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696 Weihai Lu

 

on tour with L.

 

696 Weihai Lu

 

an old photo from the tour with L.

 

I uploaded a similar one some time ago but I also like the framing in this one.

  

© all rights reserved by B℮n

 

Please take your time... to View it large on black

 

It was a beautiful summer this year, sunny and dry average. In the three summer months of June, July and August was less rain than usual and it was warmer than normal . Especially July were hot. In this month there was a nationwide heat wave for a week. The summer of 2013 also had a few extremes. On August 5th pulled a few supercell thunderstorms over the Netherlands but eased back into the ordinary Dutch summer weather, with sunshine but also occasional showers Amsterdam is known for its world-famous museums, canals and art galleries, diversity of shops, markets and many other attractions. But when the sun breaks through the city and sparkle, you can only do one thing: go out! The beautiful weather gives you energy. A day at the beach is perhaps the most obvious idea if you pack your bag. But the roads are soon full towards the beaches. Actually with good weather the Netherlands is even a smaller country. The best thing to do is to go the other way. Go East not West. But in Amsterdam you can also go to one of the city beaches. If sand between your toes is not quite your thing, then Amsterdam's parks and gardens are great places to relax. After a walk through the Haarlemmerstraat, the Jordaan area or the canals, it is time to find a good spot to have a drink and a bite. In these places there are plenty of quaint cafes, bars and restaurants. At the riverbank of the IJ river you watch the water while the sun sets over the city. If you do not prefer the water, then a terrace in the Vondelpark is a great alternative. I have my best photos from this summer put in a Mosaic. I hope you like them. Thanks for all your visits, comments and faves.

 

1. centre The mysterious Spooksteeg in the oldest part of Amsterdam, 2.top left De Amsterdamse Gouden Reael appels, 3. Rent a bike and enjoy the city, 4. Zomer in Amsterdam, 5. Grey Heron catching fish in the Vondelpark, 6. Old warehouses of the Bickersgracht were transformed into apartments, 7. The atmosphere of the glorious past is still present at the Gouden Reael, 8. We all live in a yellow submarine, 9. Amsterdam the city of bikes, 10. Thirteen impressive captain houses as seen from Westerdok, 11. ♫ We all live in a Yellow Submarine ♫ and our friends are all aboard ♫, 12. It's summertime in Amsterdam, 13. Amsterdam is at its prettiest seen from the water.

 

Het was een prachtige zomer dit jaar; zonnig en gemiddeld droog. In de drie zomermaanden juni, juli en augustus viel minder regen dan gewoonlijk en was het warmer dan normaal. Vooral juli was warm, zegt het KNMI. In deze maand was er tussen 21 en 27 juli een landelijke hittegolf van een week. De zomer van 2013 telde ook een paar extremen. Op 5 augustus trokken een paar supercell onweersbuien over Nederland maar daarna trad het gewone Hollandse zomerweer weer in, met zon maar ook af en toe een bui. Amsterdam staat bekend om zijn wereldberoemde musea, grachten en kunstgaleries, diversiteit aan winkels, markten en allerlei andere bezienswaardigheden, maar wanneer de zon doorbreekt en de stad laat schitteren, kun je nog maar een ding doen: naar buiten! Het mooie weer geeft je energie. Een dagje naar het strand is misschien het meest voor de hand liggende gedachte als je je tas inpakt. Maar de wegen en de treinen zijn dan gauw vol richting de stranden. Met mooi weer is Nederland dan wel een klein land. Het beste is dan om de andere kant op te gaan. Maar in Amsterdam kun je ook gewoon naar één van de stadsstranden gaan. Is zand tussen je tenen niet helemaal je ding, dan zijn de Amsterdamse parken en tuinen prima plekken om te relaxen in de zon. In een stad waar de huizenprijzen er niet om liegen, wordt er geen centimeter ongebruikt gelaten. Na een wandeling door de Haarlemmerstraat, de Jordaan of de grachten, is het tijd om een goede plek te vinden om te borrelen. Op deze plekken zijn er genoeg schilderachtige café’s en bars. Wil je lekker over het IJ turen, ga dan naar het terras van het Muziekgebouw of stap op de pont richting IJplein en neem plaats op het terras van Wilhelminadok. Als je hier zit, kun je het komen en gaan op het water gadeslaan terwijl de zon ondergaat boven de stad. Liever niet aan het water, dan is een terras in het Vondelpark een prima alternatief. Ik heb mijn beste foto's van deze zomer in een Mosaic gezet. Ik hoop dat je ze mooi vindt. Bedankt voor al jullie commentaar en faves.

  

Created with fd's Flickr Toys

In Saint Paul de Vence gibt es fast mehr Kunstateliers und Kunstgalerien als Häuser - so begegnet man quasi überall der Kunst in ihren unterschiedlichsten

Formen.

 

Mir hat die Skulptur von Nicolas Lavarenne besonders gut gefallen.

in Germany, Timmendorfer Strand, Baltic Sea

 

Mikado asiatische Galerie -

Kunst + Buch in Timmendorfer Strand

Arles in Black 2013, Arles, Baux de Provence, France, Leica x1

Wir sind unterwegs nach Franschhoek (französische Ecke) und halten beim erst besten Weingut an. Unsere Wahl hätte nicht besser ausfallen können. Wir melden uns an und fahren die tolle Zufahrt zum Gut hinauf. Unterwegs begrüßt uns eine bronzene Skulptur in Gestalt einer Frau, welche einen mit Wein überlaufenden Kelch in der Hand hält. Die Berge von Franschhoek und das blühende Weingut bilden eine atemberaubende Kulisse hinter ihr. La Motte ist eines der Top - Weingüter im Franschhoek Valley. Einer der am besten geführten Keller der Kapregion, ausgezeichnete Lagen und ein

passioniertes Team sind der Grundstock für Weine von außergewöhnlicher Güte. Das Augenmerk liegt auf dem klassisch französischen Ausbau der Weine, französische Eichenfässer sind dabei eine Selbstverständlichkeit. Der Leitsatz „Qualité et Nobilité “ zeigt sich in jedem einzelnen dieser Spitzenweine. Es werden jährlich rund 900 Tonnen Wein (300.000 Flaschen) produziert, wobei nur rund die Hälfte unter dem La Motte-Etikett vermarktet wird. Die Pinot-Noir-Trauben werden zum Beispiel vollständig an andere Betriebe verkauft.

La Motte wurde im Jahre 1970 von Dr. Anton Rupert, einem Industriellen, erworben. Er und seine Frau Huberte spielten auch eine immense Rolle bei der Erhaltung der Kunst. La Motte wird jetzt von der Rupert Tochter, einer der führenden südafrikanischen Mezzo-Sopranistinnen, geleitet.

Wir machen eine Weinprobe nach bewährtem Muster. 8 Weine

dürfen wir uns aussuchen, egal wie der Preis auf der Karte ausfällt! Die Weine haben es wirklich in sich,

fassgelagert und zum Teil auf wunderbare Weise zum Cuvée geführt. Wir sitzen in einer stilvollen und entspannten Atmosphäre und haben dabei einen Blick auf den Weinkeller.

Hochwertige Weine sind nach dem renommierten südafrikanischen Künstlers Jacob Hendrik Pierneef

benannt, dessen Kunstwerke hier ausgestellt sind. Als Dankeschön und noch überwältigt von der Probe kaufen wir uns eine gute Flasche Shiraz und warten nun auf eine Gelegenheit diese zu genießen.

Für die Probe selber haben wir keinen einzigen Rand bezahlen müssen. Die Probe war perfekt, zum Wein gab es Brot und viele gute Worte unserer Sommelierin. Natürlich statten wir auch der großen Kunstgalerie einen Besuch ab, besuchen den Farmshop und sind richtig gut drauf.

All the best people were there at the opening of www.flickr.com/photos/myrawildmist art show, "Virtually Nude" and Tessa's papparazza camera was out there going kerching kerching. We even caught Terpsicorps CEO and art world diva Cassie Parker strutting her stuff!

The show will be on until 19 March at Kunstgalerie Zalivstok. We are reliably informed that even if you're not one of the "best people", you'll be warmly welcome at maps.secondlife.com/secondlife/Secret%20Moon/183/99/670 .

Hurry hurry hurry!

 

Verwaltungsgebäude der Nord/LB

Hannover

 

"One of the more complex projects is the North German Regional Clearing Bank in Hannover, Germany, which was designed in 2002 by Behnisch, Behnisch & Partner. 'Despite being for a large commercial client," the project's entry maintained, "the building eschews monumentality, with the scale broken down to create a humane working environment. The tower and spaces around the courtyard are organized with an angular geometry. The erratic plan is exploited to provide a variety of office accommodation and open circulation spaces, with exterior views and plentiful daylight, avoiding the featureless corridors typical for countless modern office buildings. Mini-blocks of offices spectacularly busrt out at different angles from the tower itself - at one place steppping dramatically out floor by floor - again fragmenting the mass of the complex.' " www.thecityreview.com/phaid.html

 

"Im unteren Teil besteht das Gebäude aus einer rechtwinkligen Blockrandbebauung mit den Abmessungen von 150 m auf 100 m. An der zum Friedrichswall gewandten Seite wird das Erdgeschoss in seiner gesamten Länge von Restaurants und Läden genutzt. An der Willy-Brandt-Allee im Westen schließt sich die Kunstgalerie der Nord/LB an, die NORD/LB art gallery. Die darüberliegenden Büros befinden sich an diesen beiden Seiten und zum Theater am Aegi hinter einer Doppelfassade. Installiert wurden diese aus klimatechnischen Gründen und um die Bankangestellten vor Schall zu schützen. Das für die Fassaden genutzte Weißglas spiegelt stark und zeigt dem Betrachter so die umgebende Bebauung und den Himmel. Die nach innen gewandten Fassaden sind hingegen nur einfach verglast, ebenso die zu den Wohnhäusern gelegene Gebäudeseite an der Bleichenstraße. Im Innenbereich werden die verschiedenen Gebäudeteile durch gläserne Röhren verbunden („Skywalks“).“ deu.archinform.net/projekte/8980.htm

  

Terug in de tijd in een zeventiende-eeuws vissersstadje.

 

Er is veel moois te zien en beleven in Woudrichem. De Middeleeuwse sfeer hangt er door de vele historische gebouwen nog steeds, en ook de stadswallen zijn bewaard gebleven.

Dat hier vroeger veel riviervissers woonden wordt duidelijk: op vele gevels komt het terug en in het visserijmuseum kunt u alles op uw gemak bekijken.

 

In Woudrichem is het jaar door wat te beleven: lekker shoppen in de vestingwinkeltjes, veel kunstgalerieën, een jaarlijkse kunstroute en regelmatig concerten op verschillende plekken in het stadje. Woudrichem maakt met Loevestein en Gorinchem deel uit van de Vesting3hoek.

   

AMSTERDAM - Hermitage

Outsider Art Galerie.

In the Outsider Art Galerie in de Hermitage Amsterdam kunnen art kunstenaars hun werk exposeren en verkopen. Het zijn niet alleen kunstenaars uit Amsterdam maar uit heel Nederland.

 

Kleurrijke kunstenaars.

De kunstenaars van de Outsider Art Galerie hebben soms een verstandelijke of psychische beperking.

Ze zijn niet bezig met commerciële doelstellingen en reflecteren niet op bestaande kunststromingen.

