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Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

  

Festival HipHop Planeta Rock 2011 "De Kultura a Movimiento" / Días 7,8,9,13,14,15 y 16 de Enero 2011

Mejor información en: www.rh2a.cl/

 

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PLANETA GRAFF:

 

EL 2011 PLANETA ROCK DESARROLLA PLANETA GRAFF EN FORMA DE EXPO-ENCUENTRO DE GRAFFITI, LOS DIAS 8 Y 9 DE ENERO

LUGAR: AV. LA PAZ CON SERGIO LIVINGSTONE, HOSPITAL PSIQUIATRICO

COMUNA DE INDEPENDENCIA / DESDE LAS 12:00

 

EN LOS MUROS 12 BRILLOS + CREWS INVITADAS

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¿DÓNDE SURGE PLANETA ROCK?

 

Desarrollo del movimiento político afroamericano. África Bambaataa y los orígenes de la Zulú Nation:

 

A fines de la década de los 60’s el Partido de los Panteras Negras se había extendido por todo el territorio norteamericano como germen de descontento y como respuesta a la discriminación racial, social y política que debían experimentar los “Afroamericans”, población descendiente de África, y traída por los europeos como mano de obra esclava para trabajar en minas y plantaciones durante la implementación de la política imperial, colonialista y expansionista desarrollada originalmente alrededor de los siglos XVI y XIX.

 

Ante la vivencia cotidiana de una cultura de segregación racial que se mantuvo vigente incluso una vez abolida la esclavitud en Estados Unidos y en la mayor parte del mundo “civilizado”, el Partido de las Panteras Negras (Black Panter), nace en 1966 con la intención de actuar, intervenir, y dar soluciones concretas y posibles a la población negra, bajo la lógica de la pantera, no atacar en primer lugar, pero cuando es atacada y acorralada, responder ferozmente y sin piedad a su agresor, vinculándose así con una política de autodefensa.

 

Esta organización política surgió tras el asesinato de Malcolm X, siguiendo gran parte de sus ideas, e implementando programas para mejorar el nivel de vida de la Comunidad Negra en los Estados Unidos. En los barrios, se crearon diversos programas sociales que, en su época, fueron el núcleo de una coalición de movimientos revolucionarios con una fuerte raíz étnica y social.

 

Dentro de las acciones del partido de las Panteras Negras se destacaron los programas de desayunos para niños, la habilitación de centros de salud gratuitos y la lucha contra las drogas entre otras iniciativas, ya que consideraban a estas últimas unas de las principales armas de alienación, aniquilamiento y destrucción de la población en los gettos. Además se impartían clases gratuitas de derecho, economía, autodefensa y primeros auxilios.

 

Los herederos de Malcom X iniciaron así un proceso revolucionario de construcción de poder popular en sus comunidades, conocido como Black Power (Poder Negro), del cual el Partido de Las Panteras fue parte fundamental.

 

Este movimiento mantuvo una presencia importante en la sociedad estadounidense durante la década de 1960 y principios de 1970, enfatizando el orgullo racial y la creación de instituciones culturales y políticas para defender y promover los intereses colectivos de los negros, fomentar valores, y asegurar la autonomía, abriendo, de esta manera el camino al desarrollo de múltiples movimientos por la justicia social, ya que si bien se creía que la destrucción de la segregación racial debía ser uno de los principales objetivos del movimiento, se consideraba que el Black Power más que un lucha de razas constituía principalmente una lucha de clases. (Bobby Seale, Canciller y co-fundador de las Panteras Negras, Seale, Bobby. Seize the Time: The Story of the Black Panther Party and Huey P. Newton. New York: Black Classic P, 1996, p. 72.).

 

El movimiento del Black Power impulsó a la sociedad negra a cultivar sentimientos de solidaridad, convenciéndose de que, recurriendo a su historia, a su tradición y a su cultura tenían suficiente poder para escapar a la segregación y marginalidad, pero por sobre todo para poder reafirmar su propia identidad, reconociendo y legitimando la cultura negra en oposición a quienes los habían oprimido durante generaciones.

Ante la inserción del partido y el creciente desarrollo de las ideas de autonomía entre la población afro descendiente pobre y marginada, el partido de las panteras negras fue infiltrado y desbaratado por el Programa de Contrainteligencia del FBI (COINTELPRO), que desde 1969 lo consideró como uno de sus principales objetivos, generalizándose así los arrestos, asesinatos y destierros o exilios de sus principales militantes.

La lucha por los derechos civiles de los afroamericanos desencadenó de esta manera una ola represiva durante gran parte de los 60`s que implicó la muerte de Malcolm X y Martin Luther King entre otros activistas, así como el exterminio del Partido de las Panteras Negras, todo lo cual acabaría con la desintegración de la comunidad afroamericana, y como consecuencia, el abandono político de estos sectores en una pobreza y marginación a estas alturas ya crónica. Durante la década de los 70´s la intervención del gobierno de los EE.UU. de la mano del FBI, logró aniquilar el potente proceso social y de lucha racial iniciado por el Black Panter dividendo la organización, encarcelando a sus militantes, y anulando los programas sociales y comunitarios, desatando así, el miedo y la represión al interior de las comunidades.

  

Comunidad, autonomía y organización, Hiphop como herramienta educativa:

 

Los suburbios neoyorquinos de los 70´s, como todos los gettos y poblas del mundo fueron testigos de la pobreza, la violencia, la represión policial y la desorganización. Las pandillas y las drogas tomaron el control de las calles, y los jóvenes fueron –como siempre- las principales víctimas.

 

Fue un significativo viaje a África el lugar de origen de la población negra oprimida lo que hizo que el líder de los Black Spades, una de las pandillas más peligrosas del sur del Bronx, reflexionará sobre la vida que se estaba llevando en los suburbios Neoyorquinos: el abuso de las fuerzas policiales; la venta y el consumo de drogas; la precariedad de las viviendas y el alto grado de violencia, que ya eran parte de la cotidianidad, fueron los que despertaron en África Bambaataa, el espíritu transformador que lo llevaría a organizarse para cambiar este entorno viciado. En el año 1973 funda la Universal Zúlu Nation, organización que nace por la necesidad de generar espacios culturales para las clases populares y canalizar la energía que sólo estaba siendo utilizada para la autodestrucción de la comunidad.

 

Al observar el intercambio entre distintas culturas y expresiones artísticas, Bambaataa comenzó a organizar a sus hermanos, llevándoles la idea de ser alguien y de transformar en competencia sana la violencia que se generaba entre la misma gente, quienes tenían en común, no solo su color de piel e idioma, sino que por sobre todo el hecho de vivir una historia de miseria y la marginación.

 

Bambaataa logra reunir diversas expresiones multiculturales y multirraciales, que se manifestaban, en torno a 4 ramas bajo el concepto de Hiphop, transformando la violencia y la desesperación de los barrios pobres en una nueva cultura y así en una nueva arma.

 

Originalmente conocida simplemente como la Organización, en la década de 1970, los miembros de la Zúlu Nation comenzaron a organizar eventos culturales para los jóvenes, que combinaban la danza y los movimientos locales de música donde se mezclaban sonidos de marcadas raíces africanas particularmente en el sonido de bombos y cajas, y también con la influencia del Blues el Jazz, el Soul y la música Elektro y Funk, lo que daría paso al desarrollo de los diversos elementos o “Ramas” del Hiphop. De esta manera alrededor de 1980, el Hiphop se había extendido no solo alrededor de los barrios marginales neoyorkinos sino que alrededor del mundo entero.

 

Durante la década de 1970, y 1980, África Bambaataa y los miembros de la Zulú Nation a menudo se visten con trajes que representan las diferentes culturas del mundo. Estos trajes fueron vistos como símbolos del deseo de la Nación Zulú de solidarizar con otros, independientemente de su nacionalidad o color de piel, incluyendo de esta manera también a blancos y latinos igualmente oprimidos. Se usaron collares y camisetas que representaban al continente africano o dibujos tribales símbolos que emulaban de la Zulú Nacion de África, pueblo guerrero sudafricano creador de un ejército autónomo que fue capaz de enfrentar a los ingleses mientras estos buscaban minas de diamantes en el continente negro, y de quienes la organización de Bambaataa tomó el nombre.

 

Dentro de la declaración de principios creada por la nación Zulú, y KRS-One, se señala que el HipHop es un concepto que describe una conciencia colectiva e independiente que se expresa a través de elementos tales como el Breaking, Mcs, Graffiti, Dj, y Beatboxing, así como a través de un lenguaje, un conocimiento y una práctica callejera. Se reconoce claramente una influencia sobre el resto de la sociedad, especialmente en los niños, que busca conservar los derechos, la dignidad y el bienestar mental. The Hiphop Kulture resalta tanto la feminidad, como la masculinidad, la hermandad y la fraternidad. Promueve la capacidad de definir, defender y autoeducar, fomentando el desarrollo de la propia autoestima a través del conocimiento y el desarrollo de nuestras habilidades naturales y adquiridas.

 

La Zulú Nation señala que la esencia del Hiphop va más allá de la entretención o la recreación y que el Hiphop y su cultura no se puede comprar, ni vender ya que se trataría de una cultura independiente, y autónoma que no responde en sus orígenes a los patrones y directrices del mercado, reafirmando así que el HipHop no es un producto sino una cultura en desarrollo, un principio de autonomía y de libertad, multicultural y multirracial.

 

Es así como en un contexto de derrota y fragmentación social, a fines de los 70’s, un grupo de jóvenes en el Bronx buscó expresarse bajo la forma de una cultura callejera y marginal llamada Planeta Rock. La fiesta fue el comienzo, se pintaban trenes, se bailaba al ritmo de los temas de James Brown y los poetas rimaban a cápela al estilo del Spoken Word o palabra hablada. El Dj fue el arquitecto que atrajo a todos, a un lugar común, ya fueran las calles, los parques o los sótanos de los departamentos o bloks ocupados por afroamericanos, latinos y todo tipo de inmigrantes que vivían en los suburbios de Nueva York.

 

Las canciones de protesta no sólo denunciaron la opresión y la marginación respecto a los beneficios de un sistema político y económico excluyente, sino que utilizaban la adversidad y la propia marginación como un punto de partida y de referencia y sobre todo como una herramienta para atraer al activismo y así al desarrollo de una conciencia crítica y propositiva respecto a la realidad social compartida. El Hiphop se convirtió así en una voz de rebelión, de resistencia y de cultura libertaria.

 

Una Kultura que nace de los pobres, descendientes de la esclavitud afroamericana y oprimidos de todos los continentes, que surge como un espacio de liberación kultural cuya expresividad había sido negada por el sistema educativo dominante y por una posición social históricamente marginada, una cultura que comienza a superar las fronteras impuestas con creatividad e iniciativa.

 

En abril de 1982, Bambaataa lanza un single de gran impacto, el “Planet Rock", abriendo el rap al mundo entero. Planeta Rock El álbum fue lanzado en 1986 como una colección de temas anteriores. La canción " Planet Rock "fue uno de los primeros temas de Hiphop difundidos planetariamente, donde se samplearon sonidos de Kraftwerk, Trans Europe Express, Sky Captain y Ennio Morricone entre otros.

 

Fue así como el primer concepto conocido -Planeta Rock- comenzó luego a masificarse bajo el nombre de HipHop, expandiéndose así hacia todo rincón donde la necesidad estuviera presente.

 

Tradicionalmente, esta Kultura unifica 4 ramas artísticas. Ramas que desde su inicio cumplieron el rol de entregar alternativas a la cultura hegemónica a través de la creatividad, la democratización de los talentos y la optimización de los recursos. Sin embargo, la industria capitalista al percatarse de la masividad y del potencial comercial del HipHop en la sociedad, captura las expresiones de las fuerzas vivas de las clases populares convirtiéndolas en mercancía y en moda, creando una imagen repleta de machismo, drogas, conductas mafiosas, competencias viciadas y ostentación de joyas y dinero. Conductas que promueven valores totalmente ajenos y antagónicos a los orígenes del HipHop.

 

La propuesta de movimiento se propaga por los distintos países del mundo, y también en América latina, incluyendo Chile, donde el Hiphop comienza a cultivarse y a expresarse desde una perspectiva fuertemente política y social tomando nuestras propias historias y experiencias de opresión, como lo han sido el golpe de estado y la vida en dictadura, las injusticias contra el pueblo mapuche, o los problemas sociales históricos que han marcado a las clases populares como lo son la pobreza, el hambre, la desigualdad, el desbalance de la riqueza y la falta de oportunidades educativas y de recreación en especial para los más pobres y marginados.

 

Estas vivencias y esta historia se aglutinan y se hacen parte de las organizaciones e instancias de la kultura Hiphop, poniendo de manifiesto el descontento hacia el sistema, y planteando desde todas sus Ramas y diversas experiencias, la comprensión del HipHop como parte de una transformación kultural y política a partir de acciones organizadas.

 

Nuestra apuesta hoy, es tomar y retomar la experiencia, los cambios y las transformaciones de nuestra kultura HipHop y ser parte del proceso de construcción y transito de kultura a Movimiento.

  

¿QUÉ ES PLANETA ROCK EN CHILE?

 

Fue a principios del 2006, cuando Vee Bravo documentalista chileno radicado en los EEUU, nos propuso realizar una actividad que contemplaba la presentación de “Estilo HipHop” un largometraje de tipo documental que narra la vida de tres Kultores HipHop de Brasil, Chile y Cuba. La actividad llevó por nombre “TUR DE AXION SOCIAL” y se desarrolló en Septiembre del 2006. En ella plasmamos la visión de la organización de aquel entonces, teniendo una buena acogida por parte del público que asistió durante los tres días de actividades que contempló: la proyección del documental, foros y un Concierto musical.

 

Como organización sentimos una gran satisfacción por toda la experiencia adquirida durante el Tur, por lo que durante el 2007 trabajamos en crear un Festival HipHop que rescatara la historia de nuestra Kultura y manifestara nuestro ideal, tomando el HipHop como herramienta para contribuir a una transformación social.

 

De allí nace “PLANETA ROCK”, la primera edición se realiza en el verano del 2008 y llevó la consigna de “SEGUNDO ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE HIPHOP”, la estructura fue de 4 días, siendo la “FIESTA ZULU” el puntapié inicial, noche de baile en donde el Breaking, Looking y Popping se tomaban la pista para entregar los mejores pasos en un ambiente de unidad, respeto y alegría. El segundo día fue de “CINE DOCUMENTALES”, jornada de expresión audiovisual en la cual se proyectaron documentales HipHop y de contingencia social. El tercer día llamado “ESCUELA TALLERES” ha sido para nosotros uno de los más importantes, ya que en este día se ha generado el espacio para el intercambio de experiencias, la comunicación y la posibilidad de entablar acuerdos y vínculos que permiten, a nuestro parecer, contribuir a la construcción de organización. El cierre del festival se ha dado a partir del encuentro artístico musical plasmado en un “CONCIERTO” en donde parte de la escena nacional del Rap se hace presente para entregar su mejor show.

 

Una vez más la satisfacción ante lo generado nos colmó, pero siempre con la mentalidad y la convicción de aprender de los errores, y de seguir creciendo para entregar un mejor festival al año siguiente.

 

Así Llegó el 2009, año en el que celebrábamos los “25 AÑOS DEL HIPHOP EN CHILE”, esta fue la consigna del festival y de todas sus actividades, ya que se pretendía rescatar este momento como un instante histórico para el HipHop en Chile. Exponentes que fueron pioneros se juntaron con nuevos kultores, para así ir en hermandad derribando mitos y trabajando sobre sólidas miradas. Se desarrolló el “PLANETA GRAFF” coordinado por 12 BrillosCrew pintándose una sola gran pieza que representaba estos 25 años del HipHop en Chile. Durante este año nos vimos sorprendidos por una capacidad de convocatoria que sobrepaso con creces todas nuestras expectativas, planteándosenos así nuevos desafíos organizativos, tanto en lo relativo a la gestión del evento como en lo referente al trabajo desarrollado en forma anterior y posterior a este, surgiendo así nuevamente la necesidad y capacidad de autoeducarnos, formarnos y prepararnos para fortalecer nuestras virtudes y superar nuestras dificultades.

