new icn messageflickr-free-ic3d pan white
View allAll Photos Tagged Artes visuales y diseño

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116179

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116198

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116182

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116196

Espacio Infinit - Thames y Honduras

Concepto, diseño y realizacion: Martin Diez

www.martindiez.com.ar

Iluminacion y visuales: Martin Corujo

www.martincorujo.blogspot.com

Produccion: puravida

Horario: 11 am / 2 am de Lunes a Lunes

www.prensadiez.blogspot.com

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116177

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116185b

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116197

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116178

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116175

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116176

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116188

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116186

Uno de los motivos que tuvo este viajero para viajar a San Sebastián, precisamente en esas fechas, fue el de coincidir algunos días con el Festival Internacional de Cine (Donostia Zinealdia) que celebraba su 58ª edición, y que ya conocía por ediciones anteriores desde hace ya muchos años… La ciudad se viste de gala y se entrega a la vorágine de ver películas y de esperar pacientemente a los famosos del mundo del cine para verles y aplaudirles. Los comercios, los restaurantes, los hoteles… todo se vuelca con el Festival que genera mucha actividad económica para la ciudad por la gran a cantidad de visitantes a los que recibe.

 

Pues bien, el viernes 17 de Septiembre era la fecha de inauguración y ese día desde muy temprano había un “hormigueo” especial en torno al triángulo “Hotel María Cristina – Teatro Victoria Eugenia – Palacio del Kursaal”. El Hotel es el centro de las miradas pues toda la gente famosa se aloja allí. El Teatro, rehabilitado no hace demasiados años, acoge las oficinas del Festival y acogía las grandes galas del Festival hasta que… se inauguró el nuevo Kursaal y… aquí queríamos llegar. Este singular edificio es desde que se inauguró en 1999 la sede principal de las proyecciones “de gala”.

 

Este viajero, de profesión ingeniero civil, nunca ha ocultado su afición y su gusto por la arquitectura y ha alojado en su galería muchas imágenes de arquitectura. Y puestos a hablar de arquitectura, este viajero se descubre ante la figura de Rafael Moneo, autor de esa maravilla arquitectónica que es el Kursaal de San Sebastián… otro de los iconos de la ciudad junto con el peine del viento de Eduardo Chillida y las barandillas y las farolas de la Concha…

 

Toca pues hablar un poco de Moneo, de su obra y del Kursaal, ya que las imágenes de esta entrega giran en gran parte en torno a este edificio. Para ello nos vamos a apoyar en la inestimable ayuda de Wikipedia.org.

 

Rafael Moneo, obtiene el título de arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, donde se graduó en 1961. Durante sus estudios colaboró en varios proyectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza (1956-1961). Trabajó a continuación durante los años 1961 y 1962 en el despacho de Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la ópera de Sídney.

En 1963 recibió una beca de dos años para estudiar en la Academia de España en Roma, estancia que tuvo gran influencia sobre su trabajo posterior. Volvió a España en 1965 y fue en primer lugar profesor adjunto en la Escuela de Arquitectura de Madrid (1966-1970). Luego vivió durante casi diez años en Barcelona, donde fue catedrático de Elementos de Composición en la Escuela de Arquitectura, hasta que en 1980 ganó la oposición a catedrático de composición en la Escuela de Arquitectura de Madrid, que abandonó tras unos años de ejercicio.

En 1973 Moneo había establecido su propio despacho en Madrid, compaginando desde entonces por un igual el diseño arquitectónico con la enseñanza. En ambas actividades denunció la tendencia moderna de crear edificios con criterios de corto plazo, y defendió el diseño de obras que puedan mantenerse actuales durante un largo tiempo, a modo de monumentos. En la línea de lo que ha sido llamado el racionalismo contextual, Moneo no sigue las corrientes de utilitarismo y expresionismo europeas, sino que refleja en sus obras una versión suavizada del estilo nórdico y de la tradición holandesa. A todo ello, Moneo suma su propia visión de la arquitectura histórica. Las obras de los años 60 son las que reflejan mejor estas ideas. En 1976 Moneo fue invitado a los Estados Unidos, donde trabajó en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York y dio clases en la Cooper Union School of Architecture (Nueva York). Durante los años siguientes impartió clases también en Princeton y Harvard y en el departamento de Arquitectura de la Escuela Politécnica Federal de Lausana (Suiza).

En 1985 fue nombrado decano del Departamento de Arquitectura de la Universidad Harvard, puesto que ocupó durante cinco años. Sigue conservando su cargo de Catedrático de Arquitectura en dicha escuela, habiendo obtenido recientemente la Sert Professorship un título honorario y a donde viaja regularmente. En 1992 Moneo recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno Español. En 1993 es nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Lovaina, (Bélgica). Recibió el Arnold W. Brunner Memorial Prize de Arquitectura, otorgado por la Academia Americana de las Artes y las Letras. Es Galardonado con el Premio Príncipe de Viana del Gobierno de Navarra. Recibe en Estocolmo el Premio Schock de Artes visuales, premio concedido por la Fundación Schock y la Real Academia de las Artes. En 1994 recibe un Laura ad Honorem de la Escuela de Arquitectura de Venecia. En 1996 es galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura y la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia y la Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos.

En 1997 es nombrado Académico Numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y recibe el título de Doctor Honorario de Tecnología del Real Instituto de Tecnología de Estocolmo. En 1998 recibe el Premio Feltrinelli de le Academia Nazionale dei Lincei, en Roma. Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, de la Academia de San Lucas de Roma y de la Real Academia Sueca de las Bellas Artes. Es Miembro Honorífico del Instituto Americano de Arquitectos y del Real Instituto de Arquitectos Británicos. Moneo dice buscar con su arquitectura la durabilidad y el diálogo con la evolución histórica. Según Moneo al arquitecto le corresponde encontrar en cada época los elementos y modelos que la transforman para adaptarla a las necesidades de las épocas que transcurren. Moneo sigue siendo considerado por numerosas personas uno de los grandes arquitectos españoles contemporáneos. En 2001 gana el Premio Mies van der Rohe.

 

Estamos ante una figura detalla mundial en el mundo de la arquitectura, que ha recibido los premios y los honores más importantes y que ha dejado huellas indelebles con sus obras. Por mencionar algunas que este viajero conoce y que ha tenido el privilegio de poder ver citaríamos el Museo Thyssen-Bornemisza, la ampliación del Museo del Prado, la Estación de Atocha, la ampliación de la sede de Bankinter del Paseo de la Castellana, la Maternidad de O’Donnell, todas ellas en Madrid; el deslumbrante Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, el singular Museo de Arte Moderno de Estocolmo, el Ayuntamiento de Murcia, el Auditori de Barcelona, las Bodegas Julián Chivite en Estella, el Postdamer Platz Hotel y el Grand Hyatt Hotel ambos en Berlín… por citar de memoria y sin orden cronológico solamente algunas de sus obras que he podido ver con mis propios ojos.

 

Y el Palacio de Congresos y Auditorio del Kursaal en San Sebastián… que para quien esto firma es una obra sobria, minimalista y… SOBERBIA.

 

Descrito por Moneo como un elemento mediador entre lo natural y lo abstracto, en la línea del pensamiento de Oteiza, el Kursaal despertó el interés de la crítica por el giro que suponía en su trabajo. Una obra conflictiva que supuso numerosas críticas al arquitecto (un error provocó el derrumbamiento durante la obra de la gran escalera del edificio principal (afortunadamente sin víctimas)). Se ha convertido, una vez finalizada, en un icono de la ciudad.

 

El término Kursaal proviene de las palabras alemanas Kur (“cura”) y Saal (“sala, salón”) y significa por tanto etimológicamente “Sala de curas”.

 

Un Kursaal o Kurhaus era un elemento arquitectónico típico de los balnearios decimonónicos centroeuropeos. Por su función se trataba de un edificio multiusos. El edificio incluía generalmente un suntuoso hall de entrada, salón de baile, sala de teatros, salas de conciertos, salas de juegos y restaurantes. En los balnearios el Kursaal se convertía en el edificio más importante y representativo del mismo y en el centro de su vida social. El nombre Kursaal pasó a utilizarse para edificios con funciones similares en los lugares de veraneo de toda la costa europea, yendo usualmente unidos a los casinos de juegos. El nombre Kursaal se utilizó principalmente en Alemania, Bélgica y los Países Bajos; mientras que en Francia este tipo de edificios se denominaban Casino.

 

El Gran Kursaal Marítimo de San Sebastián o Gran Kursaal a secas fue un suntuoso palacio inaugurado en 1921, en la tradición de los kursaales o casinos europeos. El palacio se situó frente a la playa de Gros y junto a la desembocadura del río Urumea) en terrenos ganados al mar. Los promotores de la construcción tuvieron que construir entre otras obras un puente para unir el Kursaal con el centro de la ciudad. Este nuevo puente, oficialmente puente de la Zurriola, pero conocido popularmente como puente del Kursaal se convirtió en una de las estampas más típicas de la ciudad por sus farolas con cuerpo esférico y una enorme linterna superior con la misma forma.

 

El Gran Kursaal incorporaba un casino de juego, un restaurante, salas de cine y diversas salas complementarias, así como un teatro con capacidad para 859 espectadores. El edificio sufrió numerosas vicisitudes durante sus 50 años de historia, especialmente debido a la prohibición del juego durante muchos años, por lo que se tuvo que dedicar a actividades menos lucrativas que las que se habían previsto inicialmente como el teatro, cine, etc.

 

Al ser un edificio de titularidad privada sus propietarios trataron de rentabilizar el privilegiado solar donde se ubicaba y en la década de los años 60 se iniciaron proyectos para derribar el edificio y construir otro edificio dedicado a otros fines; a pesar de que para entonces el Gran Kursaal era ya uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad.

 

Se convocó un concurso público de proyectos y se aprobó un primer proyecto en 1965, pero debido a la dificultad de construcción del mismo, se optó por desecharlo. Un nuevo proyecto fue presentado en 1972 y entonces sí se llevó a cabo el cierre y derribo del edificio. Era el año 1973. Con el derribo del Gran Kursaal en 1973, quedó libre un solar que se dio en llamar Solar K. Resultó especialmente llamativa la ausencia de cualquier tipo de estructura arquitectónica o de adecuación de un espacio situado en un lugar tan privilegiado de la ciudad durante más de 20 años.

Tras la corrección de ciertos aspectos del proyecto de 1972 que no agradaron a los organismos municipales de San Sebastián, se comenzó la construcción del edificio en 1975. Sin embargo, las obras se paralizaron por un tiempo tras la construcción del muro perimetral y de la cimentación. Durante dicho intervalo de tiempo, el solar pasó de manos privadas (privado era también el Gran Kursaal) a manos públicas, con lo que se constituyó un consorcio integrado por distintas instituciones públicas comprometidas con la construcción de un nuevo edificio y la financiación del mismo.

 

Aparcado el proyecto de 1972, y centrado el Ayuntamiento de San Sebastián en la posibilidad de construir un gran auditorio en el Solar K, en 1989 se convocó una consulta técnica a la que se invitó a seis arquitectos de nivel internacional: Mario Botta, Norman Foster, Arata Isozaki, Rafael Moneo, Juan Navarro Baldeweg y Luis Peña Ganchegi. De los seis proyectos presentados se eligió el del arquitecto navarro Rafael Moneo (cuyo lema era "Dos Rocas Varadas") por "el acierto en la consideración del solar K como un accidente geográfico en la desembocadura del río Urumea, por la liberación de espacios públicos como plataformas abiertas al mar y especialmente por la rotundidad, valentía y originalidad de la propuesta" como explicó la resolución del jurado.

 

Tras redactar el proyecto entre 1991 y 1994, en 1995 se dio la aprobación definitiva para el inicio de las obras, que se iniciaron en 1996 y que no finalizarían hasta 1999. A lo largo de las obras se produjeron ciertos problemas de financiación, sobre todo ante la negativa del Gobierno Vasco (que se encargaría del 16% del coste de la obra) de ampliar los fondos destinados a su construcción. Tras solventar estos problemas, las obras (con el derrumbe fortuito de una escalera interior incluido) finalizaron en 1999.

 

El impacto inicial en el paisaje urbano de San Sebastián, caracterizado por su arquitectura clásica de estilo francés, resultó negativo para buena parte de los donostiarras: a la piedra arenisca típica de los edificios donostiarras y a sus formas clásicas y ornamentadas, se contraponía un edificio de líneas rectas y formas geométricas construido en cristal. La importancia del edificio, inaugurado el 23 de agosto de 1999 con un concierto de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y Ainhoa Arteta, quedó eclipsada, asimismo, por la construcción paralela del Museo Guggenheim de Bilbao, cuyo coste fue más de dos veces superior al del Kursaal. Sin embargo, tras un período de adaptación y gracias al muy positivo impacto del edificio sobre la economía, el turismo y la vida cultural de San Sebastián, hoy la gran mayoría de los donostiarras aprecia el edificio y respalda plenamente su construcción.

 

Está constituido, principalmente, de dos grandes volúmenes prismáticos que emergen de una plataforma. Cada "cubo", como popularmente se les llama, está formado por un prisma interior de obra de fábrica que configura interiormente una sala, encerradas a su vez por una doble pared formada por paneles translúcidos de vidrio prensado sujetos a una estructura metálica que abarca también los vestíbulos y pasillos. Entre estos dos cubos se forma una gran superficie o terraza transitable con vistas hacia el mar, tanto a la Playa de la Zurriola como a la desembocadura del Urumea. En esta terraza, a dos alturas diferentes (más alta frente al "cubo" pequeño), se organizan distintos conciertos del Festival de Jazz de San Sebastián así como otras actividades como una discoteca nocturna durante las fiestas de la Semana Grande donostiarra.

 

Rafael Moneo recibió el encargo inicial de diseñar un "auditorio", es decir, un recinto cuya función exclusiva fuera la de acoger conciertos sinfónicos o espectáculos similares. Para ello no era necesario sino una tramoya simplificada y reducidos hombros y chácena (partes laterales y trasera del escenario propiamente dicho). Tampoco era precisa la existencia de foso orquestal. Tras ganar el concurso, Rafael Moneo recibió la orden de transformar el "auditorio" en un "teatro con posibilidad de ofrecer ópera". Obviamente este concepto de sala es muy diferente al inicialmente previsto, pues en él, el foso orquestal, la tramoya, hombros y chácena tienen un papel fundamental. Estos requerimientos sufrieron en el proyecto definitivo las limitaciones propias de una reestructuración de la idea inicial, de forma que las posibilidades que posee la sala principal del Kursaal para ofrecer grandes montajes de opera son muy limitadas, aunque puede acoger representaciones de complejidad media. Tiene capacidad para 1800 espectadores. Está situado dentro del "cubo" grande, el más cercano al río, y es el empleado para grandes eventos. Para representaciones operísticas posee un foso, que se forma mediante descenso de la parte delantera del suelo del patio de butacas (que se puede transformar en corbata), así como un sistema de telones laterales que permiten modificar las características acústicas de la sala.

 

La Sala de Cámara tiene capacidad para 600 espectadores y está situado en el "cubo" pequeño. Posee una tramoya de altura limitada, no permitiendo la ocultación de decorados colgados de sus barras, por lo que no se pueden realizar grandes cambios de decoración. Posee un ascensor de pianos en el escenario.

 

Existen igualmente salas polivalentes empleadas para conciertos, reuniones, etc. de afluencia limitada; Salas de exposiciones empleadas para la celebración de exposiciones y la Sala Kubo que trata de una sala de exposiciones dependiente de la caja de ahorros Kutxa.