De kunst komt rechtstreeks naar boven borrelen, zit in hun hoofd en moet eruit.

Hun werk is boeiend, veelzijdig en heel puur.

In reguliere kunstgaleries is outsider art meestal niet welkom.

 

In de tentoonstelling introduceert nieuwe Masters 30 intieme portretten van hedendaagse kunstenaars van de buitenstaander, samen met hun werk. Fotograaf Sander Troelstra geeft een gezicht aan hun fascinerende wereld .

 

AMSTERDAM Hermitage - Outside Art Galerie- . .

 

The Outsider Art Museum showcases unexpected, unpolished art by artists with extraordinary backgrounds.

The museum allows you to delve into the extraordinary art created by makers who, in the majority of cases, have not had artistic schooling.

Their world is authentic, defiant and unconventional.

 

In the exhibition New Masters introduces 30 intimate portraits of contemporary Outsider Artists, together with their work.

 

In a series of touching portraits , photographer Sander Troelstra givers a face to their fascinating world.

   

And finally, lowering the tone by a ridiculous amount, here are the proprietors of Galerie Zalivstok, shocked at the numbers gracing their grotty gallery. Our thanks to Sheree Honeyflower and Abby Honeyflower for leaving this heroic pose behind www.flickr.com/photos/125334780@N03/ www.flickr.com/photos/abbyfraser/

Myra Wildmist's show, "Virtually Nude", will be on until 19 March at Kunstgalerie Zalivstok. We are reliably informed that even if you're not one of the "best people", or even if you're not "beautiful" (do such people look at Tessa's flickr?} you'll be warmly welcome at maps.secondlife.com/secondlife/Secret%20Moon/183/99/670 .

Hurry hurry hurry!

Look I don't want to terrify you with the quality of the best people who turned up to the opening of "Virtually Nude" by Myra Wildmist. www.flickr.com/photos/myrawildmist/ but not only did we score art guru and fashionista Casie Parker, we also had the other half of Terpsicorps, Chrissy Rhiano.

Respeck!

The show will be on until 19 March at Kunstgalerie Zalivstok. We are reliably informed that even if you're not one of the "best people", you'll be warmly welcome at maps.secondlife.com/secondlife/Secret%20Moon/183/99/670 .

Hurry hurry hurry!

Beret is from the Parisa Outfit by DW

Hair is Mizuki from Argrace

Glasses are Faure from k_gs

Top is Mesh Hipster Turtleneck from Addams

Cigarette is from somebody who has passed into the sands of SL time

The beatnik look is in celebration of the opening of the Zalivstok Kunstgalerie which is currently showing a selection of Jen and Tessa's stuff. All welcome. Watch this space for news of more shows from some of SL's finest artists

 

maps.secondlife.com/secondlife/Secret%20Moon/180/82/651

 

Tami was yet another of the beautiful people who graced the opening of Myra Wildmist's show, "Virtually Nude"

The show will be on until 19 March at Kunstgalerie Zalivstok. We are reliably informed that even if you're not one of the "best people", or even if you're not "beautiful" (do such people look at Tessa's flickr?} you'll be warmly welcome at maps.secondlife.com/secondlife/Secret%20Moon/183/99/670 .

Hurry hurry hurry!

Get a large view!

 

Das Künstlerdorf Altos de Chavon ist aus einer Idee von Charles Bludhorn, dem Präsident der Golf & Western Corporation (einer amerikanischen Zuckercompany) entstanden. Dieses Dorf, angelehnt an die Bauweise des mediterranen Europas aus dem 16. Jahrhundert, war als Geburtstagsgeschenk für Bludhorn's Tochter gedacht.

 

Der Italiener Roberto Copa war es, der diese Idee schließlich umsetzte und das Dorf auf einem Hügel über dem Fluss Chavon baute. Der Grundstein wurde im Jahre 1976 gelegt. Beeindruckend ist die spektakuläre Sicht auf den Fluss Chavon und die karibische See. Diese Atmosphäre muss einfach inspirierend auf die Künstler in dem Dorf wirken, die dort leben, studieren und arbeiten.

 

Der Fluss Chavon bot das Szenario für die Filme Apocalypse now und Rambo.

 

Der Ort ist ungefähr 100 Kilometer von der Hauptstadt der Dominikanischen Republik, Santo Domingo, entfernt. Vom nahegelegenen Casa de Campo sind es ca. 3 km bzw. 15 Autominuten.

 

Im Zentrum von Altos de Chavon gibt es eine Kirche, die Iglesia San Estanislao, mit dem Grab des polnischen Heiligen Stanislaus. Drum herum gibt es einige sehr gute Restaurants, ein archäologisches Museum mit vielen Gegenständen aus der Taino-Zeit und diverse Geschäfte. Kunstgalerien, eine Diskothek (Genesis), eine Zeichenschule und das berühmte Amphitheater runden die Auswahl ab. Die Zeichenschule von Altos de Chavon arbeitet übrigens mit der Parsons School of Design in New York zusammen.

 

Ein Amphitheater nimmt bis zu 5000 Gäste auf. Es wurde 1982 mit einem Konzert von Frank Sinatra eingeweiht. Viele andere Künstler und Musikbands haben dort wegen des wunderbaren Szenarios gespielt. Auch heute noch werden dort zu ausgewählten Terminen nationale und internationale Künstler präsentiert.

Kunstgallerie Capitain Petzel

Karl-Marx-Allee 45, 10178 Berlin

 

Architektur: Josef Kaiser und Walter Franek, 1964

Im Innern verändert

 

"(...) The gallery, a 1,300 square meter glass-encased modernist building preserved from the Socialist Era, is located in one of the city’s historical landmarks on Karl-Marx-Allee in Berlin-Mitte. The former ‘Kunst im Heim’ gallery of the GDR, is a classic example of East German Modernism, built in 1964 by architects Kaiser and Franek to house a display of fine and applied arts from the countries of the Eastern Block. (...)"

Text: Capitain Petzel

 

Karl-Marx-Allee

"Anfang der 1950er Jahre entstand im östlichen Teil Berlins an der damaligen Stalinallee (ab 1961 Karl-Marx-Allee) der im Architekturstil der "Nationalen Traditionen" erbaute I. Abschnitt der Karl-Marx-Allee. (...)

Davon grenzt sich der nur einige Jahre später in industrieller Bauweise entstandene II. Bauabschnitt städtebaulich ab (Planung: 1958 – 1959; Realisierung: 1959 – 1971). Dieser zwischen Strausberger Platz und Alexanderplatz gelegene Abschnitt wurde nach städtebaulichen Entwürfen der Kollektive Werner Dutschke und Edmund Collein als Wohnkomplex mit mehr als 5.200 Wohnungen für insgesamt rd. 16.100 Einwohner geplant und errichtet. Er dokumentiert heute in eindrucksvoller Weise den Paradigmenwechsel im Städtebau der DDR von den "Nationalen Traditionen" zur "Moderne". Mit der Realisierung des II. Bauabschnitts der Karl-Marx-Allee begann der Wiederaufbau des Ost-Berliner Stadtzentrums. (...)"

Text: Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen, Berlin

which is an art gallery where the disc with a film

is pasted

Rijksmuseum in Amsterdam

 

Rijksmuseum EntranceDas Rijksmuseum, das wörtlich übersetzt das „Staatliche Museum“ bedeutet, besteht seit mehr als 200 Jahren und gehört heute zu den beeindruckendsten Museen der Welt. Während seiner Existenz, durchlebte das Museum viele Transformationen und bleibt nun, vor allem nach der kompletten Renovierung, eine Attraktion, die Sie während Ihrer Reise in die Niederlande nicht verpassen sollten.

Geschichte des Rijksmuseums

 

Im Jahr 1800 wurde das Rijksmuseum gegründet und war zunächst unter dem Namen Nationale Kunstgallerij (Nationale Kunstgalerie) bekannt. Das Museum befand sich allerdings nicht von Beginn an in Amsterdam. Erst durch einen Befehl von Königs Louis Bonaparte wurde es nach Amsterdam gebracht. 1885 zog das Rijksmuseum in das schöne Gebäude, das von dem niederländischen Architekten Petrus JH Cuypers im Stil der holländischen Neorenaissance entworfen wurde

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BRENG me naar mijn kunstgalerie treinstel 5043 laat Wehl achter zich en gaat op weg naar Arnhem. Als trein 30750

Zur Unterstützung des Tourismus werden das Winthrop Rhythm and Blues Festival, das Methow Valley Chamber Music Festival und Theatervorstellungen organisiert und Kunstgalerien sind für die Besucher geöffnet. Wikipedia

  

Sur les hauteurs, le petit village de Ötlingen accueille toute l'année toutes sortes d'oeuvres d'art d'artistes de la région, telle une galerie en plein air. Depuis 2007, peintures et sculptures agrémentent les maisons et les cours du village, lui conférant ainsi, en plus de son caractère historique charmant, un attrait supplémentaire. Enfin, la magnifique vue sur Bâle et sur les vignobles vaut vraiment le détour. "Le petit futé"

Abstrakte Bilder Kunst der Malerei Wachsmann

 

www.kunst-der-malerei.de

www.youtube.com/watch?v=7m1NhIa6uzs

 

Im Zentrum von Innsbruck befindet sich das kleine Stadtpalais des Grafen Trapp. Der 1625 von Berchtold Freiherrn von Wolkenstein erbaute Ansitz „Wolkenburg“ wurde 1700 zu einem Barockpalais umgestaltet. Die Anlage mit U-förmigem Grundriss, Vestibül und barockem Garten ist typisch für die Innsbrucker Paläste der Baumeister Gumpp.

In dem kleinen Palais und seinem Innenhof befinden sich neben Privatwohnungen auch exklusive Geschäfte, Büros, eine Kunstgalerie, ein Café ... und dieses hübsche Treppenhaus.

 

www.innsbruck.antonprock.at/website/.../trapp-palais.html

 

-allen einen schönen Sonntag-Morgen;)

-a happy Sunday morning to all friends;)

  

Totem , Andrej Rudjev, 2004

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Andrej Rudjev

   

[...] I will start simply with the question what has Shamanism got to do with art and what has art got to do with Shamanism?

 

How are these themes related? Incited by trance and ritual the Shaman virtually travels into the world of gods to metaphysical places which remain inaccessible to the community. From these places he returns with an image or a parable which he passes on to the community as a message of the gods.

 

The artist observes the real world and transforms his impressions into worlds of images, whereat a concrete meaning often remains locked, and the observers are incited to independent interpretations.

Generally the medium used in this process hardly plays any role.

 

Both Shamans and artists function, each in their own way naturallly, as an intermediary and an interpreter of observations to the community [...,]

 

Source:

"Shamans of Siberia"

Magicians Intermediaries Healers

 

The book on exhibition in the Linden Museum of Stuttgart

Erich Kasten

 

Chapter:

"Shamanism in an artistic dialogue between Saint Petersburg and Berlin"

By Iris Schneider

 

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[..] Ich beginne schlicht mit der Frage, was Schamanismus mit Kunst und umgekehrt zu tun haben könnte?

 

Was verbindet diese Themen? Angeregt durch Trance und Ritual begibt sich der Schamane auf eine virtuelle Reise in die Welt der Götter, zu metaphysischen Orten, die der Gemeinschaft unzugänglich bleiben. Von dort kehrt er mit einem Bild oder Gleichnis zurück, das er als Botschaft der Götter an die Gemeinschaft weiterleitet.