 

Llega el 2010 y en esta edición “EL QUINTO ELEMENTO ES EL CONOCIMIENTO” se toma el Festival, llevando el HipHop más allá de los 4 elementos tradicionales y sociabilizando el conocimiento como eje central para el desarrollo de una Kultura que se proyecta en Movimiento, compartiendo experiencias desarrolladas en países hermanos, conociendo realidades distintas a la nuestra y propiciando la expresión y el desarrollo de nuestra cultura.

 

Para el Año 2011 la consigna del festival y encuentro es “DE KULTURA A MOVIMIENTO”, ya que creemos que el HipHop constituye en sí un espacio de hermandad y auto reconocimiento del cual todos y todas podemos ser parte.

 

Momentos de tensión:

 

Planeta Rock no ha estado ajeno a las tensiones. Desde el comienzo hemos tenido muchas dificultades, ya que siempre hemos desarrollado el Festival en base a la autogestión, por lo que a medida que este festival se va masificando, se hace mucho más complejo cada año el poder realizarlo, aun así continuamos haciéndolo y ello porque estamos convencidos de que nosotros como parte de la Kultura HipHop podemos generar espacios de educación, comunicación y expresión artística siendo autónomos e independientes sin tranzar ni entregarnos a las fauces del mercadeo.

 

Algunas de las mayores dificultades que hemos vivido se dieron el 2009 en la Fiesta Zulú que se realizó en el Galpón Víctor Jara y en el Concierto que ese año se había programado en el gimnasio municipal de lo prado. Los espacios no dieron abasto para el gran número de personas que llegaron a las actividades, debiendo suspender a mitad de la jornada la Fiesta y el Concierto por colapso de los espacios y por problemas con la fuerza pública. No quisimos quedarnos con el peso de no haber terminado bien Planeta Rock en sus 25 años, por lo que en Marzo del mismo año realizamos un Concierto titulado “Nada a Medias” totalmente gratuito en el Parque la Bandera.

 

Otro momento donde experimentamos dificultades fue el día del Concierto del Planeta Rock 2010, ya que el equipo de sonido implementado para ese día no tuvo la capacidad suficiente para las cerca de 7.000 personas que llegaron a la plaza de los abastos, además se sumaron factores como el corte de agua, el tamaño del escenario y el calor, que nos valieron las criticas de muchos de los asistentes.

 

De todo esto hemos aprendido, comprendemos que es un proceso de aprendizaje en el cual tendremos caídas, lo importante es reconocer con humildad y autocritica lo ocurrido, pero con la energía necesaria para entregar cada vez un mejor Festival.

 

Nuestros Aciertos:

 

Sin duda Planeta Rock ha sido un festival que ha generado un espacio importante para la escena chilena del HipHop. El poder entregar en varias jornadas la mayor diversidad posible de expresiones artísticas, así como la creación de material audiovisual, teatro, Spoken Word, Beatmakers, entre otras ha sido para nosotros un factor de gran satisfacción.

 

Otro elemento importante que nos ha marcado en este proceso ha sido la instauración de la autogestión como base de nuestro funcionamiento, y la generación de espacios, como la feria HipHop, en la que diversos colectivos, talleres y personas en su individualidad, venden productos generados por ellos mismos. Contribuir a masificar los talleres como espacios importantes para el intercambio de experiencias y entrega mutua de conocimientos, ha sido otro de nuestros propósitos, implementando metodologías educativas que han permitido desarrollar de mejor manera el sentido de los talleres.

 

El 2010 lanzamos el promocional del Festival a través de un tema en el que reunimos a parte importante de los exponentes del Rap que se presentarían dentro de los días del festival, este simbolismo significó un gesto de unidad hacia el HipHop.

 

Tur Planeta Rock:

 

El 2010 con la idea de descentralizar Planeta Rock, se inicio el desarrollo del Tur Planeta Rock, el cual nació como una propuesta de escenario para las diversas expresiones del

movimiento HipHop local, buscando dar a conocer las creaciones y talentos de nuestras poblaciones a través de la realización de un evento en ellas, equipado profesionalmente para poder presentar material musical, la puesta en escena de los grupos locales, sus producciones, sus bailes, sus dibujos y en general su trabajo.

 

Durante el 2010 realizamos 4 actividades de este tipo, comenzamos en la Zona Norte de Santiago, luego fuimos a Puerto Montt, a continuación a la zona sur Cordillera de la Región Metropolitana y cerramos en la zona sur poniente de Santiago.

  

RED HIPHOP ACTIVISTA, LOS ORIGENES:

 

En el año 2006 surge la Red HipHop Activista como un espacio de encuentro y coordinación entre las experiencias que, en principio, se estaban desarrollando en distintos sectores de la ciudad de Santiago y que se planteaban como trabajos colectivos basados en el desarrollo de talleres, actividades artístico-culturales, trabajos sociales y espacios de participación política. Todo como parte del desarrollo de una Kultura de HipHop organizado que iba tomando fuerza y cuerpo basándose en experiencias anteriores, como fue el desarrollo de un espacio organizativo anterior llamado Hiphoplogía o H2L, espacio de encuentro y desarrollo del Hiphop, anterior a la RH2A.

 

En estos primeros momentos de la Red coexistían distintas visiones y perspectivas respecto a la organización del HipHop, algunas más políticas, otras más enfocadas en lo artístico, en lo recreativo o bien en lo educativo.

 

En este periodo, el taller de Hiphop Komunión Armada fue uno de los que, a través de sus metodologías, contribuyó a la politización de muchos de sus integrantes. Este taller efectuado en la población Francisco Celada de Estación Central fue un espacio desde donde se fue desarrollando y coordinando un vínculo con distintas comunas de Santiago. Muchos de sus participantes fueron también llevando estas experiencias de autoeducación y politización a sus trabajos territoriales. De esta manera, la RH2A se fue planteando originalmente como un espacio común desde donde fortalecer a nivel metropolitano el HipHop Activista.

 

Se definió en estos momentos como activismo, el protagonismo de aquellos HipHoppers que, aparte de practicar alguna rama artística, nos considerábamos y nos sentíamos capaces de generar actividades en nuestras comunidades desde una perspectiva social, educativa pero también de generación de conciencia y autoconciencia crítica respecto a nuestra realidad social, política y económica, marcada por la marginación y la falta de oportunidades de desarrollo. De este modo asumimos que si no éramos capaces de generar nuestros propios espacios de expresión, creación y encuentro, nadie lo haría por nosotros, ya que nada podíamos esperar de las jerarquías dominantes, mucho menos de quienes se encontraban administrando las burocracias del poder político y económico vigente.

 

Existían si, en estos momentos, experiencias o talleres que mantenían relación con proyectos o instancias municipales, especialmente en relación al acceso a espacios como salas, gimnasios u otras infraestructuras, pero también existían otras experiencias, mayoritarias, que solo trabajaban desde la autogestión y la autonomía en la generación de los recursos y espacios necesarios. A pesar de ser distintas, estas experiencias fortalecieron las dinámicas de discusión y contraste, teniendo siempre como base el cuestionamiento respecto a que era lo que realmente nos servía para poder fortalecer nuestros espacios organizativos.

 

El primer incentivo para fortalecer nuestra organización como Red de HipHop fue levantar el festival TUR AXION SOCIAL, que fue un encuentro de 3 días donde se lanzo el documental ESTILO HIPHOP y en donde se puso en práctica la idea de promover para la comunidad HipHop la generación de un espacio de encuentro nacional, donde se juntaran las distintas ramas o expresiones de la cultura HipHop, incluyendo la dinámica de retroalimentación de conocimientos a partir de la realización de foros y talleres.

 

La convocatoria fue buena, aunque no masiva, sin embrago, a través de esta experiencia, se logró fortalecer una Red de trabajo entre todos los talleres que estaban participando en ese momento: Tergiversarte de la comuna de Santiago, Komunión Armada de Estación Central, Guerrilla Urbana de Maipú, Fuerza popular de la comuna de El bosque Ruka La Familia y Kamasutra (URRAP mas adelante) de la comuna de San Bernardo, Poblacción, de La Granja, Unión De Talentos de La Pintana, Pinturaxión de Pudahuel, 29 de Marzo de la población La Victoria, la Honda de Talagante, Traficarte de Peñalolén. También se pudo conversar y compartir con los invitados extranjeros: de Argentina Pepe Parietti, de Brasil EliEfi, de República Dominicana DJ Laylo y de EEUU Virgilio Bravo, director del documental estilo HipHop.

 

Si bien este fue uno de los primeros pasos, el siguiente fue comenzar a llevar a cabo las SESIONES ACTIVISTAS que consistían en juntarse un día completo para poder contarnos todos los aciertos y desaciertos experimentábamos en nuestros trabajos territoriales. A este proceso no todos se sumaron, sin embargo, al mismo tiempo hubieron otros colectivos y talleres que comenzaron a acercarse. Así, llegamos a juntarnos más de 100 personas de distintos lugares de Santiago en una misma Sesión, y también comenzó a expandirse el contacto con regiones, destacándose la participación de Contraelviento de Puerto Montt, Aukallfun de Chillan, colectivo Sexto Sentido de Rancagua, individualidades de Concepción y entrenamiento HipHop de Iquique.

 

Cabe destacar que las experiencias territoriales nos arrojaban dos formatos de actividad organizativa. Por lo general, éstas eran los talleres de HipHop, que tenían sus propias dinámicas, y por otro lado los colectivos HipHop, que nacían desde los mismos talleres o bien se trataba de experiencias de agrupaciones con personalidades jurídicas que básicamente se dedicaban a la realización de tocatas y encuentros.

 

La forma de ir coordinándonos se baso en la presencia, nos juntábamos en una asamblea una vez a la semana en el centro de Santiago, dándosenos el espacio para reunirnos en distintas casas okupa. Ahí fuimos encontrándonos quienes de cierto modo éramos voceros de nuestros espacios organizativos, y en base a conversas íbamos viendo cómo podíamos fortalecernos, apoyarnos y complementarnos en nuestros trabajos territoriales.

 

De esta manera, la RED HIPHOP ACTIVISTA comenzó a experimentar una especie de metamorfosis que, en el camino, fueron generando ciertas dificultades, tanto por la lejanía de muchas personas que pertenecían a los talleres en los territorios periféricos o de regiones, como por las diferentes visiones y perspectivas de trabajo que comenzaron a plantearse.

 

Sin embargo, hasta el día de hoy y partiendo desde experiencias como la desarrollada con Hiphoplogía, el espacio del Taller siempre ha sido el lugar más importante de nuestro trabajo y nuestra construcción política, siendo así mismo un incentivo para el desarrollo de la organización. No obstante lo anterior, comenzamos a darnos cuenta que el espacio del Taller, también era un espacio transitorio, y que a medida que pasaba el “tiempo de vida” de un Taller, surgía la necesidad de ir repensando nuestro trabajo y nuestra propuesta.

 

Originalmente, si un rapero entraba al taller automáticamente pertenecía a la RH2A, situación difícil de comprender para quienes recién se incorporaban, ya que como muchos de los nuevos aun no lograban afiatarse en sus propios espacios, difícilmente podían integrarse a un espacio de coordinación y planificación más complejo como lo estaba siendo la RH2A. Esta situación comenzó a generar un sinfín de mitos y tergiversaciones que empezaron a crear asperezas internas, generándose desde los talleres el inicio de un cuestionamiento en términos de LIDERAZGOS e IDENTIDADES.

 

Para poder sanear todo este proceso que se estaba viviendo en las reuniones de la RH2A, donde no se generaban liderazgos autoritarios ni directivos, sino más bien propuestas que estaban al servicio del trabajo y del pensar más allá del taller al cual en su individualidad se representaba en esa asamblea. Se planteó así, una nueva forma de reorganizar la RH2A, ésta fue convertir ese espacio de coordinación de talleres y colectivos en un colectivo más, al mismo nivel que el resto, con su propia identidad y su propio proceso. La única diferencia o particularidad que tendría la nueva modalidad de la RH2A, es que quienes se quedaran, pensarían en la kultura HipHop en su conjunto y NO SOLO EN LOS ACTIVISTAS o en el trabajo de un solo territorio en particular. En ese momento nos quedamos alrededor de 30 personas militando.

 

De esta forma, en el 2008, después de conformarnos como nuevo colectivo, se tomó la idea del Tur Axión Social y se replanteó como FESTIVAL HIPHOP PLANETA ROCK. Agregándose un día más de actividades y profundizando mucho más su objetivo en tanto espacio de Encuentro nacional y latinoamericano de la cultura Hiphop, con sus distintas Ramas y expresiones artísticas.

 

Hoy tras un largo proceso aun en desarrollo de maduración organizativa y militante, nos planteamos como una colectividad HipHop que cree en la transformación de su propio entorno a través de acciones conscientemente organizadas, NO utilizando el Hiphop como un instrumento servil o funcional, sino que viviendo el HipHop políticamente, creando y levantando nuestros propios proyectos y planteando estos mismos como un aporte a nuestra Kultura de resistencia y construcción libertaria. Dentro de los ámbitos en que se proyecta nuestro trabajo actual y para los cuales se destinan los fondos que somos capaces de auto gestionar, se encuentran principalmente:

  

-La generación de espacios de auto-educación, con la propuesta de creación de la editorial “El Quinto Elemento”.

 

-La generación de espacios que incentiven la puesta en escena de trabajos artísticos en la población, con el Tur Planeta Rock.

-La generación de infraestructura que facilite nuestra autonomía e independencia, adquiriendo una amplificación propia, a disposición de quienes la requieran para desarrollar sus propias actividades.

-La articulación con otros exponentes del Arte comprometido, con la participación del Colectivo Nueva Canción Combativa.

-El aporte al financiamiento de otros proyectos educativos y Kulturales a partir de los fondos reunidos en Planeta Rock y otras actividades desarrolladas por la RH2A como el proyecto Memoria Rebelde.

 

Así mismo, dentro de nuestros proyectos a mediano y largo plazo se encuentran, en el mediano plazo la idea de levantar un Centro Kultural HipHop, y en el largo plazo ser capaces de crear una escuela artística experimental donde no solo se formen jóvenes bajo un formato que permita convalidar estudios en el sistema educacional tradicional, sino que también y por sobre todo, que nos permita aplicar los principios de la educación popular y de la kultura HipHop, que han nutrido nuestro trabajo, como herramientas pedagógicas, de recreación, de relación social y de construcción de lazos en base a la solidaridad, el auto reconocimiento y principalmente la autonomía y liberación.

 

RH2A

Dinamarca - Copenhague - Jardín Botánico

 

www.visitcopenhagen.com/copenhagen/botanical-garden-gdk42...

 

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ENGLISH

 

The University of Copenhagen Botanical Garden (Danish: Botanisk have), usually referred to simply as Copenhagen Botanical Garden, is a botanical garden located in the centre of Copenhagen, Denmark. It covers an area of 10 hectares and is particularly noted for its extensive complex of historical glasshouses dating from 1874.

 

The garden is part of the Natural History Museum of Denmark, which is itself part of the University of Copenhagen Faculty of Science. It serves both research, educational and recreational purposes.

 

The botanical gardens got its current location in 1870. Four years later in 1874 the gardens got its large complex of glasshouses at the initiative of Carlsberg founder J. C. Jacobsen who also funded it. His inspiration was that of the glass building the Crystal Palace that was erected for the Great Exhibition in London in 1851.

