así como el increíble paisaje que depara el Parque Natural del Cap de Creus.

 

Al fondo de la bahía de Cadaqués se encuentra su casco histórico, de aire mediterráneo y profundo sabor marinero.

 

Fuente de inspiración de pintores y artistas de fama internacional durante décadas, este núcleo goza hoy de una intensa vida cultural, de la que dan fe sus numerosos museos y galerías de arte, entre los que destaca la Casa-Museo de Salvador Dalí.

 

Cadaqués será el punto de partida ideal para conocer el resto de la comarca del Alt Empordà, repleta de localidades históricas, insólitos espacios naturales y abundantes yacimientos arqueológicos.

 

Las escaleras de los Museos Vaticanos son una obra de arte más que añadir a la Capilla Sixtina, el Laocoonte o los Dalí y Miró que a menudo pasan desapercibidos, porque todo el mundo sigue las flechas hacia la gran obra pictórica de Miguel Ángel.

 

Esta increíble escalera que en un genial efecto óptico parece que no va a terminar nunca es obra de Donato d’Angelo Bramante, que ha pasado a la posteridad como Bramante. Vivió a caballo entre los siglos XV y XVI, y fue uno de los arquitectos italianos más reconocido, por ser el ideólogo de la Basílica de San Pedro.Bramante fue además quien introdujo el Renacimiento en Milán y realizó obras tan hipnóticas como esta escalera que emula las espirales del ADN. El efecto “infinito” lo consigue la doble hélice enrollada hacia la derecha. En realidad, cuando nos asomamos a la escalera, si nos fijamos, vemos que en realidad no es una sóla escalera, sino dos enroscadas. Una de ellas es para bajar y otra para subir.

 

La escalera se encuentra a la salida de los Museos Vaticanos, en realidad, es la última obra de arte que se contempla en las galería y el visitante se lleva de recuerdo esta espiral sin fin. Si la escalera está algo transitada, como en la foto, es más fácil descubrirle el truco al artista, el secreto está en fijarnos en que una de las espirales está llena de personas – la de bajada – y otra casi vacía, – la de subida -, porque está cerrada al público.

Esta es una de las galerias del cementerio de Bilbao. Por su belleza se hacen visitas guiadas, acuden muchos alumnos de Bellas Artes por su riqueza arquitectónica.

1.991 -

 

El proyecto de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia se erigió espléndido sobre el antiguo cauce del río Turia. Echando la mirada un poco hacia atrás, concretamente en el año 1.957, se producía en Valencia una triste riada que ocasionaría la inundación de gran parte de la ciudad. Se desvió el río Turia años más tarde para impedir así otro posible peligro de inundación por lluvias muy fuertes. Mediante el desvío del río, la ciudad de Valencia ganaba así diez kilómetros de longitud para destinarlos exclusivamente a zonas verdes, parques, zonas de ocio y recreo. El enorme complejo de la Ciudad de las Artes se situó en la periferia, en una zona ligeramente llana y en el margen derecho del tramo final del antiguo cauce del río Turia. La grandiosa obra comprende cinco construcciones emblemáticas hasta el momento más el puente de Monteolivete, el cual adaptó Calatrava ya que figuraba en el mapa incluso antes de construirse este enorme complejo cultural. De forma que el arquitecto en vez de construir un nuevo puente, adaptó este e incluyó un acueducto bajo su paso inferior. De esta forma, la Ciudad de Las Artes quedará casi en su totalidad rodeada por agua. El Palacio de las Artes Reina Sofía, el Umbral, El Hemisferio, El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe, El Puente de Monteolivete y el Museo Oceanográfico, son las construcciones arquitectónicas que conforman el conjunto hasta el momento.

  

El Hemisferio, por ejemplo, que se inauguró el 16 de Abril de 1.998, sería el primer edificio en construirse para esta obra tan grandiosa y de tanta repercusión a nivel internacional que va a durar más de dos décadas en terminarse. El edificio cuenta con una superficie de 14.000 m2 y se compone de un Planetario en el que se proyectan tres espectáculos audiovisuales sobre una pantalla cóncava de 900 m2 y 24 metros de diámetro. Para el diseño del singular edificio el arquitecto se inspiró en sus estudios del ojo y párpado humanos. Dispone de una lámina de agua que le rodea y que recuerda en gran medida a un auténtico ojo humano en movimiento, ya que Calatrava lo dotó de un sistema hidráulico móvil similar a muchas otras obras relacionadas con el arquitecto y con el que además se puede ventilar el edificio. La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia es un claro y vivo ejemplo de lo que el artista español Santiago Calatrava ha querido transmitir al mundo diseñando obras culturales, de ocio y de recreo para la periferia de las ciudades, ya que de esta forma, con este simple gesto simbólico que aportan, se pueden recuperar muchas zonas abandonadas de las ciudades revalorizándose así los terrenos cercanos a ellas.

  

Gracias a los estudios que realiza el arquitecto con sus bocetos y dibujos en acuarelas o grafito, nos sorprende cada año con nuevas propuestas modernas e innovadoras. Dibujos y bocetos llenos de expresividad y que reflejan el movimiento en sus obras para entender el arte como una razón de ser. La anatomía humana o la naturaleza, son materias por las que el arquitecto siente especial predilección.

  

Con una superficie total de 37.000 m2, el Palacio de las Artes Reina Sofía vino motivado por el cambio de Gobierno de la ciudad de Valencia, ya que en un principio se había previsto una Torre de Comunicaciones que se hubiese convertido en el elemento arquitectónico más alto y visible de la Ciudad de las Artes. Debido a este cambio, La Generalitat Valenciana prefirió más tarde encargarle a Santiago Calatrava un Auditorio. El enorme edificio, que teniendo en cuenta su curvatura en planta tiene unas medidas de 163 metros de longitud x 87 metros de ancho, es sin duda la obra más difícil realizada hasta el momento por Santiago Calatrava. Unas paredes laterales de hormigón revestidas de 20.000 m2 de trencadís, contienen tras ellas varias escalinatas de acceso a las diferentes terrazas del edificio. La obra, de 70 metros de altura en su punto más alto, dispone de cuatro salas importantes; una Sala Principal, un Auditorio, el Aula magistral y un Teatro anexo. La Sala Principal, por ejemplo, tiene una capacidad para 1.700 espectadores y cuenta además con el segundo foso de coros más grande del mundo. La bella Sala, que se ubica en la parte media sur-este del edificio, se compone de un patio y cuatro niveles de palcos. El Auditorio, que tiene una capacidad para 1.500 espectadores, se sitúa en el nivel superior del lado sur.

  

La cúpula de coronación, con forma de hoja de la naturaleza y que hace de cubierta para la sala situada en el nivel superior, recorre la totalidad del edificio de un lado al otro en una longitud de 230 metros. Tanto la anatomía humana como las formas orgánicas de la propia naturaleza, son la inspiración con la que el arquitecto sigue adelante en su búsqueda para con el arte abstracto.

  

La estructura de sustento del edificio lo conforman nada menos que 77.000 m3 de hormigón y 30 toneladas de acero estructural, 20 corrugados. Sin duda, esta obra construida para el proyecto tan importante de la Ciudad de Las Artes y las Ciencias, es la obra más compleja realizada por Santiago Calatrava.

  

El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe, que cuenta con 54 metros de altura en su punto más alto, se erige sobre un área de 37.000 m2 de superficie útil. Cuenta con una planta enteramente rectangular destinada exclusivamente a Museo de las Ciencias. La estructura interior del edificio, prácticamente diáfano, se compone de cinco pilares enormes de hormigón armado que se ramifican en la parte superior y que son el sustento de las grandes paredes laterales. Esta estructura nos recuerda en gran medida a las ramas y los troncos de los árboles influencia clara de Gaudí. No olvidemos que gracias al acero, Gaudí podía ganar altura para sus construcciones, como en una de las más famosas, La Sagrada Familia de Barcelona. Ya en el exterior, una enorme plataforma longitudinal da acceso a través de unas enormes escalinatas al nivel inferior en caso de una posible emergencia. La fachada que da a este mismo lado, está compuesta por una serie de figuras triangulares simétricas entre sí que se van repitiendo y que nos recuerdan a las hojas de la naturaleza. Al otro lado del edificio, una fachada de preciosas coloraciones gracias al vidrio translúcido, se alza victoriosa y espléndida, en el que una fina y elegante estructura de acero sostiene tal inmensa fachada a modo de pliegues.

  

En los laterales del recinto, Calatrava apuntaló la fachada mediante unos pilares inclinados de hormigón que conforman una estructura sobrecogedora. El arquitecto esta encantado con el hormigón, ya que gracias a este material puede darle forma a sus complejas estructuras.

  

El Umbral, que contiene a lo largo de su recorrido el llamado Paseo de las Esculturas, se caracteriza por ser un amplio espacio abierto dónde diferentes artistas contemporáneos exponen aquí sus obras. El arquitecto cubrió el paseo con una estructura enteramente de acero pintado en blanco similar a la que utilizó posteriormente en el complejo Olímpico de Deportes de Atenas, Grecia. La elegante estructura se compone de unos arcos trasversales unidos por medio de unos perfiles mas pequeños de acero. En ambos lados del paseo de la Galería de arte del Umbral que se abre al aire libre, Calatrava nos indica el acceso inferior a la Ciudad de las Artes por medio de dos entradas bien diferenciadas mediante la curiosa figura de un cono. En este cono se aloja un ascensor para bajar al nivel inferior; unas escalinatas curvas alrededor de estos conos dan también acceso peatonal a la Ciudad de las Artes. Ya en el nivel inferior, Calatrava sustentó la Galería de arte por medio de una serie de pilares inclinados de hormigón que repitiéndose longitudinalmente a lo largo de toda la Ciudad de las Artes evocan a las ramas y los troncos de los árboles.

  

Absorbido hoy día por la Ciudad de las Artes y las Ciencias, el puente de Monteolivete ya se había construido incluso antes de comenzar la obra de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. El ingeniero Fernández Ordóñez fue el autor en un principio de este puente para la ciudad. Un dato importante es que el puente de Monteolivete es uno de los tres más transitados en la actualidad para la ciudad de Valencia junto con el del 9 de Octubre, obra también de Santiago Calatrava. El afamado arquitecto en vez de realizar un nuevo proyecto, adaptó este y lo prolongó añadiendo un acueducto bajo su paso inferior que uniría el Hemisferio con la Casa de la Ópera. De esta forma, a través de esta lámina de agua, la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia queda casi en su totalidad rodeada por agua. El puente se divide en dos calzadas bien diferenciadas entre sí con respecto a un eje curvo imaginario de cuatro carriles para cada sentido de vehículos. Varios apoyos de hormigón sustentan el puente de un color blanco inmaculado. Se construyó una altar para la reciente visita tan importante del Papa Benedicto XVI a la ciudad de Valencia. Incluso una Cruz, aún sin retirar, se situó a un lado del puente.

  

La majestuosa Cruz, y que se ilumina todas las noches, por el momento no tienen la intención de quitarla. Debido a esta importante visita, las autoridades están pensando cambiarle el nombre originario de Monteolivete por el de "Benedicto XVI" en honor a la ilustre visita del Papa.

  

El Museo Oceanografic, el recinto situado más hacia el sur-este y donde se puede visitar toda la fauna animal de todos los continentes del mundo, completa la Ciudad de las Artes y las Ciencias hasta el momento. Para el diseño de los accesos principales, Calatrava colaboró con el tristemente fallecido Félix Candela (1.910-1997), compañero arquitecto e ingeniero y una de las figuras más destacadas en cuanto a estructuras de hormigón armado y cúpulas se refiere a lo largo de casi todo el Siglo XX. Actualmente está en construcción el último proyecto de ampliación de la Ciudad de las Artes en el que culminará una obra que va a durar más de dos décadas en terminarse. Al arquitecto le han encargado el Ágora, que será una enorme plaza pública con una cubierta móvil, el puente con pilón arqueado más alto del mundo llamado de la Serrería, tres rascacielos que simbolizan las tres comunidades del Levante español, Valencia, Alicante y Castellón, más otro edificio de oficinas acostado que se alzarán espléndidos al pie de dicha Ciudad de las Artes y las Ciencias completando así la mayor obra realizada por el arquitecto hasta el momento para su ciudad natal.