 

Der Künstler beobachtet die Realwelt und transformiert seine Eindrücke in eigene Bilderwelten, wobei eine konkrete Bedeutung oftmals verschlossen bleibt und die Betrachter zur selbstständigen Interpretationen aufgefordert werden. Dabei spielt das Medium, mit dem gearbeitet wird, allgemein betrachtet, zunächst keine Rolle.

 

Beide, Schamane und Künstler fungieren, jeder natürlich auf seine Weise, als Vermittler und Übersetzte von Wahrnehmungen an eine Gemeinschaft. [...]

 

Quelle:

„Schamanen Sibiriens“

Magier Mittler Heiler

 

Das Buch zur Ausstellung im Linden-Museum, Stuttgart

Erich Kasten

 

Kapitel:

„Schamanismus im Künstlerischen Dialog zwischen St. Petersburg und Berlin“

von Iris Schneider

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Das Barockschloss Mochental bei Ehingen beherbergt seit vielen Jahren die Kunstgalerie Schrade. Mindestens einmal im Jahr muss ich an den Südrand der Alb und ein bisschen Kunst einsaugen. Leider bedingen Platzmangel und Einkommensgrenzen, dass ich mir die Kunst nur anschauen kann. Manchmal stehle ich auch ein Werk mit der Kamera, was natürlich bei Weitem nicht die Qualität eines Originalkunstwerkes erreichen kann.

Dieses hier ist von Willi Silber, aus Glas gefertigt und von einer wunderbaren Eindringlichkeit.

In der Altstadt von Kuba. 3 Tage in Havanna.

Der Plaza Vieja (Alter Platz)

 

Plaza Vieja

Dieser lebhafte Platz in Havannas Altstadt wird von stattlichen Gebäuden eingerahmt, in denen sich heute gemütliche Cafés und interessante Kunstgalerien befinden.

Selbst in einer Stadt, die für ihre vielen attraktiven Plätze bekannt ist, sticht die Plaza Vieja hervor, denn sie legt eine unglaublich große architektonische Vielfalt an den Tag. Die vielen eleganten Residenzen der Kolonialzeit stehen hier Seite an Seite neben Palästen im Barockstil und Jugendstilgebäuden. Diese vielfältigen Bauwerke beherbergen heute einen ebenso abwechslungsreichen Mix aus Cafés, Mikrobrauereien, Künstlerateliers und Galerien.

 

La Havanna Vieja (span. für Alt-Havanna) ist der historische Kern der kubanischen Hauptstadt Havanna.

La Havanna Vieja gehört seit 1982 zum von der UNESCO registrierten Weltkulturerbe.

 

noch mehr Bilder von unserer Kuba Reise hier: www.flickr.com/photos/avalon20/albums/72157665044345157

Der Dresdner Zwinger ist ein barock geprägter Gebäudekomplex mit Gartenanlagen in Dresden, umgeben von Semperoper, Theaterplatz, Hofkirche, Schloss, Schinkelwache, Taschenbergpalais, Schauspielhaus und Der Herzogin Garten.

 

Im Zwinger sind verschiedene Sammlungen untergebracht, die heute zum Museumskomplex der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden gehören. Diese Funktion ist seit dem 18. Jahrhundert unter den jeweiligen Zeiteinflüssen gewachsen und hat hierdurch mehrfach eine Wandlung erfahren. Die ursprüngliche Zweckbestimmung als Orangerie und Garten sowie als Festareal ist dabei in den Hintergrund getreten.

 

The Zwinger Palace (Der Dresdner Zwinger) in Dresden is a major German landmark.

The location was formerly part of the Dresden fortress of which the outer wall is conserved. The name derives from the German word Zwinger (outer ward of a concentric castle); it was for the cannons that were placed between the outer wall and the major wall. The Zwinger was not enclosed until the neoclassical building by Gottfried Semper called the Semper wing was built to host the Gemäldegalerie Alte Meister art gallery.

 

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Blick auf die Kirche von Panagia...

 

Das Dorf Ia (griechisch Οία (f. sg); oft als Oia transkribiert) im Norden der griechischen Insel Thira hat 763 Einwohner, zusammen mit den umliegenden Siedlungen 962 Einwohner. Die Bewohner werden noch heute als Apanomerites (Απανωμερίτες) bezeichnet, nach der früheren Bezeichnung Apano Meria (Απάνω Μεριά, auch Επάνω Μεριά) des Dorfes. Der aus der Antike überlieferte Ort Oia war einer von zwei Häfen Alt-Theras und lag beim heutigen Kamari im Südosten der Insel.

 

Neben vielen kleinen Kunstgalerien, der Kirche von Panagia und einer Windmühle, die jedoch keine echten Flügel mehr besitzt, findet sich in Ia ein Seefahrtsmuseum, das auf zwei Etagen Schiffsmodelle, alte nautische Geräte wie Kompasse und Anker, Seekarten und historische Fotoaufnahmen des einstigen Seefahrerortes ausstellt.

 

Die Ruine des Kastells von Argyri, auch Londsa-Burg genannt, war während der venezianischen Herrschaft im Mittelalter Wohnsitz der adeligen Familie Argyri und dient heute als Aussichtspunkt.

 

Im Südwesten von Ia liegt die Armeni-Bucht, zu der man zu Fuß oder per Muli hinabsteigen kann. Einst ein wichtiges Bootsbauzentrum, gibt es im Hafen von Armeni heute nur noch eine einzige Werft, die kleine Reparaturarbeiten durchführt. Von hier aus verkehren Boote zu Rundfahrten entlang der Caldera oder nach Thirassia.

 

Ein weiterer Hafen befindet sich im Westen der Stadt in der Bucht von Ammoudi. Diese ist über einen steilen Abstieg nördlich der Londsa Burg zu erreichen und besitzt auch einige Tavernen und einen kleinen Kieselstrand.

 

Info, Quelle : de.wikipedia.org/wiki/Ia_%28Griechenland%29

 

Information in English : en.wikipedia.org/wiki/Oia,_Greece

Man schaut aus der Junkerstraße in Memel auf den großen Speicher in der Hohen Straße, der, heute restauriert, Teil einer Kunstgalerie (Parodų rūmai) ist.

Die Junkerstraße gibt es nicht mehr. Hier befindet sich heute eine Parkanlage.

Ansichtskarte, geschrieben am 08.12.1920.

de.wikipedia.org/wiki/Prag

 

Standort Kampa Museum

  

Museum Kampa ist eine moderne Kunstgalerie in Prag , Tschechische Republik , zeigt mitteleuropäische , insbesondere tschechische Arbeit. Die Stücke stammen aus der Privatsammlung von Meda Mládek, die Ehefrau von Jan V. Mládek. Das Museum wurde 2003 eröffnet und befindet sich in der Sova Mühlen am östlichen Ufer des beherbergte der Kampa - Insel auf dem Fluss Moldau .

  

Es gibt eine große Skulptur eines Stuhls von Magdalena Jetelová außerhalb des Museums, die ein Wahrzeichen sichtbar aus über die Moldau ist.

 

www.flickr.com/photos/ag_kyriaki/albums/72157664222212454

 

Schönen Sonntag !

Figure majeure de l'Art minimal, Dan Flavin grandit aux États-Unis, dans la religion catholique et commence par suivre une formation de séminariste, mais il renonce à la prêtrise et, après un service militaire en Corée (1954-1955), durant lequel il commence à étudier l'art grâce à des cours dispensés par l'Université du Maryland, revient à New York et suit brièvement les cours de la Hans Hofmann School of Fine Arts avant d'étudier l'histoire de l'art à la New School for Social Research (1956) puis la peinture et le dessin à l'Université Columbia de New York (1957-1959).

Ses premiers tableaux révèlent l'influence de l'Expressionnisme abstrait, mais dès 1959, il commence à réaliser des collages et des assemblages. Sa première exposition personnelle à la Judson Gallery de New York en 1961 présente des aquarelles et des assemblages.

À l'été 1961, alors qu'il travaille comme gardien au musée d'histoire naturelle de New York, Flavin réalise des dessins de sculptures incorporant des sources lumineuses. Son travail sur la lumière peut se lire comme une référence aux fastes de l'Église catholique – cierges, encens, chants, processions – qui l'ont toujours inspiré. Après des peintures monochromes ornées d'ampoules électriques intitulées Icônes, réalisées à partir de la fin de 1961, il réalise à partir de 1963 des pièces à base de tubes au néon industriels, puis des installations utilisant toujours ce même matériau, qui devient la signature caractéristique de son vocabulaire artistique. En explorant les variations que permettent le nombre, la couleur, les dimensions des tubes et leur disposition, il s'agit de dématérialiser l'espace afin d'en analyser la perception. Ce travail reçoit une première exposition personnelle intitulée Some Light en 1964 à la Kaymar Gallery de New York.

En 1967, Flavin est enseignant invité en design à l'Université de Caroline du Nord à Greensboro. À partir de 1968, il commence à réaliser des installations de la taille d'une pièce entière ; la même année, il décore toute une galerie d'art avec des tubes de lumière noire à la Documenta de Kassel.

Entre 1964 et 1982, Dan Flavin réalise son plus important projet : un hommage au peintre, sculpteur et architecte russe Vladimir Tatline. Il réalise une série de pièces en néons, pour la plupart entièrement blanches, qui évoquent schématiquement la forme du Monument à la Troisième internationale (1920, resté à l’état de projet). Avec ses néons qui suggèrent des silhouettes évanescentes, Dan Flavin célèbre cette architecture progressiste, tout en soulignant son caractère conceptuel, irréalisable, voire fantomatique.

Les œuvres de Dan Flavin, parfois comparées aux toiles de Rothko, ont été exposées dans des lieux incontournables de l'art contemporain comme le musée Guggenheim de New York (1971 et 1992, la seconde installation ayant été réalisée à l'occasion de la réouverture du musée après rénovation), le Museum of Contemporary Art de Chicago (1969), la National Gallery of Canada à Ottawa (1969) et le Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden (1989). En 1983, le Dan Flavin Art Institute a été inauguré à Bridgehampton (New York), exposition permanente conçue par l'artiste dans une caserne de pompiers réaménagée, ouverte au public chaque été.

Il a aussi présenté son travail dans des lieux plus insolites, pour lesquels il a conçu des installations, tels que la Gare centrale de New York dont il illumine les quais (1977) ou encore l'église Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa de Milan (aménagement achevé en 1997 après la mort de l'artiste sur la base des dessins qu'il avait laissés).

Il etait tres amoureux de son art. Une œuvre de Dan Flavin est définie dans un premier temps, par la disposition de tubes de lumière fluorescente puis c'est l'extension lumineuse qui a déterminé sa structure, son épaisseur, son volume ; en ce sens la dimension de l'œuvre est réglée par l'architecture (murs, plafond, sol) qui la délimite. Comme le dit Donald Judd, Flavin crée « des états visuels particuliers », des perceptions singulières qui rassemblent, dans la fragilité de la lumière, couleur, structure et espace.