 

In 1977, the gardens including the greenhouses became listed by the Danish conservation authorities.

 

Copenhagen Botanical Garden is an informal garden with free admission. There are conservatories, a museum and herbarium, a library (admission by appointment only) a shop plants, seeds and a small selection of garden equipment and eating place.

 

The botanical gardens contain more than 13,000 species. The garden is arranged in different sections including: Danish plants (600 species), perennial plants (1,100 species), annual plants (1,100 species), rock gardens with plants from mountainous areas in Central and Southern Europe and Conifer Hill which is planted with coniferous trees. One of the newest inclusions is a rhododendron garden

 

The garden has many handsome specimen trees. The oldest tree in the gardens is a taxodium from 1806 that was moved along from the old location at an age of 60 years.

 

The Gardens have 27 glasshouses. The most notable is the 3000-square metre conservatory complex from 1874. The Palm House at its centre is 16 metres tall and has narrow, cast-iron spiral stairs leading to a passageway at the top. Plants include a palm from 1824 and a fine collection of cycads, some of which are more than 100 years old. A fifty metres long glasshouse house an extensive collection of cacti and other succulents whilst another one houses orchids and begonias. A modern glasshouse is dedicated to caudiciforms. The garden also has a special air-conditioned greenhouse that can re-create environments suitable for Arctic plants.

 

***

 

ESPAÑOL

 

El Jardín Botánico de la Universidad de Copenhague (en danés, Botanisk Have (København), también Universitets Botaniske Have), es un jardín botánico de unas 10 hectáreas de extensión. El jardín botánico es parte del Museo de Historia Natural de Dinamarca, que así mismo es parte de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Copenhague.

 

Los antecedentes del Jardín botánico de la universidad de Copenhague se encuentran en el primer, Hortus Medicus, que se creó el 2 de agosto de 1600, por la cédula y donación reales de un terreno en Skidenstraede (ahora Krystalgade), que perteneció previamente al museo zoológico. También se construyó una residencia adyacente al jardín para uno de los profesores.

 

No se proporcionó ningún medio financiero para el mantenimiento del jardín pero en 1696, uno de los supervisores del jardín, Rasmus Caspar Bartholin, fue quién fijó la dotación de la paga para un jardinero.

 

Uno de los hombres más prominentes de su tiempo, Ole Worm (1588-1654), impulsó una reforma alrededor de 1620 de la enseñanza de medicina y botánica y restableció planes para construir un jardín botánico, que no se efectuaron.

 

En 1621, Ole Worm asumió el control personalmente de la gerencia del descuidado jardín e introdujo una gran cantidad de plantas medicinales danesas así como especies extranjeras raras que recibió de sus muchos contactos profesionales en el exterior.

 

Un segundo jardín botánico fue presentado por Georg Christian Oeder en 1752 en el distrito de nueva fundación Frederiksstaden por iniciativa del rey Frederik V en un lugar junto a Amaliegade justo al norte del Frederiks Hospital. La sección occidental más pequeña, cubriendo apenas la mitad de una hectárea, fue equipada de un invernadero mientras que la sección del este seguía siendo en gran parte silvestre. El jardín fue abierto al público en 1763.

 

El primer jardín botánico completamente funcional pudo llegar a ser posible en 1769, cuando Cristian VII donó 2.500 daler a la Universidad, lo cual fue utilizado para la estructuración y cultivo del jardín. Al año siguiente el rey concede una parte del jardín botánico de Oeder del Palacio Amalienborg a la Universidad, perfilándose que los planes para ampliar el viejo jardín no serían llevados a cabo. ​En 1778, el primer jardín botánico fue cerrado. En los años siguientes Bautice Friis Rottboell (1727-1797), profesor de medicina, trabajó para conseguir erigir un invernadero.

 

El jardín botánico consiguió su localización actual en 1870. Cuatro años más adelante en 1874 los jardines consiguieron su gran complejo de invernaderos por iniciativa de J.C. Jacobsen del grupo Carlsberg, quién también lo financió. Su inspiración era la del edificio de cristal del The Crystal Palace que fue erigido para La Gran Exposición de Londres en 1851.

 

En 1977, los jardines incluyendo los invernaderos llegaron a ser incluidos en catálogos de conservación del Patrimonio nacional por las autoridades danesas de la conservación. Actualmente, el jardín botánico de Copenhague es un jardín informal con entrada libre. Hay invernaderos, museo y herbario, una biblioteca (admisión mediante previa cita solamente) una tienda que vende al por menor plantas, semillas y una pequeña selección de equipo de jardín y cafetería.

 

Actualmente el jardín botánico alberga 22.052 plantas vivas catalogadas en la base de datos electrónica, y que representan a 359 familias, 2.984 géneros y 13.210 especies. Además, una gran cantidad de taxones subspecificos y de plantas experimentales no se colocan en la base de datos.

 

Sus plantas se encuentran agrupadas en :

 

Invernaderos, hay varios que tienen que ser mantenidos con diversos regímenes climáticos, según condicionantes con respecto a la luz, a la humedad, a las condiciones del suelo etc. Entre estas son varias las especies que se encuentran en peligro crítico de extinción en el medio salvaje, e.j. en las islas Galápagos en el Océano Pacífico y en las islas Mascareñas en el Océano Índico. El jardín botánico tiene como objetivo el mantener colecciones de plantas que son representativas en términos de relaciones taxonómicas, de adaptaciones ecológicas, del origen geográfico, de hábitat, y de utilidad a la humanidad.

 

Grupos taxonómicos, con las plantas que se cultivan sobre todo para propósitos de información, se colocan y se agrupan por consiguiente, como por ejemplo en las (e.j. la colección de la orquídeas, la colección de Sorbus),

 

Grupos biológicos (e.j. la sección anual, las plantas carnívoras),

 

Agrupaciones ecológicas (e.j. el prado del pantano, las secciones de la estepa),

 

Grupos geográficos (e.j. la sección de las plantas danesas, la colección de Madagascar),

 

Agrupaciones climáticas (e.j. la casa de las Palmeras, la casa de las suculentas).

 

Al aire libre se encuentran colecciones de plantas árticas y alpinas,

 

El banco de germoplasma contiene las semillas de cerca de 800 especies danesas silvestres, de unas 1000 especies de las colecciones del jardín, y de cerca de 150 adquisiciones de semillas clasificadas como particularmente relevantes para los proyectos de investigación. Más de 50 especies se mantienen a través del cultivo del tejidos vivos de plantas en el laboratorio.

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

réunion de Sikuris

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

réunion de Sikuris

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

El Gran Teatro Falla es un teatro de la ciudad española de Cádiz, situado en la Plaza Fragela, frente a la Casa de las Viudas y junto a la Facultad de Medicina de la Universidad de Cádiz.

Comenzó a construirse en 1884, siguiendo el proyecto de Adolfo Morales de los Ríos y Adolfo del Castillo Escribano, siendo alcalde de Cádiz Miguel Martínez de Pinillos, en el solar del antiguo Gran Teatro de Cádiz, construido en madera en 1871 por el arquitecto García del Álamo, y que se incendió en 1881. En 1886 el Ayuntamiento asumió la dirección de las obras, aunque la escasez de fondos provocó la paralización de las mismas en diversas ocasiones, lo que impidió que la obra finalizara hasta 1905. El encargado de las obras fue el arquitecto municipal Juan Cabrera de la Torre, quien modificó en gran parte el primitivo proyecto.

El 12 de enero de 1910 se inauguró con la interpretación de una sinfonía de Barbieri, siendo alcalde de Cádiz Sebastián Martínez de Pinillos y Tourné. Hasta 1926 se llamó Gran Teatro, año en el que pasó a llamarse Gran Teatro Falla en honor al hijo predilecto de la ciudad Manuel de Falla. Un año después el Carnaval sonó por primera vez en el teatro con el coro Los Pelotaris de Manuel López Cañamaque.

En 1984 los arquitectos Rafael Otero y José Antonio Carvajal se hicieron cargo de la restauración del edificio, que se acomete en 1986 al término de los carnavales, siendo ese año el pregonero de las fiestas Mario Moreno "Cantiflas", al que se le ofreció una gala benéfica en solidaridad con el terremoto ocurrido en México.

De estilo neomudéjar, está construido en ladrillo rojo, y presenta tres grandes puertas de arco de herradura en su fachada principal, con dovelas alternas en rojo y blanco. En planta tiene forma de herradura, a la que se van adaptando los pisos, cada uno de ellos rodeado por una galería que enlaza con las escaleras de acceso, que arrancan desde un gran vestíbulo reformado en los años 20. Tiene una capacidad para 1214 espectadores repartidos en butacas, palcos, anfiteatro y paraíso. El escenario mide 18 metros de largo por 25,5 m de fondo, y el techo muestra una alegoría del Paraíso, obra de Felipe Abarzuza y Rodríguez de Arias.

Todos los años y durante el mes de febrero se celebra en el Gran Teatro Falla el Concurso de Agrupaciones del Carnaval de Cádiz, donde las distintas agrupaciones carnavalescas muestran todo su arte y genialidad en diversas modalidades. Dicha celebración se suspendió entre 1987 y principios de 1991 (sólo se acogieron las semifinales y final del Concurso de Agrupaciones) para reformar este teatro. Durante ese periodo, el Concurso pasó al Teatro Andalucía (hoy desaparecido). (Wikipedia)

 

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Dinamarca - Copenhague - Jardín Botánico

 

www.visitcopenhagen.com/copenhagen/botanical-garden-gdk42...

 

***

 

ENGLISH

 

The University of Copenhagen Botanical Garden (Danish: Botanisk have), usually referred to simply as Copenhagen Botanical Garden, is a botanical garden located in the centre of Copenhagen, Denmark. It covers an area of 10 hectares and is particularly noted for its extensive complex of historical glasshouses dating from 1874.

 

The garden is part of the Natural History Museum of Denmark, which is itself part of the University of Copenhagen Faculty of Science. It serves both research, educational and recreational purposes.

 

The botanical gardens got its current location in 1870. Four years later in 1874 the gardens got its large complex of glasshouses at the initiative of Carlsberg founder J. C. Jacobsen who also funded it. His inspiration was that of the glass building the Crystal Palace that was erected for the Great Exhibition in London in 1851.

 

In 1977, the gardens including the greenhouses became listed by the Danish conservation authorities.

 

Copenhagen Botanical Garden is an informal garden with free admission. There are conservatories, a museum and herbarium, a library (admission by appointment only) a shop plants, seeds and a small selection of garden equipment and eating place.

 

The botanical gardens contain more than 13,000 species. The garden is arranged in different sections including: Danish plants (600 species), perennial plants (1,100 species), annual plants (1,100 species), rock gardens with plants from mountainous areas in Central and Southern Europe and Conifer Hill which is planted with coniferous trees. One of the newest inclusions is a rhododendron garden

 

The garden has many handsome specimen trees. The oldest tree in the gardens is a taxodium from 1806 that was moved along from the old location at an age of 60 years.

 

The Gardens have 27 glasshouses. The most notable is the 3000-square metre conservatory complex from 1874. The Palm House at its centre is 16 metres tall and has narrow, cast-iron spiral stairs leading to a passageway at the top. Plants include a palm from 1824 and a fine collection of cycads, some of which are more than 100 years old. A fifty metres long glasshouse house an extensive collection of cacti and other succulents whilst another one houses orchids and begonias. A modern glasshouse is dedicated to caudiciforms. The garden also has a special air-conditioned greenhouse that can re-create environments suitable for Arctic plants.

 

***

 

ESPAÑOL

 

El Jardín Botánico de la Universidad de Copenhague (en danés, Botanisk Have (København), también Universitets Botaniske Have), es un jardín botánico de unas 10 hectáreas de extensión. El jardín botánico es parte del Museo de Historia Natural de Dinamarca, que así mismo es parte de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Copenhague.

 

Los antecedentes del Jardín botánico de la universidad de Copenhague se encuentran en el primer, Hortus Medicus, que se creó el 2 de agosto de 1600, por la cédula y donación reales de un terreno en Skidenstraede (ahora Krystalgade), que perteneció previamente al museo zoológico. También se construyó una residencia adyacente al jardín para uno de los profesores.

 

No se proporcionó ningún medio financiero para el mantenimiento del jardín pero en 1696, uno de los supervisores del jardín, Rasmus Caspar Bartholin, fue quién fijó la dotación de la paga para un jardinero.

 

Uno de los hombres más prominentes de su tiempo, Ole Worm (1588-1654), impulsó una reforma alrededor de 1620 de la enseñanza de medicina y botánica y restableció planes para construir un jardín botánico, que no se efectuaron.

 

En 1621, Ole Worm asumió el control personalmente de la gerencia del descuidado jardín e introdujo una gran cantidad de plantas medicinales danesas así como especies extranjeras raras que recibió de sus muchos contactos profesionales en el exterior.

 

Un segundo jardín botánico fue presentado por Georg Christian Oeder en 1752 en el distrito de nueva fundación Frederiksstaden por iniciativa del rey Frederik V en un lugar junto a Amaliegade justo al norte del Frederiks Hospital. La sección occidental más pequeña, cubriendo apenas la mitad de una hectárea, fue equipada de un invernadero mientras que la sección del este seguía siendo en gran parte silvestre. El jardín fue abierto al público en 1763.

 

El primer jardín botánico completamente funcional pudo llegar a ser posible en 1769, cuando Cristian VII donó 2.500 daler a la Universidad, lo cual fue utilizado para la estructuración y cultivo del jardín. Al año siguiente el rey concede una parte del jardín botánico de Oeder del Palacio Amalienborg a la Universidad, perfilándose que los planes para ampliar el viejo jardín no serían llevados a cabo. ​En 1778, el primer jardín botánico fue cerrado. En los años siguientes Bautice Friis Rottboell (1727-1797), profesor de medicina, trabajó para conseguir erigir un invernadero.

 

El jardín botánico consiguió su localización actual en 1870. Cuatro años más adelante en 1874 los jardines consiguieron su gran complejo de invernaderos por iniciativa de J.C. Jacobsen del grupo Carlsberg, quién también lo financió. Su inspiración era la del edificio de cristal del The Crystal Palace que fue erigido para La Gran Exposición de Londres en 1851.

 

En 1977, los jardines incluyendo los invernaderos llegaron a ser incluidos en catálogos de conservación del Patrimonio nacional por las autoridades danesas de la conservación. Actualmente, el jardín botánico de Copenhague es un jardín informal con entrada libre. Hay invernaderos, museo y herbario, una biblioteca (admisión mediante previa cita solamente) una tienda que vende al por menor plantas, semillas y una pequeña selección de equipo de jardín y cafetería.

 

Actualmente el jardín botánico alberga 22.052 plantas vivas catalogadas en la base de datos electrónica, y que representan a 359 familias, 2.984 géneros y 13.210 especies. Además, una gran cantidad de taxones subspecificos y de plantas experimentales no se colocan en la base de datos.

 

Sus plantas se encuentran agrupadas en :

 

Invernaderos, hay varios que tienen que ser mantenidos con diversos regímenes climáticos, según condicionantes con respecto a la luz, a la humedad, a las condiciones del suelo etc. Entre estas son varias las especies que se encuentran en peligro crítico de extinción en el medio salvaje, e.j. en las islas Galápagos en el Océano Pacífico y en las islas Mascareñas en el Océano Índico. El jardín botánico tiene como objetivo el mantener colecciones de plantas que son representativas en términos de relaciones taxonómicas, de adaptaciones ecológicas, del origen geográfico, de hábitat, y de utilidad a la humanidad.