  

Con la construcción de esta obra emplazada en una zona de la periferia de Valencia, Calatrava ha demostrado a las autoridades de la Generalitat Valenciana que con este simple gesto simbólico que aportan, se pueden recuperar muchas zonas abandonadas de las ciudades, revalorizándose así los terrenos cercanos a ellas...

 

Copyright © José Miguel Hernández Hernández

Mural en la estación de Banfield por el Artista platico Fernando Izaguirre

Artistas plásticos del conurbano bonaerense agrupados en el movimiento artístico “Lógica Urbana” emprendieron el proyecto Muralismo Activo, una exposición permanente de murales en distintas estaciones del ferrocarril de la línea Roca.

Los artistas y organizadores de la iniciativa, Fernando Izaguirre y Juan Simón Paz Figueira, la caracterizaron como la muestra mural “más importante en la zona” y aseguraron que “marcó precedente en el conurbano”.

 

ver mas: www.auno.org.ar/article/las-estaciones-como-galerias-de-a...

flickriver.com/photos/javier1949/popular-interesting/

 

Museo Guggenheim Avenida Abandoibarra, 2. Bilbao. País Vasco. Euskadi. España

Arquitecto Frank O. Gehry. Concurso 1990. Construcción 1992-97. Promotor: Fundación Solomon R. Guggenheim

El Museo Guggenheim ha jugado un papel fundamental en la transformación y revitalización urbana de la zona donde se sitúa, además de convertirse en el símbolo de la ciudad de Bilbao y en un foco de atracción, impulsando el turismo y causado un extraordinario impacto en la economía y la sociedad vasca, fenómeno que se ha dado en llamar “efecto Guggenheim”. Es uno de los cinco museos que la Fundación Solomon R. Guggenheim tiene repartidos por todo el mundo. Se ubica a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, junto al puente de La Salve, abrazado en parte por el edificio. Inicialmente se propuso rehabilitar la Alhóndiga municipal, para albergar el museo, pero a raíz del concurso organizado en 1990 con la participación de Isozaki, Coop Himmelb(l)au, y Gehry, del que salió elegido este último arquitecto, se recoge su propuesta para la realización de un edificio de nueva planta a emplazar en una vieja zona industrial junto a la ría .

Su volumetría curvilínea y su recubrimiento de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio la dan un aspecto singular y simbólico, dentro de la corriente arquitectónica que se ha dado en llamar deconstructivismo. Se puede considerar una escultura, una obra de arte en sí mismo. La estructura principal está radicalmente esculpida siguiendo contornos casi orgánicos, sin contener una sola superficie plana. Las formas no tienen ninguna razón geométrica ni se rigen por ninguna ley. Una serie de volúmenes interconectados, unos de forma ortogonal recubiertos de piedra y otros de forma orgánica cubiertos por una piel metálica de titanio, unidos por una piel de vidrio. El edificio visto desde la ría aparenta la forma de un barco en recuerdo de la zona industrial portuaria en la que se sitúa. Sus paneles brillantes de titanio se asemejan a las escamas de un pez. Su planta presenta la forma de una flor. Para el diseño el equipo de Gehry utilizó simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para sustentar el edificio. A la trama del ensanche bilbaíno presenta una escala menor, revestimiento de caliza y ventanas con formas más racionales para integrarse con un entorno de edificios más tradicionales, formando una pequeña plaza que conduce a la entrada principal del edificio, y en este espacio abierto se encuentra la escultura Puppy de Jeff Koons, un gigantesco perro hecho de flores naturales.

La estructura, de vigas metálicas, forma cuadrículas con triangulaciones que permiten la realización de las distintas formas que componen el edificio. Cada pieza del revestimiento exterior de titanio tiene una forma única y exclusiva al lugar que ocupa, determinada por el programa informático generador. Dentro del aparente desorden de la envolvente, existe un patrón que rige la volumetría.

Su superficie es de 24.000 m² de los que 11.000 están reservados a las 19 galerías de exposición de obras de arte contemporáneo pertenecientes a la colección de la fundación Guggenheim, además de exposiciones itinerantes. Funcionalmente se articula en torno a un eje central, el hall de 50 metros de alto, un monumental espacio vacío coronado por una cúpula metálica. En torno a él, un sistema de pasarelas curvas, ascensores acristalados y torres de escaleras conectan las 19 galerías distribuidas en tres plantas, combinando espacios rectangulares con otros de proporciones y formas singulares, todos iluminados cenitalmente. Las exposiciones temporales y las obras de gran formato tienen cabida en la Gran Sala, también llamada Sala del Pez, de unos 30 m. de ancho y casi 130 m. de largo, libre de columnas, ubicada en el volumen que pasa bajo el puente La Salve, adaptándose a él.

En su fachada hacia la ría se contempla la silueta de la araña gigante “Mamá”, una escultura de bronce, acero y mármol obra de la artista Louise Bourgeois.

Durante su construcción, recibió numerosas críticas desde diferentes sectores de la cultura vasca. Jorge Oteiza lo llamó "Fábrica de quesos", y juró que mientras viviese no permitiría que ninguna de sus obras fuese expuesta allí; si bien una vez construido el museo dijo que "había que aprovechar lo que ya había" y permitió la exposición de sus obras. Se ha criticado también al edificio por su elevado coste y el carácter casi experimental de muchas de las innovaciones que se hicieron en su construcción, que han hecho más caro y difícil su limpieza y mantenimiento, por humedades u oxidación del titanio. La mayoría de las críticas se vieron mitigadas por el éxito que el edificio a nivel mundial, siendo un foco de atracción para la ciudad y una positiva proyección de la imagen de Bilbao a nivel internacional. Para el arquitecto Philip Johnson se trata del edificio más grande de nuestros tiempos.

Premio Internacional Puente de Alcántara en 1998. Premio al Museo Europeo del Año. Está considerado como uno de los “12 Tesoros de España”.

La galería porticada de la iglesia de San Martín de Rejas de San Esteban (Soria) – Spain; consta de siete arcos, siendo el central una puerta de entrada del lado sur que da acceso a la iglesia.

Los arcos de medio punto están bajo una chambrana decorada con puntas de diamante, los capiteles aunque sencillos son bellos, y están apoyados sobre dobles o cuádruples columnas.

Estamos ante una bella iglesia románica construida en el siglo XI, catalogada como Monumento Nacional en el año 1980.

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The arcaded gallery of the church of San Martín de Rejas of San Esteban (Soria) - Spain; it consists of seven arches, the central one being an entrance door on the south side that gives access to the church.

The semicircular arches are under a decorated chambrane with diamond tips, the capitals although simple are beautiful, and are supported on double or quadruple columns.

We are facing a beautiful Romanesque church built in the eleventh century, cataloged as a National Monument in the year 1980.

 

Como li em algum lugar: em breve, iremos a Belo Horizonte ver Inhotim como se vai ao Rio de Janeiro para ver-se o Cristo.

 

Inhotim é um lugar mágico: uma grande obra de arte a ceu aberto!

 

Para saber mais:

 

"Inhotim caracteriza-se por oferecer um grande conjunto de obras de arte, expostas a céu aberto ou em galerias temporárias e permanentes, situadas em um Jardim Botânico, de rara beleza. O paisagismo teve a influência inicial de Roberto Burle Marx (1909-1994) e em toda a área são encontradas espécies vegetais raras, dispostas de forma estética, em terreno que conta com cinco lagos e reserva de mata preservada. O Instituto Inhotim, Organização da Sociedade Civil de Interesse Público - OSCIP, além desses espaços de fruição estética e de entretenimento - que lhe garantem um lugar singular entre outras instituições do gênero - desenvolve também pesquisas na área ambiental, ações educativas e um significativo programa de inclusão e cidadania para a população do seu entorno.

 

Arte Contemporânea

 

O acervo artístico abriga mais de 500 obras de artistas de renome nacional e internacional, como Adriana Varejão, Helio Oiticica, Cildo Meireles, Chris Burden, Matthew Barney, Doug Aitken, Janet Cardiff, entre outros. O Inhotim se diferencia de outros museus por oferecer ao artista condições para a realização de obras que apenas em seu parque poderiam ser construídas.

 

Jardim Botânico

 

Em uma área de 97 hectares, o Jardim Botânico conta com diversas coleções botânicas entre as quais se destacam a de Aráceas, uma coleção de orquídeas da espécie Vanda, com 350 indivíduos de diferentes espécies e, ainda, uma das maiores coleções de palmeiras do mundo com mais de 1.400 espécies. Pesquisas e projetos botânicos e paisagísticos são desenvolvidos em parceria com órgãos governamentais e privados.

 

Inclusão e Cidadania

 

O Inhotim tem se tornado um vetor fundamental para o desenvolvimento socioeconômico do município de Brumadinho e de seu entorno. Projetos como o Inhotim Encanto e Coral e Iniciação Musical valorizam a vocação da região e mobilizam crianças, jovens e adultos. Importante interlocução também tem sido estabelecida com os empresários da região para o incremento de suas atividades econômicas, além de diversos projetos em parceria com o poder público local."

 

Fonte: www.inhotim.org.br

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Inhotim

 

Inhotim is a unique site that offers a broad ensemble of art works, displayed outdoors as well as in both temporary and permanent galleries, all located inside a Botanical Garden of extraordinary beauty. The landscaping was originally inspired by famed architect and landscape artist Roberto Burle Marx (1909-1994), and rare plant species are distributed in an esthetically pleasing manner throughout an estate which also sports five lakes and a preserved forest area.

 

Instituto Inhotim, decreed a Civil Society Organization of Public Interest, offers, in addition to these areas of artistic enjoyment and entertainment - which make it stand out among similar institutions - develops environmental research work, educational actions and an important program of social inclusion and citizenship for the local population.

 

Contemporary Art

 

The art collection comprises over 500 works by artists of national and international renown, such as Adriana Varejão, Helio Oiticica, Cildo Meireles, Chris Burden, Matthew Barney, Doug Aitken, Janet Cardiff, among others. Inhotim distinguishes itself from other museums by offering artists unique conditions for developing their art right inside the park.

 

Botanical Garden

 

Covering an area of 97 hectares (some 240 acres), the Botanical Garden has some impressive collections, such as the Araceae (Arum family, including the anthurium and the philodendron), Vanda orchids, and particularly an incredible variety of over 1400 species of palm trees. Botanical and landscaping studies and projects are developed jointly with government and private entities.

 

Inclusion and citizenship

 

Inhotim has become a fundamental vector for the socioeconomic development of the municipality of Brumadinho and its environs. Projects such as Inhotim Encanto e Coral, and Iniciação Musical inspire local vocations and mobilize children, youngsters and adults. An important dialogue has also been established with local businessmen to enhance their economic activities, in addition to several projects carried out in partnership with the local public authorities.

 

read more: www.inhotim.org.br/index.php/p/v/199

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Es una de las mejores galerías porticadas del románico castellano, que es tanto como decir del románico en términos generales dado que fuera de España es esta una estructura que no existe. La Galería Porticada, es una aportación netamente hispánica al Arte Románico.

 

Es de las de mayor tamaño: 17 x 4, 5 metros así como una de las que mejor calidad escultórica exhibe.

 

Galerías que funcionalmente cumplían una labor social importante entre los parroquianos del lugar. Vendrían a ser una especie de lugar de reunión de las gentes del lugar, al lado y al amparo de la iglesia, centro vertebrador de la población. Quizá el hecho de hallarlas en zonas de climatología adversa tenga que ver con su edificación a modo de "nave paralela extramuros" para tratar en ellas asuntos en relación con problemas municipales de índole no religiosa. Una especie de "iglesia civil", paralela y al amparo de la "oficial" con la que comparte lugar y arte.