En envahissant l'espace, la lumière de Flavin le transforme et le dématérialise souvent. Le bain lumineux a en effet pour propriété d'abolir les frontières entre l'environnant et l'environné qui ne font plus qu'un et l'œuvre devient ainsi une « situation », un lieu d'expériences perceptives liées aux déplacements du spectateur. Avec ses œuvres, Flavin accomplit parfaitement la mission de l’Art minimal telle que Judd la définit dans Specific objects : faire en sorte que l’objet se confonde avec les trois dimensions de l’espace réel. Grâce au recours à la lumière, Dan Flavin irradie l’espace, comme contaminé par la beauté et la spiritualité de l’œuvre. Le contexte devient son contenu.

Le tube de lumière utilisé par Flavin a une fonction qui s'oppose complètement à l'objet tangible des œuvres d'art traditionnelles puisque c'est de lui que se déploie l'énergie lumineuse qui va dissoudre ses propres limites. Les œuvres d'art minimal n'inspirent pas un contact physique, il n'est pas possible de caresser leur structure ou leur surface comme on peut le faire avec une sculpture de Brancusi pour en ressentir le poli ou la qualité du matériau; avec Dan Flavin, l'œuvre est réellement impalpable, on ne pourrait même pas poser son regard sur elle ; c'est pour l'artiste une façon de supprimer un mode de relation émotionnel souvent rattaché aux objets dont on apprécie par exemple la patine du temps en les touchant. Cependant, si la linéarité des tubes et les effets d'inclusion du spectateur dans l'espace de l'œuvre sont propres à l'art minimal, on peut toutefois se poser la question de savoir si l'atmosphère subtilement colorée des œuvres de Flavin – assez proche de la peinture de Rothko – n'est pas le signe d'un mysticisme latent qui, de ce point de vue, mettrait cet artiste en marge de la production purement « minimale ».

Il existe au Musée d'art ancien et contemporain d'Épinal une œuvre La Salle verte qui met en avant le sens de la vue.

 

Eine bedeutende Zahl der Minimal Art , wuchs Dan Flavin in den Vereinigten Staaten, die katholische Religion und beginnt eine Ausbildung als Seminarist , aber er gab das Priestertum , und nach dem Militärdienst in Korea (1954-1955) , während begann er das Studium der Kunst durch Kurse, die von der University of Maryland angeboten , kehrte nach New York und kurz besuchte Kurse an der Hans Hofmann School of Fine Arts und studierte Kunstgeschichte an der New School for Social Research (1956) und dann Malerei und Zeichnung an der Columbia University in New York ( 1957-1959 ) .

Seine frühen Gemälde zeigen den Einfluss des Abstrakten Expressionismus , aber im Jahr 1959 , begann er macht Collagen und Assemblagen . Seine erste Einzelausstellung in der Judson Gallery in New York im Jahr 1961 präsentiert Aquarelle und Baugruppen.

Im Sommer 1961 , während der Arbeit als Wachmann im Museum of Natural History in New York, produziert Flavin Zeichnungen von Skulpturen Einbeziehung Lichtquellen . Kerzen, Weihrauch , Gesang, Prozessionen - - die immer inspiriert haben Seine Arbeit auf dem Licht kann als Verweis auf die Pracht der katholischen Kirche gelesen werden. Nach monochrome Gemälde mit Glühbirnen berechtigt Icons , von Ende 1961 schmückte er ab 1963 Teile -basierte Industrie- Neonröhren und Einrichtungen gerichtet immer noch mit dem gleichen Material , das ist der Unterschrift Merkmal seiner künstlerischen Vokabular. Exploring Variationen erlauben die Anzahl , Farbe, Größe und Anordnung der Rohre , ist es , um den Raum in dematerialisieren , um die Wahrnehmung zu analysieren. Diese Arbeit erhält eine erste Solo- Ausstellung mit dem Titel etwas Licht im Jahr 1964 an der Kaymar Gallery in New York.

Im Jahr 1967 ist Flavin als Gastprofessor für Design an der University of North Carolina in Greensboro. Ab 1968 begann er Teezubehör die Größe eines ganzen Raumes , im selben Jahr schmückt er eine ganze Kunstgalerie mit Schwarzlicht Röhren auf der Documenta in Kassel .

Zwischen 1964 und 1982 , machte Dan Flavin sein größtes Projekt : eine Hommage an den Maler, Bildhauer und Architekt russischen Vladimir Tatlin . Er machte eine Reihe von Neon- Stücke , fast alle weiß, erinnert schematisch als Monument für die Dritte Internationale (1920 , blieb im Entwurf). Mit seinen Leuchtreklamen , die flüchtigen Silhouetten, Dan Flavin feiert progressive Architektur , betont seine konzeptionellen, unmöglich , auch geisterhaften Charakter vor.

Die Arbeiten von Dan Flavin, manchmal Rothko Gemälde verglichen erstklassiges Reiseziel für zeitgenössische Kunst wie das Guggenheim- Museum in New York (1971 und 1992 ausgestellt worden sind , hat die zweite Installation auf dem anlässlich der Wiedereröffnung durchgeführt Museum nach der Sanierung ) , das Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969), der National Gallery of Canada , Ottawa (1969) und der Staatlichen Kunsthalle Baden- Baden (1989). Im Jahr 1983 wurde Dan Flavin Art Institute in Bridgehampton (New York) , Dauerausstellung von der Künstlerin in einem renovierten Feuerwehrhaus für das Publikum geöffnet jeden Sommer entworfen eröffnet.

Außerdem stellte er seine Arbeiten in mehr ungewöhnlichen Orten , für die er Einrichtungen wie Central Station in New York entworfen, das er die Waterfront (1977) oder die Kirche Santa Maria Annunziata in Chiesa Rossa in Mailand leuchtet ( abgeschlossen im Jahr 1997 nach dem Tod des Künstlers Entwicklung auf Zeichnungen, die er verlassen hatte ) basiert.

Es war sehr verliebt in seine Kunst. Ein Werk von Dan Flavin wird zunächst durch die Entsorgung von Leuchtstoffröhren definiert dann das Licht -Erweiterung, die die Struktur , Dicke, Volumen bestimmt ist und in diesem Sinne ist die Größe der Arbeit ist eingestellt durch die Architektur (Wand, Decke, Boden ), die begrenzt . Als Donald Judd sagte Flavin erstellt "besondere visuelle Zustände " singulären Wahrnehmungen, die in die Fragilität von Licht, Farbe , Struktur und Raum zu bringen .

Durch eindringende den Raum , schaltet sich das Licht Flavin und oft entmaterialisiert . Das Licht im Bad war in der Tat das Eigentum der Abschaffung der Grenzen zwischen der Umgebung und umgeben , die nicht mehr eins sind und die Arbeit so zu einer " Situation " , ein Ort der Erfahrung im Zusammenhang mit der Wahrnehmung des Betrachters reisen . Mit seinen Werken , Flavin perfekt nimmt sowohl die Mission Minimal Art wie in den Judd Spezifische Objekte definiert : um sicherzustellen, dass das Objekt mit der dreidimensionalen realen Raum ist verwirrt. Durch den Einsatz von Licht , strahlt Dan Flavin Raum als durch die Schönheit und Spiritualität der Arbeit kontaminiert. Der Kontext wird Inhalt .

Das Licht Röhre durch Flavin verwendet wird, eine Funktion, die vollständig auf die konkrete Aufgabe der traditionellen Kunst entgegengesetzt ist , wie es von ihm ist, dass breitet sich die Lichtenergie, die ihre eigenen Grenzen auflösen wird . Kunstwerke nicht inspirieren minimalen körperlichen Kontakt , ist es nicht möglich zu streicheln ihre Struktur oder Umgebung kann mit einem Brancusi Skulptur getan werden, um die Glätte und Qualität des Materials , mit Dan fühlen Flavin Arbeit ist wirklich unantastbar , wir konnten nicht einmal die Augen auf ihn gesetzt , es ist ein Weg für die Künstler , um einen Modus der emotionalen Beziehung oft auf Objekte, die wir schätzen angebracht zu entfernen, beispielsweise die Patina der Zeit berühren . Allerdings, wenn die Linearität der Rohre und die Auswirkungen der Einbeziehung des Betrachters in den Raum der Arbeit spezifisch für minimal art sind , aber es stellt sich die Frage, ob die Atmosphäre subtil farbigen Werke von Flavin - nahe genug, um die Rothko Malerei - ist nicht ein Zeichen von latenter Mystik , aus dieser Sicht würde dieser Künstler Marge von Produktion rein "minimal" .

Es ist das Museum für Alte Kunst und Moderne Epinal ein Werk The Green Room , die den Sehsinn hervorhebt.

 

A major figure of Minimal Art , Dan Flavin grew up in the United States, the Catholic religion and begins training as a seminarian , but he gave up the priesthood , and after military service in Korea (1954-1955) , during which he began studying art through courses offered by the University of Maryland, returned to New York and briefly attended classes at the Hans Hofmann School of Fine Arts before studying art history at the New School for Social Research (1956) and then painting and drawing at Columbia University in New York ( 1957-1959 ) .

His early paintings show the influence of Abstract Expressionism , but in 1959 , he began making collages and assemblages . His first solo exhibition at the Judson Gallery in New York in 1961 presents watercolors and assemblies.

In the summer of 1961 , while working as a guard at the Museum of Natural History in New York, Flavin produced drawings of sculptures incorporating light sources. His work on the light can be read as a reference to the splendor of the Catholic Church - candles , incense , singing, processions - which have always inspired. After monochrome paintings adorned with light bulbs entitled Icons, made ​​from the end of 1961 , he directed from 1963 parts based industrial neon tubes and facilities still using the same material , which is the signature characteristic of his artistic vocabulary . Exploring variations allow the number, color, size and arrangement of tubes , it is to dematerialize the space in order to analyze the perception. This work receives a first solo exhibition entitled Some Light in 1964 at the Kaymar Gallery in New York.

In 1967, Flavin is a visiting professor of design at the University of North Carolina at Greensboro . From 1968, he began making facilities the size of an entire room , the same year he decorates an entire art gallery with black light tubes at Documenta in Kassel .

Between 1964 and 1982 , Dan Flavin made ​​his biggest project : a tribute to the painter , sculptor and Russian architect Vladimir Tatlin . He made a series of neon pieces , mostly all white , reminiscent schematically as the Monument to the Third International (1920 , remained in the draft) . With its neon lights that suggest fleeting silhouettes , Dan Flavin celebrating progressive architecture, while stressing its conceptual , impossible , even ghostly character .

The works of Dan Flavin, sometimes compared to Rothko paintings have been exhibited in prime destination for contemporary art such as the Guggenheim Museum in New York ( 1971 and 1992, the second installation has been carried out on the occasion of the reopening museum after renovation ), the museum of Contemporary Art, Chicago (1969), the National Gallery of Canada, Ottawa (1969) and the Staatliche Kunsthalle Baden -Baden (1989). In 1983, Dan Flavin Art Institute was opened in Bridgehampton (New York ) , permanent exhibition designed by the artist in a refurbished firehouse open to the public every summer.

He also presented his work in more unusual places, for which he designed facilities such as Central Station in New York which he illuminates the Waterfront ( 1977) or the church of Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa in Milan ( completed in 1997 after the death of the artist development based on drawings he had left ) .

It was very in love with his art . A work of Dan Flavin is defined initially by the disposal of fluorescent light tubes then this is the light extension that determined its structure, thickness, volume and in this sense the size of the work is set by the architecture ( wall , ceiling, floor ) which delimits . As Donald Judd said Flavin created " special visual states " singular perceptions that bring in the fragility of light, color, structure and space.