 

Grupos taxonómicos, con las plantas que se cultivan sobre todo para propósitos de información, se colocan y se agrupan por consiguiente, como por ejemplo en las (e.j. la colección de la orquídeas, la colección de Sorbus),

 

Grupos biológicos (e.j. la sección anual, las plantas carnívoras),

 

Agrupaciones ecológicas (e.j. el prado del pantano, las secciones de la estepa),

 

Grupos geográficos (e.j. la sección de las plantas danesas, la colección de Madagascar),

 

Agrupaciones climáticas (e.j. la casa de las Palmeras, la casa de las suculentas).

 

Al aire libre se encuentran colecciones de plantas árticas y alpinas,

 

El banco de germoplasma contiene las semillas de cerca de 800 especies danesas silvestres, de unas 1000 especies de las colecciones del jardín, y de cerca de 150 adquisiciones de semillas clasificadas como particularmente relevantes para los proyectos de investigación. Más de 50 especies se mantienen a través del cultivo del tejidos vivos de plantas en el laboratorio.

Dinamarca - Copenhague - Jardín Botánico

 

www.visitcopenhagen.com/copenhagen/botanical-garden-gdk42...

 

***

 

ENGLISH

 

The University of Copenhagen Botanical Garden (Danish: Botanisk have), usually referred to simply as Copenhagen Botanical Garden, is a botanical garden located in the centre of Copenhagen, Denmark. It covers an area of 10 hectares and is particularly noted for its extensive complex of historical glasshouses dating from 1874.

 

The garden is part of the Natural History Museum of Denmark, which is itself part of the University of Copenhagen Faculty of Science. It serves both research, educational and recreational purposes.

 

The botanical gardens got its current location in 1870. Four years later in 1874 the gardens got its large complex of glasshouses at the initiative of Carlsberg founder J. C. Jacobsen who also funded it. His inspiration was that of the glass building the Crystal Palace that was erected for the Great Exhibition in London in 1851.

 

In 1977, the gardens including the greenhouses became listed by the Danish conservation authorities.

 

Copenhagen Botanical Garden is an informal garden with free admission. There are conservatories, a museum and herbarium, a library (admission by appointment only) a shop plants, seeds and a small selection of garden equipment and eating place.

 

The botanical gardens contain more than 13,000 species. The garden is arranged in different sections including: Danish plants (600 species), perennial plants (1,100 species), annual plants (1,100 species), rock gardens with plants from mountainous areas in Central and Southern Europe and Conifer Hill which is planted with coniferous trees. One of the newest inclusions is a rhododendron garden

 

The garden has many handsome specimen trees. The oldest tree in the gardens is a taxodium from 1806 that was moved along from the old location at an age of 60 years.

 

The Gardens have 27 glasshouses. The most notable is the 3000-square metre conservatory complex from 1874. The Palm House at its centre is 16 metres tall and has narrow, cast-iron spiral stairs leading to a passageway at the top. Plants include a palm from 1824 and a fine collection of cycads, some of which are more than 100 years old. A fifty metres long glasshouse house an extensive collection of cacti and other succulents whilst another one houses orchids and begonias. A modern glasshouse is dedicated to caudiciforms. The garden also has a special air-conditioned greenhouse that can re-create environments suitable for Arctic plants.

 

***

 

ESPAÑOL

 

El Jardín Botánico de la Universidad de Copenhague (en danés, Botanisk Have (København), también Universitets Botaniske Have), es un jardín botánico de unas 10 hectáreas de extensión. El jardín botánico es parte del Museo de Historia Natural de Dinamarca, que así mismo es parte de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Copenhague.

 

Los antecedentes del Jardín botánico de la universidad de Copenhague se encuentran en el primer, Hortus Medicus, que se creó el 2 de agosto de 1600, por la cédula y donación reales de un terreno en Skidenstraede (ahora Krystalgade), que perteneció previamente al museo zoológico. También se construyó una residencia adyacente al jardín para uno de los profesores.

 

No se proporcionó ningún medio financiero para el mantenimiento del jardín pero en 1696, uno de los supervisores del jardín, Rasmus Caspar Bartholin, fue quién fijó la dotación de la paga para un jardinero.

 

Uno de los hombres más prominentes de su tiempo, Ole Worm (1588-1654), impulsó una reforma alrededor de 1620 de la enseñanza de medicina y botánica y restableció planes para construir un jardín botánico, que no se efectuaron.

 

En 1621, Ole Worm asumió el control personalmente de la gerencia del descuidado jardín e introdujo una gran cantidad de plantas medicinales danesas así como especies extranjeras raras que recibió de sus muchos contactos profesionales en el exterior.

 

Un segundo jardín botánico fue presentado por Georg Christian Oeder en 1752 en el distrito de nueva fundación Frederiksstaden por iniciativa del rey Frederik V en un lugar junto a Amaliegade justo al norte del Frederiks Hospital. La sección occidental más pequeña, cubriendo apenas la mitad de una hectárea, fue equipada de un invernadero mientras que la sección del este seguía siendo en gran parte silvestre. El jardín fue abierto al público en 1763.

 

El primer jardín botánico completamente funcional pudo llegar a ser posible en 1769, cuando Cristian VII donó 2.500 daler a la Universidad, lo cual fue utilizado para la estructuración y cultivo del jardín. Al año siguiente el rey concede una parte del jardín botánico de Oeder del Palacio Amalienborg a la Universidad, perfilándose que los planes para ampliar el viejo jardín no serían llevados a cabo. ​En 1778, el primer jardín botánico fue cerrado. En los años siguientes Bautice Friis Rottboell (1727-1797), profesor de medicina, trabajó para conseguir erigir un invernadero.

 

El jardín botánico consiguió su localización actual en 1870. Cuatro años más adelante en 1874 los jardines consiguieron su gran complejo de invernaderos por iniciativa de J.C. Jacobsen del grupo Carlsberg, quién también lo financió. Su inspiración era la del edificio de cristal del The Crystal Palace que fue erigido para La Gran Exposición de Londres en 1851.

 

En 1977, los jardines incluyendo los invernaderos llegaron a ser incluidos en catálogos de conservación del Patrimonio nacional por las autoridades danesas de la conservación. Actualmente, el jardín botánico de Copenhague es un jardín informal con entrada libre. Hay invernaderos, museo y herbario, una biblioteca (admisión mediante previa cita solamente) una tienda que vende al por menor plantas, semillas y una pequeña selección de equipo de jardín y cafetería.

 

Actualmente el jardín botánico alberga 22.052 plantas vivas catalogadas en la base de datos electrónica, y que representan a 359 familias, 2.984 géneros y 13.210 especies. Además, una gran cantidad de taxones subspecificos y de plantas experimentales no se colocan en la base de datos.

 

Sus plantas se encuentran agrupadas en :

 

Invernaderos, hay varios que tienen que ser mantenidos con diversos regímenes climáticos, según condicionantes con respecto a la luz, a la humedad, a las condiciones del suelo etc. Entre estas son varias las especies que se encuentran en peligro crítico de extinción en el medio salvaje, e.j. en las islas Galápagos en el Océano Pacífico y en las islas Mascareñas en el Océano Índico. El jardín botánico tiene como objetivo el mantener colecciones de plantas que son representativas en términos de relaciones taxonómicas, de adaptaciones ecológicas, del origen geográfico, de hábitat, y de utilidad a la humanidad.

 

Grupos taxonómicos, con las plantas que se cultivan sobre todo para propósitos de información, se colocan y se agrupan por consiguiente, como por ejemplo en las (e.j. la colección de la orquídeas, la colección de Sorbus),

 

Grupos biológicos (e.j. la sección anual, las plantas carnívoras),

 

Agrupaciones ecológicas (e.j. el prado del pantano, las secciones de la estepa),

 

Grupos geográficos (e.j. la sección de las plantas danesas, la colección de Madagascar),

 

Agrupaciones climáticas (e.j. la casa de las Palmeras, la casa de las suculentas).

 

Al aire libre se encuentran colecciones de plantas árticas y alpinas,

 

El banco de germoplasma contiene las semillas de cerca de 800 especies danesas silvestres, de unas 1000 especies de las colecciones del jardín, y de cerca de 150 adquisiciones de semillas clasificadas como particularmente relevantes para los proyectos de investigación. Más de 50 especies se mantienen a través del cultivo del tejidos vivos de plantas en el laboratorio.

  

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

SPRINGBOK ...................................................

Springbuck

GACELA SALTARINA ~~~~~~~~~~~~~~~~

springbok , sprinbok , antidorcas , gacela de abanico , eucores

CABRA DE LEQUE - - - - - - - - - - - - - - - - -

 

Antidorcas marsupialis (Zimmermann, 1780)

Orden: Artiodactyla Owen, 1848 (= Cetartiodactyla) (Artiodáctilos)

Familia: Bovidae Gray, 1821 (Bóvidos = Bovinos)

Subfamilia: Antilopinae Gray, 1821 (Antilopinos)

 

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Antidorcas es un género constituido por esta sola especie de antílope parecido a las gacelas típicas, pero los Springbok son las gacelas más graciosas y elegantes de entre todas ellas.

Es el Animal nacional de Sudáfrica.

 

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Su longitud va desde los120 a 140 centímetros.

Su altura a la cruz va desde los 70 a los 87 centímetros (28 a 34 pulgadas).

El peso de las hembras va desde los 26 a 40 Kg (57 a 88 libras).

El peso de los machos va desde los 33 a 50 Kg (73 a 110 libras).

Tanto machos como hembras presentan cuernos esbeltos, muy estriados, y en forma de lira en las ¾ partes de su longitud, siendo en las hembras mas finos.

En los machos alcanzan hasta 40 cm. y son negros.

Su pelaje es de color marrón gamuza en la parte superior y blanco en la inferior; separa estas dos partes una banda de color marrón rojizo oscuro.

Muestra una línea vertebral que parte de la base de la cola hasta la mitad posterior.

La cabeza es blanca con una línea delgada de color marrón que va desde los ojos hasta la boca, y una mancha rojiza encima de la frente.

Tiene la grupa más alta que la cruz.

Posee un repliegue lumbar a modo de bolsa o marsupio estrecho, que además de destacarse por inspirar su apelativo científico, cuenta con numerosas glándulas que segregan una sustancia viscosa amarillenta que huele como la miel.

Esta bolsa en el lomo normalmente se encuentra cerrada, pero se abre cuando el animal se halla en peligro, y forma como un abanico libeteado de largos y erizados pelos blancos en la línea vertebral.

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Hábitat:

Zonas de estepas áridas y en sabana abierta, incluso en zonas casi desérticas.

 

Distribución:

África austral, desde el Cabo de Buena Esperanza (Sudáfrica), Botswana, Namibia, Lesotho, hasta Angola.

Es la única gacela que habita en el extremo sur de África.

 

Tres subespecies son reconocidas:

 

Antidorcas marsupialis marsupialis (Zimmermann, 1780)

Antidorcas marsupialis angolensis Blaine, 1922

Antidorcas marsupialis hofmeyri Thomas, 1926

 

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Esta especie vive en manadas, formadas por ambos sexos, generalmente de 30 a 50 individuos, los cuales, durante el verano, admiten que se agreguen ejemplares de otras especies como ñus y cebras, además de avestruces, llegando a formar conjuntos de hasta 1500 individuos.

Las agrupaciones numerosas tienen lugar en la época húmeda, cuando los animales se desplazan hacia áreas con nueva vegetación.

Durante el invierno, sin embargo, se mueven en manadas menos numerosas.

En los meses secos las poblaciones se dividen en pequeños grupos.

Los machos son los últimos en establecer territorios individuales, que van de 10 a 40 hectáreas, en un intento por retener hembras que se desplazan alrededor del territorio. También hay machos solitarios no territoriales, así como grupos separados de hasta 50 individuos machos jóvenes y solteros con algunas hembras de la misma edad.

Los machos territoriales hacen demostraciones visuales, marcan sus áreas con orina y estiércol, y frecuentemente llevan a cabo peleas con machos intrusos.

Los hábitos de reproducción son parecidos a los de las demás especies de gacelas, en donde la concepción se lleva a cabo en casi cualquier época del año, y la gestación dura alrededor de 150 días.

Cuando la hembra esta a punto de parir, se separan de los demás, dando a luz a una sola cría en la mayoría de los casos, la cual tiene un peso cercano a los 3 kilogramos.

Las hembras alcanzan la madurez sexual aproximadamente a los 7 meses y usualmente permanecen en el grupo de la madre.

 

Son principalmente animales generalmente diurnos y se alimentan durante las horas mas frescas del principio del día, aunque también son bastante activos durante la noche.

Se alimentan principalmente de hierba y hojas de la sabana, aunque también son ramoneadores.

Pueden permanecer mucho tiempo sin beber, debido en gran parte a que obtienen el agua de la vegetación que consumen en las áreas semidesérticas que habita.

Son antílopes elegantes, muy vivaces, alegres, curiosos, juguetones, desconfiados, muy veloces y ágiles, pudiendo alcanzar velocidades de hasta 90 Km./h (56 mph), cambiar de dirección con mucha facilidad, y dar saltos de más de 15 metros en plena carrera.

El springbok forma parte de un grupo de especies de bóvidos que efectúan saltos altos y repetidos con sus patas traseras rígidas, como si rebotara, conducta que le puede servir para desalentar a sus posibles predadores a perseguirlas.

Algunos de sus depredadores naturales suelen ser el León, el chita o guepardo (Acinonyx jubatus), el perro cazador (Lycaon pictus) y la hiena manchada (Crocuta crocuta).

El primero que advierte el peligro da un salto y pone en alerta a toda la manada que huye rápidamente dando brincos.

Además, esta especie posee el record mundial entre todos los animales del mayor salto sin impulso previo, ya que, estando parada, puede dar saltos de 3,5 metros de altura.

El springbok en cautiverio puede llegar a vivir hasta 19 años.

 

Históricamente, era un animal muy común, formando algunas de las mayores manadas de mamíferos documentadas (de más de 10 millones de animales).

Es una especie apreciada por su piel y cuernos, así como por su carne, por lo que la cacería excesiva, además de la destrucción de su hábitat tienden a reducir la población de este antílope.

En muchas áreas, a pesar de lo anterior, sigue siendo una especie común.

También es perseguido debido a que en sus migraciones masivas destruyen algunas zonas de cultivo; llegando a disminuir sus avistamientos en la mayor parte de Sudáfrica, pero ha sido reintroducido a Parques Naturales y Reservas en ese país.

Están ampliamente difundidos en ambientes áridos con condiciones que no son aceptables para la cría del ganado convencional.

La carne es exportada hacia Europa desde zonas que se encuentran libres de fiebre aftosa.

Su población es del orden de los 2 a 2,5 millones de cabezas.

 

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Por lo general, y a diferencia de otros deportes, las selecciones nacionales de rugby tienen apodos cariñosos por los cuales son conocidos sus equipos.

"Los Springboks", son así llamados los jugadores y el equipo nacional de rugby de Sudáfrica, pues el emblema de la Unión de Rugby de Sudáfrica es este antílope, cuyo nombre viene del afrikaans, donde "spring" es "saltar", y "bok" es "antílope".

El símbolo estaba bastante ligado al período del apartheid y por ello se intentó sustituirlo por la Flor nacional de Sudáfrica: Giant Protea, King Protea, o flor de Protea (Protea cynaroides), pero sin éxito.

 

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(1 de febrero de 2010)

Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia,

ciudad de Buenos Aires, ARGENTINA

 

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Explored #148 - 30.9.12

Els Castells és una mostra de força, disciplina i equilibri però també ho és de companyerisme, esforç colectiu i solidaritat. En uns temps en què l'egoisme i l'individualisme estan a l'ordre del dia, els castellers de les diferents colles s'ajuden mutuament per tal d'assolir un objectiu comú. Inici del 3de7 dels Xiquets de Reus a la diada de Misericòrdia a Reus.