 

GALERÍA ARTESPACIO - Santiago | Jose Basso | ART LIMA - Feria de Arte de Lima

Es el antiguo puerto , un área situada en la desembocadura del Water of Leith, un río que atraviesa Edimburgo hasta unirse al mar en el Firth of Forth. Durante muchos años, The Shore acogió el puerto comercial de la ciudad y fue un bullicioso centro de comercio hasta que, a finales de 1700, los muelles se trasladaron al norte, junto al mar, donde se encuentran en la actualidad . Así , el barrio de Leith, , fue un pueblo industrial y portuario, hasta que en 1920 pasó a formar parte de la ciudad. El barrio, sin embargo, conserva todavía un carácter único y distintivo que lo convierte en una de las zonas más animadas e interesantes de la capital escocesa, en especial en los últimos años, en los que ha conseguido dejar atrás un pasado decadente y renacer con más fuerza que nunca. Es un barrio de contrastes: de edificios históricos y bloques de pisos de nueva construcción; de calles empedradas y parques extensos; de restaurantes de lujo y pubs tradicionales; de hombres de negocios y habitantes de clase obrera Muy cosmopolita , con un animado panorama cultural y artístico que combina restos de un pasado marinero y actuales galerías de arte contemporáneo.

 

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O MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia é a peça central da área de 38 mil metros quadrados que a Fundação EDP ocupa na margem norte do rio Tejo. Aqui, a icónica central elétrica do início do séc. XX e o novo edifício, concebido pelo atelier londrino Amanda Levete Architects, convivem e oferecem uma programação cultural variada. A Central Tejo modernizou-se, mantendo a vocação para a ciência e energia mas continuando a receber exposições temporárias de arte contemporânea nas quatro galerias. O novo edifício contempla também quatro espaços expositivos num total de cerca de 3 mil metros quadrados.

Os dois edifícios são unidos por um jardim, pensado pelo arquiteto paisagista Vladimir Djurovic, que oferece um espaço exterior de excelência, com circulação livre, nesta zona ribeirinha da cidade de Lisboa.

Las escaleras de los Museos Vaticanos son una obra de arte más que añadir a la Capilla Sixtina, el Laocoonte o los Dalí y Miró que a menudo pasan desapercibidos, porque todo el mundo sigue las flechas hacia la gran obra pictórica de Miguel Ángel.

Los Museos Vaticanos tienen dos interesantes escaleras en espiral: la primera fue diseñada por Bramante, por dicha escalera se podía subir a caballo en casos de urgencia y la segunda es obra de Giuseppe Momo. Diseñada en 1932 esta escalera ubicada en el interior de los Museos Vaticanos está compuesta por dos espirales diferentes; una de subida para acceder a la exposición, y otra de bajada para salir del museo.

Dicha escalera se encuentra a la salida de los Museos Vaticanos, en realidad, es la última obra de arte que se contempla en las galerías y el visitante se lleva de recuerdo esta espiral sin fin. Si la escalera está prácticamente vacía, es más difícil de descubrirle el truco al artista, pero si circula gente, que es lo habitual, el secreto está en fijarnos en que una de las espirales está llena de personas - la de bajada - y otra casi vacía, - la de subida -, porque está cerrada al público.

Creo que todos los que hemos visitado El Vaticano hemos echado la vista atrás para contemplar una y mil veces esta fantástica obra de ingeniería visual, yo tome muchísimas fotos de ella y no me hubiera cansado de hacer mas. Espero sea de vuestro agrado.

 

La Schirn Kunsthalle Frankfurt en Fráncfort , más conocida simplemente como Die Schirn («la Schirn»), se cuenta entre las galerías de exposiciones de renombre en Europa. Fue inaugurada en 1986. La Schirn se diseñó y construyó a partir de 1983. Está ubicada en el centro del casco antiguo de la ciudad. En el lado norte del eje principal sigue la rotonda, coronada con una cúpula de vidrio, la que junto a la galería principal constituye el elemento de construcción más destacado de la Schirn y que con sus cerca de 20 metros de diámetro conforma la entrada monumental de la Schirn.

 

The Schirn Kunsthalle Frankfurt in Frankfurt, better known simply as Die Schirn ("the Schirn"), is among the renowned exhibition galleries in Europe. It was inaugurated in 1986. The Schirn was designed and built from 1983. It is located in the center of the old city. On the north side of the main shaft is the rotunda, topped by a glass dome, which together with the main gallery building is the most prominent element of the Schirn and its about 20 meters in diameter forms the monumental entrance the Schirn.

Siguiendo con la serie de Valladolid:

 

El Palacio de Santa Cruz de Valladolid es la primera muestra de arte renacentista en España. Antigua sede del Colegio Mayor Santa Cruz, en la actualidad, el palacio es la sede del rectorado de la Universidad de Valladolid, del MUVA (Museo de la Universidad) y de la Fundación Arellano Alonso, cuyas colecciones de arte africano fueron donadas también a la Universidad de Valladolid.

 

El 29 de mayo de 1479 fue expedida una bula de Sixto IV que autorizaba la fundación del Colegio Mayor que decidió establecer en Valladolid el cardenal Pedro González de Mendoza, aunque las obras para la construcción del actual colegio no se iniciaron hasta 1486. No se conoce quien fue el tracista del edificio; aunque se atribuyó en Pedro Pulido, se sabe que intervino en la obra únicamente en calidad de cantero. Posteriormente se atribuyó también a Enrique Egas y a Juan Guas, aunque lo más probable es que el autor del cambio de estilo que se evidencia en su proceso de construcción fuera Lorenzo Vázquez de Segovia. El cardenal Mendoza se disgustó con los planos góticos adoptados para el edificio y en 1488 ordenó que la obra continuase de acuerdo con el nuevo estilo renacentista. El edificio se inauguró en 1491.

  

Patio del Palacio de Santa Cruz.El patio sufrió reformas en 1603 cambiando Juan de Nates todos los pilares a excepción de los angulares, que se encontraban por entonces muy deteriorados, procediéndose a una nueva reforma del claustro en 1744 cuando los arquitectos Juan de Sagarvinaga y Domingo de Ondátegui sustituyeron por otro nuevo, el último cuerpo del mismo. Ventura Rodríguez realizó en 1761 diseños para transformar las ventanas góticas de la fachada principal y la obra se encomendó cuatro años más tarde, a su discípulo Manuel Godoy quien además de aportar otras mejoras, transformó todos los vanos de las tres restantes fachadas del edificio, dando por concluida su intervención en 1768.

 

El edificio del Colegio se amplió, además, en 1712 con una construcción que destinada a usos secundarios servía para enlazar el Colegio propiamente dicho con su Hospedería. En 1940 se adosó a este edificio y dando frente a un jardín privado del Colegio, la fachada que perteneció al Colegio jesuita de San Ambrosio, que se había concluido en 1740 y que constituye un buen ejemplo de fachada de tipo columnario. La Hospedería se construyó en 1675 siguiéndose la traza facilitada por el arquitecto Antonio del Solar.

 

Durante la Guerra de la Independencia, el colegio permaneció cerrado hasta 1816, y sirvió de hospedaje a Arthur Wellesley, duque de Wellington. Posteriormente sufrió un nuevo cierre, reabriéndose en 1833, ya bajo el reinado de Isabel II, durante la regencia de María Cristina. En el año 1838 se cerró definitivamente.

 

Convertido en sede del rectorado de la Universidad de Valladolid en el siglo XX, el edificio ha sido restaurado en las décadas de 1990 y 2000 por el Ministerio de Cultura, y la propia Universidad de Valladolid exclusivamente. En una primera fase se han rehabilitado el pavimento del patio y su sistema de drenaje, y en una segunda se ha limpiado la piedra de las fachadas exteriores y del patio, reabriéndose el recinto el 23 de octubre de 2010. En Abril de 2011 se iniciaron las obras de restauración de la tercera fase consistentes en restaurar los paramentos de las plantas baja, primera y segunda, cambiar los suelos de las plantas primera y segunda, y restaurar los artesonados y los marcos de piedra de las puertas de entrada de las plantas primera y segunda hacia las distintas dependencias internas. La finalización de las obras de esta tercera fase se prevé finalicen en el mes de noviembre de 2011.

 

El Colegio tiene planta cuadrada y está labrado enteramente en piedra caliza de sillería, abriéndose en su centro el único patio de que dispuso el inmueble. La fachada principal está apoyada en contrafuertes en los que es visible el cambio de estilo que se operó en la construcción apenas iniciada; sus tracerías góticas se sustituyeron por pilastras renacentistas. La portada, en arco de medio punto, se decoró con finos grutescos, observándose también grifos, delfines y temas botánicos. La Cruz de Jerusalén, emblema del Colegio, figura en las enjutas, mientras que sobre el entablamento se colocó un relieve, aún gótico, en el que aparece arrodillado el cardenal Mendoza ante la presencia de Santa Elena de Constantinopla, descubridora de la Santa Cruz. El fondo de todo el paño que ocupa la portada se encuentra tapizado por almohadillado de superficie retallada. El ímpetu ascendente de los contrafuertes se contuvo mediante una gran cornisa, decorada con motivos clásicos y rematada con balaustrada y pináculos, que confiere al edificio un carácter civil y una horizontalidad netamente renacentista.

 

El zaguán de la entrada se cubre con bóveda sencilla de crucería decorada con ángeles tenantes de escudos similares a los conservados en el Aula Triste y en los rincones de la parte superior del primer cuerpo del patio, corresponden al escultor Alejo de Vahía.

 

La escalera principal y algunas embocaduras de puertas fueron reformadas en el siglo XVIII al igual que la capilla que se abre al zaguán y en la que puede admirarse el Cristo de la Luz, depósito del Museo Nacional Colegio de San Gregorio, realizado por Gregorio Fernández en 1621 para una capilla del Monasterio de San Benito el Real.

 

El edificio alberga la librería que perteneció al Colegio del cardenal, acrecentada con fondos de la desamortización de Mendizábal a la que se accede a través de una puerta plateresca en la que se encuentran labrados relieves de Santos Doctores, originales también de Alejo de Vahía. La estantería salomónica de su interior fue ejecutada en 1705 por el ensamblador Alonso Manzano y está presidida por el retrato ecuestre del cardenal fundador, obra del vallisoletano Manuel Peti. El contenido de la biblioteca es de gran riqueza, destacando el ejemplar mozárabe del Beato de Valcabado, realizado por Oveco en el año 970.

 

La Hospedería del colegio tiene planta cuadrada y su patio, en el centro, posee severo diseño en sus dos cuerpos de galerías organizadas por pilares cuadrados y arcos de medio punto.

 

wikipedia

 

y para escuchar:

youtu.be/4RnSZ75zYpc

Es un gato culto, vive rodeado de arte, buena música y conversaciones la mar de interesantes. Y por lo que se ve, lee la prensa, jaja.

La Galería Nacional de Escocia (National Gallery of Scotland) es una galería de arte situada en Edimburgo, en un edificio de estilo neoclásico, edificado en la colina llamada The Mound, en la calle de los Príncipes. Diseñado por el arquitecto William Henry Playfair, fue inaugurado en 1859.

Galeria de Arte Nacional

Caracas - Venezuela

Perdonar si no paso por vuestras galerías, tengo una gripe y una conjuntivitis horribles. Buen comienzo de semana a todos !!!

 

Texturas gracias a Lenabem y Distressed Jewell

 

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La Colegiata de San Isidro, también llamada Colegiata de San Isidro el Real, es un templo católico situado en el casco histórico de Madrid, en el número 37 de la calle de Toledo. Fue la catedral provisional de esta ciudad española hasta 1993, año en el que abrió sus puertas la catedral de la Almudena.

 

La colegiata fue construida en el siglo XVII como iglesia del antiguo Colegio Imperial de la Compañía de Jesús, que se encuentra anexo al edificio. En ella se guardan los restos mortales de san Isidro, patrón de Madrid, y de su esposa, santa María de la Cabeza.