 

Si algún/a valiente ha sido capaz de llegar hasta aquí, baste resumirle que el conjunto de los dos “cubos” del Kursaal en ese “espacio escénico” de la playa y el puente de la Zurriola constituye algo único y muy merecedor de ser visitado y fotografiado ya que la naturaleza no nos ha dotado a los humanos de un “disco duro” que nos permita guardar en nuestra retina las imágenes que nos gustaría retener para siempre… Pero para eso está la fotografía y… esa suerte que tenemos los que la amamos y la practicamos…

 

Hemos seleccionado finalmente 26 imágenes para compartir de esta serie, séptima de las imágenes de la visita a San Sebastián/Donostia y al País Vasco y que hemos dividido en cuatro entregas (esta es la primera). Este álbum lo hemos titulado “20100917 – 8 DÍAS EN SAN SEBASTIÁN 07 / 8 DAYS IN SAN SEBASTIÁN 07 – COMIENZA EL FESTIVAL DE CINE… / THE FILM FESTIVAL BEGINS… - LA ZURRIOLA – EL KURSAAL & LA ARQUITECTURA SOBRIA, MINIMALISTA Y SOBERBIA DE RAFAEL MONEO / THE SOBER, MINIMALIST AND SUPERB RAFAEL MONEO’s ARCHITECTURE” y al que se puede acceder en:

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625473136163/

 

Otros álbumes de esta serie se pueden ver en:

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625445372423/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625437620249/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625527483230/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625261283357/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625369814968/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625361597440/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625355795000/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625215954369/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625206671557/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625286879222/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625155493165/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625134031651/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625114721295/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625008711267/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157624997264433/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157624982651385/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625100653872/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157625093611102/

 

www.flickr.com/photos/edusentch/sets/72157624961533813/

 

Las 10 primeras imágenes que se integran en la galería que se forma con esta carga (los visitantes no suelen pasar casi nunca de la tercera…) son las que este viajero ha considerado un poco más atractivas ó más definitorias ó representativas de esta primera entrega del séptimo reportaje de esos ocho días en San Sebastián y al que irán siguiendo más conforme vaya siendo posible. No hace falta decir que no es posible concentrar solamente en tres imágenes todo lo que puede llegar a gustar… A veces resulta complicada esa selección y, de hecho, suele serlo… En la modesta opinión de este viajero, esta página, por cómo está concebida, es mejor verla por álbumes que por la galería… pero solamente es una opinión muy personal.

 

Para terminar esta presentación de acompañamiento, añado la despedida de siempre, o sea que soy muy consciente de que estas fotos suelen ser poco visitadas y, mucho menos, comentadas (subo demasiadas, es cierto)... En cualquier caso, aquí están, para ser compartidas, y espero que les puedan gustar a quienes de detengan a verlas. Cuando menos, algunas de las imágenes creo que puede merecer la pena verlas

 

Tutorial 4 - Folding Cup Intersecting Patterns. (Neospica Neoliveart)

Preview www.youtube.com/watch?v=HyzgxPFKD-4

Part 1 www.youtube.com/watch?v=TRUb5m9wfnw

Part 2 www.youtube.com/watch?v=wJaaLcY1gDM

  

Capture screen to print the section of the crease pattern. I accept suggestions and comments to improve the videos.

I add at the end of the video part 2 section folding pattern for Tutorial 3 - Folding Ball With Pattern Miura

  

Capturar pantalla para imprimir la sección del patrón de pliegue. Acepto sugerencias y comentarios para mejorar los videos.

Agregue al final del video parte 2 una sección del patrón de pliegue para el Tutorial 3 - Folding Ball With Pattern Miura

  

www.youtube.com/user/NeoSpicaTutorial

www.youtube.com/user/NeoLiveArt

facebook.com/NeoLiveArt

www.flickr.com/photos/neoliveart/

 

Figure majeure de l'Art minimal, Dan Flavin grandit aux États-Unis, dans la religion catholique et commence par suivre une formation de séminariste, mais il renonce à la prêtrise et, après un service militaire en Corée (1954-1955), durant lequel il commence à étudier l'art grâce à des cours dispensés par l'Université du Maryland, revient à New York et suit brièvement les cours de la Hans Hofmann School of Fine Arts avant d'étudier l'histoire de l'art à la New School for Social Research (1956) puis la peinture et le dessin à l'Université Columbia de New York (1957-1959).

Ses premiers tableaux révèlent l'influence de l'Expressionnisme abstrait, mais dès 1959, il commence à réaliser des collages et des assemblages. Sa première exposition personnelle à la Judson Gallery de New York en 1961 présente des aquarelles et des assemblages.

À l'été 1961, alors qu'il travaille comme gardien au musée d'histoire naturelle de New York, Flavin réalise des dessins de sculptures incorporant des sources lumineuses. Son travail sur la lumière peut se lire comme une référence aux fastes de l'Église catholique – cierges, encens, chants, processions – qui l'ont toujours inspiré. Après des peintures monochromes ornées d'ampoules électriques intitulées Icônes, réalisées à partir de la fin de 1961, il réalise à partir de 1963 des pièces à base de tubes au néon industriels, puis des installations utilisant toujours ce même matériau, qui devient la signature caractéristique de son vocabulaire artistique. En explorant les variations que permettent le nombre, la couleur, les dimensions des tubes et leur disposition, il s'agit de dématérialiser l'espace afin d'en analyser la perception. Ce travail reçoit une première exposition personnelle intitulée Some Light en 1964 à la Kaymar Gallery de New York.

En 1967, Flavin est enseignant invité en design à l'Université de Caroline du Nord à Greensboro. À partir de 1968, il commence à réaliser des installations de la taille d'une pièce entière ; la même année, il décore toute une galerie d'art avec des tubes de lumière noire à la Documenta de Kassel.

Entre 1964 et 1982, Dan Flavin réalise son plus important projet : un hommage au peintre, sculpteur et architecte russe Vladimir Tatline. Il réalise une série de pièces en néons, pour la plupart entièrement blanches, qui évoquent schématiquement la forme du Monument à la Troisième internationale (1920, resté à l’état de projet). Avec ses néons qui suggèrent des silhouettes évanescentes, Dan Flavin célèbre cette architecture progressiste, tout en soulignant son caractère conceptuel, irréalisable, voire fantomatique.

Les œuvres de Dan Flavin, parfois comparées aux toiles de Rothko, ont été exposées dans des lieux incontournables de l'art contemporain comme le musée Guggenheim de New York (1971 et 1992, la seconde installation ayant été réalisée à l'occasion de la réouverture du musée après rénovation), le Museum of Contemporary Art de Chicago (1969), la National Gallery of Canada à Ottawa (1969) et le Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden (1989). En 1983, le Dan Flavin Art Institute a été inauguré à Bridgehampton (New York), exposition permanente conçue par l'artiste dans une caserne de pompiers réaménagée, ouverte au public chaque été.

Il a aussi présenté son travail dans des lieux plus insolites, pour lesquels il a conçu des installations, tels que la Gare centrale de New York dont il illumine les quais (1977) ou encore l'église Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa de Milan (aménagement achevé en 1997 après la mort de l'artiste sur la base des dessins qu'il avait laissés).

Il etait tres amoureux de son art. Une œuvre de Dan Flavin est définie dans un premier temps, par la disposition de tubes de lumière fluorescente puis c'est l'extension lumineuse qui a déterminé sa structure, son épaisseur, son volume ; en ce sens la dimension de l'œuvre est réglée par l'architecture (murs, plafond, sol) qui la délimite. Comme le dit Donald Judd, Flavin crée « des états visuels particuliers », des perceptions singulières qui rassemblent, dans la fragilité de la lumière, couleur, structure et espace.

En envahissant l'espace, la lumière de Flavin le transforme et le dématérialise souvent. Le bain lumineux a en effet pour propriété d'abolir les frontières entre l'environnant et l'environné qui ne font plus qu'un et l'œuvre devient ainsi une « situation », un lieu d'expériences perceptives liées aux déplacements du spectateur. Avec ses œuvres, Flavin accomplit parfaitement la mission de l’Art minimal telle que Judd la définit dans Specific objects : faire en sorte que l’objet se confonde avec les trois dimensions de l’espace réel. Grâce au recours à la lumière, Dan Flavin irradie l’espace, comme contaminé par la beauté et la spiritualité de l’œuvre. Le contexte devient son contenu.

Le tube de lumière utilisé par Flavin a une fonction qui s'oppose complètement à l'objet tangible des œuvres d'art traditionnelles puisque c'est de lui que se déploie l'énergie lumineuse qui va dissoudre ses propres limites. Les œuvres d'art minimal n'inspirent pas un contact physique, il n'est pas possible de caresser leur structure ou leur surface comme on peut le faire avec une sculpture de Brancusi pour en ressentir le poli ou la qualité du matériau; avec Dan Flavin, l'œuvre est réellement impalpable, on ne pourrait même pas poser son regard sur elle ; c'est pour l'artiste une façon de supprimer un mode de relation émotionnel souvent rattaché aux objets dont on apprécie par exemple la patine du temps en les touchant. Cependant, si la linéarité des tubes et les effets d'inclusion du spectateur dans l'espace de l'œuvre sont propres à l'art minimal, on peut toutefois se poser la question de savoir si l'atmosphère subtilement colorée des œuvres de Flavin – assez proche de la peinture de Rothko – n'est pas le signe d'un mysticisme latent qui, de ce point de vue, mettrait cet artiste en marge de la production purement « minimale ».

Il existe au Musée d'art ancien et contemporain d'Épinal une œuvre La Salle verte qui met en avant le sens de la vue.

 

Eine bedeutende Zahl der Minimal Art , wuchs Dan Flavin in den Vereinigten Staaten, die katholische Religion und beginnt eine Ausbildung als Seminarist , aber er gab das Priestertum , und nach dem Militärdienst in Korea (1954-1955) , während begann er das Studium der Kunst durch Kurse, die von der University of Maryland angeboten , kehrte nach New York und kurz besuchte Kurse an der Hans Hofmann School of Fine Arts und studierte Kunstgeschichte an der New School for Social Research (1956) und dann Malerei und Zeichnung an der Columbia University in New York ( 1957-1959 ) .

Seine frühen Gemälde zeigen den Einfluss des Abstrakten Expressionismus , aber im Jahr 1959 , begann er macht Collagen und Assemblagen . Seine erste Einzelausstellung in der Judson Gallery in New York im Jahr 1961 präsentiert Aquarelle und Baugruppen.

Im Sommer 1961 , während der Arbeit als Wachmann im Museum of Natural History in New York, produziert Flavin Zeichnungen von Skulpturen Einbeziehung Lichtquellen . Kerzen, Weihrauch , Gesang, Prozessionen - - die immer inspiriert haben Seine Arbeit auf dem Licht kann als Verweis auf die Pracht der katholischen Kirche gelesen werden. Nach monochrome Gemälde mit Glühbirnen berechtigt Icons , von Ende 1961 schmückte er ab 1963 Teile -basierte Industrie- Neonröhren und Einrichtungen gerichtet immer noch mit dem gleichen Material , das ist der Unterschrift Merkmal seiner künstlerischen Vokabular. Exploring Variationen erlauben die Anzahl , Farbe, Größe und Anordnung der Rohre , ist es , um den Raum in dematerialisieren , um die Wahrnehmung zu analysieren. Diese Arbeit erhält eine erste Solo- Ausstellung mit dem Titel etwas Licht im Jahr 1964 an der Kaymar Gallery in New York.

Im Jahr 1967 ist Flavin als Gastprofessor für Design an der University of North Carolina in Greensboro. Ab 1968 begann er Teezubehör die Größe eines ganzen Raumes , im selben Jahr schmückt er eine ganze Kunstgalerie mit Schwarzlicht Röhren auf der Documenta in Kassel .

Zwischen 1964 und 1982 , machte Dan Flavin sein größtes Projekt : eine Hommage an den Maler, Bildhauer und Architekt russischen Vladimir Tatlin . Er machte eine Reihe von Neon- Stücke , fast alle weiß, erinnert schematisch als Monument für die Dritte Internationale (1920 , blieb im Entwurf). Mit seinen Leuchtreklamen , die flüchtigen Silhouetten, Dan Flavin feiert progressive Architektur , betont seine konzeptionellen, unmöglich , auch geisterhaften Charakter vor.

Die Arbeiten von Dan Flavin, manchmal Rothko Gemälde verglichen erstklassiges Reiseziel für zeitgenössische Kunst wie das Guggenheim- Museum in New York (1971 und 1992 ausgestellt worden sind , hat die zweite Installation auf dem anlässlich der Wiedereröffnung durchgeführt Museum nach der Sanierung ) , das Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969), der National Gallery of Canada , Ottawa (1969) und der Staatlichen Kunsthalle Baden- Baden (1989). Im Jahr 1983 wurde Dan Flavin Art Institute in Bridgehampton (New York) , Dauerausstellung von der Künstlerin in einem renovierten Feuerwehrhaus für das Publikum geöffnet jeden Sommer entworfen eröffnet.

Außerdem stellte er seine Arbeiten in mehr ungewöhnlichen Orten , für die er Einrichtungen wie Central Station in New York entworfen, das er die Waterfront (1977) oder die Kirche Santa Maria Annunziata in Chiesa Rossa in Mailand leuchtet ( abgeschlossen im Jahr 1997 nach dem Tod des Künstlers Entwicklung auf Zeichnungen, die er verlassen hatte ) basiert.

Es war sehr verliebt in seine Kunst. Ein Werk von Dan Flavin wird zunächst durch die Entsorgung von Leuchtstoffröhren definiert dann das Licht -Erweiterung, die die Struktur , Dicke, Volumen bestimmt ist und in diesem Sinne ist die Größe der Arbeit ist eingestellt durch die Architektur (Wand, Decke, Boden ), die begrenzt . Als Donald Judd sagte Flavin erstellt "besondere visuelle Zustände " singulären Wahrnehmungen, die in die Fragilität von Licht, Farbe , Struktur und Raum zu bringen .

Durch eindringende den Raum , schaltet sich das Licht Flavin und oft entmaterialisiert . Das Licht im Bad war in der Tat das Eigentum der Abschaffung der Grenzen zwischen der Umgebung und umgeben , die nicht mehr eins sind und die Arbeit so zu einer " Situation " , ein Ort der Erfahrung im Zusammenhang mit der Wahrnehmung des Betrachters reisen . Mit seinen Werken , Flavin perfekt nimmt sowohl die Mission Minimal Art wie in den Judd Spezifische Objekte definiert : um sicherzustellen, dass das Objekt mit der dreidimensionalen realen Raum ist verwirrt. Durch den Einsatz von Licht , strahlt Dan Flavin Raum als durch die Schönheit und Spiritualität der Arbeit kontaminiert. Der Kontext wird Inhalt .

Das Licht Röhre durch Flavin verwendet wird, eine Funktion, die vollständig auf die konkrete Aufgabe der traditionellen Kunst entgegengesetzt ist , wie es von ihm ist, dass breitet sich die Lichtenergie, die ihre eigenen Grenzen auflösen wird . Kunstwerke nicht inspirieren minimalen körperlichen Kontakt , ist es nicht möglich zu streicheln ihre Struktur oder Umgebung kann mit einem Brancusi Skulptur getan werden, um die Glätte und Qualität des Materials , mit Dan fühlen Flavin Arbeit ist wirklich unantastbar , wir konnten nicht einmal die Augen auf ihn gesetzt , es ist ein Weg für die Künstler , um einen Modus der emotionalen Beziehung oft auf Objekte, die wir schätzen angebracht zu entfernen, beispielsweise die Patina der Zeit berühren . Allerdings, wenn die Linearität der Rohre und die Auswirkungen der Einbeziehung des Betrachters in den Raum der Arbeit spezifisch für minimal art sind , aber es stellt sich die Frage, ob die Atmosphäre subtil farbigen Werke von Flavin - nahe genug, um die Rothko Malerei - ist nicht ein Zeichen von latenter Mystik , aus dieser Sicht würde dieser Künstler Marge von Produktion rein "minimal" .

Es ist das Museum für Alte Kunst und Moderne Epinal ein Werk The Green Room , die den Sehsinn hervorhebt.

 

A major figure of Minimal Art , Dan Flavin grew up in the United States, the Catholic religion and begins training as a seminarian , but he gave up the priesthood , and after military service in Korea (1954-1955) , during which he began studying art through courses offered by the University of Maryland, returned to New York and briefly attended classes at the Hans Hofmann School of Fine Arts before studying art history at the New School for Social Research (1956) and then painting and drawing at Columbia University in New York ( 1957-1959 ) .

His early paintings show the influence of Abstract Expressionism , but in 1959 , he began making collages and assemblages . His first solo exhibition at the Judson Gallery in New York in 1961 presents watercolors and assemblies.

In the summer of 1961 , while working as a guard at the Museum of Natural History in New York, Flavin produced drawings of sculptures incorporating light sources. His work on the light can be read as a reference to the splendor of the Catholic Church - candles , incense , singing, processions - which have always inspired. After monochrome paintings adorned with light bulbs entitled Icons, made ​​from the end of 1961 , he directed from 1963 parts based industrial neon tubes and facilities still using the same material , which is the signature characteristic of his artistic vocabulary . Exploring variations allow the number, color, size and arrangement of tubes , it is to dematerialize the space in order to analyze the perception. This work receives a first solo exhibition entitled Some Light in 1964 at the Kaymar Gallery in New York.