Els Castells son un ejemplo de fuerza, disciplina y equilibrio, pero también lo son de compañerismo, esfuerzo colectivo y solidaridad. En unos tiempos en que todo es egoismo e individualismo , los castellers de las diferentes agrupaciones se ayudan unos a los otros para conseguir el objetivo común. Inicio del 3 de 7 dels Xiquets de Reus en la diada de Misericordia de Reus.

Castells (Catalan human towers = Unesco World Intangible Cultural Heritage of Humanity) are a good exemple of force, discipline and balance but are also a great exemple of fellowship, effort and solidarity. Castellers of different groups (with different shirts) help each other to get the common goal. In the picture , beginning of 3of7 castle of Xiquets de Reus.

 

CASA SERAFIN :CUCHILLERIA VACIADO.

Vale la pena leer la historia que acompaño aunque se un poco larga.

 

” ……….Revolcándose por el suelo frente a la cuchillería de Serafín, media docena de pilletes de rodillas sucias, armados con espadas de madera y caña, juegan a españoles y franceses. Sin piedad para los prisioneros. “

 

(Libro El Asedio, pág. 532. Arturo Pérez Reverte)

La primera entrada del blog en este 2013 quiere ser un homenaje al comercio tradicional de Cádiz y a todas esas familias que han sabido mantener la tradición de un hermoso trabajo artesanal. Hace tiempo que llevo recopilando información al respecto de Cuchillería CASA SERAFÍN. Muchas personas desconocen y no valoran una forma de vida que en el pasado tuvo una merecida fama. Son 115 años de historia, de recuerdos y de tradición. He querido reflejar en este reportaje un trozo de la historia de Cádiz con la ayuda de Serafín Gabriel Camacho, la cuarta generación de Casa Serafín, que mediante charlas, correos y muchas anécdotas he podido terminar conjuntamente con su ayuda.

 

Serafín Gabriel Estévez, fundador de CASA SERAFIN, nace en Castro Caldelas, una aldea ourensana enmarcada en la conocida “Terra de la Chispa” comarca famosa por sus afiladores también conocidos como “los suaves”, gente que recorrieron el mundo llevando su chispa a todos los rincones, de ahí lo de tierra de la chispa.

Serafín nace en el seno de una familia humilde de agricultores, con extensas tierras para cultivar, pero atraído por el oficio de afilador comienza a aprender dichos conocimientos y adquiere su particular rueda de afilar. Llegan muy malos momentos para la comarca y para Galicia en general. Sobreviene “la pinosela”, una epidemia que destruye las cepas de Ribeiro, fuente de ingresos de muchos gallegos. Esto es el principio de una salida en masa de muchos gallegos emigrando, sobre todo a países como Argentina, Uruguay o Venezuela.

Serafín, como muchos de estos gallegos, decide ir a buscar mejor fortuna a Argentina, pero al contrario que muchos de sus paisanos que partían desde Vigo hacia América, decide atravesar España con su rueda de afilar en dirección a Cádiz, donde embarcaría rumbo a Buenos Aires. En su largo periplo, andando hasta Cádiz por pueblos y ciudades y a la vez como sustento practicando su oficio llega a Sevilla, ciudad esta donde cambia el rumbo de su vida, allí conoce a la que sería su mujer, Rocío Moreno Burgos, ambos contraen matrimonio y continúan viaje a Cádiz para seguir los planes preestablecidos.

A su llegada a Cádiz se encuentra con una ciudad bulliciosa en torno a su puerto de mar, y mientras espera la llegada del barco que le ha de llevar a Buenos Aires (en aquellos tiempos eran muchos días de travesía), empieza a tener mucha demanda de trabajo, peluqueros, barberos con sus navajas de afeitar, profesionales establecidos en los aledaños del puerto, etc. Se da cuenta de que empieza a cambiar su suerte, y Serafín persona trabajadora y muy inteligente ve que su futuro está en Cádiz. Viendo todo el trabajo que se le acumulaba y la fama que sus afilados empezaban a coger, decide alquilar una pequeña dependencia en la calle Arbolí, y de ahí su salto a la calle

 

Compañía, donde funda CASA SERAFIN, (1897). Así es como este gallego, con su “barallete” (forma particular de hablar de afiladores y paragüeros), y su rueda de afilar empieza su actividad en el que a día de hoy 117 años después sigue siendo el comercio más antiguo de Cádiz.

El negocio tiene mucha clientela, desde toreros importantes de la época que llevaban sus estoques y espadas a afilar, hasta todo tipo de profesionales, carniceros, pescaderos, restauración, etc., no sólo de Cádiz sino de la provincia, era habitual ver los llamados “cosarios”, gente que se limitaba a traer a la capital encargos de los pueblos vecinos.

En 1913, nace su hijo Serafín Gabriel Moreno, segundo sucesor de la empresa, el cuál desde muy joven empieza a trabajar ayudando a su padre y aprendiendo el oficio. En virtud a lo bien que prosperaba el negocio, Serafín Gabriel Estévez, decide abrir junto a su local una relojería joyería, que también tuvo su éxito. Sobre todo, tenía una publicidad que causó admiración en la época. Un hombre disfrazado de reloj se dedicaba a pasear por las calles proclamando: “Casa Serafín, relojes a peseta”.

Pero llegaron malos tiempos, a raíz de la Guerra Civil, la relojería fue saqueada varias veces por los nacionalistas, por motivos políticos con su fundador. La familia decide poner punto y final a la relojería joyería y alquilar el local, actualmente la cafetería Bar Brim (ahora una joyería del café, donde probablemente puedan tomarse el mejor café en Cádiz)

En estos momentos ya es su hijo el que regenta el negocio y en 1945 Serafín Gabriel Estévez fallece. Su hijo que quedó al frente del negocio, ya casado y con hijos, y debido a la mala época que se vivía en España tras la guerra emigra a Buenos Aires, con la rueda de afilar con la que su padre vino a Cádiz, aunque mantiene el comercio abierto y funcionando, con su esposa Juana Saucedo Aragón al frente de él.

Tras un año de muchos esfuerzos regresa con bastantes ahorros, lo cual invierte en su negocio haciéndose con la propiedad. En el comercio trabajan su mujer y su hijo Serafín Gabriel Saucedo, (1941), mayor de cuatro hijos del matrimonio el cuál al igual que su abuelo y su padre continua con la tradición familiar, en 1989, a la muerte de su padre queda al frente del negocio familiar, siendo ya la tercera generación.

Aunque fueron muchos los años trabajados, dado que desde muy joven empezó en la labor tras cursar estudios en el colegio de La Mirandilla de los Hermanos Lasalianos, Serafín Gabriel Saucedo, tan sólo tres años después que su padre (1992), fallece a los casi 51 años tras padecer una enfermedad los últimos meses de su vida.

Toma las riendas del negocio la cuarta generación, Serafín Gabriel Camacho, el cuál hasta día de hoy regenta el negocio familiar. Serafín es el mayor de dos hermanos, nace en 1969 y al igual que sus predecesores, al terminar sus estudios de Formación Profesional, entra a aprender el oficio como ayudante, alternando los estudios de administrativo por la mañana y el aprendizaje por las tardes, para una vez terminado el Servicio Militar, dedicarse de lleno al trabajo.

Actualmente en el comercio se comercializan las marcas más importantes de cuchillería. Por ejemplo, a nivel nacional marcas como ARCOS, TRES CLAVELES, MUELA, EXPOSITO, NIETO, PALMERA, SAN JORGE, elaboran la máxima calidad en cuchillos, tijeras, navajas y utensilios de menaje y cocina del panorama nacional. Y marcas internacionalmente conocidas como la suiza VICTORINOX, con sus navajas multiusos y cuchillos profesionales; la alemana ZWILLING HENCLEKS, más conocida como “Los Gemelos”, famosa por su cuchillería profesional; las también alemanas DICK, BÖKER, MAGNUM; francesas como SABATIER, OPINEL y LAGUIOLE; italianas como FOX y MASSERIN; cuchillos originales japoneses, etc.

Indudablemente en 115 años los hábitos han cambiado mucho y el mundo de la cuchillería evoluciona constantemente, antiguamente por ejemplo se vaciaban muchísimos objetos que ya no se utilizan, como bisturís y herramientas quirúrgicas, ya que ahora son desechables, o muchas operaciones son con láser; o las navajas de afeitar que ya casi nadie las utiliza y los peluqueros trabajan con hojas de afeitar recambiables, las maquinillas de pelar que se sustituyeron por las eléctricas, etc.

Hoy en día se utilizan también muchísimas cosas más modernas, sirva como ejemplo la pasión por la cultura gastronómica japonesa, ahora se venden muchísimos cuchillos tipo Wasabi, Santoku, etc, utilizados para sushi y con aireadores para pescados crudos o gelatinosos. O los cuchillos de cerámica, realizados con óxido de circonio.

Chairas de zafiro, diamante, cerámica o cromo vanadio, van sustituyendo a las clásicas piedras de corindón antes utilizadas.

Tijeras de titanio para peluquería para sustituir a las metálicas y ruidosas que siempre conocimos, en fin, un sinfín de evoluciones del mercado.

ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES

Como anécdotas y curiosidades, se puede hablar de ese encuentro de Serafín Gabriel Camacho con el escritor Arturo Pérez Reverte. Un día el escritor al entrar en la cuchillería pidiendo una tijerita de bigote y barba, Serafín le habló de su admiración al escritor. Al final compró una tijera de barba y cortaúñas y no consintió que se la regalara. Desde entonces, cada vez que el escritor visita Cádiz se deja ver por Serafín para saludarlo. Fue tanto la amistad que les unió que en la novela El Asedio hace una mención especial a Casa Serafín. Cuando Arturo Pérez Reverte vino a presentar a la ciudad el libro “El Asedio”, entró en la tienda seguido de un enjambre de periodistas y cámaras de todos los medios de difusión, le dió un abrazo y lo saludó, le firmó unos libros y tras una pequeña conversación continuó su recorrido por Cádiz ante el asombro de todos los que por la calle se encontraban. Esa imagen salió en todas las noticias de todas las cadenas de ese día y al siguiente en todos los periódicos nacionales.

Otra curiosidad y que muchas personas desconocen es que, en el Museo Litográfico de Cádiz, situado en las bóvedas de las Puertas de Tierra, se encuentra una máquina antigua de afilar cuchillas de imprenta llamadas de guillotina, que Casa Serafín donó al Ayuntamiento de Cádiz. Esta máquina marca Julius G. Neville (Liverpool), data de principios del siglo XIX, y fue adquirida en Vitoria a la fábrica de naipes Heraclio Fournier, y ya en desuso y por su gran valor histórico, se decidió donar a la ciudad. El 24 de octubre de 1994, la Corporación Municipal en sesión de Comisión de Gobierno en su punto 11º acordó por unanimidad aceptar la donación efectuada por Dª Juana Saucedo Aragón, viuda de D. Serafín Gabriel Moreno, agradeciendo en nombre de la ciudad ese gran gesto de generosidad. Desde entonces se expone en dicho museo con una placa que acredita la donación.

Más curiosidades que podemos relatar es también la cantidad de fotos y videos que los turistas realizan al comercio, muchos de ellos entran, fotografían o graban imágenes del interior, bien trabajando o de las máquinas y poleas antiguas que se encuentran, preguntan, curiosean y muchos de ellos se fotografían en los escaparates, se puede decir, que la fachada exterior de Casa Serafín está en los cinco continentes, en los álbumes de fotos de muchísimos viajeros.

Según Serafín Gabriel una anécdota llamativa, fue hace muchos veranos, (contaba su padre) en unos de los Trofeos Carranza de antaño, futbolistas del equipo brasileño del Corinthians, atraído por las espadas que se vendían en el establecimiento empezaron a comprar, hasta que terminó el equipo completo dentro de la tienda comprando espadas, lo cual causó un gran revuelo en la calle al ver a tanto futbolista conocido junto. Su padre un gran entusiasta de este deporte recibió de ellos una foto del equipo que todos los futbolistas le firmaron y dedicaron, lo cual su padre, muy joven en aquella época conservó como un gran tesoro.

Por el comercio han pasado todo tipo de personajes de la ciudad, todos los del mundo del carnaval, Semana Santa, políticos, etc. Se puede decir que todo Cádiz alguna que otra vez han pasado por la tienda, pero por citar algunos podríamos citar a Paco Alba, gran amigo personal de su abuelo (varios libretos dedicados por él y firmados, e incluso manuscritos de letras suyas), una de sus agrupaciones fue “Los Afiladores de Orense”, en el que sin duda su abuelo asesoró en varias facetas sobre todo en el tipo.

Una curiosidad para cinéfilos, es que la mítica rueda de afilar de su bisabuelo, se utilizó en una secuencia de la película rodada en Cádiz “Besos para todos”, la cual Serafín Gabriel manejó para la secuencia del film. Vinieron preguntándole si podrían disponer de uno de estos artilugios y al al verlo, enseguida decidieron que tenía que ser, sí o sí. La única condición que puso Serafín fue que, al tener tanto valor sentimental e histórico, solo lo manejaría él. Después durante el rodaje, uno de producción le comentó que había en Madrid un coleccionista de objetos antiguos al que se lo comentó por teléfono y estaba interesado en él y que le ofrecía mucho dinero. Obviamente le dijo que no podía ser, ya que esa rueda no tenía precio.

También mencionar que La Cámara de Comercio a finales del año 1999, realizó un certamen exposición llamado “Tradición y Modernidad en el Comercio”, el cuál galardonaba a comercios antiguos de Cádiz estableciendo tres tipos según la antigüedad, de 50 años, 75 y más de 100. Establece tres premios, oro, plata y bronce. El 2 de diciembre de 1999, entregó una placa a Casa Serafín en “Categoría Oro” a más de cien años de antigüedad.

Otra cosa que Serafín Gabriel valora es la visita de algunos compañeros de gremio de otras localidades e incluso de fuera de España. En esas visitas intercambian anécdotas referentes a la profesión. Serafín comenta “Tengo un buen amigo que me visita desde hace algunos años que es gallego, y le encanta la profesión de afilador, pero él no trabaja en ello, simplemente como afición, trabaja en un pueblo de Córdoba, en el Valle de los Pedroches, se llama Miguel Cortiñas, y me regaló un libro que guardo con muchísimo aprecio que publicaron en Ourense, y trata sobre los diversos tipos de ruedas de afilar, desde su creación hasta la actualidad, siempre que viene hablamos de Galicia, los afiladores y todo ese entorno. El otro día me envió un correo con una foto de un afilador ambulante que conoció en Ibiza.”

Los clientes actuales de Casa Serafín son en su mayoría profesionales como carniceros, pescaderos y cocineros de restaurantes. Afortunadamente cuenta con una buena clientela de toda la provincia, y de restaurantes emblemáticos. También varias clínicas veterinarias y hospitales, podólogos, hoteles, etc.

Los utensilios más extraños que ha podido reparar podrían ser varios. Por ejemplo, unas pinzas de hacer biopsias, mucho material quirúrgico como bisturís de precisión, o tijeras de oftalmología con superficies para afilar minúsculas, escoplos de autopsia, etc. Así hasta el más rudimentario cuchillo o tijeras.

Ya a nivel personal, a Serafín Gabriel le encanta el coleccionismo, posee varias colecciones, pero referente a lo que nos atañe podemos decir que posee una buena colección de navajas, de la cual tiene muchísimas series limitadas, piezas antiguas y verdaderas joyas realizadas a mano. Navajas de muchos países, y muchas artesanales con mangos tan diferentes como, marfil, carey, plata, piel de raya, cocodrilo, mamut, iguana, hueso de jirafa, camello, cuerno de ciervo, de cebú africano, toro, etc. Incluso de Oxix (pene de morsa fosilisado), o una de sus grandes adquisiciones, Hueso de dinosaurio. También de metales como turquesina, malaquita, abalone, etc. Estas están en su casa, no en el comercio.