 

En cuanto al edificio, se trata de la iglesia más monumental del barroco madrileño. Para la realización del proyecto, Pedro Sánchez siguió el modelo adoptado en la iglesia del Gesú de Roma, esto es, una planta de cruz latina de una sola nave, con capillas laterales, crucero y cúpula. En el exterior destaca su fachada monumental, labrada en granito y compuesta por un cuerpo central de cuatro columnas corintias, flanqueado por dos pilastras del mismo orden a cada lado. Sobre este cuerpo, se levantan dos torres de planta cuadrada que no se llegaron a terminar.

 

El templo resultó muy dañado por un incendio ocasionado en 1936, destruyendo buena parte de sus capillas interiores, así como innumerables obras de arte de incalculable valor. El fuego también afectó a las cubiertas, que acabaron por hundirse en su mayor parte. Estos hechos motivaron que tuviera que ser reconstruida en la posguerra por el arquitecto Javier Barroso, quien realizó algunas alteraciones respecto al edificio original, entre ellas, la culminación de las torres que habían quedado inacabadas.

Galería de hierro.

Bouzas. Vigo.

Una verdadera obra faraónica arquitectónicamente hablando, pero no correspondida con la ingente cantidad de dinero que costó...

 

Los edificios que lo integran son, por orden de inauguración:

 

L'Hemisfèric: con forma de ojo. Sala de proyecciones de cine IMAX, planetario y Láser. Dispone de una superficie aproximada de 13.000 m².

El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe: con forma parecida al esqueleto de un dinosaurio, es un museo interactivo de ciencia. Ocupa alrededor de 40.000 m² repartidos en tres pisos.

L'Umbracle: paseo ajardinado con especies vegetales autóctonas de la Comunidad Valenciana (jara, lentisca, romero, lavanda, madreselva, buganvilla, palmeras,...) cubierto por arcos flotantes desde donde se puede ver todo el complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Alberga en su interior El Paseo de las Esculturas, una galería de arte al aire libre con esculturas de autores contemporáneos. (Miquel Navarro, Francesc Abad, Yōko Ono y otros..)

El Oceanográfico: es el acuario oceanográfico más grande de Europa con 110.000 metros cuadrados y 42 millones de litros de agua. Su cubierta en forma de nenúfar es obra del arquiteco Adrián Peláez Coronado nacido en Valencia. El diseño estructural de las cubiertas es de los ingenieros Alberto Domingo y Carlos Lázaro.

Palacio de las Artes Reina Sofía: con cuatro grandes salas: una Sala Principal, Aula Magistral, Anfiteatro y Teatro de Cámara. Sala de Exposiciones. Está dedicado a la música y a las artes escénicas.

El Puente de l'Assut de l'Or que comunica la ronda sur con la calle Menorca, y cuyo pilono de 125 metros de altura es el punto más alto de la ciudad.

El Ágora: Una plaza cubierta en la que se celebran conciertos y eventos deportivos, como el nuevo gran premio de la Comunidad Valenciana de Tenis.

 

La colegiata de Santa Juliana de Santillana del Mar (Cantabria, España), a la que debe su nombre esta localidad cántabra (Sant Iuliana - Santillana), es uno de los monumentos románicos más representativos de la región. Fue declarada Monumento Nacional de España el 12 de marzo de 1889.

El templo primitivo fue sustituido en época románica por el que, con diversos añadidos y reformas, se ha conservado hasta hoy, que data del siglo XII. En sus orígenes constituyó un monasterio benedictino, pero en el siglo XI adquirió el rango de colegiata regida por una comunidad de canónigos de San Agustín. A partir de entonces, respaldado por ayuda nobiliar, pasa a ser el templo más importante de Cantabria.

El claustro adosado a finales del siglo XII y principios del XIII al muro norte de la iglesia. En una primera fase se levantaría el ala sur y una parte del ala oeste; ya entrado el siglo XIII se completaría esta ala y se construiría el ala norte. El lado este es de época posterior (siglo XVI) y no sigue las directrices del estilo románico. Las galerías primitivas están formadas por arcos de medio punto soportados por columnas pareadas o cuádruples. En total cuenta con 43 capiteles de los que los más antiguos, los del lado sur y primer tramo del lado oeste, son historiados con tallas de apreciable mérito, mientras que los más recientes presentan temas vegetales.

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Son un total de 14 arcadas ojivales las que abren las pandas claustrales al espacio ajardinado central, todas ellas compuestas a base de elegantísimos arcos apuntados coronados por finas tracerías que dibujan distintas fórmulas vegetales a modo de rosetones.

 

CLAUSTRO DE LA CATEDRAL DE OVIEDO - ASTURIAS - ESPAÑA

 

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El arte urbano no es quizás la imagen más típica de Escocia que todos tenemos en mente. Pero la mayor ciudad del país, Glasgow, es uno de los mejores lugares del planeta para ver street art. En el rincón menos esperado te encontrarás con dibujos urbanos de todo tipo llenos de color y creatividad que convierten solares vacíos, pareces grises, muros de espacios en construcción en verdaderas obras de arte.

Buena parte de los murales de Glasgow se pintaron por iniciativa del Ayuntamiento, que quiso llenar la ciudad de arte y cultura con motivo de los Juegos de la Commonwealth en 2014. Otros han surgido por el impulso de galerías de arte y estrellas del street art local. Esta expresión artística es tan efímera que cada mes surgen nuevos ejemplos de arte urbano en Glasgow. La mano de artistas como Smug, Rogue-One, Klingatron o Recoat se deja ver en muchos lugares de la ciudad del río Clyde. Sólo tienes que tener los ojos bien abiertos. (Fuente: madaboutravel.com/2015/12/26/ruta-de-street-art-en-glasgo... )

 

Me apetecía incluir un coche junto con este mural, por suerte, no tuve que esperar mucho para que uno entrara en cuadro :)

 

Fotografía finalista en el XVII Salón Internacional de Fotografía Europa 2018 en el apartado Creativa y/o Experimental Color.

fotogenius.es/galeria-aceptadas/fotoartreus/68/

Galería de Arte Universal Benito Ortiz in #Trinidad

 

More Cuba Images:

www.pfenninger.ch/homepage/reisen/cuba/

 

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El Palacio de Exposiciones y Congresos Ciudad de Oviedo, obra de Santigo Calatrava.

Exposición IV punto de encuentro, " La estética del blanco y negro", asociación Focus de fotógrafos leoneses. Fundación Vela Zanetti. Del 11 al 31 de marzo de 2015.

Exposición "La estética del blanco y negro" galería de arte Cinabrio. Del nueve de abril al 9 de mayo de 2015.

Sal del auto semana 2.Exposición manual, medición puntual.

El camino de los gladiadores.

Galería interior del anfiteatro de Itálica

  

Los orígenes del Conjunto Arqueológico de Itálica se remontan al año 206 a.C., cuando el general Publio Cornelio Escipión, en el contexto de la segunda Guerra Púnica, derrotó a los cartagineses en la Batalla de Ilipa y estableció un destacamento de legionarios en el Cerro de San Antonio, lugar donde ya existía una población turdetana desde el siglo IV a.C. Si bien al principio ambas comunidades convivieron en este espacio próximo al Guadalquivir, pronto el elemento romano impuso sus modos sociales y políticos. En la segunda mitad del siglo I a.C. la ciudad adquiere el estatuto municipal y, pasado el tiempo, durante el gobierno del emperador Adriano (117-138 d.C.), el de colonia, con lo que se equipara administrativamente a la metrópoli.

 

Fue cuna de los emperadores Trajano y Adriano, y punto de origen de buena parte de los senadores de la época.

 

Actualmente, el Conjunto Arqueológico de Itálica muestra al visitante un espléndido anfiteatro romano y da la posibilidad de pasear por el trazado de lo que fueron sus calles, así como de conocer las casas, edificios públicos, objetos de arte y utensilios de la vida cotidiana utilizados por sus habitantes.

  

The origins of the Archaeological Ensemble of Italica date back to 206 BC, when General Publius Cornelius Scipio, in the context of the Second Punic War, defeated the Carthaginians at the Battle of Ilipa and established a detachment of legionaries at Cerro de San Antonio, place where a turdetana population already existed since the 4th century BC Although at the beginning both communities coexisted in this space close to the Guadalquivir, soon the Roman element imposed its social and political ways. In the second half of the first century BC the city acquires the municipal statute and, passed the time, during the government of the emperor Adriano (117-138 d.C.), the one of colony, with what is administratively equated to the metropolis.

 

It was the birthplace of the emperors Trajan and Adriano, and point of origin of many of the senators of the time.

 

Currently, the Archaeological Ensemble of Itálica shows the visitor a splendid Roman amphitheater and gives the possibility of walking through the layout of what were its streets, as well as to know the houses, public buildings, objects of art and utensils of everyday life used for its inhabitants.

Ciudad de las Artes y las Ciencias

 

La Ciudad de las Artes y las Ciencias (en valenciano: Ciutat de les Arts i les Ciències) es un complejo arquitectónico, cultural y de entretenimiento de la ciudad de Valencia (España).

 

El complejo, diseñado por Santiago Calatrava y Félix Candela, fue inaugurado el 16 de abril de 1998 con la apertura de El Hemisférico. El último gran componente de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, el Palacio de las Artes Reina Sofia, fue presentado en sociedad el 9 de octubre de 2005, día de la Comunidad Valenciana, aunque su programación regular como teatro de la ópera de Valencia no comenzó hasta el otoño de 2006.

 

La Ciudad de las Artes y las Ciencias está situada al final del viejo cauce del río Turia, cauce que se convirtió en jardín en los años 1980, tras el desvío del río por la gran riada de Valencia en el año 1957. Constituye, hoy en día, el mayor reclamo turístico de la ciudad de Valencia.

  

.Los edificios que lo integran son, por orden de inauguración:

 

L'Hemisfèric: con forma de ojo. Sala de proyecciones de cine IMAX, planetario y Láser. Dispone de una superficie aproximada de 13.000 m².

El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe: con forma parecida al esqueleto de un dinosaurio, es un museo interactivo de ciencia. Ocupa alrededor de 40.000 m² repartidos en tres pisos.

L'Umbracle: paseo ajardinado con especies vegetales autóctonas de la Comunidad Valenciana (jara, lentisca, romero, lavanda, madreselva, buganvilla, palmeras,...) cubierto por arcos flotantes desde donde se puede ver todo el complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Alberga en su interior El Paseo de las Esculturas, una galería de arte al aire libre con esculturas de autores contemporáneos. (Miquel Navarro, Francesc Abad, Yoko Ono y otros..)

El Oceanográfico: es el acuario oceanográfico más grande de Europa con 110.000 metros cuadrados y 42 millones de litros de agua. Su cubierta en forma de nenúfar es obra del arquiteco Adrián Peláez Coronado nacido en Valencia.

Palacio de las Artes Reina Sofía: con cuatro grandes salas: una Sala Principal, Aula Magistral, Anfiteatro y Teatro de Cámara. Sala de Exposiciones. Está dedicado a la música y a las artes escénicas.

El Puente de l'Assut de l'Or que comunica la ronda sur con la calle Menorca, y cuyo pilono de 125 metros de altura es el punto más alto de la ciudad.

El Ágora: Una plaza cubierta, actualmente en construcción, en la que se celebrarán conciertos y eventos deportivos, como el nuevo gran premio de la Comunidad Valenciana de Tenis.

Las Torres Valencia, Castellón y Alicante: forman parte de un proyecto que consiste en la construcción de tres rascacielos de 308 m, 266 m y 220 m. Actualmente el proyecto está parado y hay pocas posibilidades de que se lleve adelante.