In 1967, Flavin is a visiting professor of design at the University of North Carolina at Greensboro . From 1968, he began making facilities the size of an entire room , the same year he decorates an entire art gallery with black light tubes at Documenta in Kassel .

Between 1964 and 1982 , Dan Flavin made ​​his biggest project : a tribute to the painter , sculptor and Russian architect Vladimir Tatlin . He made a series of neon pieces , mostly all white , reminiscent schematically as the Monument to the Third International (1920 , remained in the draft) . With its neon lights that suggest fleeting silhouettes , Dan Flavin celebrating progressive architecture, while stressing its conceptual , impossible , even ghostly character .

The works of Dan Flavin, sometimes compared to Rothko paintings have been exhibited in prime destination for contemporary art such as the Guggenheim Museum in New York ( 1971 and 1992, the second installation has been carried out on the occasion of the reopening museum after renovation ), the museum of Contemporary Art, Chicago (1969), the National Gallery of Canada, Ottawa (1969) and the Staatliche Kunsthalle Baden -Baden (1989). In 1983, Dan Flavin Art Institute was opened in Bridgehampton (New York ) , permanent exhibition designed by the artist in a refurbished firehouse open to the public every summer.

He also presented his work in more unusual places, for which he designed facilities such as Central Station in New York which he illuminates the Waterfront ( 1977) or the church of Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa in Milan ( completed in 1997 after the death of the artist development based on drawings he had left ) .

It was very in love with his art . A work of Dan Flavin is defined initially by the disposal of fluorescent light tubes then this is the light extension that determined its structure, thickness, volume and in this sense the size of the work is set by the architecture ( wall , ceiling, floor ) which delimits . As Donald Judd said Flavin created " special visual states " singular perceptions that bring in the fragility of light, color, structure and space.

By invading the space , the light turns Flavin and often dematerialized . The bathroom light was indeed the property of abolishing the boundaries between the surrounding and surrounded that are no longer one and the work thus becomes a "situation" , a place of perceptual experience related to travel of the beholder . With his works, Flavin perfectly fulfills the mission of Minimal Art as defined in the Judd Specific objects: to ensure that the object is confused with the three-dimensional real space. Through the use of light, Dan Flavin radiates space as contaminated by the beauty and spirituality of the work. The context becomes content.

The light tube used by Flavin has a function that is completely opposed to the tangible object of traditional art as it is from him that spreads the light energy that will dissolve its own limitations. Works of art do not inspire minimal physical contact , it is not possible to stroke their structure or area as can be done with a Brancusi sculpture to feel the smoothness and quality of the material , with Dan Flavin 's work is really untouchable , we could not even set eyes on it , it's a way for the artist to remove a mode of emotional relationship often attached to objects which we appreciate , for example the patina of time touching . However, if the linearity of the tubes and the effects of inclusion of the viewer into the space of the work are specific to minimal art , but it begs the question of whether the atmosphere subtly colored works of Flavin - close enough to the Rothko painting - is not a sign of latent mysticism , from this point of view, would this artist margin of production purely "minimal" .

There is the Museum of Ancient Art and Contemporary Epinal a work The Green Room which highlights the sense of sight .

 

شخصية رئيسية للفن الحد الأدنى، نمت دان فلافين حتى في الولايات المتحدة، و الديانة الكاثوليكية ويبدأ التدريب باعتباره اللاهوتي ، لكنه تخلى عن الكهنوت ، و بعد الخدمة العسكرية في كوريا (1954-1955) ، خلال الذي بدأ دراسة الفن من خلال الدورات التي تقدمها جامعة ماريلاند ، وعاد إلى نيويورك و حضر لفترة وجيزة الفصول الدراسية في مدرسة هانز هوفمان للفنون الجميلة قبل أن يدرس تاريخ الفن في المدرسة الجديدة للبحوث الاجتماعية ( 1956) ومن ثم التصوير والرسم في جامعة كولومبيا في نيويورك ( 1957-1959 ) .

لوحاته في وقت مبكر تظهر تأثير التجريدية التعبيرية ، ولكن في عام 1959 ، بدأ صنع الفن التصويري و تجمعات . معرضه الفردي الأول في غاليري جودسون في نيويورك في عام 1961 ويعرض الألوان المائية والتجمعات.

في صيف 1961 ، بينما كان يعمل حارسا في متحف التاريخ الطبيعي في نيويورك ، أنتجت فلافين رسومات من المنحوتات دمج مصادر الضوء . يمكن قراءة عمله على ضوء كمرجع إلى روعة الكنيسة الكاثوليكية - الشموع والبخور و الغناء والمواكب - التي ألهمت دائما . بعد لوحات أحادية اللون مزينة المصابيح بعنوان أيقونات ، مصنوعة من نهاية عام 1961، أخرج من عام 1963 استنادا أجزاء أنابيب النيون الصناعية والمرافق التي لا تزال تستخدم نفس المادة ، الذي هو التوقيع سمة من مفرداته الفنية. الاختلافات استكشاف تسمح لل عدد ولون وحجم وترتيب الأنابيب ، هو أن dematerialize الفضاء من أجل تحليل التصور. هذا العمل يحصل على المعرض الفردي الأول بعنوان بعض الضوء في عام 1964 في معرض Kaymar في نيويورك .

في عام 1967 ، فلافين هو أستاذ زائر في التصميم في جامعة ولاية كارولينا الشمالية في غرينسبورو . من عام 1968 ، بدأ مرافق حجم غرفة بأكملها ، وهو العام نفسه الذي يزين معرض فني كامل مع أنابيب ضوء أسود في دوكومنتا في كاسل القرارات.

بين عامي 1964 و 1982 ، أدلى دان فلافين أكبر مشروعه : تحية ل رسام ونحات و مهندس معماري الروسي فلاديمير تاتلين . وقدم سلسلة من القطع النيون ، ومعظمهم من جميع أبيض ، تذكرنا تخطيطي و النصب التذكاري ل الدولي الثالث (1920 ، وظل في مشروع ) . مع أضواء النيون في أن تشير الصور الظلية عابرة ، دان فلافين الاحتفال العمارة التدريجي ، مع التأكيد المفاهيمي ، المستحيل ، طابعها حتى شبحي .

عرضت أعمال دان فلافين ، مقارنة في بعض الأحيان إلى لوحات روثكو في مكان رئيس للفن المعاصر مثل متحف غوغنهايم في نيويورك (1971 و 1992 ، وقد تم تنفيذ التثبيت الثاني من بمناسبة إعادة فتح المتحف بعد التجديد )، و متحف الفن المعاصر ، شيكاغو (1969 ) ، المتحف الوطني في كندا ، أوتاوا (1969 ) و Staatliche كونستهاله بادن بادن (1989 ) . في عام 1983 ، وافتتح دان فلافين معهد الفن في Bridgehampton (نيويورك ) ، المعرض الدائم الذي صممه الفنان في محطة الإطفاء تجديدها مفتوحة للجمهور في كل صيف .

كما عرض أعماله في أماكن أكثر غرابة ، الذي قام بتصميم المرافق مثل المحطة المركزية في نيويورك الذي ينير الواجهة البحرية (1977 ) أو كنيسة سانتا ماريا Annunciata في كييزا روسا في ميلان ( أنجزت في عام 1997 بعد وفاة الفنان التنمية يعتمد على رسومات كان قد غادر ) .

كان جدا في الحب مع فنه . يتم تعريف عمل دان فلافين في البداية من قبل التخلص من أنابيب ضوء الفلورسنت ثم وهذا هو التمديد الضوء الذي يحدد هيكلها ، وسمك ، وحجم و بهذا المعنى حجم العمل التي وضعتها الهندسة المعمارية ( الجدار والسقف و الأرض) الذي يحد . كما قال دونالد جاد فلافين إنشاء " الولايات البصرية الخاصة " تصورات المفرد التي تجلب هشاشة ضوء ، لون ، هيكل و الفضاء .

عن طريق غزو الفضاء، يتحول الضوء فلافين و غالبا غير المادية . كان ضوء الحمام في الواقع ملكا لل إلغاء الحدود بين المحيط و تحيط التي لم تعد واحدة ، وبالتالي يصبح العمل على " الوضع" ، مكانا لل تجربة الحسية المتعلقة بالسفر الناظر . مع أعماله ، فلافين يفي تماما مهمة الفن الحد الأدنى كما هو محدد في كائنات معينة جاد : لضمان أن الكائن الخلط بينه وبين الفضاء الحقيقي ثلاثي الأبعاد . من خلال استخدام الضوء ، دان فلافين يشع الفضاء كما الملوثة من الجمال والروحانية من العمل. يصبح سياق المحتوى.

أنبوب الخفيفة التي تستخدمها فلافين لديه وظيفة ما يعارض تماما إلى كائن ملموس من الفن التقليدي كما هو من له أن ينتشر على الطاقة الضوئية التي سوف تذوب القيود الخاصة بها . أعمال فنية لا توحي الحد الأدنى من الاتصال الجسدي ، فإنه ليس من الممكن السكتة الدماغية بنيتها أو منطقة ما يمكن القيام به مع النحت برانكوزي أن يشعر نعومة و جودة المواد ، مع دان العمل فلافين هو موجود حقا ، ونحن لم أستطع حتى تقع عيناي على ذلك، انها وسيلة للفنان لإزالة النمط من العلاقة العاطفية غالبا ما تعلق على الأجسام التي نقدرها ، على سبيل المثال الزنجار من الوقت لمس . ومع ذلك، إذا الخطي من الأنابيب وآثار إدراج المشاهد في الفضاء لعمل محددة إلى الحد الأدنى من الفن ، ولكنه يطرح السؤال عما إذا كان الجو أعمال الملونة بمهارة من فلافين - قريبة بما فيه الكفاية ل وحة روثكو - ليست علامة التصوف الكامنة ، من وجهة النظر هذه ، سيكون هذا الهامش الفنان الإنتاج بحتة "الحد الأدنى" .

هناك متحف للفنون القديمة والمعاصرة إبينال عمل غرفة الأخضر الذي يسلط الضوء على حاسة البصر .

 

最小的艺术的一个重要人物,丹·弗莱文(Dan Flavin)长大在美国,天主教,并开始作为一个神学院的训练,但他放弃了祭司,服兵役后( 1954-1955) ,在韩国期间,他开始由马里兰大学的课程,通过学习艺术,回到纽约,并简要汉斯·霍夫曼美术学院学习艺术史在之前上课社会研究( 1956年),然后在纽约哥伦比亚大学( 1957-1959 )的绘画和绘图的新学校。

他早期绘画抽象表现主义的影响,但在1959年,他开始拼贴和组合。贾德森画廊在纽约他的首次个展于1961年提出的水彩画和组件。

在1961年夏天,而在纽约自然史博物馆作为一个后卫,黄素生产图纸雕塑结合光源。他的作品可以读取的光作为参考天主教教堂 - 蜡烛,香,唱歌,游行 - 一直启发的辉煌。经过单色绘画装饰题为灯泡图标,从1961年底,他执导从1963年基础件工业霓虹灯管和设施仍然使用相同的材料,这是签名他的艺术语汇的特征。探索变化允许数,颜色,尺寸和布置的管,它是为了分析感知非物质化的空间。这项工作收到题为一些轻于1964年的Kaymar画廊在纽约的首次个展。

黄素是在1967年,在北卡罗来纳大学格林斯伯勒客座教授设计。从1968年开始,他开始设施装饰整个房间的大小,同年,他的整个艺术画廊黑光灯管在卡塞尔文献展。

丹·弗莱文(Dan Flavin)在1964年和1982年之间,他最大的项目:致敬的画家,雕塑家和俄罗斯建筑师弗拉基米尔·塔特林。他取得了一系列的霓虹灯件,大多都是白色,让人想起示意性地纪念碑第三国际(1920 ,留在草案) 。凭借其霓虹灯表明稍纵即逝的轮廓,丹·弗莱文(Dan Flavin)庆祝渐进式的体系结构,同时强调它的概念,不可能的,即使幽灵般的人物。

已经展出的作品有时罗斯科的绘画相比,丹·弗莱文在首选目的地,如当代艺术在纽约古根海姆博物馆( 1971年和1992年,第二次安装已进行了重开之际整修后的博物馆) ,博物馆的当代艺术,芝加哥(1969年) ,加拿大国家美术馆,渥太华(1969年)和Staatliche艺术馆巴登 - 巴登(1989年) 。 1983年,丹黄素艺术学院开设在Bridgehampton (纽约) ,在翻新的向公众开放的消防站每年夏天由艺术家设计的常设展览。

他还介绍了他的工作,更不寻常的地方,为此他设计的设施,如在纽约中央车站,他照亮了水景或教会在基耶萨Santa Maria Annunciata的罗萨在米兰(1977年) (图纸他已经离开)的基础上发展的艺术家去世后,于1997年完成。

这是非常爱他的艺术。丹·弗莱文(Dan Flavin)定义一个工作最初由荧光灯管处置,那么这是决定它的结构,厚度,体积光的扩展,在这个意义上,工作尺寸设置的体系结构(墙,天花板,地板)划定。正如唐纳德·贾德说,黄素建立“特殊的视觉状态”奇异的光,颜色,结构和空间带来的脆弱性的看法。

入侵的空间,指示灯变为黄素和经常无纸化。卫生间的灯是确实的财产废除周围,四周之间的界限不再是一体的工作,从而成为一个“情况”相关的感性经验,一个地方旅行的杀机。随着他的作品,黄素完全符合定义在贾德具体对象最小的艺术的使命:确保该对象相混淆三维实景空间。通过利用光,丹·弗莱文(Dan Flavin)辐射污染的美丽和灵性的工作空间。上下文的内容。

黄素所使用的光管,有一个功能,则完全反对传统艺术的有形物体,因为它是从他传播的光能量,将解散其自身的局限性。艺术作品不激发极小的身体接触,这是不可能中风的结构或区域,可以做一个布朗库西的雕塑感觉的平滑性和质量的材料,与丹黄素的工作是真的碰不得,我们甚至无法设置的眼睛就可以了,这是一个艺术家的方式来删除模式的情感关系,我们对此表示赞赏的对象常附着,例如时间铜锈感人。但是,如果管的线性度和观看者的影响纳入到工作空间特定艺术最少,但它引出了一个问题,是否大气黄素的微妙的颜色的作品 - 足够接近罗斯科的画 - 是不是一个潜在的神秘主义的迹象,从这个角度来看,将生产该艺术家缘纯粹的“最小” 。

有古代艺术博物馆和当代埃皮纳勒工作的绿色空间,突出了视觉。

 

Una figura importante de Minimal Art , Dan Flavin se crió en los Estados Unidos, la religión católica y comienza la formación como seminarista , pero renunció al sacerdocio y después del servicio militar en Corea (1954-1955) , durante la que comenzó a estudiar arte a través de los cursos ofrecidos por la Universidad de Maryland, regresó a Nueva York y asistió brevemente a las clases en la Escuela de Bellas Artes de Hans Hofmann , antes de estudiar historia del Arte en la Nueva Escuela de Investigación Social ( 1956 ) y luego de dibujo y pintura en la Universidad de Columbia en Nueva York ( 1957-1959 ) .

Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo abstracto , pero en 1959 se comenzaron a hacer collages y ensamblajes . Su primera exposición individual en la Judson Gallery de Nueva York en 1961 presenta acuarelas y asambleas.

En el verano de 1961 , mientras trabajaba como guardia en el Museo de Historia Natural de Nueva York, Flavin produjo dibujos de esculturas que incorporan fuentes de luz. Su trabajo sobre la luz puede entenderse como una referencia al esplendor de la Iglesia Católica - velas , incienso, cantos, procesiones - que siempre han inspirado . Después de pinturas monocromas adornado con bombillas Iconos derecho , elaborados a partir de finales de 1961 , dirigió desde 1963 piezas basadas tubos de neón industriales e instalaciones sigue utilizando el mismo material , que es la firma característica de su vocabulario artístico . Explorando permiten variaciones en el número , color, tamaño y disposición de los tubos , que es desmaterializar el espacio con el fin de analizar la percepción. Este trabajo recibe una primera exposición individual titulada alguna luz en 1964 en la Galería Kaymar en Nueva York.

En 1967 , Flavin es profesor visitante de diseño en la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro. A partir de 1968 , empezó a hacer las instalaciones del tamaño de una habitación entera , el mismo año que adorna una galería de arte completa con tubos de luz negra en la Documenta de Kassel.