By invading the space , the light turns Flavin and often dematerialized . The bathroom light was indeed the property of abolishing the boundaries between the surrounding and surrounded that are no longer one and the work thus becomes a "situation" , a place of perceptual experience related to travel of the beholder . With his works, Flavin perfectly fulfills the mission of Minimal Art as defined in the Judd Specific objects: to ensure that the object is confused with the three-dimensional real space. Through the use of light, Dan Flavin radiates space as contaminated by the beauty and spirituality of the work. The context becomes content.

The light tube used by Flavin has a function that is completely opposed to the tangible object of traditional art as it is from him that spreads the light energy that will dissolve its own limitations. Works of art do not inspire minimal physical contact , it is not possible to stroke their structure or area as can be done with a Brancusi sculpture to feel the smoothness and quality of the material , with Dan Flavin 's work is really untouchable , we could not even set eyes on it , it's a way for the artist to remove a mode of emotional relationship often attached to objects which we appreciate , for example the patina of time touching . However, if the linearity of the tubes and the effects of inclusion of the viewer into the space of the work are specific to minimal art , but it begs the question of whether the atmosphere subtly colored works of Flavin - close enough to the Rothko painting - is not a sign of latent mysticism , from this point of view, would this artist margin of production purely "minimal" .

There is the Museum of Ancient Art and Contemporary Epinal a work The Green Room which highlights the sense of sight .

 

شخصية رئيسية للفن الحد الأدنى، نمت دان فلافين حتى في الولايات المتحدة، و الديانة الكاثوليكية ويبدأ التدريب باعتباره اللاهوتي ، لكنه تخلى عن الكهنوت ، و بعد الخدمة العسكرية في كوريا (1954-1955) ، خلال الذي بدأ دراسة الفن من خلال الدورات التي تقدمها جامعة ماريلاند ، وعاد إلى نيويورك و حضر لفترة وجيزة الفصول الدراسية في مدرسة هانز هوفمان للفنون الجميلة قبل أن يدرس تاريخ الفن في المدرسة الجديدة للبحوث الاجتماعية ( 1956) ومن ثم التصوير والرسم في جامعة كولومبيا في نيويورك ( 1957-1959 ) .

لوحاته في وقت مبكر تظهر تأثير التجريدية التعبيرية ، ولكن في عام 1959 ، بدأ صنع الفن التصويري و تجمعات . معرضه الفردي الأول في غاليري جودسون في نيويورك في عام 1961 ويعرض الألوان المائية والتجمعات.

في صيف 1961 ، بينما كان يعمل حارسا في متحف التاريخ الطبيعي في نيويورك ، أنتجت فلافين رسومات من المنحوتات دمج مصادر الضوء . يمكن قراءة عمله على ضوء كمرجع إلى روعة الكنيسة الكاثوليكية - الشموع والبخور و الغناء والمواكب - التي ألهمت دائما . بعد لوحات أحادية اللون مزينة المصابيح بعنوان أيقونات ، مصنوعة من نهاية عام 1961، أخرج من عام 1963 استنادا أجزاء أنابيب النيون الصناعية والمرافق التي لا تزال تستخدم نفس المادة ، الذي هو التوقيع سمة من مفرداته الفنية. الاختلافات استكشاف تسمح لل عدد ولون وحجم وترتيب الأنابيب ، هو أن dematerialize الفضاء من أجل تحليل التصور. هذا العمل يحصل على المعرض الفردي الأول بعنوان بعض الضوء في عام 1964 في معرض Kaymar في نيويورك .

في عام 1967 ، فلافين هو أستاذ زائر في التصميم في جامعة ولاية كارولينا الشمالية في غرينسبورو . من عام 1968 ، بدأ مرافق حجم غرفة بأكملها ، وهو العام نفسه الذي يزين معرض فني كامل مع أنابيب ضوء أسود في دوكومنتا في كاسل القرارات.

بين عامي 1964 و 1982 ، أدلى دان فلافين أكبر مشروعه : تحية ل رسام ونحات و مهندس معماري الروسي فلاديمير تاتلين . وقدم سلسلة من القطع النيون ، ومعظمهم من جميع أبيض ، تذكرنا تخطيطي و النصب التذكاري ل الدولي الثالث (1920 ، وظل في مشروع ) . مع أضواء النيون في أن تشير الصور الظلية عابرة ، دان فلافين الاحتفال العمارة التدريجي ، مع التأكيد المفاهيمي ، المستحيل ، طابعها حتى شبحي .

عرضت أعمال دان فلافين ، مقارنة في بعض الأحيان إلى لوحات روثكو في مكان رئيس للفن المعاصر مثل متحف غوغنهايم في نيويورك (1971 و 1992 ، وقد تم تنفيذ التثبيت الثاني من بمناسبة إعادة فتح المتحف بعد التجديد )، و متحف الفن المعاصر ، شيكاغو (1969 ) ، المتحف الوطني في كندا ، أوتاوا (1969 ) و Staatliche كونستهاله بادن بادن (1989 ) . في عام 1983 ، وافتتح دان فلافين معهد الفن في Bridgehampton (نيويورك ) ، المعرض الدائم الذي صممه الفنان في محطة الإطفاء تجديدها مفتوحة للجمهور في كل صيف .

كما عرض أعماله في أماكن أكثر غرابة ، الذي قام بتصميم المرافق مثل المحطة المركزية في نيويورك الذي ينير الواجهة البحرية (1977 ) أو كنيسة سانتا ماريا Annunciata في كييزا روسا في ميلان ( أنجزت في عام 1997 بعد وفاة الفنان التنمية يعتمد على رسومات كان قد غادر ) .

كان جدا في الحب مع فنه . يتم تعريف عمل دان فلافين في البداية من قبل التخلص من أنابيب ضوء الفلورسنت ثم وهذا هو التمديد الضوء الذي يحدد هيكلها ، وسمك ، وحجم و بهذا المعنى حجم العمل التي وضعتها الهندسة المعمارية ( الجدار والسقف و الأرض) الذي يحد . كما قال دونالد جاد فلافين إنشاء " الولايات البصرية الخاصة " تصورات المفرد التي تجلب هشاشة ضوء ، لون ، هيكل و الفضاء .

عن طريق غزو الفضاء، يتحول الضوء فلافين و غالبا غير المادية . كان ضوء الحمام في الواقع ملكا لل إلغاء الحدود بين المحيط و تحيط التي لم تعد واحدة ، وبالتالي يصبح العمل على " الوضع" ، مكانا لل تجربة الحسية المتعلقة بالسفر الناظر . مع أعماله ، فلافين يفي تماما مهمة الفن الحد الأدنى كما هو محدد في كائنات معينة جاد : لضمان أن الكائن الخلط بينه وبين الفضاء الحقيقي ثلاثي الأبعاد . من خلال استخدام الضوء ، دان فلافين يشع الفضاء كما الملوثة من الجمال والروحانية من العمل. يصبح سياق المحتوى.

أنبوب الخفيفة التي تستخدمها فلافين لديه وظيفة ما يعارض تماما إلى كائن ملموس من الفن التقليدي كما هو من له أن ينتشر على الطاقة الضوئية التي سوف تذوب القيود الخاصة بها . أعمال فنية لا توحي الحد الأدنى من الاتصال الجسدي ، فإنه ليس من الممكن السكتة الدماغية بنيتها أو منطقة ما يمكن القيام به مع النحت برانكوزي أن يشعر نعومة و جودة المواد ، مع دان العمل فلافين هو موجود حقا ، ونحن لم أستطع حتى تقع عيناي على ذلك، انها وسيلة للفنان لإزالة النمط من العلاقة العاطفية غالبا ما تعلق على الأجسام التي نقدرها ، على سبيل المثال الزنجار من الوقت لمس . ومع ذلك، إذا الخطي من الأنابيب وآثار إدراج المشاهد في الفضاء لعمل محددة إلى الحد الأدنى من الفن ، ولكنه يطرح السؤال عما إذا كان الجو أعمال الملونة بمهارة من فلافين - قريبة بما فيه الكفاية ل وحة روثكو - ليست علامة التصوف الكامنة ، من وجهة النظر هذه ، سيكون هذا الهامش الفنان الإنتاج بحتة "الحد الأدنى" .

هناك متحف للفنون القديمة والمعاصرة إبينال عمل غرفة الأخضر الذي يسلط الضوء على حاسة البصر .

 

最小的艺术的一个重要人物,丹·弗莱文(Dan Flavin)长大在美国,天主教,并开始作为一个神学院的训练,但他放弃了祭司,服兵役后( 1954-1955) ,在韩国期间,他开始由马里兰大学的课程,通过学习艺术,回到纽约,并简要汉斯·霍夫曼美术学院学习艺术史在之前上课社会研究( 1956年),然后在纽约哥伦比亚大学( 1957-1959 )的绘画和绘图的新学校。

他早期绘画抽象表现主义的影响,但在1959年,他开始拼贴和组合。贾德森画廊在纽约他的首次个展于1961年提出的水彩画和组件。

在1961年夏天,而在纽约自然史博物馆作为一个后卫,黄素生产图纸雕塑结合光源。他的作品可以读取的光作为参考天主教教堂 - 蜡烛,香,唱歌,游行 - 一直启发的辉煌。经过单色绘画装饰题为灯泡图标,从1961年底,他执导从1963年基础件工业霓虹灯管和设施仍然使用相同的材料,这是签名他的艺术语汇的特征。探索变化允许数,颜色,尺寸和布置的管,它是为了分析感知非物质化的空间。这项工作收到题为一些轻于1964年的Kaymar画廊在纽约的首次个展。

黄素是在1967年,在北卡罗来纳大学格林斯伯勒客座教授设计。从1968年开始,他开始设施装饰整个房间的大小,同年,他的整个艺术画廊黑光灯管在卡塞尔文献展。

丹·弗莱文(Dan Flavin)在1964年和1982年之间,他最大的项目:致敬的画家,雕塑家和俄罗斯建筑师弗拉基米尔·塔特林。他取得了一系列的霓虹灯件,大多都是白色,让人想起示意性地纪念碑第三国际(1920 ,留在草案) 。凭借其霓虹灯表明稍纵即逝的轮廓,丹·弗莱文(Dan Flavin)庆祝渐进式的体系结构,同时强调它的概念,不可能的,即使幽灵般的人物。

已经展出的作品有时罗斯科的绘画相比,丹·弗莱文在首选目的地,如当代艺术在纽约古根海姆博物馆( 1971年和1992年,第二次安装已进行了重开之际整修后的博物馆) ,博物馆的当代艺术,芝加哥(1969年) ,加拿大国家美术馆,渥太华(1969年)和Staatliche艺术馆巴登 - 巴登(1989年) 。 1983年,丹黄素艺术学院开设在Bridgehampton (纽约) ,在翻新的向公众开放的消防站每年夏天由艺术家设计的常设展览。

他还介绍了他的工作,更不寻常的地方,为此他设计的设施,如在纽约中央车站,他照亮了水景或教会在基耶萨Santa Maria Annunciata的罗萨在米兰(1977年) (图纸他已经离开)的基础上发展的艺术家去世后,于1997年完成。