 

(Wikipedia)

Segun me ha comunicado el gabinete de Prensa de Yahoo España, esta foto ha sido elegida entre las 12 mejores del año 2012 para hacer con ellas un calendario de Flickr,

Se que hay muchas otras fotografias que serian merecedoras de estar aqui, pero el que este esta ademas de un honor es debido a tod@s vosotr@s por comentarla, ponerla como favorita y por visitarla y verla.

Puedes ver las fotos están en la siguiente galería de Yahoo!:

es.noticias.yahoo.com/fotos/las-mejores-fotos-del-ano-201...

y en la cuenta de Flickr de Yahoo! prensa en España:

www.flickr.com/photos/yahoospain/sets/72157632142076473

 

Asi que quisiera daros las gracias a cada uno de vostr@s y al equipo de Flickr por darme esta oportunidad de hacer este calendario al lado de esas otras 11 grandes fotos

 

Y quiero felicitar a los 11 restantes compañeros

Explore Abril 30,2012 # 356

 

San Ángel (Álvaro Obregón)

 

San Ángel es un barrio de la delegación de Álvaro Obregón, en el Distrito Federal, famosa por su arquitectura típica mexicana. Actualmente alberga uno de los mercados de arte popular más grandes del país, así como un gran número de galerías de arte. Destaca también por lo alto de los precios de los bienes inmuebles de la zona.

 

Localización

 

La zona conocida como San Ángel está al suroeste de Álvaro Obregón y está delimitado aproximadamente por calle Flor de Maria y Camino al Desierto de los Leones al Oeste en la colonia Lomas de San Ángel Inn, la avenida Universidad al Este, las calles de Río San Ángel y Vito Alessio Robles al Norte y el Eje 10 Sur por la parte sur.

 

Historia

 

El ex convento "El Carmen".En la época antigua fue un asentamiento (altépetl) llamado Tenanitla (En el muro de piedra), relacionado con Coyohuacan y Chimaliztac (Escudo Blanco).

 

En el siglo XVII los monjes carmelitas establecieron uno de sus conventos más importantes de la Nueva España en esta zona debido a la gran cantidad de árboles frutales que crecían bañados por las aguas del vecino río Magdalena, lo que propició la fundación del pueblo de San Ángel.

 

Los restos de las naves principales de dicho convento son hoy un museo. Desde esta villa partía la Ruta de la Plata. La zona estuvo aislada del resto de la ciudad hasta los años 50. Antes de eso, ir a la Ciudad de México era un largo viaje el que se hacía en tren o tranvía.

 

Posteriormente el lugar cobró fama cuando en el restaurante llamado "La Bombilla" fue asesinado el General Álvaro Obregón, motivo por el cual a esta zona se le designó como Álvaro Obregón.

 

A mediados del siglo XX con la construcción de las avenidas Revolución e Insurgentes quedó trazado en definitiva el carácter actual de San Ángel, destruyendo gran parte del atrio de la iglesia del antiguo convento.

 

Actualmente la zona de San Ángel se encuentra conformada por una serie de colonias que de manera conjunta brindan de diversidad y constrastes sociales a la zona, que van desde el nivel socieconomico alto hasta medio bajo; entre estas encontramos a las colonias San Ángel, San Ángel Inn, Altavista, Tlacopac, Chimalistac, Hacienda de Guadalupe Chimalistac, Campestre, Guadalupe Inn, Florida, Lomas de San Ángel Inn, Atlamaya, Tizapán San Ángel y Progreso Tizapán,

 

Arquitectura

 

Casa tipo colonial en San Ángel.

Inscripción en el templo de San Jacinto.El valor arquitectónico de esta zona es incalculable. Poco a poco se va perdiendo conforme la modernidad avanza, pero por lo general se ha mantenido en las distintas colonias de la zona una gran cantidad de espacios y edificios representativos de un estilo colonial muy agradable. Los rasgos principales de esta zona son las calles angostas y empedradas, las casas tipo colonial, de uno o dos pisos, generalmente de ladrillo o pintadas con colores vivos, con balcones a la avenida, con enredaderas y puertas adornadas así como las pequeñas plazas, particularmente en la zona de San Jacinto. Finalmente los puentes, que ahora pasan sobre ríos entubados, representan también un elemento con estilo colonial característico.

 

Centro Cultural San Ángel

 

Centro Cultural San Ángel.La estructura original fue parte del Convento del Carmen. A mediados del S. XIX fue derrumbada casi en su totalidad para construir el Palacio Municipal de San Ángel. Obra del arquitecto Luis G. Anzorena, este centro fue terminado de construir en 1887. El 23 de junio de 1987, finalmente el edificio se destinó a albergar este centro cultural, el cual fue inaugurado por el Gobierno de la República el 29 de enero de 1988.

 

Actividades: exposiciones de fotografía, pintura y escultura. Talleres de música, danza, teatro, pintura, escultura, oratoria, locución, entre otros. Cursos de idiomas y computación.

 

Horario: lunes a domingo de 10:00 a 20:00

 

Actividad residencial

 

Puesto de muñecas de Ana Karen Allende en el mercado de los sábadosHoy en día San Ángel cumple varias funciones para la Ciudad de México. Por un lado, es un antigua colonia residencial, mayoritariamente de clase alta. Muchos de sus habitantes pertenecen a familias de ´viejos ricos´, es decir familias que se contaban entre la aristocracia de la Ciudad de México desde el siglo XVII y hasta mediados del siglo XX.

 

Centro Cultural San Ángel. La estructura original fue parte del Convento del Carmen y a mediados del siglo XIX fue derrumbada casi en su totalidad para construir el Palacio Municipal de San Ángel, obra del arquitecto Luis G. Anzorena, y terminado de construir en 1887. Testigo de grandes hechos históricos y sociales, ve su propia historia truncada en 1952, cuando se decide demolerlo para crear las nuevas oficinas de la delegación Álvaro Obregón y ensanchar la calle; el nuevo constructor fue Enrique Aragón Echegaray quien también edificó el monumento a Obregón. En el convento del Carmen existe una exposición en donde hay momias por lo que es un lugar de gran importancia historica.

 

Actividad comercial

 

Por otra parte las distintas colonias que conforman San Ángel, se han constituido en una zona comercial importante, en términos de que acopia una gran cantidad de restaurantes, boutiques, tiendas de muebles, librerías, etc. Una gran proporción de estos negocios comerciales están enfocados a los consumidores de alto poder económico y se han establecido a lo largo de las avenidas Insurgentes, Altavista y la avenida de la Paz, así es como encontramos prestigiosas boutiques sobre la Avenida Altavista , una de las plazas más renombradas es Altavista 147 que incluye las famosas marcas de diseñador Hugo Boss,Salvatore Ferragamo,Carolina Herrera, Louis Vuitton entre otras, colocándose en una de las avenidas más prestigiosas en comercio en la Ciudad de México,así como, no muy lejos de ahí en la plaza comercial Plaza Loreto que cuenta con varios sitios a visitar asimismo un foro abierto donde se realizan distintas actividades de entretenimiento y culturales y Pabellón Altavista. Asimismo uno de los mercados de flores más bellos (y caros) de la ciudad se encuentra en esta zona, sobre la avenida Revolución. En su límite norte se encuentra una zona financiera de relativa importancia así como en el poniente los foros de Televisa donde se graban sus novelas.

 

Actividad cultural y comercio-cultural

 

El Jardín del Arte en la Plaza de San Jacinto.

Finalmente, la zona juega un rol cultural de gran importancia. Por un lado el ´Bazar de Sábado´ y comercios aledaños se dedican principalmente a la exposición de arte y artesanía nacional e internacional. El local específico llamado ´Bazar del Sábado´ es un lugar idóneo para la compra de artesanías mexicanas así como para tomar un desayuno folclórico Mexicano, todo esto únicamente en días sábado. Así mismo en esta zona radica el ya mencionado Museo del Convento del Carmen, la Biblioteca de la Revolución Mexicana, la casa cultural de Telmex, el pequeño pero interesante Museo Estudio Diego Rivera, así como otras instituciones dedicadas a la difusión de la cultura. Por otro lado un pequeño conglomerado de librerías culturales se ha establecido en la parte sur de este barrio, sobre la avenida Miguel Ángel de Quevedo entre Insurgentes y Universidad. Las librerías El Sótano, el Fondo de Cultura Económica y Gandhi, así como algunos tratantes de libros usados y antiguos forman un lugar interesante para visitar.

 

Sitios turísticos

La Casa Blanca

Esta casa perteneció a los Condes de Oploca; se asemeja al de las casas campestres del siglo XVII. En su fachada ostenta un borroso escudo de armas. Después de la huerta del Convento del Carmen, su huerta era la más grande de la población de San Ángel Tenanitla. En 1847, durante la Invasión estadounidense, se alojó a las tropas invasoras; asimismo, en el año de 1863 se dio asilo a las tropas francesas durante su invasión a México.

 

A mediados del siglo pasado la habitó el juez José del Villar Bocanegra, quien la facilitó para que sirviera como cuartel a un destacamento de Maximiliano, cuando éste llegó a México. Posteriormente, pasó a manos de una congregación de monjas, y después fue vendida una y otra vez hasta llegar en 1902 a ser propiedad del señor Willian Lucien Morkil. Esta casa encierra una bella leyenda. Hidalgo No. 13, Col. San Ángel

  

Monumento a Diego Rivera en la Plaza de San Jacinto.[editar] Casa de la DinamitaSobre la calle del Arenal, casi con avenida Universidad, se localiza una tristemente famosa construcción, que se visita por un lamentable y trágico suceso. Los hechos acontecieron el 27 de mayo de 1878, una tarde en que la gente se entretenía observando los ejercicios militares de una patrulla. El momento no podía ser más pacífico, era uno de esos días en que el Sol gratificaba al espíritu al inundar con su benefactora luz las maravillosa y tradicional casa de San Ángel.

 

Se dice que aquel día las familias Mac Kartney y Veraza se reunieron para abrir una anhelada caja proveniente de Lourdes, Francia, conteniendo reliquias del famoso santuario. Se habían congregado parientes y amigos, adultos y niños para disfrutar de aquellos objetos. Un mozo había sido el encargado de abrir la caja, lo que hizo con un cincel, al dejar en libertad el recipiente, se encontró con otro, en el que, al recibir el impacto del cincel y el martillo, estalló brutalmente, llevándose consigo a tres personas: al mozo, a la dueña de la casa y a uno de los niños. Otros tres fallecieron posteriormente, a causa de heridas gravísimas y algunas mutilaciones.

 

Cuentan que la tragedia fue provocada por el error del almacenista del tren, que al ver dos cajas iguales, envió a casa de la familia Mac karney una que contenía fulminato de mercurio y dinamita, consagrada a una compañía minera. Este empleado al parecer, se volvió loco al conocer la tragedia que su descuido provocó.

 

Parroquia de San Sebastián Chimalistac

Chimalistac se deriva de dos vocablos náhuas: Chimalli (escudo), e Iztac (blancura). Por lo que significa "Lugar de Escudos Blancos" San Sebastián fue considerado por los fieles como protector contra epidemias y plagas, por lo que éstos deciden levantar un templo en su honor para terminar con las epidemias que azotaban por esos tiempos el lugar, aunque ya existía una primitiva construcción que servía de adoración. No ha sido posible determinar con exactitud la fecha de la primera construcción de la capilla, pero la mayoría de los autores coinciden en considerarla del siglo XVI, dando por hecho que ya existía antes de la llegada de los carmelitas. Plaza Federico Gamboa 11 Col. Chimalistac

 

Casa de los Delfines

Su nombre proviene de que su entrada principal está adornada por delfines hechos en piedra, el resto de la fachada tiene otros ornamentos tallados en el mismo material y su jardín aparece adornado con fuentes bellamente decoradas. Esta casa data del siglo XVIII, por lo que su construcción está considerada como Monumento Histórico. Callejón de La Cita 2, Esquina Lazcano, Col. San Ángel Inn.