Entre 1964 y 1982 , Dan Flavin hizo su mayor proyecto : un homenaje al pintor , escultor y arquitecto ruso Vladimir Tatlin . Hizo una serie de piezas de neón, casi todo blanco , que recuerda esquemáticamente como el Monumento a la Tercera Internacional ( 1920 , permaneció en el proyecto ) . Con sus luces de neón que sugieren siluetas fugaces, Dan Flavin celebrando arquitectura de vanguardia , haciendo hincapié en su carácter conceptual, imposible, incluso fantasmal.

Las obras de Dan Flavin , a veces, en comparación con las pinturas de Rothko se han exhibido en destino privilegiado para el arte contemporáneo , como el Museo Guggenheim de Nueva York ( 1971 y 1992 , la segunda instalación se ha realizado con motivo de la reapertura Museo después de la renovación ), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ( 1969 ) , la Galería Nacional de Canadá , Ottawa ( 1969 ) y la Staatliche Kunsthalle Baden -Baden ( 1989 ) . En 1983 , Dan Flavin Art Institute abrió sus puertas en Bridgehampton (Nueva York) , exposición permanente diseñada por el artista en una estación de bomberos reformada abierta al público todos los veranos.

También presentó su trabajo en los lugares más inusuales , para la que diseñó instalaciones como la estación central de Nueva York , que se ilumina el silencio ( 1977 ) o la iglesia de Santa Maria Annunciata en Chiesa Rossa en Milán ( completado en 1997 después de la muerte del artista de desarrollo basado en los dibujos que había dejado ) .

Estaba muy enamorado de su arte. Una obra de Dan Flavin se define inicialmente por la disposición de los tubos de luz fluorescentes entonces esta es la extensión de la luz que determinó su estructura , grosor, volumen y, en este sentido, el tamaño de la obra es establecido por la arquitectura ( pared, techo y suelo) que delimita . Como Donald Judd dijo Flavin creado " estados visuales especiales" percepciones singulares que aportan en la fragilidad de la luz , el color , la estructura y el espacio.

Al invadir el espacio , la luz se Flavin ya menudo desmaterializados . La luz del baño era de hecho la propiedad de la abolición de las fronteras entre el entorno y rodeados de que ya no son uno y el trabajo se convierte así en una "situación " , un lugar de la experiencia perceptiva relacionada con los viajes del espectador . Con sus obras, Flavin cumple perfectamente la misión del arte minimalista como se define en los objetos específicos Judd : para asegurarse de que el objeto se confunde con el espacio real tridimensional. A través del uso de la luz, Dan Flavin irradia el espacio como contaminado por la belleza y la espiritualidad de la obra. El contexto se convierte en contenido .

El tubo de luz utilizado por Flavin tiene una función que es completamente opuesto al objeto tangible del arte tradicional , ya que es de él que se propaga la energía de la luz que se disolverá sus propias limitaciones. Las obras de arte no inspiran mínimo contacto físico , no es posible a un accidente cerebrovascular su estructura o zona que se puede hacer con una escultura de Brancusi a sentir la suavidad y la calidad del material , con Dan obra de Flavin es realmente intocable, ni siquiera podíamos poner los ojos en él, es una forma de que el artista para quitar un modo de relación emocional con frecuencia unido a objetos que apreciamos , por ejemplo, la pátina del tiempo tocar . Sin embargo, si la linealidad de los tubos y los efectos de la inclusión del espectador en el espacio de la obra son específicos de arte minimalista , pero se plantea la cuestión de si la atmósfera de color sutilmente obras de Flavin - lo suficientemente cerca de la pintura de Rothko - no es un signo de misticismo latente , desde este punto de vista , este margen sería artista de la producción puramente "minimal " .

Allí se encuentra el Museo de Arte Antiguo y Contemporáneo Epinal una obra The Green Room que pone de relieve el sentido de la vista.

 

Un importante figura di Minimal Art , Dan Flavin è cresciuto negli Stati Uniti , la religione cattolica e inizia la formazione come un seminarista , ma abbandonò il sacerdozio , e dopo il servizio militare in Corea (1954-1955) , durante che ha iniziato a studiare arte attraverso i corsi offerti dall'Università del Maryland , tornò a New York e brevemente frequentato corsi presso l' Hofmann Scuola di Belle Arti di Hans prima di studiare storia dell'arte presso l' New School for Social Research ( 1956) e poi pittura e disegno presso la Columbia University di New York ( 1957-1959 ) .

I suoi primi dipinti mostrano l'influenza dell'espressionismo astratto , ma nel 1959 , ha cominciato a fare collage e assemblaggi . La sua prima mostra personale presso la Judson Gallery di New York nel 1961, presenta acquerelli e assiemi.

Nell'estate del 1961 , mentre lavorava come guardia presso il Museo di Storia Naturale di New York , Flavin ha prodotto disegni di sculture che incorporano sorgenti luminose . Il suo lavoro sulla luce può essere letto come un riferimento per lo splendore della Chiesa Cattolica - candele , incenso , canti , processioni - che hanno sempre ispirato . Dopo dipinti monocromi decorati con lampadine icone dal titolo , realizzati a partire dalla fine del 1961 , ha diretto dal 1963 in parti basate tubi al neon industriali e strutture ancora utilizzando lo stesso materiale , che è la firma caratteristica del suo vocabolario artistico . Esplorare le variazioni consentono il numero , il colore , le dimensioni e la disposizione dei tubi , è a smaterializzare lo spazio per analizzare la percezione . Questo lavoro riceve una prima mostra personale dal titolo qualche luce nel 1964 presso la Galleria Kaymar di New York.

Nel 1967 , Flavin è un professore di disegno presso la University of North Carolina a Greensboro . Dal 1968 , ha iniziato il tè delle dimensioni di una stanza intera , lo stesso anno decora un'intera galleria d'arte con tubi luminosi neri a Documenta di Kassel .

Tra il 1964 e il 1982 , Dan Flavin ha fatto il suo più grande progetto : un omaggio al pittore , scultore e architetto russo Vladimir Tatlin . Ha fatto una serie di pezzi al neon, per lo più tutti bianchi , che ricordano schematicamente come il Monumento alla Terza Internazionale (1920 , rimasto nel progetto ) . Con le sue luci al neon che suggeriscono sagome sfuggenti , Dan Flavin celebrano architettura progressiva , pur sottolineando la sua concettuale, impossibile , carattere addirittura spettrale .

Le opere di Dan Flavin , a volte rispetto a Rothko dipinti sono stati esposti in destinazione privilegiata per l'arte contemporanea come il Guggenheim Museum di New York ( 1971 e 1992, la seconda installazione è stata effettuata in occasione della riapertura Museo dopo la ristrutturazione ) , il Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969) , la National Gallery of Canada , Ottawa ( 1969) e alla Staatliche Kunsthalle di Baden-Baden ( 1989) . Nel 1983 , Dan Flavin Istituto d'Arte è stato inaugurato a Bridgehampton ( New York ) , mostra permanente progettata dall'artista in una caserma dei pompieri ristrutturato aperta al pubblico ogni estate .

Egli ha anche presentato il suo lavoro in luoghi più insoliti , per la quale ha disegnato servizi come la stazione centrale di New York , che egli illumina il porto ( 1977) o la chiesa di Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa a Milano ( completata nel 1997 , dopo la morte dello sviluppo dell'artista su disegni che aveva lasciato ) .

Era molto innamorato della sua arte . Un lavoro di Dan Flavin è definita inizialmente dalla disposizione dei tubi luminescenti allora questo è l'estensione luce che determina la sua struttura , spessore , volume e in questo senso la dimensione del lavoro è fissato dalla architettura ( parete, soffitto , pavimento) che delimita . Come ha detto Donald Judd, Flavin creato " stati visivi speciali" percezioni singolari che portano nella fragilità della luce, il colore , la struttura e spazio .

Invadendo lo spazio , la luce diventa Flavin e spesso smaterializzato . La luce del bagno era in effetti di proprietà di abolire i confini tra il circostante e circondato che non sono più uno e il lavoro diventa così una "situazione " , un luogo di esperienza percettiva relativa a viaggiare di chi guarda . Con le sue opere , Flavin compie perfettamente la missione della Minimal Art , come definito negli oggetti specifici Judd : al fine di garantire che l'oggetto è confuso con lo spazio reale tridimensionale . Attraverso l'uso di luce , Dan Flavin irradia lo spazio come contaminato dalla bellezza e la spiritualità del lavoro . Il contesto diventa contenuto .

Il tubo di luce usati dalle Flavin ha una funzione che è completamente opposta alla oggetto tangibile di arte tradizionale in quanto è da lui che si diffonde l' energia della luce che si dissolvono i propri limiti . Le opere d'arte non ispirano minimo contatto fisico , non è possibile ictus loro struttura o area come si può fare con una scultura di Brancusi a sentire la morbidezza e la qualità del materiale , con Dan il lavoro di Flavin è davvero intoccabile , non abbiamo potuto anche messo gli occhi su di esso, è un modo per l'artista di rimuovere una modalità di rapporto emozionale spesso attaccati agli oggetti che apprezziamo , per esempio la patina del tempo toccante . Tuttavia, se la linearità dei tubi e gli effetti di inclusione dello spettatore nello spazio del lavoro sono specifici per la minimal art , ma si pone la questione se l' atmosfera opere sottilmente colorate di Flavin - abbastanza vicino al dipinto di Rothko - non è un segno di latente misticismo , da questo punto di vista , sarebbe questo margine artista di produzione prettamente "minimal " .

C'è il Museo di Arte Antica e Contemporanea Epinal un lavoro La camera verde che mette in evidenza il senso della vista .

 

ミニマルアートの主要人物、ダン·フラビンは、米国ではカトリックの宗教を育ち、神学生として訓練を開始したが、彼は聖職をあきらめ、韓国で兵役の後( 1954年から1955年) 、中その彼は、メリーランド大学が提供するコースを通して美術を勉強し始めたニューヨークに戻り、短時間で美術史を勉強する前に、美術のハンス·ホフマンの学校でクラスに出席新しい社会研究のための学校(1956 ) 、その後、ニューヨークのコロンビア大学( 1957年から1959年)で絵画とドローイング。

彼の初期の絵画は、抽象表現主義の影響を示すが、 1959年に、彼はコラージュと群集を作り始めた。 1961年にニューヨークのジャドソン画廊で初個展では、水彩画やアセンブリを示します。

ニューヨークの自然史博物館でガードとして働きながら1961年夏には、フラビンは、光源を組み込んだ彫刻の図面を作成した。キャンドル、お香、歌、行列 - - いつもインスパイアされている光の彼の仕事は、カトリック教会の素晴らしさへの参照として読み取ることができます。モノクローム絵画は1961年の終わりから作られた、アイコンと題する電球で飾られた後、彼は、署名である、 1963年の部分からも、同じ素材を使用したベースの工業用ネオン管と設備を監督彼の芸術的な語彙の特徴。探索にばらつきが管の数、色、大きさ及び配置を可能にする、それが知覚を分析するためのスペースを非物質化することである。この作品は、ニューヨークのKaymarギャラリーで1964年にいくつかの光をと題する初の個展を受け取ります。

1967年、フラビンはノースカロライナ大学グリーンズボロ校でデザインの客員教授である。 1968年から、彼は、施設全体の部屋の大きさ、同じ年、彼はカッセルのドクメンタでブラックライト管を全体のアートギャラリーを飾る作り始めた。

画家、彫刻家とロシアの建築家ウラジミールタトリンへのオマージュ: 1964年と1982年の間に、ダン·フラビンは、彼の最大のプロジェクトを作った。彼は第三インターナショナルのモニュメント( 1920年、ドラフトに残った)に模式的彷彿ほとんどネオン片、すべての白のシリーズを作りました。その概念、不可能でも、幽霊のキャラクターを強調しつつ、進歩的なアーキテクチャを祝ってつかの間のシルエット、ダン·フラビンを示唆している、そのネオンが点灯しています

ときどきロスコの絵画に比べダンフラビンの作品はそのような、ニューヨークのグッゲンハイム美術館(1971年と1992年のように現代美術のための主目的地に展示された、第二のインストールが再開の際に行われているリフォーム後の博物館) 、現代美術館、シカゴ(1969) 、カナダナショナルギャラリー、オタワ(1969 )と州立美術館美術館バーデンバーデン(1989)の博物館があります。 1983年、ダン·フラビンアート研究所がブリッジハンプトン(ニューヨーク州) 、毎年夏に公開されて改装消防署でアーティストによって設計常設展示にオープンしました。

彼はまた、彼がフロント(1977)やミラノのキエーザロッサのサンタマリアAnnunciataの教会(点灯しているニューヨークのような中央駅などの施設を設計しているため、より多くの珍しい場所で彼の作品を発表彼が去った図面)に基づいてアーティスト育成の死後、1997年に完成した。

それは、彼の芸術と恋に非常にあった。ダンフラビンの作業は蛍光灯管の処分によって最初に定義され、これはその構造を決定された光延長、厚さ、体積であり、この意味での作業のサイズは区切るアーキテクチャ(壁、天井、床)によって設定された。ドナルド·ジャッドは、 "特別なビジュアル状態"光、色、構造、スペースの脆弱性をもたらす特異な認識を作成フラビン言ったように。

スペースに侵入することで、光がフラビンなり、頻繁に無形化。バスルームライトは確かにもはや一つであり、仕事はこうして"状況" 、見る人の旅行に関連する知覚経験の場となって周囲と囲ま間の境界を廃止の財産だった。彼の作品では、フラビンは完全ジャッド特定のオブジェクトで定義されたミニマルアートの使命を果たす:オブジェクトが3次元実空間と混同されることを保証する。作品の美しさと精神性によって汚染されたような光を使用することにより、ダン·フラビンスペースを放射する。コンテキストは、コンテンツになります。

フラビンによって使用される光管はそれ自身の限界を溶解し、光エネルギーを拡散している彼からであるように、完全に伝統的な芸術の有体物に反対している機能を持っています。芸術作品は、最小限の物理的な接触を鼓舞しないでくださいダンと、素材の滑らかさと品質を感じブランクーシの彫刻で行うことができますように、それは彼らの構造や面積ストロークすることはできませんフラビンの作品は本当にアンタッチャブルですが、我々もそれに目を設定できませんでした、それは、例えば、時間の緑青しばしば我々は感謝するオブジェクトに添付感情関係のモードを削除するクリエイター方法だ触れる。仕事の空間にチューブやビューアのインクルージョンの影響のリニアリティがミニマルアートに固有のものですが、しかし、それはフラビンの雰囲気かどうか微妙に着色された作品の質問を頼む - ロスコ画に十分近い - このような観点から、潜在的な神秘主義の兆候ではない、生産のこのアーティストマージンは純粋に"最低限の"と思います。

古代美術と現代エピナル作業光景の感覚を強調するグリーンルームの博物館があります。

 

Główną postacią Minimal Art , Dan Flavin dorastał w Stanach Zjednoczonych, w religii katolickiej i rozpoczyna szkolenie jako kleryk , ale zrezygnował z kapłaństwa , a po służbie wojskowej w Korei (1954-1955) , w czasie który zaczął studiować sztukę poprzez kursów w University of Maryland , powrócił do Nowego Jorku i krótko uczęszczał na zajęcia w Szkole Hofmann Hans Sztuk Pięknych przed studiuje historię sztuki na New School for Social Research (1956 ), a następnie malarstwo i rysunek na Uniwersytecie Columbia w Nowym Jorku ( 1957/59 ) .

Wczesne obrazy pokazują wpływ ekspresjonizmu abstrakcyjnego , ale w 1959 roku zaczął tworzyć kolaże i zespołów . Jego pierwsza indywidualna wystawa w Judson Gallery w Nowym Jorku w 1961 roku prezentuje akwarele i zespołów .

W lecie 1961 roku , pracując jako strażnik w Muzeum Historii Naturalnej w Nowym Jorku , Flavin produkowane rysunki rzeźb zawierających źródła światła . Jego praca na świetle można odczytać jako odniesienie do świetności Kościoła Katolickiego - świece , kadzidła, śpiew , procesje - które zawsze inspirowane . Po monochromatycznych obrazach ozdobione żarówek Icons uprawnione , dokonanych od końca 1961 roku wyreżyserował z 1963 części w oparciu neonowe rury przemysłowe i obiekty nadal używa tego samego materiału , który jestpodpis charakterystyczne dla jego artystycznego słownika. Odkrywając umożliwićzmiany numer , kolor, rozmiar i układ rur , to do dematerializacji przestrzeń w celu analizy postrzegania . Ta praca otrzyma pierwszą wystawę indywidualną pt trochę światła w 1964 roku w Galerii Kaymar w Nowym Jorku.