Autor: Benjamín Colsa.

 

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A drummer takes a snapshot of the bonfire warming up the drums for an Afro-American parade called Las Llamadas, in Montevideo.

En las Llamadas, desfile de agrupaciones musicales afro-americanas en Montevideo, Uruguay

ref ABC_8572

 

 

El pabellón fue diseñado por la firma de arquitectos Jean Paul Viguier, J. F. Jodry y Asociados como un edificio permanente. La propia arquitectura del pabellón es un homenaje a la cultura y a la tecnología. Una gran cubierta de malla espacial, a modo de pórtico, engloba la amplia explanada elevada y un edificio-espejo de forma prismática que se sitúa en uno de los extremos de la misma. El resto del edificio se desarrolla bajo el subsuelo.

 

La gran cubierta, de una altura de 15 metros, se sustenta por cuatro columnas de carbón-fibra cromadas, creando un espacio libre y fresco, amparado y tranquilo, con gradas para sentarse, fuentes de agua potable. La explanada que se conforma como antesala de entrada y plaza que da acceso al edificio principal a través de una puerta monumental en su centro, se resuelve con baldosas de vidrio donde han sido serigrafiados los logotipos de las empresas, agrupaciones locales, grandes instituciones y organismos culturales de Francia que participaron en la Exposición.

 

Debajo de esa explanada hay un paseo cubierto donde se exponían las más recientes innovaciones tecnológicas de la industria francesa y se descubría al público un atrevido y amplio «pozo de imágenes» de 20 metros de profundidad.

 

En el edificio principal se ubicaron un restaurante y las oficinas. Es de destacar la capacidad del edificio de reflejar en su fachada principal, de vidrio, que da a la gran explanada, el entorno que lo rodea.

 

En él tuvo su sede el Centro de Innovación de la Moda y el Diseño y la Fundación Victorio & Lucchino. Desde Junio de 2010 tiene su sede central la empresa ALESTIS Aerospace, dedicada a la construcción de material aeronáutico.

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El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea. © Guenter

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea. © Guenter

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

   

Variante con falda roja de este look, que creo que llamaré “magia y sofisticación en la oficina”, porque me parece que es muy apropiado para ir a trabajar a la oficina con un cierto aire de sofisticación, pero sin renunciar a ir divertida.

Si queréis ver las distintas variantes que me probé de este look, en un mismo video, aquí os dejo un link a mi video “Colors / Colores”:

www.youtube.com/watch?v=GJJbqrYNfu8

 

También tengo un video felicitando la entrada del 2012 con una de las variantes de este look, os dejo el link:

www.youtube.com/watch?v=VNzLf8WU_NQ&feature=youtu.be

 

Y sus correspondientes versiones en Flickr:

www.flickr.com/photos/61410455@N08/6789333534/in/photostream

www.flickr.com/photos/61410455@N08/6583045005/in/photostream

   

Carnaval… ¿que mejor momento para aprovechar para salir a la calle vestida? Y sin embargo, nunca me he disfrazado de mujer y sigue sin atraerme la idea… quizás porque yo no quiero disfrazarme, quiero vestirme… debo de ser tonta :-(

 

En cuando a los carnavales, os recomiendo los de Cádiz. Es verdad que a veces es chabacano, hay mucho tópico y hasta puede ser soez, pero para mi es el carnaval que mejores valores tiene, para ser un “carnaval” tiene mucho mas de alma que de carne. Las letras del carnaval dicen tanto… hay mucha profundidad en ellas disfrazada (en la mayoría de los casos) de humor. Tienen mucho arte, merito y un gran ingenio y desde luego mucho trabajo empleado por, nunca mejor dicho, amor al arte. Por una vez, la inteligencia, la sátira, la ironía, los dobles sentidos se hacen reinas de la calle y a veces, solo a veces, las verdades disfrazadas el resto del año salen al descubierto… como si solo fueran una broma más.

No todas las agrupaciones del carnaval están la mismo nivel, pero siempre hay alguna cada año que vale mucho, mucho la pena escuchar. Siempre distintas, y también de distintas ideologías y gustos, todo cabe en las comparsas, coros, chirigotas y hasta en los cuartetos (distinta formas de cantar, algunas mas serias y en otras totalmente humorísticas). Os dejo un link a la ganadora del 93 (he elegido una comparsa seria), pero os recomiendo que busquéis vosotros mismos agrupaciones del carnaval de Cádiz, seguro que no tardáis en encontrar alguna afín que os maraville con su arte (os recomiendo chirigotas, son las mas graciosas).

 

Los Miserables (A dicho el Santo Padre, 2:14 min.):

www.youtube.com/watch?v=w07l7_tQlqo

 

Los Miserables (Actuación completa, 17:00 min.):

www.youtube.com/watch?v=_IrlwGE0WVk

 

Version with red skirt of this look, which I'll call "magic and sophistication in the office," because I think it is very appropriate for work at the office with an air of sophistication, but without renouncing to go funny.

If you want to see the different variations that I wore of this look in a same video, here are a link to my video:

www.youtube.com/watch?v=GJJbqrYNfu8

 

I also have a video congratulating the new year 2012 with one of the variations of this look, I leave us the link:

www.youtube.com/watch?v=VNzLf8WU_NQ&feature=youtu.be

 

And their versions in Flickr:

www.flickr.com/photos/61410455@N08/6789333534/in/photostream

www.flickr.com/photos/61410455@N08/6583045005/in/photostream

 

Carnival ... what better time to take advantage to go out dressing? And yet, I have never disguised as a woman and still does not attract me the idea ... maybe because I do not want to disguise, I want to dress me... I must be stupid :-(

Desfile de Llamadas 2020 - Barrio Sur - Montevideo - Uruguay |

 

History goes that during the days of the Spanish colony, many African men and women were brought to America as slaves in order to fulfill tasks at the houses of the most remarkable families in Montevideo.

 

When slavery was finally abolished, these Uruguayan citizens began to form new groups and thus they gave shape to the neighborhoods popularly referred to as "Negro neighborhoods"...

 

Candombe was the rhythm that not only joined them together but also reminded them of their African past and held them close to their origins, to their history.

Ref: www.welcomeuruguay.com/montevideo/llamadas-of-montevideo....

 

El desfile de Llamadas contó este año con más de 50 agrupaciones, conformando una de las fiestas populares más grandes del Uruguay. Esta edición lleva el nombre de Julio "Kanela" Sosa, en homenaje al emblemático artista del carnaval uruguayo fallecido en diciembre pasado. Ref: www.tvshow.com.uy/desfile-llamadas-horarios-entradas-orde...

 

Catanga (invitada de Chile)

Roberto Acosta

Mundo Afro

Mujeres de negro

Pasacalle INEFOP

Les Grandes Personnes

Carro alegórico

Emergencia 1727

Tronar de Tambores

Cenceribó

Valores

Uráfrica

La Jacinta

La Unicandó

La Tangó

Candongafricana

Sarabanda

C1080

Yambo Kenia

La Gozadera

La Facala

M.Q.L.

Elegguá

La Explanada

Batea de Tacuarí

La Simona

Umbelé

La Fabini

Samburú Moran

Nimba

Rugir de Varona (invitada)

 

Isla de Flores, desde Carlos Gardel hasta Minas

Montevideo, Uruguay

 

Camera: LEICA Q2

Lens: 28 mm f/1.7

Focal Length: 28 mm

Exposure: ¹⁄₃₀ sec at f/2.5

ISO: ISO 1600

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

Dancers perform on the street during the 31st Caribbean Festival. The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea. © Guenter

Musico toca su tambor en la calle durante el 31er Festival del Caribe. El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

Musician beats his conga drum during the 31st Caribbean Festival on the streets of Santiago de Cuba. The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea. © Guenter

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

Desfile de Llamadas 2020 - Barrio Sur - Montevideo - Uruguay |

 

History goes that during the days of the Spanish colony, many African men and women were brought to America as slaves in order to fulfill tasks at the houses of the most remarkable families in Montevideo.

 

When slavery was finally abolished, these Uruguayan citizens began to form new groups and thus they gave shape to the neighborhoods popularly referred to as "Negro neighborhoods"...

 

Candombe was the rhythm that not only joined them together but also reminded them of their African past and held them close to their origins, to their history.

Ref: www.welcomeuruguay.com/montevideo/llamadas-of-montevideo....

 

El desfile de Llamadas contó este año con más de 50 agrupaciones, conformando una de las fiestas populares más grandes del Uruguay. Esta edición lleva el nombre de Julio "Kanela" Sosa, en homenaje al emblemático artista del carnaval uruguayo fallecido en diciembre pasado. Ref: www.tvshow.com.uy/desfile-llamadas-horarios-entradas-orde...

 

Catanga (invitada de Chile)

Roberto Acosta

Mundo Afro

Mujeres de negro

Pasacalle INEFOP

Les Grandes Personnes

Carro alegórico

Emergencia 1727

Tronar de Tambores

Cenceribó

Valores

Uráfrica

La Jacinta

La Unicandó

La Tangó

Candongafricana

Sarabanda

C1080

Yambo Kenia

La Gozadera

La Facala

M.Q.L.

Elegguá

La Explanada

Batea de Tacuarí

La Simona

Umbelé

La Fabini

Samburú Moran

Nimba

Rugir de Varona (invitada)

 

Isla de Flores, desde Carlos Gardel hasta Minas

Montevideo, Uruguay

 

Camera: LEICA Q2

Lens: 28 mm f/1.7

Focal Length: 28 mm

Exposure: ¹⁄₃₀ sec at f/2.2

ISO: ISO 800

Desfile de Llamadas 2020 - Barrio Sur - Montevideo - Uruguay |

 

History goes that during the days of the Spanish colony, many African men and women were brought to America as slaves in order to fulfill tasks at the houses of the most remarkable families in Montevideo.

 

When slavery was finally abolished, these Uruguayan citizens began to form new groups and thus they gave shape to the neighborhoods popularly referred to as "Negro neighborhoods"...

 

Candombe was the rhythm that not only joined them together but also reminded them of their African past and held them close to their origins, to their history.

Ref: www.welcomeuruguay.com/montevideo/llamadas-of-montevideo....

 

El desfile de Llamadas contó este año con más de 50 agrupaciones, conformando una de las fiestas populares más grandes del Uruguay. Esta edición lleva el nombre de Julio "Kanela" Sosa, en homenaje al emblemático artista del carnaval uruguayo fallecido en diciembre pasado. Ref: www.tvshow.com.uy/desfile-llamadas-horarios-entradas-orde...

 

Catanga (invitada de Chile)

Roberto Acosta

Mundo Afro

Mujeres de negro

Pasacalle INEFOP

Les Grandes Personnes

Carro alegórico

Emergencia 1727

Tronar de Tambores

Cenceribó

Valores

Uráfrica

La Jacinta

La Unicandó

La Tangó

Candongafricana

Sarabanda

C1080

Yambo Kenia

La Gozadera

La Facala

M.Q.L.

Elegguá

La Explanada

Batea de Tacuarí

La Simona

Umbelé

La Fabini

Samburú Moran

Nimba

Rugir de Varona (invitada)

 

Isla de Flores, desde Carlos Gardel hasta Minas

Montevideo, Uruguay

 

Camera: LEICA Q2

Lens: 28 mm f/1.7

Focal Length: 28 mm

Exposure: ¹⁄₁₂₅ sec at f/2.8

ISO: ISO 1600

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

En las fiestas de fin de año en honor a San Nicolás de Bari y a Jesús Divino Niño Alcalde, que comienza el 31/12 con la Fiesta del Tinkunaco, (Encuentro entre dos culturas).

Siguen el 1° de Diciembre Solemnidad de Santa María Madre de Dios, Día de San Nicolás y Jornada Mundial por la Paz.

El 2 de enero Solemnidad del Niño Jesús Alcalde.

Esta foto fué obtenida al regreso de un grupo tradicionalista a caballo y portando sus galas y banderas.

.El martes 3 Día de los Promesantes es también la despedida de las veneradas Imágenes.

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Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

réunion de Sikuris

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

Dinamarca - Copenhague - Jardín Botánico

 

www.visitcopenhagen.com/copenhagen/botanical-garden-gdk42...

 

***

 

ENGLISH

 

The University of Copenhagen Botanical Garden (Danish: Botanisk have), usually referred to simply as Copenhagen Botanical Garden, is a botanical garden located in the centre of Copenhagen, Denmark. It covers an area of 10 hectares and is particularly noted for its extensive complex of historical glasshouses dating from 1874.

 

The garden is part of the Natural History Museum of Denmark, which is itself part of the University of Copenhagen Faculty of Science. It serves both research, educational and recreational purposes.

 

The botanical gardens got its current location in 1870. Four years later in 1874 the gardens got its large complex of glasshouses at the initiative of Carlsberg founder J. C. Jacobsen who also funded it. His inspiration was that of the glass building the Crystal Palace that was erected for the Great Exhibition in London in 1851.

 

In 1977, the gardens including the greenhouses became listed by the Danish conservation authorities.

 

Copenhagen Botanical Garden is an informal garden with free admission. There are conservatories, a museum and herbarium, a library (admission by appointment only) a shop plants, seeds and a small selection of garden equipment and eating place.

 

The botanical gardens contain more than 13,000 species. The garden is arranged in different sections including: Danish plants (600 species), perennial plants (1,100 species), annual plants (1,100 species), rock gardens with plants from mountainous areas in Central and Southern Europe and Conifer Hill which is planted with coniferous trees. One of the newest inclusions is a rhododendron garden

 

The garden has many handsome specimen trees. The oldest tree in the gardens is a taxodium from 1806 that was moved along from the old location at an age of 60 years.

 

The Gardens have 27 glasshouses. The most notable is the 3000-square metre conservatory complex from 1874. The Palm House at its centre is 16 metres tall and has narrow, cast-iron spiral stairs leading to a passageway at the top. Plants include a palm from 1824 and a fine collection of cycads, some of which are more than 100 years old. A fifty metres long glasshouse house an extensive collection of cacti and other succulents whilst another one houses orchids and begonias. A modern glasshouse is dedicated to caudiciforms. The garden also has a special air-conditioned greenhouse that can re-create environments suitable for Arctic plants.

 

***

 

ESPAÑOL

 

El Jardín Botánico de la Universidad de Copenhague (en danés, Botanisk Have (København), también Universitets Botaniske Have), es un jardín botánico de unas 10 hectáreas de extensión. El jardín botánico es parte del Museo de Historia Natural de Dinamarca, que así mismo es parte de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Copenhague.

 

Los antecedentes del Jardín botánico de la universidad de Copenhague se encuentran en el primer, Hortus Medicus, que se creó el 2 de agosto de 1600, por la cédula y donación reales de un terreno en Skidenstraede (ahora Krystalgade), que perteneció previamente al museo zoológico. También se construyó una residencia adyacente al jardín para uno de los profesores.

 

No se proporcionó ningún medio financiero para el mantenimiento del jardín pero en 1696, uno de los supervisores del jardín, Rasmus Caspar Bartholin, fue quién fijó la dotación de la paga para un jardinero.

 

Uno de los hombres más prominentes de su tiempo, Ole Worm (1588-1654), impulsó una reforma alrededor de 1620 de la enseñanza de medicina y botánica y restableció planes para construir un jardín botánico, que no se efectuaron.

 

En 1621, Ole Worm asumió el control personalmente de la gerencia del descuidado jardín e introdujo una gran cantidad de plantas medicinales danesas así como especies extranjeras raras que recibió de sus muchos contactos profesionales en el exterior.