 

Casa del Risco

La Casa del Risco es una construcción del siglo XVII que fue residencia de varios personajes de la controvertida historia mexicana, durante el gobierno del general Santa Anna esta propiedad se convirtió en cuartel debido a la invasión estadounidense. En fechas posteriores pasó a formar parte de un hospital que sirvió al Batallón de San Patricio, formado por soldados irlandeses que defendieron al pueblo mexicano de las tropas invasoras, una de las atracciones la constituye una fuente bellamente adornada con tableros de azulejos y recipientes de porcelana y loza china en su mayoría, todo esta dentro del estilo barroco, con figuras de peces y sirenas.

 

Tocamadera

Enclavada en la plaza San Jacinto del tradicional barrio de San Ángel se encuentra tocamadera.

 

La galería ofrece una generosa variedad de muebles y piezas de arte mexicano trabajados en talabartería, tejidos, orfebrería, platería, vidrio y alfarería. Los visitantes pueden obtener obras estéticas y funcionales, realizadas por artesanos mexicanos, que reflejan una visión fresca y actual de lo que durante siglos ha producido nuestro país.

 

La fachada del edificio recuerda aun a los soldados irlandeses que, acusados de deserción por las tropas estadounidenses invasoras y de apoyar a México fueron ultimados contra sus muros en 1847.

 

El patio de entrada, con tapias del siglo XVI, es una invitación a los ojos, el tacto y el olfato por sus muebles de maderas aromáticas de nogal, sabino, mezquite, encino y tzalam.

  

Interior del Exconvento del Carmen.[editar] Ex Convento del CarmenEl Ex Convento del Carmen guarda una gran cantidad de secretos, cuya relevancia no solo se debe a la antigüedad de sus orígenes, sino al impacto que esta propiedad tuvo para toda la zona sur de la Ciudad de México e incluso para el país entero. La historia del Ex Convento del Carmen se remonta al siglo XVII, cuando los frailes carmelitas adquirieron varios terrenos en las inmediaciones del Río Magdalena, que según algunas estimaciones, estarían comprendidos dentro de las actuales avenidas Copilco, Revolución y Avenida Universidad, y abarcarían la totalidad de la Colonia Chimalistac, enlazando de esa manera dos de las antiguas villas más importantes del sur de la ciudad, Coyoacán y San Ángel. En esta extensa propiedad, gracias a la visión de fray Andrés de San Miguel, se realizó una importante obra de infraestructura hidráulica que mediante presas, aljibes y canales, aprovechaba el cauce del río Magdalena para dotar de agua a los más de 13.000 árboles frutales que se encargaban de cultivar los frailes y algunos vecinos de la zona. La importancia de las huertas, aumenta si consideramos que de ella se abastecía la mayor parte de los mercados de la ciudad, y es aún mayor al conocer que fue en estas fértiles tierras donde se aclimataron varias especies de árboles hasta entonces desconocidas en nuestro país, como los manzanos, los perales, algunas especies de fresnos e incluso cedros del Líbano. Asimismo, en el extremo poniente de la huerta se edificó un templo que fue ampliado para albergar un colegio, un hospital y las habitaciones de los religiosos. Como podrá deducirse esta propiedad alcanzó una riqueza e influencia tal, que la gente dejó de llamar San Jacinto Tenanitla a la población para por fuerza de costumbre denominarlo San Ángel, nombre que ha perdurado hasta nuestros días. Como es de imaginarse, la situación no fue del agrado de los fundadores del Templo de San Jacinto, los dominicos, que en varias ocasiones intentaron boicotear a la otra orden, pero afortunadamente no tuvieron éxito. En el aspecto artístico, el ex convento del Carmen destaca por la riqueza de las obras que preserva como óleos de varios destacados personajes del virreinato y varios artículos religiosos, así como una cripta detalladamente decorada donde descansan las momias de algunos influyentes personajes de la zona en el pasado. De especial importancia es su arquitectura que consta de una magnífica iglesia con un magnífico altar barroco y tres cúpulas cubiertas por la exquisita cerámica de Talavera. Asimismo, en los terrenos de la antigua huerta se edificaron varios puentes y ermitas, que seguían el mandato de la orden carmelita de construir pequeñas capillas de oración apartadas del claustro del convento para que los frailes pudieran retirarse a la soledad y meditar. Varias de estas edificaciones sobreviven y pueden apreciarse en la actualidad.

 

Templo de San Jacinto

La construcción de este templo, uno de los más antiguos de la Ciudad de México, inició a mediados del siglo XVI, al ser fundada una pequeña ermita por los frailes dominicos en donde anteriormente se encontraba la población indígena de Tenanitla, el posterior pueblo de San Ángel, ahora inmerso dentro de la Ciudad de México. En 1580, dicha ermita fue elevada a la categoría de iglesia y sus funciones se separaron de las Templo de San Juan Bautista de la entonces cercana villa de Coyoacán, también fundada por dominicos. Estos frailes además instalaron varios obrajes que aprovechaban las caídas de agua cercanas a San Ángel para activar las maquinas hiladoras. Esta iglesia cuenta con una gran y austera nave, propia de las construcciones de la época, que contrasta con el colorido de los hermosos jardines de su atrio, en el que se puede encontrar una de las primeras cruces labradas en México, en la cuale se mezclan elementos cristianos y paganos interpretados desde el punto de vista y con la tradición artística de los pueblos prehispánicos.

 

Plaza Tenanitla “La presencia de nuestra identidad”

 

Tenanitla, Tenantitlan o Atenantitlan, nombre náhuatl que significa cerca de la muralla de piedra.

 

Tenanitla, nombre del barrio del señorío de Coyoacán que existió donde se encuentra asentado actualmente San Ángel. Era un vergel de tierras fértiles, de exuberante vegetación, regada por ríos, constituida de una pequeña población dedicada a la recolección de frutos, vegetales y leña. Algunas versiones indican que trabajaron el labrado de piedra. El primer antecedente en los registros coloniales fue realizado en junio de 1554. Los monjes Dominicos construyeron la primera edificación española, “La Ermita a la Virgen del Rosario” presuntamente en el año 1552, nombrándola Parroquia a partir de 1580, posteriormente, en 1596, fue nombrada “Parroquia de San Jacinto del Pueblo de Tenanitla”, nombre que conserva hasta la actualidad. En el año 1615 los Monjes Carmelitas iniciaron la construcción del Convento Escuela del Carmen terminándolo en 1617, encomendado para su protección a San Ángelo Mártir. La huerta Carmelita que existía desde 1585 obtuvo fama por la producción de frutales europeos que eran desconocidos en este continente, como peras, manzanas, duraznos, etc. acrecentando rápidamente la fama del Convento de San Ángel que fue desplazando paulatinamente el nombre del pueblo de Tenanitla. Tenanitla fue conocido como un lugar de descanso y veraneo, poblándose con grandes mansiones, plazas y huertos que al transcurrir de los años han constituido lo que hoy es San Ángel y con las Plazas del Carmen y San Jacinto, ilustran y recuerdan nuestro pasado colonial. Tenanitla, en esencia siempre ha estado presente con su vegetación exuberante, su piedra volcánica en las baldosas de sus calles empedradas y en los cimientos de las casas residenciales. Hoy con la presencia de “Plaza Tenanitla” enriquecemos nuestro mosaico Histórico Cultural, reencontrándonos con nuestro pasado prehispánico que es parte de nuestra identidad. Visita cada Sábado el mercado de Artesanias Plaza Tenanitla, calle de Juárez esquina con Plaza San Jacinto y calle de Amargura. Colonia San Ángel, Delegación Álvaro Obregón. Ciudad de México

 

Patrimonio Tangible e Intangible de la Ciudad de México

 

San Ángel Patrimonio Cultural Tangible e Intangible de la Ciudad de México. El día 5 de agosto del 2010 se público en la Gaceta Oficial del Gobierno del Distrito Federal el Decreto en el que se declara al conjunto Urbano-Arquitectónico (barrios, callejuelas, callejones, plazas, jardines, conjuntos religiosos, casas, entre otros) del antiguo Pueblo de San Angel como Patrimonio Cultural Tangible de la Ciudad de México y al conjunto de expresiones culturales que en él se manifiestan (festividades, manifestaciones artísticas, ferias populares, procesiones, exposiciones de arte entre otras) como Patrimonio Cultural Intangible, dicho decreto entro en vigor el día 6 de agosto de 2010. Esto comenzó gracias a los vecinos de este lugar, ya que señalan ser poseedores de un legado histórico que pertenece a todos los mexicanos por contar entre otras cosas con un edificio que data del siglo XVI, con ello ha logrado declaratorias de monumentos, áreas patrimoniales y ostenta desde 1932 la designación de “Pueblo Típico Pintoresco”. Para contribuir a la preservación, protección y promoción del patrimonio cultural tangible, autoridades y la delegación Álvaro obregón cuidan que en esta zona no se prolifere el comercio y desarrollos inmobiliarios o se cambie el uso de suelo; a su vez para la preservación del Patrimonio Cultural Intangible, la secretaria de Cultura, la Delegación Álvaro Obregón y autoridades competentes, acordarán un programa cultural de fomento a desarrollar en esta zona, promoviendo a su vez el atractivo artístico cultural.

Fuente: Wikipedia

 

El arte urbano no es quizás la imagen más típica de Escocia que todos tenemos en mente. Pero la mayor ciudad del país, Glasgow, es uno de los mejores lugares del planeta para ver street art. En el rincón menos esperado te encontrarás con dibujos urbanos de todo tipo llenos de color y creatividad que convierten solares vacíos, pareces grises, muros de espacios en construcción en verdaderas obras de arte.

Buena parte de los murales de Glasgow se pintaron por iniciativa del Ayuntamiento, que quiso llenar la ciudad de arte y cultura con motivo de los Juegos de la Commonwealth en 2014. Otros han surgido por el impulso de galerías de arte y estrellas del street art local. Esta expresión artística es tan efímera que cada mes surgen nuevos ejemplos de arte urbano en Glasgow. La mano de artistas como Smug, Rogue-One, Klingatron o Recoat se deja ver en muchos lugares de la ciudad del río Clyde. Sólo tienes que tener los ojos bien abiertos. (Fuente: madaboutravel.com/2015/12/26/ruta-de-street-art-en-glasgo... )

 

A mí me gustaron muchísimo, los había visto en algunas fotos y tenía ganas de verlos en directo :)

 

Fotografía finalista en el XVII Salón Internacional de Fotografía Europa 2018 en el apartado Creativa y/o Experimental Color.

fotogenius.es/galeria-aceptadas/fotoartreus/68/

Fotografía finalista en el VI Salón Fotográfico Digital Illa de Menorca 2018 en categoría Viaje.

www.ibphotocircuit.org/es/obras-finalistas-3

Fotografía finalista en el XIII Salon Internacional Fotografía Digital Illes Balears 2018 en categoría Viaje.

www.ibphotocircuit.org/es/obras-finalistas-2

Fotografía finalista en el III SALÓN INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA CUBANO 2018 en la categoría Viajes.

fotogenius.es/galeria-aceptadas/intercontinentalcircuit/7...

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Impressão 10x15

Centro de Arte Moderna da Gulbenkian (CAM), Lisbon, Portugal

 

Painting name: Cozinha da Casa de Manhufe, c. 1913, óleo sobre madeira, 29,2 x 49,6 cm"

 

Source : CAM - Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian

 

PAINTING DESCRIPTION

 

Cosinha da Casa de Manhufe (1913) surgiu no ano em que Amadeo pintou inúmeras paisagens e vistas da sua propriedade familiar em Manhufe, na Casa de Manhufe e Casa do Ribeiro. No entanto, constituiu para ele um desafio inédito, e raramente repetido, ao escolher um interior, o domínio privilegiado dos cubistas. Embora a tela só fosse exposta meio século mais tarde, esta nova tipologia obriga Amadeo a repensar as suas estratégias plásticas em relação ao espaço, marcando um ponto de viragem na sua obra, não só pelo abandono das florestas exóticas e orientalistas que inventa então com sucesso em Paris pelos lugares familiares e temas mundanos em Portugal, como pela sua recusa da representação mimética, na produtiva descoberta da desconstrução espacial enquanto processo criativo.