W 1967 roku , Flavin jestwizytującym profesorem projektowania na Uniwersytecie Północnej Karoliny w Greensboro. Od 1968 roku zaczął herbatywielkość całego pokoju , tego samego roku zdobi całą galerię sztuki z czarnymi lekkich rurek na Documenta w Kassel .

W latach 1964 i 1982 , Dan Flavin ruszył największy projekt :hołd dla malarza, rzeźbiarza i architekta Rosyjskiej Władimira Tatlinem . Zrobił serię neonowych sztuk, głównie wszystkie białe, przypominające schematycznie jako Pomnika III Międzynarodówki ( 1920 , pozostał w projekcie ) . Dzięki neonów , które sugerują, ulotne sylwetki , Dan Flavin obchodzi stopniowej architektury , podkreślając jej koncepcyjne, niemożliwe, nawet upiorny charakter.

Prace Dan Flavin , czasem w porównaniu do obrazów Rothko wystawiane były w doskonałej miejsce dla sztuki współczesnej , takich jak Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku ( 1971 i 1992 ,druga instalacja została przeprowadzona z okazji ponownego otwarcia Muzeum po remoncie ) ,Museum of Contemporary Art , Chicago ( 1969 ) , National Gallery of Canada, Ottawa ( 1969 ) i Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (1989). W 1983 roku , Dan Flavin Art Institute został otwarty w Bridgehampton ( New York) , Wystawa stała zaprojektowany przez artystę w odnowionej remizie otwarte dla publiczności każdego lata .

On również przedstawił swoją pracę w bardziej nietypowych miejscach , na które zaprojektowane udogodnienia, takie jak Central Station w Nowym Jorku, który oświetla nabrzeżach ( 1977 ) lub do kościoła Santa Maria Annunciata w Chiesa Rossa w Mediolanie ( zakończona w 1997 roku po śmierci rozwoju artysty na podstawie rysunków miał po lewej) .

To był bardzo zakochany w swojej dziedzinie. Praca Dan Flavin definiuje początkowo do dyspozycji lampy fluorescencyjne , to jestświatło , które określa jego rozszerzenie struktury , grubości, wielkości i w tym sensie,rozmiar pracy jest ustawiony przez architekturę ( , ściany sufit , podłoga) , które ograniczającego . Jak Donald Judd powiedział Flavin stworzył "specjalne wizualne stany " w liczbie pojedynczej percepcji , które wprowadzają w kruchości światła , koloru, struktury i przestrzeni.

By okupują przestrzeń ,światło włącza Flavin i często zdematerializowane . Światło w łazience była rzeczywiściewłasnością zniesienie granic międzyokolicy , w otoczeniu , które nie są już jedną ipraca staje się"sytuacja",miejsce związane percepcyjnego doświadczenia podróżować od patrzącego . Z jego prac , Flavin doskonale spełnia misję Minimal Art , określony w Judd obiektów szczególnych: w celu zapewnienia , żeobiekt jest mylony z trójwymiarowej przestrzeni realnej . Poprzez wykorzystanie światła , Dan Flavin promieniuje przestrzeń jako skażone piękna i duchowości pracy . Kontekst staje się treść .

Light tube wykorzystywane przez Flavin posiada funkcję, która jest całkowicie przeciwieństwie do materialnego przedmiotu sztuki tradycyjnej , jak to jest z nim , który rozprzestrzenia energię świetlną , która rozpuści swoje ograniczenia . Dzieła sztuki nie inspirować minimalny kontakt fizyczny , to nie jest możliwe, by pogłaskać ich struktury lub obszaru , jak można zrobić z rzeźbą Brancusi poczuć gładkość i jakość materiału , z Danem praca jest naprawdę flawino nietykalny , nie mogliśmy nawet go na oczy , tosposób dla artysty , aby usunąć tryb emocjonalnej relacji często dołączone do obiektów które cenią sobie np.patyna czasu dotykając . Jeśli jednakliniowość rur i skutków włączenia widza w przestrzeń pracy są charakterystyczne dla minimal artu , ale nasuwa się pytanie, czyatmosfera subtelnie kolorowymi dziełami Flavin - wystarczająco blisko do malarstwa Rothko - nieznakiem mistycyzmu utajonego jest , z tego punktu widzenia , by ten margines artysta produkcji czysto " minimal" .

JestMuzeum Sztuki Starożytnej i Współczesnej ÉpinalpracyGreen Room , która podkreśla zmysł wzroku .

 

A grande figura da arte minimal , Dan Flavin cresceu nos Estados Unidos , a religião católica e começa a treinar como seminarista , mas ele desistiu do sacerdócio, e após o serviço militar na Coréia (1954-1955) , durante que ele começou a estudar arte através de cursos oferecidos pela Universidade de Maryland, retornou a Nova York e participou brevemente Hofmann aulas na Escola de Belas Artes Hans antes de estudar história da arte na New School for Social Research (1956) e , em seguida, pintura e desenho na Universidade de Columbia , em Nova York ( 1957-1959 ) .

Suas primeiras pinturas mostram a influência do expressionismo abstrato , mas em 1959, ele começou a fazer colagens e assemblages . Sua primeira exposição individual na galeria de Judson , em Nova York , em 1961, apresenta aquarelas e montagens.

No verão de 1961 , enquanto trabalhava como guarda no Museu de História Natural, em Nova York, Flavin produziu desenhos de esculturas incorporando fontes de luz. Seu trabalho sobre a luz pode ser lido como uma referência para o esplendor da Igreja Católica - velas , incenso, cânticos, procissões - que sempre inspiraram . Depois de pinturas monocromáticas enfeitadas com lâmpadas direito ícones, feitas a partir do final de 1961 , dirigiu a partir de 1963 peças com base tubos de néon e instalações industriais ainda usando o mesmo material, que é a assinatura característica de seu vocabulário artístico . Explorando permitir variações no número , a cor , tamanho e disposição dos tubos , é para dematerialize o espaço , a fim de analisar a percepção . Este trabalho recebe primeira exposição individual intitulada alguma luz em 1964 na Galeria Kaymar em Nova York.

Em 1967, Flavin é professor visitante do design na Universidade da Carolina do Norte em Greensboro. Desde 1968 , ele começou a fazer instalações do tamanho de uma sala inteira , o mesmo ano em que ele decora toda uma galeria de arte com tubos de luz negra na Documenta de Kassel.

Entre 1964 e 1982 , Dan Flavin fez o seu maior projeto : a homenagem ao pintor, escultor e arquiteto russo Vladimir Tatlin . Ele fez uma série de peças de neon, principalmente todos brancos, que lembram esquematicamente como o Monumento à Terceira Internacional (1920 , manteve-se no projecto ) . Com suas luzes de néon que sugerem silhuetas fugazes , Dan Flavin celebrando arquitetura progressiva , sublinhando a sua impossibilidade de caráter conceitual , mesmo fantasmagórica.

As obras de Dan Flavin , por vezes, em comparação com pinturas de Rothko foram expostas em excelente destino para a arte contemporânea , como o Museu Guggenheim , em Nova York (1971 e 1992 , a segunda instalação foi realizada por ocasião da reabertura Museu depois de uma renovação ), o Museu de Arte Contemporânea de Chicago (1969) , a National Gallery of Canada , Ottawa (1969) e da Staatliche Kunsthalle Baden- Baden (1989). Em 1983, Dan Flavin Instituto de Artes foi inaugurado em Bridgehampton (New York) , exposição permanente projetado pelo artista em um quartel remodelado aberto ao público a cada verão.

Ele também apresentou o seu trabalho em lugares mais inusitados , para o qual ele projetou equipamentos, tais como Estação Central de Nova York, que ele ilumina o Waterfront (1977) ou a igreja de Santa Maria Anunciata em Chiesa Rossa , em Milão ( concluída em 1997, após a morte do artista desenvolvimento com base em desenhos que ele tinha à esquerda).

Ele era muito apaixonado por sua arte. Uma obra de Dan Flavin é definido inicialmente pela eliminação dos tubos de luz fluorescente , então este é a extensão de luz que determina a sua estrutura , espessura, volume e , nesse sentido, o tamanho do trabalho é definido pela arquitetura ( paredes , teto, piso ), que delimita . Como Donald Judd disse Flavin criado " estados visuais especiais" percepções singulares que trazem a fragilidade da luz, cor, estrutura e espaço.

Ao invadir o espaço , a luz fica Flavin e muitas vezes desmaterializado . A luz do banheiro era de fato a propriedade de abolir as fronteiras entre o ambiente e cercado que não são mais um eo trabalho torna-se assim uma "situação" , um lugar de experiência perceptiva relacionada a viajar de quem vê . Com suas obras , Flavin cumpre perfeitamente a missão da arte minimal , tal como definido nos objetos específicos Judd : para garantir que o objeto se confunde com o espaço real, tridimensional. Através do uso da luz, Dan Flavin irradia espaço como contaminada pela beleza e espiritualidade do trabalho. O contexto torna-se conteúdo.

O tubo de luz usado por Flavin tem uma função que é completamente oposto ao objeto tangível da arte tradicional , pois é a partir dele que se espalha a energia da luz que irá dissolver suas próprias limitações. As obras de arte não inspira o contacto físico mínimo , não é possível que a estrutura ou AVC área que pode ser feito com uma escultura de Brancusi para sentir a suavidade e a qualidade do material, com Dan o trabalho de Flavin é realmente intocável, não podíamos sequer posto os olhos sobre ele , é um caminho para o artista para remover um modo de relacionamento emocional, muitas vezes ligada a objetos que agradecemos , por exemplo, a pátina do tempo comovente. No entanto, se a linearidade dos tubos e os efeitos da inclusão do espectador no espaço do trabalho são específicos para a arte minimal , mas levanta a questão de saber se a atmosfera obras sutilmente coloridos de Flavin - perto o suficiente para a pintura de Rothko - não é um sinal de misticismo latente , a partir deste ponto de vista, seria essa margem artista de produção puramente "mínimo" .

Há o Museu de Arte Antiga e Contemporânea Epinal uma obra The Green Room , que destaca o sentido da visão .

 

Главной фигурой минимальной искусств , Дэн Флавина вырос в Соединенных Штатах, католическая религия и начинается обучение как семинарист , но он отказался от священства , а после службы в армии в Корее (1954-1955) , в течение которые он начал изучать искусство через курсов университета штата Мэриленд , вернулся в Нью-Йорк и кратко посещал занятия в школе Ханс Хофманн изящных искусств, прежде чем изучать историю искусства в Новой школе социальных исследований ( 1956 ), а затем живописи и рисунка в Колумбийском университете в Нью-Йорке ( 1957-1959 ) .

Его ранние картины показывают влияние абстрактного экспрессионизма , но в 1959 году, он начал делать коллажи и комплексов . Его первая персональная выставка в галерее Джадсон в Нью-Йорке в 1961 году представлены акварели и агрегатов.

Летом 1961 года, во время работы в качестве охранника в Музее естественной истории в Нью-Йорке, Флавина создавал рисунки скульптур включения источников света. Его работа на свете можно читать как ссылки на великолепие католическая церковь - свечи , благовония , пение, шествия - которые всегда вдохновляли . После монохромные картины украшены лампочками право Иконы, сделанные с конца 1961 года, он руководил с 1963 частей на основе промышленного неоновых трубок и сооружения все еще использует тот же материал , который является подпись характерные для его художественного словаря. Изучение вариаций позволяютчисла , цвета, размера и расположения труб , это дематериализоваться пространство для того, чтобы проанализировать восприятие. Эта работа получает первую персональную выставку право некоторый свет в 1964 году в галерее Kaymar в Нью-Йорке .

В 1967 году флавинприглашенный профессор дизайна в Университете Северной Каролины в Гринсборо . С 1968 года он начал делать объекты размеромвсего помещения , в том же году он украшает целую художественную галерею с черной световых трубок в Документе в Касселе .

Между 1964 и 1982 , Дэн Флавина сделали его самым большим проектом : дань художник, скульптор и русского архитектора Владимира Татлина . Он сделал ряд неоновых частей , в основном все белое, напоминающие схематично в виде памятника Третьему Интернационалу (1920 , осталась в проекте ) . С его неоновыми огнями , которые предполагают, мимолетные силуэты , Дэн Флавина празднования прогрессивной архитектурой , подчеркивая при этом ее концептуальных , невозможно, даже призрачным характером.

Произведения Дэна Флавина , иногда сравнивают с картинами Ротко были выставлены в основных направлений для современного искусства, таких , как музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (1971 и 1992 годов , вторая установка была проведена по случаюоткрытия музей после реконструкции ), Музей современного искусства , Чикаго (1969) , На

""Mar" es el nombre de este museo de 7000 mª , cuyo diseño básicamente consta de cuatro volúmenes de hormigón e incluye una plaza de acceso, espacios de exposición al aire libre y patio de esculturas. Las superficies cubiertas constan de tres grandes salas de exposiciones en una planta elevada. un módulo central es el que oficia de distribuidor de las salas. El edificio también cuenta con un auditorio, talleres de restauración, un área de preservación y una de servicios que incluye biblioteca, cafetería y tienda.

 

"Los volúmenes que conforman el museo actúan como piedras de una escollera enfrentada al mar que mira a la ciudad desde la distancia. La escala del proyecto es una visión acerca de la propia ciudad, de su tamaño, de su vitalidad, y del esfuerzo llevado a cabo para posicionarla como una ciudad con propuestas culturales de nivel internacional", afirman los autores del proyecto.

 

Los cuerpos de hormigón que conforman el edificio están conformados por un sistema estructural de pocos tabiques de apoyo para reforzar la idea de planta baja libre y pública abierta a la ciudad. Los espacios intersticiales son capitalizados como espacios para exposiciones que proporcionan fugas de visuales hacia el exterior a través de pasarelas metálicas, techumbres y paños vidriados hacia el exterior."

Fuente : Internet

  

Gracias a tod@s.

Obrigado.

Grazie.

.,. MERCI pour vos chaleureux commentaires .

THANK YOU so much for sharing,,,,

I appreciate.

 

Recomiendo ver en fondo negro. Gracias

 

Todos los derechos reservados.

* Please don't use this image on websites, blogs or other media without my explicit permission.

© All rights reserved

 

Opacidad – Creación de libro álbum

Mayo/Junio 2012

  

El taller de Iiustración de Ródez tiene una experienciaa de más de 15 años; se ha realizado en Colombia, Argentina, México y Ecuador. El maestro Ródez ha diseñado e ilustrado más de 60 libros, un centenar de carteles, tiene una extensa producción de murales y su obra es reconocida a nivel internacional por diversas publicaciones y exposiciones.

Estos talleres se realizan desde la primera semana de mayo y el mes de junio, cada uno con una duración de 42 horas que se dividen en 14 sesiones.

 

Taller 1

OPACIDAD

(Vinilos y Acrílicos)

Taller de vinilos y acrílicos que incrementan el nivel de experimentación técnica y estudio del color. El artista que regularmente trabaja con técnicas digitales o de transparencia adquiere, con los vinilos y acrílicos, una mayor calidad expresiva en formatos mayores y nuevos soportes como papel, madera, tela y cartón.

 

Horario: Miércoles: 6:00 a 9:00 p.m. Sábado: 11:00 a 2:00 p.m.

MAYO

(1) Mier 9

Vinilos alla prima. Imprimaciones. Bases. Pincel alla prima

(2) Sab 12

Pincelada corta –Grises escala amplia

(3) Mier 16

Escalas de luz. Escala lumínica alta/baja

(4) Sab 19

Escalas lumínicas simultáneas

(5) Mier 23

Contraste en las escalas cromáticas. Primarios - secundarios

(6) Sab 26

Contraste con matices y tonos

(7) Mier 30

Armonía

JUNIO

(8) Sab 2

Volumen y luz por veladuras. Terciarios

(9) Mier 6

Finalizados con materia. Terciarios

 

(10) Sab 9

Color invertido. Base negra – blanco, silueteados

(11) Mier 13

Base negra - color

(12) Sab 16

Preparación del canvas.