 

Un segundo jardín botánico fue presentado por Georg Christian Oeder en 1752 en el distrito de nueva fundación Frederiksstaden por iniciativa del rey Frederik V en un lugar junto a Amaliegade justo al norte del Frederiks Hospital. La sección occidental más pequeña, cubriendo apenas la mitad de una hectárea, fue equipada de un invernadero mientras que la sección del este seguía siendo en gran parte silvestre. El jardín fue abierto al público en 1763.

 

El primer jardín botánico completamente funcional pudo llegar a ser posible en 1769, cuando Cristian VII donó 2.500 daler a la Universidad, lo cual fue utilizado para la estructuración y cultivo del jardín. Al año siguiente el rey concede una parte del jardín botánico de Oeder del Palacio Amalienborg a la Universidad, perfilándose que los planes para ampliar el viejo jardín no serían llevados a cabo. ​En 1778, el primer jardín botánico fue cerrado. En los años siguientes Bautice Friis Rottboell (1727-1797), profesor de medicina, trabajó para conseguir erigir un invernadero.

 

El jardín botánico consiguió su localización actual en 1870. Cuatro años más adelante en 1874 los jardines consiguieron su gran complejo de invernaderos por iniciativa de J.C. Jacobsen del grupo Carlsberg, quién también lo financió. Su inspiración era la del edificio de cristal del The Crystal Palace que fue erigido para La Gran Exposición de Londres en 1851.

 

En 1977, los jardines incluyendo los invernaderos llegaron a ser incluidos en catálogos de conservación del Patrimonio nacional por las autoridades danesas de la conservación. Actualmente, el jardín botánico de Copenhague es un jardín informal con entrada libre. Hay invernaderos, museo y herbario, una biblioteca (admisión mediante previa cita solamente) una tienda que vende al por menor plantas, semillas y una pequeña selección de equipo de jardín y cafetería.

 

Actualmente el jardín botánico alberga 22.052 plantas vivas catalogadas en la base de datos electrónica, y que representan a 359 familias, 2.984 géneros y 13.210 especies. Además, una gran cantidad de taxones subspecificos y de plantas experimentales no se colocan en la base de datos.

 

Sus plantas se encuentran agrupadas en :

 

Invernaderos, hay varios que tienen que ser mantenidos con diversos regímenes climáticos, según condicionantes con respecto a la luz, a la humedad, a las condiciones del suelo etc. Entre estas son varias las especies que se encuentran en peligro crítico de extinción en el medio salvaje, e.j. en las islas Galápagos en el Océano Pacífico y en las islas Mascareñas en el Océano Índico. El jardín botánico tiene como objetivo el mantener colecciones de plantas que son representativas en términos de relaciones taxonómicas, de adaptaciones ecológicas, del origen geográfico, de hábitat, y de utilidad a la humanidad.

 

Grupos taxonómicos, con las plantas que se cultivan sobre todo para propósitos de información, se colocan y se agrupan por consiguiente, como por ejemplo en las (e.j. la colección de la orquídeas, la colección de Sorbus),

 

Grupos biológicos (e.j. la sección anual, las plantas carnívoras),

 

Agrupaciones ecológicas (e.j. el prado del pantano, las secciones de la estepa),

 

Grupos geográficos (e.j. la sección de las plantas danesas, la colección de Madagascar),

 

Agrupaciones climáticas (e.j. la casa de las Palmeras, la casa de las suculentas).

 

Al aire libre se encuentran colecciones de plantas árticas y alpinas,

 

El banco de germoplasma contiene las semillas de cerca de 800 especies danesas silvestres, de unas 1000 especies de las colecciones del jardín, y de cerca de 150 adquisiciones de semillas clasificadas como particularmente relevantes para los proyectos de investigación. Más de 50 especies se mantienen a través del cultivo del tejidos vivos de plantas en el laboratorio.

Dinamarca - Copenhague - Jardín Botánico

 

www.visitcopenhagen.com/copenhagen/botanical-garden-gdk42...

 

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ENGLISH

 

The University of Copenhagen Botanical Garden (Danish: Botanisk have), usually referred to simply as Copenhagen Botanical Garden, is a botanical garden located in the centre of Copenhagen, Denmark. It covers an area of 10 hectares and is particularly noted for its extensive complex of historical glasshouses dating from 1874.

 

The garden is part of the Natural History Museum of Denmark, which is itself part of the University of Copenhagen Faculty of Science. It serves both research, educational and recreational purposes.

 

The botanical gardens got its current location in 1870. Four years later in 1874 the gardens got its large complex of glasshouses at the initiative of Carlsberg founder J. C. Jacobsen who also funded it. His inspiration was that of the glass building the Crystal Palace that was erected for the Great Exhibition in London in 1851.

 

In 1977, the gardens including the greenhouses became listed by the Danish conservation authorities.

 

Copenhagen Botanical Garden is an informal garden with free admission. There are conservatories, a museum and herbarium, a library (admission by appointment only) a shop plants, seeds and a small selection of garden equipment and eating place.

 

The botanical gardens contain more than 13,000 species. The garden is arranged in different sections including: Danish plants (600 species), perennial plants (1,100 species), annual plants (1,100 species), rock gardens with plants from mountainous areas in Central and Southern Europe and Conifer Hill which is planted with coniferous trees. One of the newest inclusions is a rhododendron garden

 

The garden has many handsome specimen trees. The oldest tree in the gardens is a taxodium from 1806 that was moved along from the old location at an age of 60 years.

 

The Gardens have 27 glasshouses. The most notable is the 3000-square metre conservatory complex from 1874. The Palm House at its centre is 16 metres tall and has narrow, cast-iron spiral stairs leading to a passageway at the top. Plants include a palm from 1824 and a fine collection of cycads, some of which are more than 100 years old. A fifty metres long glasshouse house an extensive collection of cacti and other succulents whilst another one houses orchids and begonias. A modern glasshouse is dedicated to caudiciforms. The garden also has a special air-conditioned greenhouse that can re-create environments suitable for Arctic plants.

 

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ESPAÑOL

 

El Jardín Botánico de la Universidad de Copenhague (en danés, Botanisk Have (København), también Universitets Botaniske Have), es un jardín botánico de unas 10 hectáreas de extensión. El jardín botánico es parte del Museo de Historia Natural de Dinamarca, que así mismo es parte de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Copenhague.

 

Los antecedentes del Jardín botánico de la universidad de Copenhague se encuentran en el primer, Hortus Medicus, que se creó el 2 de agosto de 1600, por la cédula y donación reales de un terreno en Skidenstraede (ahora Krystalgade), que perteneció previamente al museo zoológico. También se construyó una residencia adyacente al jardín para uno de los profesores.

 

No se proporcionó ningún medio financiero para el mantenimiento del jardín pero en 1696, uno de los supervisores del jardín, Rasmus Caspar Bartholin, fue quién fijó la dotación de la paga para un jardinero.

 

Uno de los hombres más prominentes de su tiempo, Ole Worm (1588-1654), impulsó una reforma alrededor de 1620 de la enseñanza de medicina y botánica y restableció planes para construir un jardín botánico, que no se efectuaron.

 

En 1621, Ole Worm asumió el control personalmente de la gerencia del descuidado jardín e introdujo una gran cantidad de plantas medicinales danesas así como especies extranjeras raras que recibió de sus muchos contactos profesionales en el exterior.

 

Un segundo jardín botánico fue presentado por Georg Christian Oeder en 1752 en el distrito de nueva fundación Frederiksstaden por iniciativa del rey Frederik V en un lugar junto a Amaliegade justo al norte del Frederiks Hospital. La sección occidental más pequeña, cubriendo apenas la mitad de una hectárea, fue equipada de un invernadero mientras que la sección del este seguía siendo en gran parte silvestre. El jardín fue abierto al público en 1763.

 

El primer jardín botánico completamente funcional pudo llegar a ser posible en 1769, cuando Cristian VII donó 2.500 daler a la Universidad, lo cual fue utilizado para la estructuración y cultivo del jardín. Al año siguiente el rey concede una parte del jardín botánico de Oeder del Palacio Amalienborg a la Universidad, perfilándose que los planes para ampliar el viejo jardín no serían llevados a cabo. ​En 1778, el primer jardín botánico fue cerrado. En los años siguientes Bautice Friis Rottboell (1727-1797), profesor de medicina, trabajó para conseguir erigir un invernadero.

 

El jardín botánico consiguió su localización actual en 1870. Cuatro años más adelante en 1874 los jardines consiguieron su gran complejo de invernaderos por iniciativa de J.C. Jacobsen del grupo Carlsberg, quién también lo financió. Su inspiración era la del edificio de cristal del The Crystal Palace que fue erigido para La Gran Exposición de Londres en 1851.

 

En 1977, los jardines incluyendo los invernaderos llegaron a ser incluidos en catálogos de conservación del Patrimonio nacional por las autoridades danesas de la conservación. Actualmente, el jardín botánico de Copenhague es un jardín informal con entrada libre. Hay invernaderos, museo y herbario, una biblioteca (admisión mediante previa cita solamente) una tienda que vende al por menor plantas, semillas y una pequeña selección de equipo de jardín y cafetería.

 

Actualmente el jardín botánico alberga 22.052 plantas vivas catalogadas en la base de datos electrónica, y que representan a 359 familias, 2.984 géneros y 13.210 especies. Además, una gran cantidad de taxones subspecificos y de plantas experimentales no se colocan en la base de datos.

 

Sus plantas se encuentran agrupadas en :

 

Invernaderos, hay varios que tienen que ser mantenidos con diversos regímenes climáticos, según condicionantes con respecto a la luz, a la humedad, a las condiciones del suelo etc. Entre estas son varias las especies que se encuentran en peligro crítico de extinción en el medio salvaje, e.j. en las islas Galápagos en el Océano Pacífico y en las islas Mascareñas en el Océano Índico. El jardín botánico tiene como objetivo el mantener colecciones de plantas que son representativas en términos de relaciones taxonómicas, de adaptaciones ecológicas, del origen geográfico, de hábitat, y de utilidad a la humanidad.

 

Grupos taxonómicos, con las plantas que se cultivan sobre todo para propósitos de información, se colocan y se agrupan por consiguiente, como por ejemplo en las (e.j. la colección de la orquídeas, la colección de Sorbus),

 

Grupos biológicos (e.j. la sección anual, las plantas carnívoras),

 

Agrupaciones ecológicas (e.j. el prado del pantano, las secciones de la estepa),

 

Grupos geográficos (e.j. la sección de las plantas danesas, la colección de Madagascar),

 

Agrupaciones climáticas (e.j. la casa de las Palmeras, la casa de las suculentas).

 

Al aire libre se encuentran colecciones de plantas árticas y alpinas,

 

El banco de germoplasma contiene las semillas de cerca de 800 especies danesas silvestres, de unas 1000 especies de las colecciones del jardín, y de cerca de 150 adquisiciones de semillas clasificadas como particularmente relevantes para los proyectos de investigación. Más de 50 especies se mantienen a través del cultivo del tejidos vivos de plantas en el laboratorio.

  

España - Huelva - Cortegana - Dehesa - Cerdo Ibérico

 

ENGLISH

 

The Iberian pig is a traditional breed of the domestic pig (Sus scrofa domesticus) that is native to the Iberian Peninsula. The Iberian pig, whose origins can probably be traced back to the Neolithic, when animal domestication started, is currently found in herds clustered in the central and southern part of Portugal and Spain.

 

The most commonly accepted theory is that the first pigs were brought to the Iberian Peninsula by the Phoenicians from the Eastern Mediterranean coast (current day Lebanon), where they interbred with wild boars. This cross gave rise to the ancestors of what are today Iberian pigs. The production of Iberian pig is deeply rooted to the Mediterranean ecosystem. It is a rare example in the world swine production where the pig contributes so decisively to the preservation of the ecosystem. The Iberian breed is currently one of the few examples of a domesticated breed which has adapted to a pastoral setting where the land is particularly rich in natural resources, in this case acorns from the holm oak, gall oak and cork oak.

 

The numbers of the Iberian breed have been drastically reduced since 1960 due to several factors such as the outbreak of African swine fever and the lowered value of animal fats. In the past few years, however, the production of pigs of the Iberian type has increased to satisfy a renewed demand for top quality meat and cured products. At the same time, breed specialisation has led to the disappearance of some ancestral varieties.

 

This traditional breed exhibits a good appetite and propensity to obesity, including a great capacity to accumulate intramuscular and epidermal fat. The high intramuscular fat is what produces the typical marbling; this, together with traditional feeding based on acorns, is what makes its ham taste so special. The production of meat products from Iberian pigs is quite distinct from other meat products obtained from selected pigs raised under intensive conditions on industrial farms, and it is a good example of high quality and highly prized meat product. Iberian pigs are interesting from a human biomedical perspective because they present high feed intake and propension to obesity, compatible with high values of serum leptin.

 

The Iberian pig can be either red or dark in colour, if black ranging from dark to grey, with little or no hair and a lean body, thus giving rise to the familiar name pata negra, or "black hoof". In traditional management, animals ranged freely in sparse oak forest ('dehesa'), they are constantly moving around and therefore burn more calories than confined pigs. This, in turn, produces the fine bones typical of this kind of jamón ibérico. At least a hectare of healthy dehesa is needed to raise a single pig, and since the trees may be several hundred years old, the prospects for reforesting lost oak forest (dehesa) are slim at best. True dehesa is a richly diverse habitat with four different types of oak that are crucial in the production of prime-quality ham. The bulk of the acorn harvest comes from the holm oak (from November to February), but the season would be too short without the earlier harvests of Spanish oak and gall oak and the late cork oak season, which, between them, stretch the acorn-production period from September almost to April.

 

**************************************************************************

 

ESPAÑOL

 

El cerdo ibérico son las razas y variedades porcinas pertenecientes al llamado "tronco ibérico", predominante en la península Ibérica. Hay variedades negras y coloradas, así como lampiñas o con pelo. Son animales muy apreciados en el sector alimentario para la producción de jamón ibérico y todo tipo de embutidos. Más recientemente, y debido a la demanda de los últimos años, se ha comenzado a comercializar también la carne de cerdo Ibérico fresca (p.e. el secreto Ibérico).

 

A partir de las agrupaciones y los apareamientos que fueron sucediéndose, bien por necesidades del hombre o bien por la propia naturaleza del cerdo, las razas ibéricas propiamente dichas se extendieron por el litoral mediterráneo y las costas africanas, asentándose en el sur peninsular, en especial en el suroeste, y ocupando aquellas zonas en las que predominan las dehesas (con sus milenarias encinas, los alcornocales, robledales y también castaños y algarrobos), que tan caras y apreciadas son en la actualidad para el cerdo ibérico, sus criadores, sus cuidadores, industriales y, cómo no, el consumidor de sus productos elaborado. Estas zonas del suroeste peninsular son las comarcas de Andalucía occidental, Extremadura y Salamanca, en España, y el Algarve y Alentejo en Portugal.

 

Características comunes siempre que hablemos de animales puros: Se trata de cerdos rústicos, alimentados desde el destete hasta el comienzo de la ceba (unos 110 kg) con piensos compuestos y terminados de engordar (hasta los 160 kg que se sacrifican) en el periodo de montanera (de octubre a enero) con bellotas. Tienen una elevada capacidad para aprovechar los recursos de la dehesa (régimen extensivo). No suelen ser muy prolíficas las hembras en el parto (una media de 4 a 6 lechones por camada). Escaso nivel de ganancia media diaria y elevada capacidad de engrasamiento debido a su precocidad. Elevada rusticidad y excelentes andarines. Están magníficamente adaptados al especial ecosistema de la dehesa. El cerdo ibérico se caracteriza por sus capas coloreadas, su hocico alargado, sus orejas en visera y sus altas extremidades, que le posibilitan el pastoreo y lo cualifican como un excelente andarín.