 

A cozinha de Manhufe é um dos locais canonizados nas leituras biográficas de Amadeo, como o centro emocional e familiar da casa-natal,* tornado pitoresco pela pesada arcaria, o vetusto mobiliário de madeira e os panelões de ferro. Mas para Amadeo, o espaço aqui importa enquanto interior, como laboratório no qual as experiências geométricas são encenadas. Tornou, por isso, opacas as janelas, com densas pinceladas, impedindo qualquer fuga do olhar, conferindo imediatez à tela, e concentrando-a no modo como as formas vivas estruturam este interior, começando pela moldura das janelas, dissecada como um motivo quase abstrato.

 

O espaço é livremente interpretado por Amadeo, numa visão plástica que diverge das experiências do cubismo analítico. Embora perfilhe as suas lições, ao fracturar o ponto de vista do sujeito, e desconstruir o objeto em faces angulosas, estas linhas estruturantes carregadas a negro parecem tornar-se independentes, indo além de uma mera função divisória ao rasgar os espaços em várias direções inesperadas, e aproveitando a entrada de luz para criar grelhas no chão, pondo a arquitetura em movimento. A original forma de coreografia ou animação rítmica que o reticulado linear adquire então em Amadeo, utiliza a fragmentação cubista não para desfazer objetos em planos divergentes, mas como ferramenta criativa, criticando a ideia estática do objeto e do sujeito face a ele, nesta reconstrução do motivo realista a partir dos elementos dinâmicos e de um desígnio plástico que, como no título desse mesmo ano, se podia designar a “natureza viva dos objetos”.

  

Afonso Ramos

Julho de 2013

 

in Wikipedia

 

Amadeo de Souza-Cardoso (Manhufe, freguesia de Mancelos, Amarante, 14 de Novembro de 1887 – Espinho, 25 de Outubro de 1918) foi um pintor português.

Pertencente à primeira geração de pintores modernistas portugueses 1 , Amadeo de Souza-Cardoso destaca-se entre todos eles pela qualidade excecional da sua obra e pelo diálogo que estabeleceu com as vanguardas históricas do início do século XX. "O artista desenvolveu, entre Paris e Manhufe, a mais séria possibilidade de arte moderna em Portugal num diálogo internacional, intenso mas pouco conhecido, com os artistas do seu tempo".2 A sua pintura articula-se de modo aberto com movimentos como o cubismo o futurismo ou o expressionismo, atingindo em muitos momentos – e de modo sustentado na produção dos últimos anos –, um nível em tudo equiparável à produção de topo da arte internacional sua contemporânea.

 

A morte aos 30 anos de idade irá ditar o fim abrupto de uma obra pictórica em plena maturidade e de uma carreira internacional promissora mas ainda em fase de afirmação. Amadeo ficaria longamente esquecido 3 ,dentro e, sobretudo, fora de Portugal: "O silêncio que durante longos anos cobriu com um espesso manto a visibilidade interpretativa da sua obra […], e que foi também o silêncio de Portugal como país, não permitiu a atualização histórica internacional do artista"; e "só muito recentemente Amadeo de Souza-Cardoso começou o seu caminho de reconhecimento historiográfico".4

 

Amadeo no seu atelier, Rue Ernest Cresson, 20, Paris, 1912

Filho de Emília Cândida Ferreira Cardoso e José Emygdio de Sousa Cardoso, Amadeo de Souza-Cardoso nasce em Manhufe, Amarante, "numa família de boa burguesia rural, poderosa e de muita religião, entre nove irmãos […]. Seu pai era uma espécie de «gentleman farmer», vinhateiro rico, de espírito prático, desejando educar eficientemente os filhos".5

Estuda no Liceu Nacional de Amarante e mais tarde em Coimbra. Em 1905 ingressa no curso preparatório de desenho na Academia Real de Belas-Artes, em Lisboa; e em Novembro do ano seguinte (no dia em que celebra o seu 19º aniversário), parte para Paris, instalando-se no bairro de Montparnasse, famoso ponto de encontro de intelectuais e artistas, onde irá viver todos os anos de permanência nessa cidade (1907 – 1914).

 

Ao longo desses 8 anos regressará, no entanto, diversas vezes a Portugal para estadias mais ou menos breves.6

Estabelece contacto com outros artistas portugueses a residir em Paris, entre os quais Francisco Smith, Eduardo Viana e Emmerico Nunes. Frequenta os ateliês de Godefroy e Freynet com o intuito de preparar a admissão ao curso de arquitetura, projeto que abraça, em parte para responder às expectativas familiares, mas que acaba por abandonar. Publica caricaturas em periódicos portugueses como O Primeiro de Janeiro (1907) e a Ilustração Popular (1908 – 1909).7

 

O início da sua atividade como pintor data provavelmente de 1907. No ano seguinte conhece Lucie Meynardi Pecetto, com quem viria a casar-se sete anos mais tarde. Em 1909 frequenta as aulas do pintor Anglada-Camarasa na Académie Vitti e mais tarde as Academias Livres.8

  

Em 1910 estabelece uma forte e duradoura ralação de amizade com Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi e Alexander Archipenko. Na correspondência para Portugal Amadeo refere-se à sua fascinação por aquilo que denomina por "pintores primitivos" (e pela escultura e arquitetura da cristandade); por outro lado, revela um sentimento artístico já amadurecido, manifestando a sua oposição ao naturalismo em favor de opções plásticas exigentes, distanciadas de pressupostos académicos.9

 

No dia 5 de Março de 1911 Modigliani e Amadeo inauguram uma exposição no ateliê do pintor português, perto do Quai d'Orsay, cujo livro de honra é assinado por Picasso, Apollinaire, Max Jacob e Derain; e no mês seguinte Amadeo participa pela primeira vez numa grande mostra internacional, o XXVII Salon des Independents, exposição determinante e que dá grande visibilidade ao cubismo. Nesse mesmo ano conhece Sonia e Robert Delaunay e, através deles, Apollinaire, Picabia, Chagall, Boccioni, Klee, Franz Marc e Auguste Macke.10

Em 1912 publica o álbum XX Dessins, onde reúne desenhos desse ano e do anterior que terão grande divulgação na imprensa francesa e portuguesa; participa no X Salon d’Automne (Grand Palais), encerrando o seu curto ciclo expositivo em Paris.11 É um dos artistas representados no famoso Armory Show (International Exhibition of Modern Art), Nova Iorque, 1913, exposição que marca a grande viragem modernista no meio artístico norte-americano: atento ao panorama artístico alemão, expõe também em Berlim, no Erster Deutscher Herbstsalon (Primeiro Salão de Outono Alemão), organizado pela Galeria Der Sturm, em conjunto com artistas maioritariamente associados à "novíssima pintura", dos futuristas italianos ao grupo do Blaue Reiter e ao casal Delaunay.12 Em 1914 tem trabalhos expostos em Londres e nos Estados Unidos da América (Exhibition of Painting and Sculpture in the "Modern Spirit", Milwaukee Art Society). O seu espírito instável fá-lo passar por "momentos torturantes de ansiedade".13

 

Durante uma viagem a Barcelona toma conhecimento do início da 1ª Guerra Mundial (1914-1918). Regressa a Portugal e a 26 de Setembro casa-se com Lucie Pecetto, fixando residência na Casa do Ribeiro, em Manhufe, que o seu pai mandara construir. No ano seguinte reencontra Sonia e Robert Delaunay, que entretanto haviam fixado residência em Vila do Conde. Amadeo ocupa o seu tempo entre a pintura, a caça, os passeios a cavalo, mas o seu isolamento começa a tornar-se difícil de suportar e faz planos para regressar a Paris. 1916 fica marcado por várias tentativas falhadas de participação em exposições internacionais; nesse mesmo ano publica o álbum 12 Reproductions e realiza exposições individuais no Porto (Salão de Festas do Jardim Passos Manuel) e em Lisboa (Liga Naval, Palácio do Calhariz). O acolhimento crítico, "num país pouco acostumado a exposições deste género, em que o modelo dos salons ainda vigorava, foi sobretudo marcado pela surpresa"; a articulação da montagem, "as obras exibidas e a internacionalização do artista português causaram espanto generalizado". Durante a estadia em Lisboa convive com Almada Negreiros e com membros do grupo Orpheu.14

 

Em 1917 envolve-se em projetos editoriais com Almada Negreiros, publica dois trabalhos na revista Portugal Futurista (Farol; Cabeça Negra15 ), mas acima de tudo trabalha intensamente, aprofundando o seu universo pictórico, que expande em novas direções. Anseia no entanto pelo regresso a Paris, o que não viria a acontecer. No ano seguinte contrai uma doença de pele que lhe afeta o rosto e as mãos e o impede de trabalhar. Abandona Manhufe e refugia-se em Espinho, na tentativa vã de escapar à epidemia de Gripe Espanhola que se espalha rapidamente e à qual viria a sucumbir em 25 de Outubro desse mesmo ano.16

De personalidade algo paradoxal, Amadeo era "convictamente monárquico" 17 e poderá ter pertencido – este facto não é mencionado nas publicações mais importantes sobre Amadeo –, a um movimento conhecido por Grupo do Tavares, que incluiria, entre outros, Eduardo Viana, Almada Negreiros e Santa Rita.18

 

O ano seguinte à sua partida para Paris "terá sido um ano de choque", um ano de revelação, marcando o início da sua atividade como pintor 19 , embora as suas primeiras pinturas conhecidas datem dos anos imediatos; trata-se ainda de exercícios, de escala reduzida, "pequenas «pochades» de impressão, como toda a gente fazia" 20 , onde representa interiores de cafés ou paisagens de forma mais ou menos convencional. Se muitas destas obras revelam hesitação, a lição de Cézanne informa já algumas das paisagens mais bem-sucedidas.21

 

Maturidade

 

Em 1910 Amadeo estuda com Anglada Camarasa, "pintor espanhol de colorido vibrante mas também de algum simbolismo estilizado", que impulsiona esse momento de crescimento; no ano seguinte a sua obra começa a revelar verdadeiros sinais de maturidade, num "estilo precioso e mundano […], algo decorativo no seu grafismo estilizado e no seu colorido espetacular, onde se revela a influência […] do orientalismo luxuoso dos Ballets Russes de Diaghilev" 20 , esse "verdadeiro fenómeno pluridisciplinar que, com as suas danças exóticas e exuberantes […] transfigurou a paisagem mental de todos os artistas".22

 

Marcado por uma multiplicidade de referências – da longa tradição erudita da arte Europeia à intensidade hierática da arte primitiva Africana; da linearidade sofisticada das gravuras e aguarelas japonesas às ruturas formais e concetuais do cubismo e do futurismo –, para Amadeo, neste momento de consolidação de ideias é igualmente determinante a amizade e conivência de artistas como Modigliani ou Brancusi. É neste quadro de referências que surgem pinturas como Saut du Lapin (Salto do Coelho) ou Os galgos, 1911, e o álbum de 20 desenhos que irá publicar no ano seguinte, com o seu pendor marcadamente decorativo "em que assomam ainda ecos do Jugenstil muniquense" 23 , e onde procura afirmar a sua identidade, gráfica e pessoal, revendo-se em memórias ou fantasias e projetando a "construção de alguns cenários mais adequados à sua mitologia pessoal. […] Amadeo é um cavaleiro veloz, um caçador com galgos e falcões, que atravessa a galope as suas montanhas em Manhufe […] até chegar a sua casa, que se perspetiva como um castelo no cimo de uma hierarquia de colinas" (ver, por exemplo, Les Faucons, 1912).24

  