(13) Mier 20

Veladuras, entonación general

(14) Sab 23

Acrílicos/Vinilos. Mixtas

Pátinas, rayados, raspados, mixturas

Espátulas, siseados, raspados

  

Taller 2

Creación del libro álbum

Este taller propone la creación de un libro-álbum (con ilustración, fotografía o exclusivamente tipografía) a partir de una idea original. El objetivo final será cumplido en la medida que cada participante finalice su propuesta hasta el punto de poder presentar su proyecto editorial (maqueta y originales), de manera profesional, a un editor.

Horario: Jueves: 6:00 a 9:00 p.m. Sábado: 3:00 a 6:00 p.m.

MAYO

(1) Jue 10

Lineamientos generales- Cómo presentar un proyecto

Análisis del libro-álbum, libro.objeto, libro-arte

(2) Sab 12

Presentación y análisis de portafolios y proyectos personales

(3) Jue 17

Ilustración:La narración visual

Panorama universal de la ilustración contemporánea

(4) Sab 19

Taller de encuadernación

(5) Jue 24

Storyboard – Referencias visuales, antecedentes gráficos.

Cálculos de sustratos .Cómo realizar presupuestos y cronogramas

(6) Sab 26

Análisis gráfico y conceptual

Desarrollo técnico de la propuesta (primer derrotero)

(7) Jue 31

Revisión y sugerencias de la primera maqueta

JUNIO

(8) Sab 2

Diseño editorial:

Tipografía–Diagramación

(9) Jue 7

Correcciones y ajustes de la maqueta definitiva

Talleres técnicos. En adelante cada sesión tendrá dirección de arte y apoyo técnico en la producción de los originales

(10) Sab 9

Carátulas y materiales gráficos y de promoción

(11) Jue 14

Digitalización y optimización de imágenes. Armada Digital

(12) Sab 16

Producción editorial e impresos

(13) Jue 21

Contratos. Derechos de Autor. Buscando un editor

(14) Sab 23

Presentación y análisis de comprensibles

    

INFORMES

Dirección del taller: Calle 99 No. 11B-20

Celular: 314 4285199

rodez5@yahoo.com

 

PROCEDIMIENTO DE INSCRIPCIÓN

Valor del taller: $400.000

Inscripciones hasta el miércoles 9 de mayo

 

*** OFERTA ***

$350.000 si cancela el valor del taller hasta el miércoles 2 de mayo

$300.000 si ha sido alumno en algún taller de los dos últimos años

 

También se puede cancelar en dos cuotas de $220.000, la primera se paga hasta el 9 de mayo y la segunda ($220.000) el 9 de junio.

Nota: Recuerde que los cupos en cada taller son limitados. Se reserva el cupo en el orden en que cada estudiante pague su inscripción.

 

Consignaciones en la cuenta de ahorros BANCOLOMBIA No. 193-338821-27

Titular: EDGAR RODRIGUEZ

Confirmar la consignación al e-mail: rodez5@yahoo.com

Antes de iniciar el taller y después de formalizar la inscripción le enviaremos por correo la lista básica de materiales.

          

www.wamcomunicacion.com Encontrá todo sobre el Calenario La más bella. Producción Calendario 2013 - Vanesa Bruni - Galho Martins. La más Bella nos presenta una versión original del clásico cuento de Blanca Nieves, donde las caracterizaciones realizadas por Vanesa Bruni en armonía con el vestuario y las ambientaciones de fondos digitales nos invita a un mundo de ensueños. Este calendario posee un lenguaje artístico que fusiona diferentes técnicas y caminos en la comunicación donde integra los sentidos visuales, del tacto- en sus texturas de laca sectorizada y alta calidad de impresión-, del olfato -en sus hojas perfumadas y del sonido- al escuchar el cuento por medio de los códigos QR.Esta propuesta creativa brindó a nuestros clientes la posibilidad de romper con la estática, generar un cambio y realizar un producto moderno e interactivo para su clientes.WAM Comunicación acerca a sus clientes soluciones creativas acordes a los resultados de las investigaciones de mercado y análisis del target específico al que se proyecta alcanzar. WAM, realizó el Diseño gráfico integral - Redacción - Arte de tapa - Realización de los fondos y montaje de las imágenes en Photoshop . Retoque digital de imperfecciones en la piel y maquillaje. Retoque de luces y texturas.

taller que daremos con la licenciada Valeria Balut dividido en dos jornadas en Agosto.

 

Fecha: sábados 15 y 22 de Agosto de 15 hs a 16 : 30 hs.

Nuevos horizontes visuales:

 

1era parte: El carácter reproductivo en el arte contemporáneo. Usos de referentes para la creación.

 

2da parte: Ilustración Editorial, diseño de juguetes y creación de personajes.

 

cualqueir consulta manden mensaje!

    

Quiero agradecer personalmente a Víctor Jaque por este Favorito, que ha sido un maestro para muchos en nuestro país. Gracias Victor por tu precioso trabajo y apoyo.

 

Roberto Delpiano

Los Favoritos

 

Estimados, aquí uno de mis favoritos máximos!!!!!! y de quien tuve la suerte y el privilegio de ser alumno.

 

Muchas gracias por la oportunidad y felicitaciones por la iniciativa.

 

saludos

 

Víctor Jaque

www.enjaque.cl

  

1. Nombre del Personaje:

Waldo González

 

2. Año de nacimiento

1933

 

3. Nacionalidad del personaje

Chileno

 

4. Sitios web donde se pueda encontrar información relevante del personaje.

www.utem.cl/diseno/waldo.htm

 

5. Nombre de el o los autores de la pieza gráfica.

Víctor Jaque

 

6. Nacionalidad de el o los autores de la pieza gráfica.

Chileno

 

8. En 100 palabras máximo escriba porque es su favorito (opcional):

Waldo GonzálezPrimer licenciado en Artes Plásticas con Mención en Cartel y Propaganda de la Universidad de Chile. Responsable -en mi humilde opinión- de algunos de los carteles más bellos que se hayan creado alguna vez. Inquieto experimentador en búsqueda constante de nuevos lenguajes visuales o en cualquiera de sus formas (alguna vez me dijo que incluso tenía un archivo sonoro con canto de aves, el cual había logrado registrar con los años; por supuesto pensaba hacer algo con ese material). Su trabajo se caracterizó por el distanciamiento de los códigos impuestos por la vorágine publicitaria, y se destacó gracias a su orientación hacia la identidad nacional, el compromiso social y la educación popular. Todo esto, a partir del rescate de cierta visualidad precolombina, la alfarería de Quinchamalí, la artesanía de Rari, el cartel cubano, el pop y la psicodelia.Hay profesores y maestros. Waldo, 1.001 gracias por tu imperecedora obra.PD: vaya su homenaje también para Andrew.

  

Chica gálactica flotando en el cosmos Pâtisserie.

_

Ilustración elegida dentro de la convocatoria de la revista Göoo #12 Cosmos,

proyecto editorial de artes visuales y expresión gráfica.

 

_

Galactic Girl | GÖOO Magazine.

Galactic Girl floating in the Pâtisserie cosmos.

_

Selected artist for Gooo magazine #12 "Cosmos" edition,

an editorial project of visual arts.

 

www.rominavillarruel.com

 

ESTAMBUL-ISTANBUL-GALATA-PAISAJES-PINTURA-CUADROS-PINTOR-ERNEST DESCALS-

La torre de Gálata construida por los Genoveses en misión de defensa y el Puerto de ESTAMBUL, antiguas casas y edificios, arquitectura y diseño de ciudades, con los Ferrys, transbordadores urbanos.Pinturas del artista Pintor ERNEST DESCALS en sus viajes artísticos aTurquia para Pintar los paisajes y a las personas en sus labores tradicionales de la vida cotidiana.Cuadros en Pintura en óleos que nos muestran las características visuales y humanas en Obras de Arte paisajistas con la figura humana en su movimiento.Barcos en el mar y habitantes de la antigua Constantinopla.Centro urbano de larga Historia desde la antigua Grecia, Bizancio, pasando por el Imperio Romano de Oriente en la que residió la capital construida por el Emperador Constantino, hasta llegar al Sultanato del Imperio Turco y la moderna nación regida por Kemal Atartuk, un auténtico paseo histórico que el creativo plástico gusta de reflejar en sus creaciones.

ISTANBUL OIL PAINTINGS ERNEST DESCALS ARTIST PAINTER.GALATA TOWER, FERRY AND HARBOUR IN HISTORY WALK OF CITY.

ernestdescals.blogspot.com/

ernestdescals.wordpress.com/

cuadrosernestdescals.blogspot.com/

ernestdescals-lahistoriadelpintor.blogspot.com/

pintura-cuadros-ernestdescals.blogspot.com/

National desingn Associatio ////

 

27 de Abril dia internacional del diseño.

 

El Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico (Icograda) es la entidad profesional mundial para el diseño gráfico y la comunicación visual. Fundada en Londres el 27 de abril de 1963, Icograda es la unión voluntaria de las asociaciones relacionadas con el diseño gráfico, la gestión del diseño, la promoción del diseño y la enseñanza del diseño. Hace unos años como iniciativa de este Consejo se tomó el día de su fundación como el día Mundial del Diseñador Gráfico.

 

El diseño gráfico es una actividad intelectual, técnica y creativa involucrada no solamente con la producción de imágenes sino con el análisis, la organización y los métodos de presentación de soluciones visuales a los problemas de comunicación. La información y la comunicación son las bases de una vida interdependiente alrededor del mundo, ya sea en las esferas del intercambio económico, cultural o social. La tarea del diseñador gráfico es la de proveer las respuestas correctas a los problemas de comunicación visual de cualquier orden en cualquier sector de la sociedad.

 

Icograda promueve la función esencial del diseñador gráfico en la sociedad y el comercio, y une las voces de los diseñadores gráficos y los diseñadores de la comunicación visual alrededor del mundo. Ocupa rango de asesor en el Consejo Europeo, la UNESCO (la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura), la UNIDO (la Organización de las Naciones Unidas para el Desarrollo Industrial) y la WIPO (Organización Mundial para la Propiedad Intelectual). En 1999 Icograda fue uno de los miembros fundadores de Diseño para el mundo (DW, Design for the World), una organización sin fines de lucro multi-disciplinaria fundada para dar solución a través del diseño a problemas globales sociales, humanitarios y de hábitat.

  

Curiosidades del diseño

 

La diseñadora y directora de arte W. Lynn Garret tiene una página web llamada Los Santos Patronos del Diseño Gráfico. Según la diseñadora, realizó una exhaustiva investigación sobre los santos católicos y, por supuesto, descubrió que no había ninguno del diseñador gráfico, por lo que decidió asignarles seis. Algunos de ellos, como Santa Ansiedad, están basados en la biografía de San Ambrosio. A continuación, una traducción de los santos a los que ella hace referencia.

 

Santa Ansiedad. Mártir, matrona de las horas de entrega y el café espumoso. Esta sierva doméstica del siglo trece trabajó para dos generaciones de la familia Asap, quienes con frecuencia la fastidiaron. De niña y adolescente fue muy irritable y en sus primeros años de vida un enjambre de abejas se le posó en la boca, presagiando su afición por el oficio del canto. Profundamente enamorada del Duque de Starbucks, fue martirizada a los 45 años al ser atropellada por un rebaño cuando perseguía al Rey Fedex para que le llevara un paquete a su amado. Descorazonado por su muerte, el duque colocó sus reliquias en exhibición en un pequeño café de su propiedad, donde dicen provocaron estrés a los clientes, por lo que tuvieron que ser guardadas. Su nombre latino significa "Ella, quien optó por dejar el yoga".

 

Santa Concepta. Matrona de la lluvia de ideas y de dejar las cosas para más tarde. Experimentó su primer éxtasis creativo (una visión de Juan Bautista vendiendo sombreros) en 1454, a la edad de cinco años. Constantemente estaba dibujando en servilletas y entendió que sabía bastante de diseño por lo que pidió a su padre que la inscribiera en la escuela de artes, quien, indignado, le recomendó que se dedicara a bienes raíces. Ella se rebeló e hizo lo que quería, pasando por una etapa en la que se vistió de negro completamente. Pasó la mayor parte de su tiempo creativo soñando con windows. Concepta murió en 1505 y una primavera inspiradora floreció de su tumba.

 

San Exacto. Mártir, patrono de los bocetos rápidos y los dedos perdidos. Este devoto trabajador, amado en toda la tierra, contaba con 29 años (en el año 415) cuando comenzó a denunciar públicamente a la autoridad. Después de muchos años de incansable servicio a la Reina de la Producción, sufrió una crisis nerviosa y fue encontrado bajo una neblina reuniendo animales. Fue institucionalizado y en los siguientes años se convirtió en el primer pianista al que le faltaban seis dedos. Fue martirizado a los ochenta años y sus dígitos se exhiben en una urna de vidrio en la iglesia de Rubylith, cerca del brazo derecho de Santa Curita, donde dicen transmiten poderes sanativos.

 

Santa Pantone. Matrona de los colores bonitos y las mascotas de oficina. Esta flemática doncella, quien también es la matrona de la ciudad de Cmyk, era sobrina de Santa Gertudis de Trumatch. Famosa por su compasión y su facilidad dramática, Pantone provocó que saliera una milagrosa fuente de colores de la tierra, cuyas aguas actúan milagrosamente sobre la depresión y el aburrimiento. En el arte, nuestra santa es representada sosteniendo a una oveja, en honor a la ocasión en la que, por razones desconocidas, no sólo le restauró la vida a un cordero asado sino que le dio el más bello tono de lana que haya sido visto por el ser humano.

 

Santa Pixela. Matrona del retoque y las sillas confortables. Isabel de Santa María y de la Madonna de Guadalupe, quien prefería ser llamada como Pixela, fue una princesa Moorisiana. Su padre, el Rey Wacom, perseguía artistas y los mantenía prisioneros en su castillo, donde trabajaban sin cesar día y noche, en una fría habitación sin luz ni ventanas. Pixela visitaba a los prisioneros en secreto, llevándoles comida y capuchinos. A raíz de su amstad con uno de los prisioneros, el Obispo de Photoshop, descubrió la manera de recrear sus pinturas en un atamaño mayor después que él las terminaba. Vivió una vida solitaria a orillas del Lago San Vector. Murió a la edad de cien años. Todavía es venerada en todo el mundo.

 

San Typo. Patrono de la ortografía, los correctores y las búsquedas de google. Bautizado con el nombre de Typernius, pero más conocido por sus seguidores como Typo, este hijo de una lavandera se retiró a una cueva cerca de Belgrado para seguir la vida de hermitaño. Vivió sin perturbaciones, excepto de cervatillos, lechuzas, y los faxes diarios de clientes hasta que el Duque de Copywrite emprendió una cacería. Tal como relata Typernius en su autobiografía, el mencionado duque (a punto de ser capturado en una reunión eterna) le pidió que corrigiera su memoria anual. La obsesiva atención por los detalles de Typo pronto ganó seguidores. En sus últimos años entró un monasterio para descansar sus ojos. Murió en la Orden de Stunk & White, alrededor del año 303.

 

www.flickr.com/photos/tallerrodez/

En este link se pueden ver algunos ejemplos de trabajos realizados en el taller

 

El Taller es un proyecto interesado en el desarrollo de las artes contemporáneas. Involucra diferentes disciplinas y estimula la fusión entre el diseño, las artes visuales, la música, el video y otras manifestaciones de la creación.

Durante más de 15 años se ha dictado el taller de ilustración (técnicas y conceptos) en México, Ecuador, Colombia y ahora en Argentina. Hemos visto la participación de ilustradores de mucho renombre al lado de personas que se inician en el oficio y esto ha sido enriquecedor para las dos partes. Como consecuencia de lo anterior, uno de los grandes logros ha sido reunir constantemente artistas gráficos de distintas disciplinas alrededor de múltiples actividades, de tal forma que el taller va más allá de las clases haciendo presencia, también, en la organización de exposiciones, eventos musicales, conferencias, publicaciones, desfiles, festivales de ilustración, street art, etc..

Con este primer curso se da inicio a una serie de talleres y conferencias que se dictarán durante el año (técnicas mixtas, opacidad, grisallas, aerografía, técnicas digitales, etc.). La programación se hará llegar regularmente por medio del correo directo y otros medios.

 

Taller de Ilustración RODEZ

Técnicas- Conceptos

Buenos Aires

Julio-Agosto 2009

 

METODOLOGÍA

 

Cada sesión de trabajo se lleva, con rigor, siguiendo el plan de estudio. De acuerdo al procedimiento técnico, se plantea en la primera parte de cada clase, una demostración técnica y posteriormente cada estudiante realiza una serie de ejercicios que facilitan el desarrollo de la técnica.