这是非常爱他的艺术。丹·弗莱文(Dan Flavin)定义一个工作最初由荧光灯管处置,那么这是决定它的结构,厚度,体积光的扩展,在这个意义上,工作尺寸设置的体系结构(墙,天花板,地板)划定。正如唐纳德·贾德说,黄素建立“特殊的视觉状态”奇异的光,颜色,结构和空间带来的脆弱性的看法。

入侵的空间,指示灯变为黄素和经常无纸化。卫生间的灯是确实的财产废除周围,四周之间的界限不再是一体的工作,从而成为一个“情况”相关的感性经验,一个地方旅行的杀机。随着他的作品,黄素完全符合定义在贾德具体对象最小的艺术的使命:确保该对象相混淆三维实景空间。通过利用光,丹·弗莱文(Dan Flavin)辐射污染的美丽和灵性的工作空间。上下文的内容。

黄素所使用的光管,有一个功能,则完全反对传统艺术的有形物体,因为它是从他传播的光能量,将解散其自身的局限性。艺术作品不激发极小的身体接触,这是不可能中风的结构或区域,可以做一个布朗库西的雕塑感觉的平滑性和质量的材料,与丹黄素的工作是真的碰不得,我们甚至无法设置的眼睛就可以了,这是一个艺术家的方式来删除模式的情感关系,我们对此表示赞赏的对象常附着,例如时间铜锈感人。但是,如果管的线性度和观看者的影响纳入到工作空间特定艺术最少,但它引出了一个问题,是否大气黄素的微妙的颜色的作品 - 足够接近罗斯科的画 - 是不是一个潜在的神秘主义的迹象,从这个角度来看,将生产该艺术家缘纯粹的“最小” 。

有古代艺术博物馆和当代埃皮纳勒工作的绿色空间,突出了视觉。

 

Una figura importante de Minimal Art , Dan Flavin se crió en los Estados Unidos, la religión católica y comienza la formación como seminarista , pero renunció al sacerdocio y después del servicio militar en Corea (1954-1955) , durante la que comenzó a estudiar arte a través de los cursos ofrecidos por la Universidad de Maryland, regresó a Nueva York y asistió brevemente a las clases en la Escuela de Bellas Artes de Hans Hofmann , antes de estudiar historia del Arte en la Nueva Escuela de Investigación Social ( 1956 ) y luego de dibujo y pintura en la Universidad de Columbia en Nueva York ( 1957-1959 ) .

Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo abstracto , pero en 1959 se comenzaron a hacer collages y ensamblajes . Su primera exposición individual en la Judson Gallery de Nueva York en 1961 presenta acuarelas y asambleas.

En el verano de 1961 , mientras trabajaba como guardia en el Museo de Historia Natural de Nueva York, Flavin produjo dibujos de esculturas que incorporan fuentes de luz. Su trabajo sobre la luz puede entenderse como una referencia al esplendor de la Iglesia Católica - velas , incienso, cantos, procesiones - que siempre han inspirado . Después de pinturas monocromas adornado con bombillas Iconos derecho , elaborados a partir de finales de 1961 , dirigió desde 1963 piezas basadas tubos de neón industriales e instalaciones sigue utilizando el mismo material , que es la firma característica de su vocabulario artístico . Explorando permiten variaciones en el número , color, tamaño y disposición de los tubos , que es desmaterializar el espacio con el fin de analizar la percepción. Este trabajo recibe una primera exposición individual titulada alguna luz en 1964 en la Galería Kaymar en Nueva York.

En 1967 , Flavin es profesor visitante de diseño en la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro. A partir de 1968 , empezó a hacer las instalaciones del tamaño de una habitación entera , el mismo año que adorna una galería de arte completa con tubos de luz negra en la Documenta de Kassel.

Entre 1964 y 1982 , Dan Flavin hizo su mayor proyecto : un homenaje al pintor , escultor y arquitecto ruso Vladimir Tatlin . Hizo una serie de piezas de neón, casi todo blanco , que recuerda esquemáticamente como el Monumento a la Tercera Internacional ( 1920 , permaneció en el proyecto ) . Con sus luces de neón que sugieren siluetas fugaces, Dan Flavin celebrando arquitectura de vanguardia , haciendo hincapié en su carácter conceptual, imposible, incluso fantasmal.

Las obras de Dan Flavin , a veces, en comparación con las pinturas de Rothko se han exhibido en destino privilegiado para el arte contemporáneo , como el Museo Guggenheim de Nueva York ( 1971 y 1992 , la segunda instalación se ha realizado con motivo de la reapertura Museo después de la renovación ), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ( 1969 ) , la Galería Nacional de Canadá , Ottawa ( 1969 ) y la Staatliche Kunsthalle Baden -Baden ( 1989 ) . En 1983 , Dan Flavin Art Institute abrió sus puertas en Bridgehampton (Nueva York) , exposición permanente diseñada por el artista en una estación de bomberos reformada abierta al público todos los veranos.

También presentó su trabajo en los lugares más inusuales , para la que diseñó instalaciones como la estación central de Nueva York , que se ilumina el silencio ( 1977 ) o la iglesia de Santa Maria Annunciata en Chiesa Rossa en Milán ( completado en 1997 después de la muerte del artista de desarrollo basado en los dibujos que había dejado ) .

Estaba muy enamorado de su arte. Una obra de Dan Flavin se define inicialmente por la disposición de los tubos de luz fluorescentes entonces esta es la extensión de la luz que determinó su estructura , grosor, volumen y, en este sentido, el tamaño de la obra es establecido por la arquitectura ( pared, techo y suelo) que delimita . Como Donald Judd dijo Flavin creado " estados visuales especiales" percepciones singulares que aportan en la fragilidad de la luz , el color , la estructura y el espacio.

Al invadir el espacio , la luz se Flavin ya menudo desmaterializados . La luz del baño era de hecho la propiedad de la abolición de las fronteras entre el entorno y rodeados de que ya no son uno y el trabajo se convierte así en una "situación " , un lugar de la experiencia perceptiva relacionada con los viajes del espectador . Con sus obras, Flavin cumple perfectamente la misión del arte minimalista como se define en los objetos específicos Judd : para asegurarse de que el objeto se confunde con el espacio real tridimensional. A través del uso de la luz, Dan Flavin irradia el espacio como contaminado por la belleza y la espiritualidad de la obra. El contexto se convierte en contenido .

El tubo de luz utilizado por Flavin tiene una función que es completamente opuesto al objeto tangible del arte tradicional , ya que es de él que se propaga la energía de la luz que se disolverá sus propias limitaciones. Las obras de arte no inspiran mínimo contacto físico , no es posible a un accidente cerebrovascular su estructura o zona que se puede hacer con una escultura de Brancusi a sentir la suavidad y la calidad del material , con Dan obra de Flavin es realmente intocable, ni siquiera podíamos poner los ojos en él, es una forma de que el artista para quitar un modo de relación emocional con frecuencia unido a objetos que apreciamos , por ejemplo, la pátina del tiempo tocar . Sin embargo, si la linealidad de los tubos y los efectos de la inclusión del espectador en el espacio de la obra son específicos de arte minimalista , pero se plantea la cuestión de si la atmósfera de color sutilmente obras de Flavin - lo suficientemente cerca de la pintura de Rothko - no es un signo de misticismo latente , desde este punto de vista , este margen sería artista de la producción puramente "minimal " .

Allí se encuentra el Museo de Arte Antiguo y Contemporáneo Epinal una obra The Green Room que pone de relieve el sentido de la vista.

 

Un importante figura di Minimal Art , Dan Flavin è cresciuto negli Stati Uniti , la religione cattolica e inizia la formazione come un seminarista , ma abbandonò il sacerdozio , e dopo il servizio militare in Corea (1954-1955) , durante che ha iniziato a studiare arte attraverso i corsi offerti dall'Università del Maryland , tornò a New York e brevemente frequentato corsi presso l' Hofmann Scuola di Belle Arti di Hans prima di studiare storia dell'arte presso l' New School for Social Research ( 1956) e poi pittura e disegno presso la Columbia University di New York ( 1957-1959 ) .

I suoi primi dipinti mostrano l'influenza dell'espressionismo astratto , ma nel 1959 , ha cominciato a fare collage e assemblaggi . La sua prima mostra personale presso la Judson Gallery di New York nel 1961, presenta acquerelli e assiemi.

Nell'estate del 1961 , mentre lavorava come guardia presso il Museo di Storia Naturale di New York , Flavin ha prodotto disegni di sculture che incorporano sorgenti luminose . Il suo lavoro sulla luce può essere letto come un riferimento per lo splendore della Chiesa Cattolica - candele , incenso , canti , processioni - che hanno sempre ispirato . Dopo dipinti monocromi decorati con lampadine icone dal titolo , realizzati a partire dalla fine del 1961 , ha diretto dal 1963 in parti basate tubi al neon industriali e strutture ancora utilizzando lo stesso materiale , che è la firma caratteristica del suo vocabolario artistico . Esplorare le variazioni consentono il numero , il colore , le dimensioni e la disposizione dei tubi , è a smaterializzare lo spazio per analizzare la percezione . Questo lavoro riceve una prima mostra personale dal titolo qualche luce nel 1964 presso la Galleria Kaymar di New York.

Nel 1967 , Flavin è un professore di disegno presso la University of North Carolina a Greensboro . Dal 1968 , ha iniziato il tè delle dimensioni di una stanza intera , lo stesso anno decora un'intera galleria d'arte con tubi luminosi neri a Documenta di Kassel .

Tra il 1964 e il 1982 , Dan Flavin ha fatto il suo più grande progetto : un omaggio al pittore , scultore e architetto russo Vladimir Tatlin . Ha fatto una serie di pezzi al neon, per lo più tutti bianchi , che ricordano schematicamente come il Monumento alla Terza Internazionale (1920 , rimasto nel progetto ) . Con le sue luci al neon che suggeriscono sagome sfuggenti , Dan Flavin celebrano architettura progressiva , pur sottolineando la sua concettuale, impossibile , carattere addirittura spettrale .

Le opere di Dan Flavin , a volte rispetto a Rothko dipinti sono stati esposti in destinazione privilegiata per l'arte contemporanea come il Guggenheim Museum di New York ( 1971 e 1992, la seconda installazione è stata effettuata in occasione della riapertura Museo dopo la ristrutturazione ) , il Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969) , la National Gallery of Canada , Ottawa ( 1969) e alla Staatliche Kunsthalle di Baden-Baden ( 1989) . Nel 1983 , Dan Flavin Istituto d'Arte è stato inaugurato a Bridgehampton ( New York ) , mostra permanente progettata dall'artista in una caserma dei pompieri ristrutturato aperta al pubblico ogni estate .

Egli ha anche presentato il suo lavoro in luoghi più insoliti , per la quale ha disegnato servizi come la stazione centrale di New York , che egli illumina il porto ( 1977) o la chiesa di Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa a Milano ( completata nel 1997 , dopo la morte dello sviluppo dell'artista su disegni che aveva lasciato ) .

Era molto innamorato della sua arte . Un lavoro di Dan Flavin è definita inizialmente dalla disposizione dei tubi luminescenti allora questo è l'estensione luce che determina la sua struttura , spessore , volume e in questo senso la dimensione del lavoro è fissato dalla architettura ( parete, soffitto , pavimento) che delimita . Come ha detto Donald Judd, Flavin creato " stati visivi speciali" percezioni singolari che portano nella fragilità della luce, il colore , la struttura e spazio .