Em 1912 participa no Salon de Independents e no Salon d’Automne com um "conjunto de obras, sedutoras no tempo pelo uso de uma moderada técnica cubista, temperada com os arabescos decorativos de um imaginário singular, visualmente muito apelativo" (e onde se sente uma vontade de representar o movimento que poderá talvez relacionar-se com os princípios do manifesto futurista). Em obras como Avant la Corrida, 1912 – exposto no Salon d’Automne e no Armory Show –, Amadeo procura um caminho singular através de aspetos temáticos menos comuns e de soluções formais algo híbridas que o associam a movimentos artísticos díspares, "aproximando-se deliberadamente das margens alternativas dos respetivos programas".25 A sua participação com trabalhos deste tipo no Armory Show, 1913, irá ser um sucesso do ponto de vista comercial. Das 8 pinturas expostas, são vendidas 7, três das quais – Saut du Lapin, 1911; Chateau Fort, c. 1912; Paysage, 1912 -, a Jerome Eddy, autor do primeiro livro em inglês sobre o cubismo. A opinião deste importante colecionador fixará, por muitos anos, a análise interpretativa da obra de Amadeo "nesse período, brilhante e sofisticado, mas ainda distante de futuros desenvolvimentos".26

 

Paralelamente, vemo-lo trabalhar a paisagem em obras onde o sentido predominantemente linear cede o lugar a um outro tipo de plasticidade, numa reaproximação à sensibilidade impressionista que evolui rapidamente para obras totalmente abstratas: "Entre um jogo geométrico de relevos (de lembranças cézanianas) e um ritmo colorido de massas de arvoredo, Amadeo avança para soluções de progressiva indiferenciação, como se essas massas densas perdessem a sua referência à realidade, para se transformarem em exclusivas soluções formais". Irá radicalizar a sua abordagem, aproximando-se de forma mais explícita da decomposição cubista (como na famosa Cozinha da Casa de Manhufe, 1913), que noutras pinturas será tratada através de um cromatismo aberto mais próximo de Delaunay (veja-se, por exemplo, Título desconhecido – Les Cavaliers, c. 1913); e tematicamente oscila entre caminhos diversos, com as alusões figurativas – à figura humana, à natureza-morta ou à paisagem –, a alternar com obras estritamente abstratas como, por exemplo, Sem título, 1913 27 .

 

Em 1914 expõe trabalhos em Londres e Berlim, o que indicia um desejo de encontrar novas vias de internacionalização. A participação no 1º Salão de Outono (Herbstsalon) organizado pela Galeria Der Sturm, é particularmente significativa da sua ligação ao polo de difusão berlinense. "O dramatismo e a intensa espiritualidade que forma a personalidade do artista, não podem ser excluídos do seu envolvimento com o movimento expressionista e com as sensibilidades estéticas que com ele se cruzaram […]. Coincidindo sensivelmente com a cronologia da sua passagem expositiva pela Alemanha, Amadeo desenvolveu várias séries de trabalhos […] de intenso diálogo com os conteúdos, formais e teóricos, dos expressionismos do seu tempo" 28 (é o que acontece de forma explícita com um conjunto de cabeças, ou máscaras, datado de 1914, que remete, também, para as explorações pioneiras de Picasso em torno das máscaras africanas). E será esta, afinal, uma das principais linhas unificadoras da sua obra plurifacetada. Mesmo quando os caminhos formais apontam noutras direções, "a sua alma de expressionista, esquiva a classificações e a modelos rígidos, individualista, inquieta e dissonante […] sustenta o desenvolvimento do seu trabalho", atravessando todas as fases, desde as primeiras paisagens até ao seu modo final.29

 

O diálogo com as vanguardas do início do Século XX será o grande motor por detrás da obra de Amadeo, mas há fatores determinantes de outra de outra ordem e que se prendem com um universo temático marcado por referentes pessoais. Numa carta dirigida à sua mãe em 1908, o pintor lamentava a ausência de "um forte meio da arte" na sua terra natal, mas queixava-se igualmente da "atmosfera parda" ou o "sol anémico" de Paris, que contrapunha ao seu "Portugal prodigioso, país supremo para artistas".30 Segundo Helena Freitas, "o alimento espiritual de Amadeo é também a iconografia da sua terra e das suas tipologias". Na sua pintura encontramos alusões a essa luz diferente; ao sol, às montanhas, às azenhas e moinhos; aos alvos das barracas de feira; às canções, bonecos e figuras populares… (veja-se, por exemplo, Canção Popular - a Russa e o Figaro, c. 1916).29

 

Obras finais

 

Canção Popular - a Russa e o Figaro, c. 1916, óleo sobre tela, 80 x 60 cm

  

Título desconhecido, c. 1917, óleo sobre tela com colagem pontual e localizada de outros materiais (fósforos de cera, madeira), 93,5 x 93,5 cm

 

Regressa a Portugal após tomar conhecimento da eclosão da 1ª Guerra Mundial (1914-1918): "este virar de página vai transtornar definitivamente os seus projetos e fechar para sempre o seu livro de viagens". Isolado no norte do país, remetido para uma zona periférica de um país já de si periférico, esse isolamento é apenas mitigado pelo intercâmbio com Eduardo Viana, com Sonia e Robert Delaunay (então a residir em Portugal), e por brevíssimos contactos com elementos do chamado grupo futurista português. Vive esses últimos anos – o seu período de "maior energia e criatividade individual" –, num frenesim criativo, sonhando com a participação em mostras internacionais (que nunca se concretizam) e com o regresso, sempre adiado, a Paris. "Neste trabalho, sabiamente manipulador de uma memória seletiva, estão presentes os sinais de maturidade do artista na escolha do seu caminho. Mas é um caminho solitário e desamparado". E essas obras notáveis, onde desenvolve pesquisas consonantes com a de autores máximos das vanguardas da época – dos cubistas aos membros da vanguarda russa –, ficarão praticamente esquecidas da historiografia internacional da arte.31

 

Os últimos trabalhos de Amadeo, datáveis de 1917, "são o núcleo mais consistente e poderoso da sua afirmação como artista". Nestas obras reforçam-se as associações inesperadas, alógicas, "ao mesmo tempo que se adensam e complexificam os processos técnicos, na espessura e materialidade das tintas misturadas com areias e outros agregantes, nas colagens, nos trompe-l’oeils e suas simulações".32 Partindo de um princípio gerador baseado na fragmentação cubista, irá integrar na pintura elementos iconográficos típicos desse movimento (dos instrumentos musicais à palavra escrita), fragmentos apropriados da vida real (madeira, espelhos, ganchos de cabelo, etc.), representações de partes do corpo ou de produtos contemporâneos produzidos industrialmente (como uma máquina registadora), e formas totalmente abstratas 33 … Essa diversidade aparentemente incongruente é gerida de forma magistral, "num jogo combinatório poderoso e de uma energia plástica rara" 32 que coloca essas obras a par das pinturas mais notáveis suas contemporâneas.34

 

Embora a "notoriedade do seu percurso expositivo e […] integração no contexto internacional dos diálogos de vanguarda" 4 o coloquem no centro da revolução que atravessou o mundo das artes nas primeiras décadas do século XX, a origem de Amadeo num país pequeno e periférico, a sua morte prematura e inconstância estilística, "camaleónica" 35 , criaram sérias dificuldades ao seu reconhecimento. Mesmo em Portugal, depois da sua morte ocorreu um longo hiato até que a sua obra merecesse a devida atenção; e apenas em 1983, com a inauguração do Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, se tornou finalmente possível um acesso real e permanente a obras de referência como Título desconhecido (Entrada), ou Título desconhecido (Coty), 1917.36

 

Rescaldo

 

1922 – São expostas as 3 pinturas (legado da coleção de A. S. Eddy) em Chicago - The Art Insitute of Chicago. A revista Contemporânea (1915-1926) reproduz um desenho de Almada em hors texte, no seu n.º 6 (Dez. 1922).

1925 – Exposição retrospetiva de Amadeo na Galerie Briant-Robert, Paris. O 1º Salão de Outono, Lisboa, inclui uma pequena homenagem retrospetiva ao pintor.

1935 – Criação do Prémio Amadeo de Souza-Cardoso, SPN, a atribuir anualmente no Salão de Arte Moderna.

1953 – Inauguração da Sala Amadeo de Souza-Cardoso na Biblioteca-Museu Municipal de Amarante. Incorporação de 5 pinturas no Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa.

1956 – Exposição antológica na Galeria Alvarez, Porto.

1957 – É editada a primeira monografia sobre Amadeo, da autoria de José Augusto França.37

1958 – Exposição retrospetiva na Casa de Portugal, Paris.

1959 – Incorporação da pintura Les Cavaliers no MNAM, Paris. Exposição retrospetiva, Palácio Foz, Lisboa, e no Museu Nacional Soares dos Reis, Porto.38 Representação de Amadeo na V Bienal de S. Paulo, Brasil. A revista Pirâmide (1959-1960) reproduz o estudo "Farol Bretão", no seu n.º 2 (Jun. 1959).

1968 – Aquisição das 5 primeiras obras de Amadeo pela Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

1969 – Comemorações do Cinquentenário da morte de Amadeo, Galeria Bucholz, Lisboa. Exposição das aquisições da Fundação Calouste Gulbenkian em Paris, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

1983 – Inauguração do Centro de Arte Moderna, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; obras de Amadeo integram a mostra permanente do Centro.

1987 – 1887-1987 Centenário do nascimento de Amadeo de Souza-Cardoso, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

1991 – Exposição no âmbito da Europália, Bruxelas.

1998 – Fundação Juan March, Madrid.

1999 – At the Edge: A Portuguese Futurist, Amadeo de Sousa-Cardoso, The Corcoran Gallery of Art, Washington D.C. e The Arts Club of Chicago, EUA.

2001 – Amadeo de Souza-Cardoso: um pioneiro do Modernismo em Portugal, Museu do Chiado, Lisboa.

2006 – Amadeo de Souza-Cardoso: Diálogo de Vanguardas, Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

 

Sob a coordenação científica de Helena de Freitas, a Fundação Calouste Gulbenkian publicou, em colaboração com a Editora Assírio & Alvim, as seguintes obras de referência:

Freitas, Helena de – Amadeo de Sousa-Cardoso: Fotobiografia [Catalogue Raisonné]. Lisboa: Fundação Calouste Gulbenkian, 2007. ISBN 978-972-635-192-4

¿Quién es Alejandro Pineda?

 

Alejandro Pineda es hoy por hoy uno de los artistas plásticos multidiciplinarios que México ha dado actualmente y que hoy en día representa orgullosamente a nivel mundial. La perpectiva abstracta y lúdica de su trabajo permite al expectador transportarse en un sin fin de cliches y lugares de México los cuales nos invitan a su vez a reflexionar sobre la no-existencia de un ser superior, gracias al uso adecuado de contradicciones y sarcásmo crudo e irreal.

 

Egresado de la Escuela de Escultura, Pintura y Grabado "La esmeralda" y hacer un postgrado en la Universidad de Chicago, Alejandro Pineda pasa por México a exponer su mas reciente proyecto llamado "Encuadres" en el cual el artista a través de juegos de espejos y de instalaciones elaboradas con chatarra pone al público en el centro de la Obra misma.

 

En palabras del mismo artista, nos dice "Uno no es arta hasta que se mete uno en el, la intensión de este proyecto es el de sensibilizar al público y que sea parte de la obra misma". Arthur M. Mills proyecta este nuevo proyecto como una ambición mas allá de la vanidad propia. "El público puede que no se sienta cómodo o no entienda en un principio cada una de las obras, pero cuando se vaya internando en los espacios y los mismos "encuadres" saldrá con un punto de vista diferente ante la vida y ante si mismos"

 

Arthur M. Mills es uno de los critícos especializados de la Galeria de Arte de New York, el cual con asombro hizo varias criticas del proyecto colectivo donde participó Alejandro (Daz Mesmerar) en cual con obras como "Cupulos" o "Dominia" facinó al critico dandole muy buenas esperanzas dentro del circulo de artistas rentables actuales.

 

Alejandro Pineda Photo sesion at San Ildefonso Museum

Mexico City

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