 

Sikuri es el nombre que se le da al tradicional grupo de músicos que tocan el siku, instrumento de viento andino que surgió en el altiplano peruano-boliviano. El nombre se debe a la palabra del idioma aimara sikuri, que alude al tocador de siku1 y por añadidura al género musical y a la danza de estas agrupaciones.

El siku es un instrumento de viento de un conjunto de cañas, que se utiliza en el altiplano, la denominación proviene de la voz aymara siktasiña que quiere decir 'preguntarse' o 'comunicarse', actividad humana social y natural del hombre altiplánico. Este instrumento también se le conoce como zampoña y en el idioma quechua se le denomina antara. Los sikus provienen de los instrumentos tubulares usados por antiguas culturas precolombinas, similares a las flautas de pan. Las más antiguas que han sido halladas datan de los 4000 años a.c.2 en la civilización Civilización Caral-Supe en la costa peruana. Desde allí han sufrido muchas transformaciones hasta llegar al Altiplano.

El siku es un instrumento eminentemente colectivo, ejecutado por los denominados tocadores, que formando grupos humanos, intercalan (trenzan la melodía), entre pares de "tocadores", dado que unos tocan los "ira" que son de 6 cañas y les contestan los "arka" los de 7 cañas.

 

réunion de Sikuris

Sikuri est le nom qui est donné au groupe traditionnel de musiciens qui touchent le siku, l'instrument à vent andin qu'un Péruvien - bolivien a surgi dans l'haut plateau. Le nom se doit au mot de la langue un aymara sikuri qui parle du joueur de siku1 et par addition du genre musical et de la danse de ces groupes.

Le siku est un instrument à vent de l'ensemble de tiges, qui est utilisé dans l'haut plateau, la dénomination provient de la voix aymara siktasiña qui veut dire ' se demander ' ou ' communiquer ', une activité humaine sociale et un naturel de l'homme altiplánico. Cet instrument aussi le connaît comme flûte de pain et dans la langue quechua il est dénommé antara. Les sikus proviennent des instruments tubulaires utilisés par des cultures antiques précolombiennes, similaires aux flûtes de Pan. Plus antique qui ont été trouvés datent de 4000 ans à c.2 dans la civilisation la Civilisation Caral - j'ai su sur la côte péruvienne. Depuis là ils ont subi beaucoup de transformations jusqu'à arriver à l'Haut plateau.

Le siku est un instrument éminemment collectif, exécuté par les joueurs(tables de toilette) dénommés qu'en formant des groupes humains, ils intercalent (ils torsadent la mélodie), entre des paires de "joueurs", étant donné que les uns touchent la "colère" qu'ils sont de 6 tiges et les "arka" leur répondent à ceux-là de 7 tiges.

 

España - Huelva - Cortegana - Dehesa - Cerdos ibéricos

 

ENGLISH

 

The Iberian pig is a traditional breed of the domestic pig (Sus scrofa domesticus) that is native to the Iberian Peninsula. The Iberian pig, whose origins can probably be traced back to the Neolithic, when animal domestication started, is currently found in herds clustered in the central and southern part of Portugal and Spain.

 

The most commonly accepted theory is that the first pigs were brought to the Iberian Peninsula by the Phoenicians from the Eastern Mediterranean coast (current day Lebanon), where they interbred with wild boars. This cross gave rise to the ancestors of what are today Iberian pigs. The production of Iberian pig is deeply rooted to the Mediterranean ecosystem. It is a rare example in the world swine production where the pig contributes so decisively to the preservation of the ecosystem. The Iberian breed is currently one of the few examples of a domesticated breed which has adapted to a pastoral setting where the land is particularly rich in natural resources, in this case acorns from the holm oak, gall oak and cork oak.

 

The numbers of the Iberian breed have been drastically reduced since 1960 due to several factors such as the outbreak of African swine fever and the lowered value of animal fats. In the past few years, however, the production of pigs of the Iberian type has increased to satisfy a renewed demand for top quality meat and cured products. At the same time, breed specialisation has led to the disappearance of some ancestral varieties.

 

This traditional breed exhibits a good appetite and propensity to obesity, including a great capacity to accumulate intramuscular and epidermal fat. The high intramuscular fat is what produces the typical marbling; this, together with traditional feeding based on acorns, is what makes its ham taste so special. The production of meat products from Iberian pigs is quite distinct from other meat products obtained from selected pigs raised under intensive conditions on industrial farms, and it is a good example of high quality and highly prized meat product. Iberian pigs are interesting from a human biomedical perspective because they present high feed intake and propension to obesity, compatible with high values of serum leptin.

 

The Iberian pig can be either red or dark in colour, if black ranging from dark to grey, with little or no hair and a lean body, thus giving rise to the familiar name pata negra, or "black hoof". In traditional management, animals ranged freely in sparse oak forest ('dehesa'), they are constantly moving around and therefore burn more calories than confined pigs. This, in turn, produces the fine bones typical of this kind of jamón ibérico. At least a hectare of healthy dehesa is needed to raise a single pig, and since the trees may be several hundred years old, the prospects for reforesting lost oak forest (dehesa) are slim at best. True dehesa is a richly diverse habitat with four different types of oak that are crucial in the production of prime-quality ham. The bulk of the acorn harvest comes from the holm oak (from November to February), but the season would be too short without the earlier harvests of Spanish oak and gall oak and the late cork oak season, which, between them, stretch the acorn-production period from September almost to April.

 

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ESPAÑOL

 

El cerdo ibérico son las razas y variedades porcinas pertenecientes al llamado "tronco ibérico", predominante en la península Ibérica. Hay variedades negras y coloradas, así como lampiñas o con pelo. Son animales muy apreciados en el sector alimentario para la producción de jamón ibérico y todo tipo de embutidos. Más recientemente, y debido a la demanda de los últimos años, se ha comenzado a comercializar también la carne de cerdo Ibérico fresca (p.e. el secreto Ibérico).

 

A partir de las agrupaciones y los apareamientos que fueron sucediéndose, bien por necesidades del hombre o bien por la propia naturaleza del cerdo, las razas ibéricas propiamente dichas se extendieron por el litoral mediterráneo y las costas africanas, asentándose en el sur peninsular, en especial en el suroeste, y ocupando aquellas zonas en las que predominan las dehesas (con sus milenarias encinas, los alcornocales, robledales y también castaños y algarrobos), que tan caras y apreciadas son en la actualidad para el cerdo ibérico, sus criadores, sus cuidadores, industriales y, cómo no, el consumidor de sus productos elaborado. Estas zonas del suroeste peninsular son las comarcas de Andalucía occidental, Extremadura y Salamanca, en España, y el Algarve y Alentejo en Portugal.

 

Características comunes siempre que hablemos de animales puros: Se trata de cerdos rústicos, alimentados desde el destete hasta el comienzo de la ceba (unos 110 kg) con piensos compuestos y terminados de engordar (hasta los 160 kg que se sacrifican) en el periodo de montanera (de octubre a enero) con bellotas. Tienen una elevada capacidad para aprovechar los recursos de la dehesa (régimen extensivo). No suelen ser muy prolíficas las hembras en el parto (una media de 4 a 6 lechones por camada). Escaso nivel de ganancia media diaria y elevada capacidad de engrasamiento debido a su precocidad. Elevada rusticidad y excelentes andarines. Están magníficamente adaptados al especial ecosistema de la dehesa. El cerdo ibérico se caracteriza por sus capas coloreadas, su hocico alargado, sus orejas en visera y sus altas extremidades, que le posibilitan el pastoreo y lo cualifican como un excelente andarín.

BEGIN THE BEGUINE- BBC BIG BAND ORCHESTRA

 

El clarinet és un instrument de vent-fusta. Pertany als instruments de canyeta simple, igual que el saxòfon. El forat és aproximadament cilíndric (a semblança de la flauta travessera i a diferència del saxòfon). Està format per diverses peces desmuntables: broquet, barrilet, cos superior, cos inferior i campana. El material principalment utilitzat per a la seva construcció és la fusta de banús. És un instrument transpositor l'extensió del qual abasta de tres a quatre octaves. El clarinet esdevé avui dia un instrument imprescindible tant per a les orquestres com per a les bandes de música. Destaca l'ús per a ambdues agrupacions del clarinet en sib, no obstant això, existeixen altres instruments que pertanyen a la família del clarinet. Entre els més utilitzats trobem el requint o clarinet en mib, el clarinet baix (sib), el clarinet alt (mib) i el clarinet en la.

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El clarinete es un instrumento de viento-madera. Pertenece a los instrumentos de caña simple, al igual que el saxofón. El agujero es aproximadamente cilíndrico (a semejanza de la flauta travesera y a diferencia del saxofón). Está formado por varias piezas desmontables: boquilla, barrilete, cuerpo superior, cuerpo inferior y campana. El material principalmente utilizado para su construcción es la madera de ébano. Es un instrumento transpositor cuya extensión abarca de tres a cuatro octavas. El clarinete es hoy día un instrumento imprescindible tanto para las orquestas como para las bandas de música. Destaca el uso para ambas agrupaciones del clarinete en sib, sin embargo, existen otros instrumentos que pertenecen a la familia del clarinete. Entre los más utilizados encontramos el requinto o clarinete en mib, el clarinete bajo (sib), el clarinete alto (mib) y el clarinete en la.

 

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

Mi versión de la foto de Miguel Angel López.

El Festival del Caribe se celebró la primera vez en el año 1981 en la ciudad de Santiago de Cuba. Se convocó para lograr un espacio de intercambio artístico entre los diferente pueblos del Caribe. Durante su celebración se reúnen intelectuales, investigadores y agrupaciones artísticas que representan las culturas mestizas de la región. El programa de la Fiesta del Fuego, denominado también así, está conformado por ceremonias mágicos-religiosos, talleres especializados en música, danza, teatro y artes plásticas. Incluye además espectáculos bailables, desfiles en las calles de Santiago y exposiciones de fotografía y pinturas. Cada año se le dedica a un país o conjunto de países de la región del Caribe. El festival concluye con un ritual antiguo denominado la Quema del Diablo. Se prepara la figura de un gran Diablo y la última noche se quema y sus cenizos se lanzan al mar.

 

The Caribbean Festival was initiated in 1981 in the city of Santiago de Cuba. The festival is a space for artistic exchange between the different peoples of the Caribbean. During the event meet intellectuals, researchers and artistic groups representing the mixed cultures of the region. The program of the Caribbean Festival, also referred to as Festival of Fire, consists of magical-religious ceremonies, workshops in music, dance, theater and visual arts. It also includes dance performances, parades in the streets of Santiago and photography and painting exhibitions. Each year is dedicated to a country or group of countries in the Caribbean region. The festival concludes with an ancient ritual called the Burning of the Devil. The figure of a great Devil is prepared and on the last night it is burned down. The remains are thrown into the sea.

www.flickr.com/photos/chiccofratta/sets/72157623454869376...

better view

 

Meteora è una famosa località ubicata nel nord della Grecia, al bordo nord occidentale della pianura della Tessaglia, nei pressi della cittadina di Kalambaka. È un importante centro della chiesa ortodossa ed è stata dichiarata patrimonio dell'umanità dall'Unesco.

La morfologia del luogo ed in particolare le torri hanno avuto origine con l'erosione dell'arenaria.

Meteora è sede di uno dei principali raggruppamenti di monasteri della Grecia, secondo solo a quello del monte Athos.

I primi insediamenti risalgono all'XI secolo, quando i primi eremiti occuparono alcune grotte nei fianchi dei dirupi.

Nel XIV secolo, allo scopo di difendersi dai turchi, furono costruiti monasteri sulle cime di rocce inespugnabili

Fino al secolo scorso i monasteri erano raggiungibili solo con scale a pioli o con sistemi a carrucola, ora ci sono scale in muratura o scavate nella roccia la cui salita è impegnativa ma non molto faticosa.

  

Meteor is a famous place situated in the north of Greece, to the edge western north of the lowland of the Tessaglia, near the town of Kalambaka. It is an important center of the orthodox church and he has been declared patrimony of the humanity from the Unesco.

The morphology of the place and particularly the towers have had origin with the erosion of the sandstone.

Meteor is center of one of the principal groupings of monasteries of Greece, according to alone to that of the Mount Athos.

The first installations go up again to the XI century, when the first hermits occupied some caves in the sides of the precipices.

In the XIV century, to the purpose to defend from the Turks, monasteries were built on the tops of impregnable rocks

Until the last century the monasteries were reachable only by ladders or pulley systems, now there are concrete staircases carved into the rock or whose ascent is demanding but very tiring.

    

Meteoro es una famosa localidad ubicada en el Norte de Grecia, al bordo Norte occidental del llano de Tesalia, en los aprietas ciudad de Kalambaka. Es un importante centro de la iglesia ortodoxa y ha sido declarada patrimonio de la humanidad por el Unesco.

La morfología del lugar y en particular las torres han tenido origen con la erosión de la arenisca.

Meteoro es sede de una de las principales agrupaciones de monasterios de Grecia, según sólo a aquel del monte Athos.

Los primeros asentamientos remontan al siglo XI, cuando los primeros ermitaños ocuparon algunas grutas en las caderas de los barrancos.

En el siglo XIV, al objetivo de defenderse de los turcos, fueron construidos monasterios sobre las cimas de rocas inexpugnables

Hasta el siglo pasado los monasterios sólo fueron alcanzables con escaleras de esepárragos o con sistemas a garrucha, ahora hay escaleras en albañilería o caváis en la roca cuyo subida es laboriosa pero no muy pesado.

 

Desfile de Llamadas 2020 - Barrio Sur - Montevideo - Uruguay |

 

History goes that during the days of the Spanish colony, many African men and women were brought to America as slaves in order to fulfill tasks at the houses of the most remarkable families in Montevideo.

 

When slavery was finally abolished, these Uruguayan citizens began to form new groups and thus they gave shape to the neighborhoods popularly referred to as "Negro neighborhoods"...

 

Candombe was the rhythm that not only joined them together but also reminded them of their African past and held them close to their origins, to their history.

Ref: www.welcomeuruguay.com/montevideo/llamadas-of-montevideo....

 

El desfile de Llamadas contó este año con más de 50 agrupaciones, conformando una de las fiestas populares más grandes del Uruguay. Esta edición lleva el nombre de Julio "Kanela" Sosa, en homenaje al emblemático artista del carnaval uruguayo fallecido en diciembre pasado. Ref: www.tvshow.com.uy/desfile-llamadas-horarios-entradas-orde...

 

Catanga (invitada de Chile)

Roberto Acosta

Mundo Afro

Mujeres de negro

Pasacalle INEFOP

Les Grandes Personnes

Carro alegórico

Emergencia 1727

Tronar de Tambores

Cenceribó

Valores

Uráfrica

La Jacinta

La Unicandó

La Tangó

Candongafricana

Sarabanda

C1080

Yambo Kenia

La Gozadera

La Facala

M.Q.L.

Elegguá

La Explanada

Batea de Tacuarí

La Simona

Umbelé

La Fabini

Samburú Moran

Nimba

Rugir de Varona (invitada)

 

Isla de Flores, desde Carlos Gardel hasta Minas

Montevideo, Uruguay

Camera: LEICA Q2

Lens: 28 mm f/1.7

Focal Length: 28 mm

Exposure: ¹⁄₂₅₀ sec at f/1.7

ISO: ISO 1600

Documental: Manifestaciones Culturales de Agrupaciones Étnicas.

Año Internacional de la Afrodescendencia.

 

La Hormiga Films

Fotografia, retratos: Raquel Caballero

Derechos reservados / Copyright ©

 

www.rachschranzart.tk

www.twietter.com/rachschranzart

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