Invadendo lo spazio , la luce diventa Flavin e spesso smaterializzato . La luce del bagno era in effetti di proprietà di abolire i confini tra il circostante e circondato che non sono più uno e il lavoro diventa così una "situazione " , un luogo di esperienza percettiva relativa a viaggiare di chi guarda . Con le sue opere , Flavin compie perfettamente la missione della Minimal Art , come definito negli oggetti specifici Judd : al fine di garantire che l'oggetto è confuso con lo spazio reale tridimensionale . Attraverso l'uso di luce , Dan Flavin irradia lo spazio come contaminato dalla bellezza e la spiritualità del lavoro . Il contesto diventa contenuto .

Il tubo di luce usati dalle Flavin ha una funzione che è completamente opposta alla oggetto tangibile di arte tradizionale in quanto è da lui che si diffonde l' energia della luce che si dissolvono i propri limiti . Le opere d'arte non ispirano minimo contatto fisico , non è possibile ictus loro struttura o area come si può fare con una scultura di Brancusi a sentire la morbidezza e la qualità del materiale , con Dan il lavoro di Flavin è davvero intoccabile , non abbiamo potuto anche messo gli occhi su di esso, è un modo per l'artista di rimuovere una modalità di rapporto emozionale spesso attaccati agli oggetti che apprezziamo , per esempio la patina del tempo toccante . Tuttavia, se la linearità dei tubi e gli effetti di inclusione dello spettatore nello spazio del lavoro sono specifici per la minimal art , ma si pone la questione se l' atmosfera opere sottilmente colorate di Flavin - abbastanza vicino al dipinto di Rothko - non è un segno di latente misticismo , da questo punto di vista , sarebbe questo margine artista di produzione prettamente "minimal " .

C'è il Museo di Arte Antica e Contemporanea Epinal un lavoro La camera verde che mette in evidenza il senso della vista .

 

ミニマルアートの主要人物、ダン·フラビンは、米国ではカトリックの宗教を育ち、神学生として訓練を開始したが、彼は聖職をあきらめ、韓国で兵役の後( 1954年から1955年) 、中その彼は、メリーランド大学が提供するコースを通して美術を勉強し始めたニューヨークに戻り、短時間で美術史を勉強する前に、美術のハンス·ホフマンの学校でクラスに出席新しい社会研究のための学校(1956 ) 、その後、ニューヨークのコロンビア大学( 1957年から1959年)で絵画とドローイング。

彼の初期の絵画は、抽象表現主義の影響を示すが、 1959年に、彼はコラージュと群集を作り始めた。 1961年にニューヨークのジャドソン画廊で初個展では、水彩画やアセンブリを示します。

ニューヨークの自然史博物館でガードとして働きながら1961年夏には、フラビンは、光源を組み込んだ彫刻の図面を作成した。キャンドル、お香、歌、行列 - - いつもインスパイアされている光の彼の仕事は、カトリック教会の素晴らしさへの参照として読み取ることができます。モノクローム絵画は1961年の終わりから作られた、アイコンと題する電球で飾られた後、彼は、署名である、 1963年の部分からも、同じ素材を使用したベースの工業用ネオン管と設備を監督彼の芸術的な語彙の特徴。探索にばらつきが管の数、色、大きさ及び配置を可能にする、それが知覚を分析するためのスペースを非物質化することである。この作品は、ニューヨークのKaymarギャラリーで1964年にいくつかの光をと題する初の個展を受け取ります。

1967年、フラビンはノースカロライナ大学グリーンズボロ校でデザインの客員教授である。 1968年から、彼は、施設全体の部屋の大きさ、同じ年、彼はカッセルのドクメンタでブラックライト管を全体のアートギャラリーを飾る作り始めた。

画家、彫刻家とロシアの建築家ウラジミールタトリンへのオマージュ: 1964年と1982年の間に、ダン·フラビンは、彼の最大のプロジェクトを作った。彼は第三インターナショナルのモニュメント( 1920年、ドラフトに残った)に模式的彷彿ほとんどネオン片、すべての白のシリーズを作りました。その概念、不可能でも、幽霊のキャラクターを強調しつつ、進歩的なアーキテクチャを祝ってつかの間のシルエット、ダン·フラビンを示唆している、そのネオンが点灯しています

ときどきロスコの絵画に比べダンフラビンの作品はそのような、ニューヨークのグッゲンハイム美術館(1971年と1992年のように現代美術のための主目的地に展示された、第二のインストールが再開の際に行われているリフォーム後の博物館) 、現代美術館、シカゴ(1969) 、カナダナショナルギャラリー、オタワ(1969 )と州立美術館美術館バーデンバーデン(1989)の博物館があります。 1983年、ダン·フラビンアート研究所がブリッジハンプトン(ニューヨーク州) 、毎年夏に公開されて改装消防署でアーティストによって設計常設展示にオープンしました。

彼はまた、彼がフロント(1977)やミラノのキエーザロッサのサンタマリアAnnunciataの教会(点灯しているニューヨークのような中央駅などの施設を設計しているため、より多くの珍しい場所で彼の作品を発表彼が去った図面)に基づいてアーティスト育成の死後、1997年に完成した。

それは、彼の芸術と恋に非常にあった。ダンフラビンの作業は蛍光灯管の処分によって最初に定義され、これはその構造を決定された光延長、厚さ、体積であり、この意味での作業のサイズは区切るアーキテクチャ(壁、天井、床)によって設定された。ドナルド·ジャッドは、 "特別なビジュアル状態"光、色、構造、スペースの脆弱性をもたらす特異な認識を作成フラビン言ったように。

スペースに侵入することで、光がフラビンなり、頻繁に無形化。バスルームライトは確かにもはや一つであり、仕事はこうして"状況" 、見る人の旅行に関連する知覚経験の場となって周囲と囲ま間の境界を廃止の財産だった。彼の作品では、フラビンは完全ジャッド特定のオブジェクトで定義されたミニマルアートの使命を果たす:オブジェクトが3次元実空間と混同されることを保証する。作品の美しさと精神性によって汚染されたような光を使用することにより、ダン·フラビンスペースを放射する。コンテキストは、コンテンツになります。

フラビンによって使用される光管はそれ自身の限界を溶解し、光エネルギーを拡散している彼からであるように、完全に伝統的な芸術の有体物に反対している機能を持っています。芸術作品は、最小限の物理的な接触を鼓舞しないでくださいダンと、素材の滑らかさと品質を感じブランクーシの彫刻で行うことができますように、それは彼らの構造や面積ストロークすることはできませんフラビンの作品は本当にアンタッチャブルですが、我々もそれに目を設定できませんでした、それは、例えば、時間の緑青しばしば我々は感謝するオブジェクトに添付感情関係のモードを削除するクリエイター方法だ触れる。仕事の空間にチューブやビューアのインクルージョンの影響のリニアリティがミニマルアートに固有のものですが、しかし、それはフラビンの雰囲気かどうか微妙に着色された作品の質問を頼む - ロスコ画に十分近い - このような観点から、潜在的な神秘主義の兆候ではない、生産のこのアーティストマージンは純粋に"最低限の"と思います。

古代美術と現代エピナル作業光景の感覚を強調するグリーンルームの博物館があります。

 

Główną postacią Minimal Art , Dan Flavin dorastał w Stanach Zjednoczonych, w religii katolickiej i rozpoczyna szkolenie jako kleryk , ale zrezygnował z kapłaństwa , a po służbie wojskowej w Korei (1954-1955) , w czasie który zaczął studiować sztukę poprzez kursów w University of Maryland , powrócił do Nowego Jorku i krótko uczęszczał na zajęcia w Szkole Hofmann Hans Sztuk Pięknych przed studiuje historię sztuki na New School for Social Research (1956 ), a następnie malarstwo i rysunek na Uniwersytecie Columbia w Nowym Jorku ( 1957/59 ) .

Wczesne obrazy pokazują wpływ ekspresjonizmu abstrakcyjnego , ale w 1959 roku zaczął tworzyć kolaże i zespołów . Jego pierwsza indywidualna wystawa w Judson Gallery w Nowym Jorku w 1961 roku prezentuje akwarele i zespołów .

W lecie 1961 roku , pracując jako strażnik w Muzeum Historii Naturalnej w Nowym Jorku , Flavin produkowane rysunki rzeźb zawierających źródła światła . Jego praca na świetle można odczytać jako odniesienie do świetności Kościoła Katolickiego - świece , kadzidła, śpiew , procesje - które zawsze inspirowane . Po monochromatycznych obrazach ozdobione żarówek Icons uprawnione , dokonanych od końca 1961 roku wyreżyserował z 1963 części w oparciu neonowe rury przemysłowe i obiekty nadal używa tego samego materiału , który jestpodpis charakterystyczne dla jego artystycznego słownika. Odkrywając umożliwićzmiany numer , kolor, rozmiar i układ rur , to do dematerializacji przestrzeń w celu analizy postrzegania . Ta praca otrzyma pierwszą wystawę indywidualną pt trochę światła w 1964 roku w Galerii Kaymar w Nowym Jorku.

W 1967 roku , Flavin jestwizytującym profesorem projektowania na Uniwersytecie Północnej Karoliny w Greensboro. Od 1968 roku zaczął herbatywielkość całego pokoju , tego samego roku zdobi całą galerię sztuki z czarnymi lekkich rurek na Documenta w Kassel .

W latach 1964 i 1982 , Dan Flavin ruszył największy projekt :hołd dla malarza, rzeźbiarza i architekta Rosyjskiej Władimira Tatlinem . Zrobił serię neonowych sztuk, głównie wszystkie białe, przypominające schematycznie jako Pomnika III Międzynarodówki ( 1920 , pozostał w projekcie ) . Dzięki neonów , które sugerują, ulotne sylwetki , Dan Flavin obchodzi stopniowej architektury , podkreślając jej koncepcyjne, niemożliwe, nawet upiorny charakter.

Prace Dan Flavin , czasem w porównaniu do obrazów Rothko wystawiane były w doskonałej miejsce dla sztuki współczesnej , takich jak Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku ( 1971 i 1992 ,druga instalacja została przeprowadzona z okazji ponownego otwarcia Muzeum po remoncie ) ,Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969 ) , National Gallery of Canada, Ottawa ( 1969 ) i Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (1989). W 1983 roku , Dan Flavin Art Institute został otwarty w Bridgehampton ( New York) , Wystawa stała zaprojektowany przez artystę w odnowionej remizie otwarte dla publiczności każdego lata .

On również przedstawił swoją pracę w bardziej nietypowych miejscach , na które zaprojektowane udogodnienia, takie jak Central Station w Nowym Jorku, który oświetla nabrzeżach ( 1977 ) lub do kościoła Santa Maria Annunciata w Chiesa Rossa w Mediolanie ( zakończona w 1997 roku po śmierci rozwoju artysty na podstawie rysunków miał po lewej) .

To był bardzo zakochany w swojej dziedzinie. Praca Dan Flavin definiuje początkowo do dyspozycji lampy fluorescencyjne , to jestświatło , które określa jego rozszerzenie struktury , grubości, wielkości i w tym sensie,rozmiar pracy jest ustawiony przez architekturę ( , ściany sufit , podłoga) , które ograniczającego . Jak Donald Judd powiedział Flavin stworzył "specjalne wizualne stany " w liczbie pojedynczej percepcji , które wprowadzają w kruchości światła , koloru, struktury i przestrzeni.