Los alumnos, también, realizan ejercicios en sus casas que permiten el seguimiento personal en dibujo, estilo y nivel de conceptualización así como sus avances y problemas técnicos: solo se adquiere calidad gracias a la disciplina y a la frecuencia con la que se realice una labor determinada.

La intensidad del taller es de 60 horas, con tres clases de tres horas a la semana. Dos meses dedicados al pensamiento y el oficio en torno al trabajo gráfico de cada estudiante.

  

Taller 1

TÉCNICAS DE TRANSPARECIA

 

El papel nunca dejará de ser uno de los soportes ideales para la ilustración, sea como sustrato definitivo o como paso intermedio para crear imágenes que luego serán finalizadas por medios digitales. En este taller se busca el domino de la tinta china desde la línea modulada y expresiva hasta el manejo de grises y color por medio de tramas y otros recursos técnicos. Los medios de transparencia permiten una gran variedad de mezclas, de tal forma que hacemos una transición entre la tinta y la acuarela, primero desde el color plano y luego en los diversos valores tonales; a lo anterior se suman algunas variantes con procedimientos no tradicionales como las tintas estilográficas oxidadas y el manejo de texturas y detalles con lapiceras (técnicas valiosas al momento de ser mezcladas con transparencias y opacos). Posteriormente se desarrolla una técnica hermana del grabado que es el scratch (esgrafiado), desde el blanco y negro en línea hasta la valoración de grises con alternativas en positivo y negativo. Finalmente se trabajan diversas técnicas con lápices de color: pigmentación, trama orgánica, color plano, esfumados, raspados y texturas con trementina.

 

Horario:

Lunes: 5:00 a 8:00 p.m. /Miércoles: 8:00 a 11:00 p.m. /Sábado: 3:00 a 6:00 p.m.

-------------------------

 

JULIO

Sab 18Tintas Plumilla: Línea

Lun 20 Plumilla-pincel: Línea - plano negro

Mie 22Cañas y plumas Línea orgánica y ornamentada

Sab 25 Valoración de grises

Lun 27Rapidógrafo Trama orgánica

Mie 29 Trama y textura

AGOSTO

Sab 1Tintas + Acuarelas Trama y grises de tinta china

Lun 3 Línea en tinta y color plano

Mie 5Acuarelas Bases y fondos, aguadas

Sab 8 Pincel húmedo + Pincel seco.

Lun 10 luces/detalles con gouache

Mie 12Tintas de colores Lapicera

Atmósferas y planos generales.

Sab 15Tinta de estilógrafoTramas de color - Lapicera

Lun 17Tinta China Tintas oxidadas - Estilógrafo

Mie 19Scratch Esgrafiado Línea

Sab 22 Valoración de grises

Lun 24 Raspado, rayado, siseado, texturas

Mie 26Lápices de color Pigmentación negro sobre base de color

Sab 29 Achurados. Color sobre color

Lun 31 Trama orgánica + Trementina

----------------------

 

INFORMES

Dirección del taller: Club Premier/Campichuelo 472, Barrio Caballito

Teléfono: 49610299

Celular: 115 9614328

tallerrodez@yahoo.com

 

PROCEDIMIENTO DE INSCRIPCIÓN

 

PRIMERA MODALIDAD DE PAGO (Una cuota)

Fecha límite: 17 de Julio

TOTAL: $500

 

*** OFERTA ***

Aproveche un descuento de $50 si cancela hasta el 11 de Julio TOTAL: $450

  

SEGUNDA MODALIDAD DE PAGO (Dos cuotas)

Primera cuota: $275

Fecha límite: 17 de Julio

Segunda cuota: $275

Fecha límite: 17 de Agosto

TOTAL: $550

 

Nota:

Recuerde que los cupos en cada taller son limitados. Se reserva el cupo en el orden en que cada estudiante pague su inscripción.

 

Forma de pago:

Consignaciones en la cuenta

Caja de Ahorro, BANCO GALICIA

Número de cuenta: 4033746-3339-0

Titular: Yeimen Caro Calderón

 

Confirmar la consignación al e-mail: tallerrodez@yahoo.com

Posteriormente, por favor, comuníquese con

Ana Milena Torres (49610299-115 9614328) y reclame el recibo de pago.

Antes de iniciar el taller y después de formalizar la inscripción le enviaremos por correo la lista básica de materiales.

   

RODEZ Artista Visual, Diseñador gráfico, Ilustrador. Su labor profesional la desarrolla, principalmente, en el sector editorial. Colabora en periódicos y revistas nacionales e internacionales. Ha diseñado, escrito e ilustrado más de 50 libros de literatura infantil, juvenil y de adultos en Colombia, México, Estados Unidos y España. Es docente desde hace 15 años de las universidades Javeriana, Jorge Tadeo Lozano, Escuela de Artes y letras y ha dictado diversos talleres y cátedras en universidades de México, Ecuador y Estados Unidos. Su obra es reconocida gracias a publicaciones especializadas y exposiciones en varios países y continentes. Ha obtenidos premios de diseño e ilustración en países como Colombia, Brasil, México, Checoslovaquia, Turquía, Alemania, Sudáfrica y Japón entre otros. Entre sus recientes distinciones se destacan el ingreso a la Lista de Honor de la IBBY, Suiza-2004, Premio White Raven de diseño editorial, Alemania, El Premio Nacional de Diseño Lápiz de Acero (2004) y los premios Encouragment (1999) y Runner Up (2005) del concurso de Ilustración Noma, en Japón.

FLICKR RODEZ

www.flickr.com/photos/rodez/

Taller de Ródez

Transparencias / Opacos

Acuarelas / Vinilos y Acrílicos

Mayo/Junio 2013

    

Se trata de dos talleres diferentes, cada estudiante decide en cuál participar. La dinámica de estudio es de dos clases a la semana durante un mes y medio que dan la posibilidad de realizar practicas en la sede y en los talleres personales de cada alumno:

    

Taller 1

Transparencias

ACUARELAS

Horario: Lunes y miércoles de 6 a 9 p.m.

La acuarela es una técnica por excelencia para ilustradores, artistas visuales y de otras disciplinas. Es una de las técnicas más conocidas pero menos explotadas en nuestro medio. Este taller propone un trabajo con acuarelas que va desde los apuntes básicos por medio de manchas hasta el manejo de atmósferas y especialmente el manejo de detalles por medio del pincel seco y el enriquecimiento de las escalas cromáticas.

En este taller se tienen en cuenta diversos tipos de papel, además de la mezcla de técnicas complementarias a la acuarela como la tinta china, el gouache y algunos medios de punta.

    

MAYO

(1) Viernes 3 – Apuntes básicos de forma, aguadas

(2) Lunes 6 – Definición de detalles sobre los apuntes de forma

(3) Miércoles 8 – Texturas vs color plano

(4) Miércoles 15 – Grisalla en tintas chinas: Sombras y volúmenes

(5) Viernes 17 – Grisalla + color en acuarela

(6) Lunes 20 – Hiper-realismo(1). Pincel húmedo y semi-húmedo

(7) Miércoles 22 – Hiper-realismo(2). Pincel seco

(8) Lunes 27 – Imagen personal sin fondo, bases de color

(9) Miércoles 29 – Imagen personal detalles con Gouache

JUNIO

(10) Miércoles 5– Base de fondos con texturas. Acuarelas + tintas

(11) Viernes 7 – Depuración de bordes y control de volúmenes generales

(12) Sábado 8– Mezcla de transparencias con medios de punta

    

Algunos refentes:

Olga y Andrej Dugin www.illustratoren-online.de/Dugin/

Gennady Spirin www.theartfuldeposit.com/spirin.htm

Nicola Bayley www.nicolabayley.com/

Brian Froud www.worldoffroud.com

Rodney Matthews www.rodneymatthews.com/

    

.

Taller 2

Opacidad

VINILOS Y ACRÍLICOS

Horario: Martes y Jueves de 6 a 9 p.m.

Las técnicas de opacidad (vinilos, acrílicos y otros) generalmente permiten una expresión en la materia diferente a la que se logra con otros procedimientos, de esta forma se incrementa el nivel de experimentación técnica y el estudio del color en lo teórico y lo práctico.

Nuevos soportes (papel, madera, tela, cartón) y grandes formatos se suman a las calidades de textura y color que exigen especial atención en la composición y la factura plástica de la obra. En este taller se busca, además de la solución de problemas técnicos específicos, la consolidación de un lenguaje y el desarrollo de problemas conceptuales concretos.

    

MAYO

(1) Jueves 2 – Vinilos alla prima. Imprimaciones. Bases. Pincel alla prima

(2) Martes 7 – Pincelada corta –Grises escala amplia

(3) Jueves 9 – Escalas de luz. Escala lumínica alta/baja

(4) Martes 14 – Escalas lumínicas simultáneas

(5) Jueves 16 – Contraste en las escalas cromáticas. Primarios - secundarios

(6) Martes 21– Contraste con matices y tonos

(7) Jueves 23 – Armonía

(8) Martes 28 – Volumen y luz por veladuras. Terciarios

(9) Jueves 30 – Finalizados con materia. Terciarios

JUNIO

(10) Martes 4 – Color invertido. Base negra – blanco, silueteados

(11) Jueves 6 – Canvas. Veladuras, entonación general

(12) Sábado 8 – Pátinas, rayados, raspados, mixturas

    

Algunos refentes:

Mark Ryden www.markryden.com/

Joe Sorren joesorrenart.com/

Michael Paraskevas michaelparaskevas.com/

Natalie Ascencios www.ascencios.com/

Pol Turgeon www.polturgeon.com/

            

INFORMES

Dirección del taller: Calle 99 No. 11B-20

Celular: 314 4285199

rodez5@yahoo.com

        

PROCEDIMIENTO DE INSCRIPCIÓN

Valor del taller: $350.000

Inscripciones hasta el jueves 2 de mayo

    

*** OFERTA ***

$300.000 si cancela hasta el jueves 18 de abril

            

También se puede cancelar el taller en dos cuotas:

PRIMERA CUOTA: $200.000 hasta el 2 de mayo

SEGUNDA CUOTA: $200.000 hasta el 2 de junio

    

Nota: Recuerde que los cupos en cada taller son limitados. Se reserva el cupo en el orden en que cada estudiante pague su inscripción.

    

Consignaciones en la cuenta de ahorros BANCOLOMBIA No. 193-338821-27

Titular: EDGAR RODRIGUEZ

Confirmar la consignación al e-mail: rodez5@yahoo.com

Antes de iniciar el taller y después de formalizar la inscripción le enviaremos por correo la lista básica de materiales.

        

RODEZ Artista Visual, Diseñador gráfico, Ilustrador. Su labor profesional la desarrolla, principalmente, en el sector editorial. Colabora en periódicos y revistas nacionales e internacionales. Ha diseñado, escrito e ilustrado más de 50 libros de literatura infantil, juvenil y para adultos en Colombia, México, Estados Unidos y España. Es docente desde hace 15 años de las universidades Javeriana, Jorge Tadeo Lozano, Escuela de Artes y letras y ha dictado diversos talleres y cátedras en universidades de México, Ecuador, Argentina y Estados Unidos. Su obra es reconocida gracias a publicaciones especializadas y exposiciones en varios países y continentes. Ha obtenidos premios de diseño e ilustración en países como Colombia, Brasil, México, Checoslovaquia, Turquía, Alemania, Sudáfrica y Japón entre otros.

Links

FLICKR RODEZ www.flickr.com/photos/rodez/

FLICKR TALLER www.flickr.com/photos/tallerrodez/

                                        

CONVOCATORIA CONCURSO DE GRAFFITI A NIVEL METROPOLITANO

 

Proyecto 21 estilos /21 graffitis, Mexicano 777 en Chile 2011/2012.

  

Proyecto concurso de grafitis Mexicano 777 en Chile. Se hace una invitación a todos los amantes del street art nivel amateur y profesional, ha participar de este gran concurso de graffitis que se realizara por primera vez en Chile.

  

La convocatoria llama a artistas aficionados y expertos en graffitis de entre 18 y 40 años de edad, ha participar en el concurso 21 estilos/ 21 graffitis, Mexicano 777 en Chile, que premiará 1, 2, 3 lugar.

  

Según establece la convocatoria, podrán presentarse proyectos de manera individual o colectiva, con un máximo de 4 personas; los graffitis propuestos deberán ser inéditos; el boceto del proyecto deberá realizarse a escala en tamaño cartel (30 X 50 cm), a color; los trabajos deberán identificarse con seudónimo y sólo se aceptará una propuesta por concursante ya sea individual o grupal.

  

Cada propuesta deberá estar firmada con seudónimo y especificar para qué categoría se presenta amateur o profesional. Además, en la parte trasera del boceto deberá pegarse una breve argumentación sobre el graffitis que se desarrolla, con una extensión máxima de una cuartilla.

  

Es necesario anexar a las postulaciones en hojas tamaño carta con la ficha del graffitis, estableciendo técnica a utilizar, especificación de los materiales para su ejecución y la firma con seudónimo. De la misma manera todos los trabajos deben adjuntarse con el seudónimo del autor. Aceptando los términos de las bases generales del certamen, el reconocimiento de la autoría del graffitis afirmando que se trata de una obra inédita– así como su nombre completo, domicilio, teléfono, correo electrónico y firma.

  

El jurado calificará y considerará originalidad, creatividad, técnica, calidad artística, y argumentación. El resultado se dará a conocer el día viernes 2 de Diciembre.

   

BASES DEL CONCURSO

  

“Proyecto 21 estilos/21 graffitis, mexicano 777 en Chile 2011/2012.”

 

Organiza: Graff Style Chile, Puerto Rico conexión.

Produce: Centro Cultural Jóvenes por el Arte y la Educación.

Invitan: Graff Star Chile, Puerto Rico conexión.

  

1.Fundamentos: El encuentro de graffitis 21 estilos/ 21 graffitis, mexicano 777 en Chile 2011. Es un evento cultural reconocido a nivel internacional. Históricamente, el primer certamen se realizó en Colombia, Bogota en el año 2008, y a ofrecido una imagen visual potente. Como forma de incrementar la participación ciudadana y a objeto de promover el nombre y marca del evento, la organización del Festival convoca por primera vez a concurso a todos los artistas graffiteros de Chile.

 

El concurso incluye premios muy buenos para un ganador, estimulando así ha que artistas visuales del país y el extranjero expresen su visión del certamen a través del graffitis. El año 2008 se presentaron 150 trabajos al concurso.

  

2. Objetivo: Demostrar el nivel del arte callejero en Chile y reunir a los 21 mejores exponentes del graffitis a nivel metropolitano.

  

3. Participantes: Abierto a graffiteros amateur, profesionales, diseñadores gráficos, artistas visuales, estudiantes y profesionales relacionados con estos ámbitos, nacionales o extranjeros.

  

4. Tema: Mexicano 777. El graffitis será y deberá reflejar de manera novedosa varios conceptos.

Requisito: realizar un rostro más graffitis.

 

Es importante tener en cuenta que el graffitis seleccionado será la imagen oficial del 3 encuentro Internacional de graffitis y estará relacionada con los diferentes productos de promoción del evento. Es por ello que en la decisión final se privilegiará un diseño versátil, creativo, único, interesante en su composición y ejecución.

  

5. Condiciones de Participación:

Formato de entrega: 30 x 50 cms. Confeccionado a mano alsada o diseñado gráficamente.

 

-Cantidad de trabajos: Cada participante podrá presentar más de una obra al concurso.

-Seudónimo: Al reverso de cada boseto deberá inscribirse el seudónimo del concursante o crew.

  

6. Calendario de participación y envío de las obras:

 

-Apertura del concurso: 11 de Septiembre 2011

-Recepción de los trabajos: 11 de Septiembre hasta día lunes 28 de Noviembre del año 2011

-Información de los resultados: Viernes 2 de Dicembre del año 2011

  

7. Recepción de trabajos: Envía tu Boceto a:

Encuentranos y envia tus trabajos en Facebook por Graff Style Chile y por mail a chilegrafo@hotmail.cl

 

IMPORTANTE: Junto al boseto deberá entregarse un diseño único, original de buena calidad, caratulado con el mismo seudónimo del boseto, que contenga los siguientes datos: seudónimo, nombre completo, nacionalidad, número de cédula de identidad, dirección, teléfono, celular y correo electrónico del concursante. El no cumplimiento de cualquiera de estos puntos deja automáticamente fuera de concurso la obra participante.