By okupują przestrzeń ,światło włącza Flavin i często zdematerializowane . Światło w łazience była rzeczywiściewłasnością zniesienie granic międzyokolicy , w otoczeniu , które nie są już jedną ipraca staje się"sytuacja",miejsce związane percepcyjnego doświadczenia podróżować od patrzącego . Z jego prac , Flavin doskonale spełnia misję Minimal Art , określony w Judd obiektów szczególnych: w celu zapewnienia , żeobiekt jest mylony z trójwymiarowej przestrzeni realnej . Poprzez wykorzystanie światła , Dan Flavin promieniuje przestrzeń jako skażone piękna i duchowości pracy . Kontekst staje się treść .

Light tube wykorzystywane przez Flavin posiada funkcję, która jest całkowicie przeciwieństwie do materialnego przedmiotu sztuki tradycyjnej , jak to jest z nim , który rozprzestrzenia energię świetlną , która rozpuści swoje ograniczenia . Dzieła sztuki nie inspirować minimalny kontakt fizyczny , to nie jest możliwe, by pogłaskać ich struktury lub obszaru , jak można zrobić z rzeźbą Brancusi poczuć gładkość i jakość materiału , z Danem praca jest naprawdę flawino nietykalny , nie mogliśmy nawet go na oczy , tosposób dla artysty , aby usunąć tryb emocjonalnej relacji często dołączone do obiektów które cenią sobie np.patyna czasu dotykając . Jeśli jednakliniowość rur i skutków włączenia widza w przestrzeń pracy są charakterystyczne dla minimal artu , ale nasuwa się pytanie, czyatmosfera subtelnie kolorowymi dziełami Flavin - wystarczająco blisko do malarstwa Rothko - nieznakiem mistycyzmu utajonego jest , z tego punktu widzenia , by ten margines artysta produkcji czysto " minimal" .

JestMuzeum Sztuki Starożytnej i Współczesnej ÉpinalpracyGreen Room , która podkreśla zmysł wzroku .

 

A grande figura da arte minimal , Dan Flavin cresceu nos Estados Unidos , a religião católica e começa a treinar como seminarista , mas ele desistiu do sacerdócio, e após o serviço militar na Coréia (1954-1955) , durante que ele começou a estudar arte através de cursos oferecidos pela Universidade de Maryland, retornou a Nova York e participou brevemente Hofmann aulas na Escola de Belas Artes Hans antes de estudar história da arte na New School for Social Research (1956) e , em seguida, pintura e desenho na Universidade de Columbia , em Nova York ( 1957-1959 ) .

Suas primeiras pinturas mostram a influência do expressionismo abstrato , mas em 1959, ele começou a fazer colagens e assemblages . Sua primeira exposição individual na galeria de Judson , em Nova York , em 1961, apresenta aquarelas e montagens.

No verão de 1961 , enquanto trabalhava como guarda no Museu de História Natural, em Nova York, Flavin produziu desenhos de esculturas incorporando fontes de luz. Seu trabalho sobre a luz pode ser lido como uma referência para o esplendor da Igreja Católica - velas , incenso, cânticos, procissões - que sempre inspiraram . Depois de pinturas monocromáticas enfeitadas com lâmpadas direito ícones, feitas a partir do final de 1961 , dirigiu a partir de 1963 peças com base tubos de néon e instalações industriais ainda usando o mesmo material, que é a assinatura característica de seu vocabulário artístico . Explorando permitir variações no número , a cor , tamanho e disposição dos tubos , é para dematerialize o espaço , a fim de analisar a percepção . Este trabalho recebe primeira exposição individual intitulada alguma luz em 1964 na Galeria Kaymar em Nova York.

Em 1967, Flavin é professor visitante do design na Universidade da Carolina do Norte em Greensboro. Desde 1968 , ele começou a fazer instalações do tamanho de uma sala inteira , o mesmo ano em que ele decora toda uma galeria de arte com tubos de luz negra na Documenta de Kassel.

Entre 1964 e 1982 , Dan Flavin fez o seu maior projeto : a homenagem ao pintor, escultor e arquiteto russo Vladimir Tatlin . Ele fez uma série de peças de neon, principalmente todos brancos, que lembram esquematicamente como o Monumento à Terceira Internacional (1920 , manteve-se no projecto ) . Com suas luzes de néon que sugerem silhuetas fugazes , Dan Flavin celebrando arquitetura progressiva , sublinhando a sua impossibilidade de caráter conceitual , mesmo fantasmagórica.

As obras de Dan Flavin , por vezes, em comparação com pinturas de Rothko foram expostas em excelente destino para a arte contemporânea , como o Museu Guggenheim , em Nova York (1971 e 1992 , a segunda instalação foi realizada por ocasião da reabertura Museu depois de uma renovação ), o Museu de Arte Contemporânea de Chicago (1969) , a National Gallery of Canada , Ottawa (1969) e da Staatliche Kunsthalle Baden- Baden (1989). Em 1983, Dan Flavin Instituto de Artes foi inaugurado em Bridgehampton (New York) , exposição permanente projetado pelo artista em um quartel remodelado aberto ao público a cada verão.

Ele também apresentou o seu trabalho em lugares mais inusitados , para o qual ele projetou equipamentos, tais como Estação Central de Nova York, que ele ilumina o Waterfront (1977) ou a igreja de Santa Maria Anunciata em Chiesa Rossa , em Milão ( concluída em 1997, após a morte do artista desenvolvimento com base em desenhos que ele tinha à esquerda).

Ele era muito apaixonado por sua arte. Uma obra de Dan Flavin é definido inicialmente pela eliminação dos tubos de luz fluorescente , então este é a extensão de luz que determina a sua estrutura , espessura, volume e , nesse sentido, o tamanho do trabalho é definido pela arquitetura ( paredes , teto, piso ), que delimita . Como Donald Judd disse Flavin criado " estados visuais especiais" percepções singulares que trazem a fragilidade da luz, cor, estrutura e espaço.

Ao invadir o espaço , a luz fica Flavin e muitas vezes desmaterializado . A luz do banheiro era de fato a propriedade de abolir as fronteiras entre o ambiente e cercado que não são mais um eo trabalho torna-se assim uma "situação" , um lugar de experiência perceptiva relacionada a viajar de quem vê . Com suas obras , Flavin cumpre perfeitamente a missão da arte minimal , tal como definido nos objetos específicos Judd : para garantir que o objeto se confunde com o espaço real, tridimensional. Através do uso da luz, Dan Flavin irradia espaço como contaminada pela beleza e espiritualidade do trabalho. O contexto torna-se conteúdo.

O tubo de luz usado por Flavin tem uma função que é completamente oposto ao objeto tangível da arte tradicional , pois é a partir dele que se espalha a energia da luz que irá dissolver suas próprias limitações. As obras de arte não inspira o contacto físico mínimo , não é possível que a estrutura ou AVC área que pode ser feito com uma escultura de Brancusi para sentir a suavidade e a qualidade do material, com Dan o trabalho de Flavin é realmente intocável, não podíamos sequer posto os olhos sobre ele , é um caminho para o artista para remover um modo de relacionamento emocional, muitas vezes ligada a objetos que agradecemos , por exemplo, a pátina do tempo comovente. No entanto, se a linearidade dos tubos e os efeitos da inclusão do espectador no espaço do trabalho são específicos para a arte minimal , mas levanta a questão de saber se a atmosfera obras sutilmente coloridos de Flavin - perto o suficiente para a pintura de Rothko - não é um sinal de misticismo latente , a partir deste ponto de vista, seria essa margem artista de produção puramente "mínimo" .

Há o Museu de Arte Antiga e Contemporânea Epinal uma obra The Green Room , que destaca o sentido da visão .

 

Главной фигурой минимальной искусств , Дэн Флавина вырос в Соединенных Штатах, католическая религия и начинается обучение как семинарист , но он отказался от священства , а после службы в армии в Корее (1954-1955) , в течение которые он начал изучать искусство через курсов университета штата Мэриленд , вернулся в Нью-Йорк и кратко посещал занятия в школе Ханс Хофманн изящных искусств, прежде чем изучать историю искусства в Новой школе социальных исследований ( 1956 ), а затем живописи и рисунка в Колумбийском университете в Нью-Йорке ( 1957-1959 ) .

Его ранние картины показывают влияние абстрактного экспрессионизма , но в 1959 году, он начал делать коллажи и комплексов . Его первая персональная выставка в галерее Джадсон в Нью-Йорке в 1961 году представлены акварели и агрегатов.

Летом 1961 года, во время работы в качестве охранника в Музее естественной истории в Нью-Йорке, Флавина создавал рисунки скульптур включения источников света. Его работа на свете можно читать как ссылки на великолепие католическая церковь - свечи , благовония , пение, шествия - которые всегда вдохновляли . После монохромные картины украшены лампочками право Иконы, сделанные с конца 1961 года, он руководил с 1963 частей на основе промышленного неоновых трубок и сооружения все еще использует тот же материал , который является подпись характерные для его художественного словаря. Изучение вариаций позволяютчисла , цвета, размера и расположения труб , это дематериализоваться пространство для того, чтобы проанализировать восприятие. Эта работа получает первую персональную выставку право некоторый свет в 1964 году в галерее Kaymar в Нью-Йорке .

В 1967 году флавинприглашенный профессор дизайна в Университете Северной Каролины в Гринсборо . С 1968 года он начал делать объекты размеромвсего помещения , в том же году он украшает целую художественную галерею с черной световых трубок в Документе в Касселе .

Между 1964 и 1982 , Дэн Флавина сделали его самым большим проектом : дань художник, скульптор и русского архитектора Владимира Татлина . Он сделал ряд неоновых частей , в основном все белое, напоминающие схематично в виде памятника Третьему Интернационалу (1920 , осталась в проекте ) . С его неоновыми огнями , которые предполагают, мимолетные силуэты , Дэн Флавина празднования прогрессивной архитектурой , подчеркивая при этом ее концептуальных , невозможно, даже призрачным характером.

Произведения Дэна Флавина , иногда сравнивают с картинами Ротко были выставлены в основных направлений для современного искусства, таких , как музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (1971 и 1992 годов , вторая установка была проведена по случаюоткрытия музей после реконструкции ), Музей современного искусства , Чикаго (1969) , На

Materials: oil on canvas. Dimensions: 134 x 236 cm. Nr.: Gal.-Nr. 612. Source: www.oceansbridge.com/paintings/museums/new-hermitage/Bell.... P.S. I have changed the light, colors and contrast of the original photo.

Tate Modern is a modern art gallery located in London. It is Britain's national gallery of international modern art and forms part of the Tate group It is based in the former Bankside Power Station, in the Bankside area of the London Borough of Southwark. Tate holds the national collection of British art from 1900 to the present .

 

Tate Modern is een moderne kunstgalerie in Londen. Het is de nationale galerij van internationale moderne kunst van Groot-Brittannië en maakt deel uit van de Tate-groep. Het is gevestigd in het voormalige Bankside Power Station, in het Bankside-gebied van de Londense wijk Southwark. Tate bezit de nationale verzameling Britse kunst vanaf 1900 tot heden.

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