  

Disposiciones Generales:

  

a) El concursante que obtenga el 1er lugar deberá ceder sus derechos de propiedad al Centro Cultural de Promoción, el que podrá utilizarlos para promover las actividades del 3º Festival Internacional de grafftis o para cualquier otra finalidad asociada a su objeto social. La cesión de derechos deberá concretarse antes de la fecha de entrega de premios establecida en las presentes bases.

 

La falta de ocurrencia de esta cesión anulará el lugar obtenido por el concursante (quedando este lugar vacante) y en consecuencia no se entregará el premio.

  

b) La Dirección de Arte de Graff Style Chile y sus organizadores del certamen se reservan el derecho de realizar modificaciones en las bases.

  

c) Las obras a presentar deben ser originales.

  

d) El jurado podrá declarar desierto el premio en el caso de que las obras presentadas no cumplan con los requisitos de calidad, consecuentes con la promoción.

  

e) La decisión del jurado tiene el carácter de inapelable.

  

9. Jurado: Estará conformado por dos profesionales de reconocida trayectoria a nivel nacional.

  

10. Premios

 

La organización del evento internacional con miras nacionales entregará al ganador del concurso los mejores premios.

  

11. Comisarío del Concurso: Cualquier duda con respecto al proceso del concurso serán aclaradas por el Presidente del Centro Cultural Jóvenes por el Arte y la Educación Promoción 2011/2012, Señor Francisco Andres Cubillos, quién para este concurso actuará como Comisario del mismo. Las aclaraciones o precisiones que deban hacerse sobre las bases de este concurso también serán resueltas en única instancia por el Comisario.

  

12.- Informaciones en:

-Teléfono: 9- 71944794

-Correo electrónico: chilegrafo@hotmail.cl

-Página web: Encuentranos en Facebook Graff Style Chile.

Nombre: tomas

Sexo: masculino

Cantidad de velas que aparecieron en tu última torta: 19

Cumpleaños: 7/01

Signo del zodíaco: capricornio

Estás de novio: no

Número de calzado: 40

Hermanos: 2

País en el que vives: chile

Hobby: tatuar ,pintar cuerpos, andar en skate

Estás enamorado: no:/

Profesión: tatuador

Sos feliz: si

Sabor de helado: de piña BABA

Msn: criurone@live.cl

Apariencia: simpatiko

Color de pelo: negroxd

Tamaño del cabello: medio largo

Peinado más usado: andar con trensas

Color de ojos: cafe oscuro

Altura:1 . 65

Tatuajes: dos uno en el muslo k es un pez koi y uno en la pierna k es una xinita

Diestra o zurda: zurdo

Película: perfume y el hombre manos de tijeras

Programa de TV: prision break

Color preferido: rosado:$

Amigos: uff muxos .

Amigas: muxas

Materia de la escuela: aducacion fisica o artes visuales xd

Animales: perro gato

Revistas: tattoo

Banda: movimiento original

Temas: muxos:P

Lectura: no me usta leer

Epoca: invierno

Comida: panrukas:P

Insulto: toos losk pueda decir soy muy xuxeta

xdjajaj

 

Actualmente:

 

Te sientes:maomenos

Comiendo: NADa

Tomando: NADA

Tipeando: msn y flickr

En línea: 74

Escuchando: las noticias

Pensando en: muxas cosas

Queriendo: salir pero muxo calor xd

Observando: com ota el mundo

Vistiendo: con puro short

 

Futuro:

 

Hijos: MUCHOSSSSSSS

Casarte: SEP

Carreras en mente:diseño grafico o arte

Donde quieres vivir: en francia

 

¿Qué preferís?

 

¿Boliche, Restaurant, Pub o bar?: restautant

¿Vino o cerveza?:no tomo

¿Amor o pasión?: AMORR

¿Cine o teatro?: cine

¿Pollo o filete?: los dos

¿Noche o día?: NOCHE (H)

¿Fiesta o reunión?: fiesta

¿Arte o musica?: LAS DOS

¿Mar o montaña?: MONTAÑA

¿Gato o perro?: GATO Y PERRO

¿Coca o pepsi?: la coka

¿Sprite o seven up?: sprite

¿Café o te?: cafe

 

Lo mejor del sexo opuesto:

 

Color de pelo: oscuro

Largo o corto: largo

Color de ojos: da igual k sean cinceros

Tierno o sexy: TIERNO

Ojos o boca: LOS DOS

Abrazos o besos: ABRAZOS

Alto o bajo: yo soy bejito:$

Fácil o serio: serio

Romántico o espontáneo: LOS DOS

Sensible o frío: sensible

Andanza o noviazgo: NOVIASGO

Otros:

 

¿Qué esperás de la vida?: k me salgan las cosas como kiero

¿Te emborrachaste?: no

Persona a quien admiras: kat bond

¿Qué te hace feliz?: las personas alegres

Lo último que hacés antes de dormir: MIRO LA TV Y CHATEO

Cosas más lindas que te han pasado: no tengo el numero

Fechas importantes: el dia k nacio mi sobrino y mi mami

Hora de dormir: no teno

¿Amor platónico?: kat bond

¿Qué cambiarías de tu vida?: nada

¿Peor sentimiento del mundo?: odio

¿Mejor sentimiento del mundo?: AMOR?

¿Qué te asusta o a qué le tienes miedo?: la soledad

Eres capaz de amar verdaderamente: SI

¿Deportes?: skate , boxeo ,baby futbol, futbol, basket , voley, hamboll.

¿Desearías volver a tu niñez?: SEE

¿Crees en Dios?: si

Un lugar: mi piesa

¿Alguna vez saliste con dos personas al mismo tiempo?: no

¿Te han engañado?: SE

¿Alguna vez besaste a alguien y te arrepentiste?:no

¿Qué hiciste para tu ultimo cumpleaños?: un once

¿Que hacías a medianoche ayer?: veia tele

Menciona algo que no puedas esperar: la infedilidad

¿Duermes con algo en especial?: con boxer solamente:$

¿Agregarías otra pregunta?: nop

 

mi flyer para Ironía, que esta noche se presenta por única vez en el año interpretando su disco "Me equivoco todos los días".

También tocarán Los Fáciles y las visuales estarán a cargo de Anet Soteras- incluirán mis diseños originales para el disco y otros nuevos también :3

Fue lindo retomar la historia de los conejos de este disco, el diseño original ya cumplió seis años ya, increíble!

El arte original puede verse acá www.flickr.com/photos/dimasmelfi/418212862/in/set-7215760... y acá: www.flickr.com/photos/dimasmelfi/475822313/in/set-7215760...

+ data: www.facebook.com/events/107021029464884/?ref=notif&no...

 

Flyer for Ironia, they'll play in Córdoba tonight for the first and only time this year, presenting their 2006's full album ("Me equivoco todos los días").

I made the original art for that album during those days, it's incredible that it's been six years since then! It was really nice to come back to our special bunny world one more time.

The original art can be seen here www.flickr.com/photos/dimasmelfi/418212862/in/set-7215760... and here: www.flickr.com/photos/dimasmelfi/475822313/in/set-7215760...

Reford Gardens, (Quebec, Canada). International Garden Festival

 

[ENG] In Redford Gradens every year celebrates the International Garden Festival in that they show contemporary gardens created by over 220 architects, landscape painters and artists of international reputation. The International Garden Festival is recognized as one of the most important events of its kind in North America and one of the leading annual garden festivals in the world. The Festival is a unique forum for innovation and experimentation and an exceptional showcase and launching pad for participating designers from a host of disciplines. It provides an annual rendez-vous for admirers of contemporary gardens and design as well as offering a unique space for those involved in the renewal of this art form. This artistic and tourism event also gives visitors a chance to discover inspiring spaces bringing together the visual arts, architecture, design, landscape and the environment.

 

[ESP] En los Jardins de Metís cada año se celebra el Festival International de Jardines para él que más de 220 arquitectos, paisajistas y artistas de reputación internacional crean jardines contemporáneos. Este Festival es reconocido como una de las más importantes manifestaciones del género en América del Norte y uno de los principales festivales de jardines a nivel mundial. El Festival es reconocido como un foro de innovación y un laboratorio de experimentación en arte de la jardinería. Es una cita anual ineludible para todos los aficionados a los jardines contemporáneos, así como para todos los diseñadores implicados en la renovación de este arte. Este acontecimiento artístico y turístico ofrece a los visitantes una posibilidad para descubrir espacios inspiradores que conjugan las artes visuales, la arquitectura, el diseño, el paisaje y el entorno.

 

116189

16 cosas sobre mi

Por invitación de El Félix y de Eclecctica

 

1. Tengo dos grandes amores: El Salvador y México. Soy salvadoreña de nacimiento y mexicana por elección.

 

2. Empecé a estudiar arquitectura, terminé diseño industrial y artes visuales. Disfruto enormemente todo lo relacionado con estas áreas. Me gusta el diseño de interiores y me encanta tomar fotografías.

 

3. Adoro los libros y me gustaría tener una librería. Aprendí a leer a los tres años, y desde entonces es uno de mis mayores vicios. Me gustan también las estampillas, los cuadernos y los sets de correspondencia.

 

4. Me gusta viajar, me fascinan los aviones. Conozco algunos lugares, me gustaría conocer muchos más: Siberia, Ulán Bator, San Petesburgo, Churchill, la isla de Pascua, Tahití, Tokyo, Nueva Delhi, el Tibet, Serengeti, Buenos Aires... y la lista es larga...

 

5. Me gusta la música, también el silencio. Admiro a los buenos compositores porque una partitura en blanco me parece un enorme reto. Soy fan de Miguel Bosé desde que iba en segundo de primaria.

 

6. Soy perfeccionista, para bien y para mal.

 

7. Me gusta hacer postres, disfruto cocinar. Las guayabas y los mangos son mis frutas favoritas, me gustan el vinagre balsámico, la pimienta y el café, el queso, el pan y el vino también. Disfruto la sobremesa con los amigos.

 

8. Viví la guerra, defiendo la paz. La incertidumbre, el miedo y la impotencia que la guerra provoca no son justificables bajo ningún argumento político.

 

9. Soy amante de las plantas y los animales, me gustan las orquídeas y las palmeras, me dan miedo las arañas. Me gustan las personas vegetarianas.

 

10. Me encantan los spas, el incienso y las velas.

 

11. Me gustan los hombres inteligentes.

 

12. Soy católica no practicante y en desacuerdo con la postura de la iglesia contemporánea. Respeto la fé de cada quien y me molesata que intenten adoctrinarme.

 

13. Soy intolerante, neurótica y soberbia, en proceso de recuperación.

 

14. Me gustan el mar, la ropa de lino, los barcos y las ballenas.

 

15. Tengo dos gatitas: Britney y Paulina.

 

16. Soy piscis.

PARA LOS QUE AUN NO HAN ENTENDIDO QUÉ HACEMOS LOS DISEÑADORES VISUALES:

 

►Nosotros no diseñamos por epifanía, inspiración divina o chispazo... Nosotros Diseñamos basados en la Historia, Escuelas y Teorías del Diseño, basados en una investigación exhaustiva sobre el cliente, producto o servicio al cual le vamos a Diseñar.

 

►Nosotros no hacemos Logos... Creamos Marcas, Distintivos Visuales enmarcados en un Manual y Modelo de Marca completo.

 

►Nosotros no retocamos fotos... Nosotros Creamos imágenes y composiciones digitales profesionales haciendo uso de medios y herramientas digitales.

 

►Nosotros no hacemos Web... Nosotros Diseñamos plataformas dinámicas e interactivas de comunicación que transmitan un mensaje claro y directo.

 

►Nosotros Creamos Sistemas Interactivos, Multimediales e intuitivos para múltiples plataformas.

 

►Nosotros Creamos Sistemas Ambientales para el mejoramiento de los espacios donde el hombre, los animales o las plantas cohabiten en perfecta armonía.

 

►Nosotros somos una rama del Diseño totalmente independiente del Diseño Gráfico, Industrial, de Espacios, de Moda, que se nutre de conocimientos de éstas áreas y de muchas otras como la Arquitectura, la fotografía, el Diseño 3D, la antropometría, la ergonomía, la proxémica, la epístemología, la socioantropología, la semiología, entre otras... para CREAR conceptos totalmente nuevos desde un simple boceto...

 

Juan Camilo Bedoya Vargas.

Estudiante de 7mo ► 8vo Semestre de Diseño visual.

Fundación Universitaria Bellas Artes.

Medellín, Antioquia.

Colombia - 2011-11-11

 

650 Visitas hasta ahora!! Muchas gracias, y Gracias por sus comentarios!! (Diciembre de 2012)

Ejercicio de "Selecciones" para el Máster en Diseño Gráfico de la Escuela de Artes Visuales.

Regla de los tercios

  

Esta fotografía ilustra los principios seguidos con la regla de los tercios.

  

En las artes visuales como la pintura, fotografía y diseño, la regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical.

  

La regla recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena.

  

La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones.

Arboleda con teoría

1997

  

Retrospectiva en homenaje al Maestro

CARLOS CAÑAS

Premio Nacional de Cultura 2012

Artes Plásticas

6 al 18 de noviembre de 2012

 

La Secretaria de Cultura de la Presidencia de la Republica, tiene el grato honor de presentar la obra retrospectiva del artista Carlos Cañas en la Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué” en el marco de celebración del premio Nacional de Cultura 2012, dedicado a las Artes Plásticas.

 

Carlos Cañas nace el 3 de septiembre de 1924 en San Salvador. Ingresa a la Escuela Nacional de Artes Graficas en 1950, donde permanece por ocho años. Elige en su inicial periodo la temática indigenista aproximadamente en los años cuarenta y cincuenta del siglo XX

 

Durante su estadía en España, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se enfrenta a novedosas corrientes en boga, especialmente al informalismo y la abstracción. A su regreso a El Salvador en 1958 irrumpe con sus nuevos conocimientos la tradición pictórica y se dedica a la abstracción, como segundo periodo de creación, iniciando en este sentido una nueva corriente para el desarrollo del arte nacional, partiendo de que el ancestralismo telúrico precolombino es el contenido simbólico de su innovación estilística.

 

En su tercera etapa, utiliza el dibujo expresionista dedicado| a contenidos políticos de la realidad salvadoreña en la que denota una valoración sobre la miseria, desamparo y angustia de su pueblo. Su credo estético consiste en que considera al arte como expresión que debe cumplir una función socio-política-cultural.

 

La cuarta etapa corresponde a la del “realismo mágico” en la cual regresa a la figuración preciosista, donde demuestra la perfección pictórica. La mejor muestra de este periodo se puede apreciar en los frescos que decoran la cúpula del Teatro Nacional de San Salvador. Su pintura figurativa conoce tres aspectos fundamentales: el realismo mágico, el mestizaje cultural y la ideología como esencia fundamental.

 

De tal manera que la armonía, como tipificación persiste de la creación de Carlos Cañas en todas las formas cognoscitivas de las artes visuales, se mantiene en sus distintos comportamientos en la relación tiempo-espacio, y, su arte ha sido contemporáneo tanto a los contextos históricos que le han rodeado como a los de su creación aislada y profundamente sensible.

 

Por eso y por mucho más esta exposición esta consagrada a uno de los mejores artistas integrales del siglo XX y XXI: Carlos Gonzalo Cañas, ganador del premio Cultura 2012 en la rama de Artes Plásticas.

 

“Maestrísimo Carlos Cañas, talento y baluarte nacional con quien la sociedad salvadoreña tenia una deuda moral, y, en esta ocasión cuando en nombre de la misma, se le rinde tributo en la Sala Nacional de Exposiciones Salarrué”, bajo esta exposición curada por Jorge Palomo.

 

Ana Magdalena Granadino

Secretaria de Cultura de la Presidencia.

      

Maestro Carlos Cañas, Premio Nacional de Cultura 2012

 

Esta exposición presenta una selección de la obra del Maestro Carlos Cañas, ganador del premio Nacional de cultura de este año. Se incluyen 48 piezas que abarcan más de 70 años de trabajo, con obras de cada década, e incluyen sus obras maestras. La exposición esta organizada en un recorrido cronológico.

 

Cañas ha llamado su obra “la gran síntesis” refiriéndose a la mezcla entre estilos de arte extranjeros modernistas con temas nacionales. Es portador de un vasto bagaje cultural universal y de un entendimiento de las realidades de nuestro país. Ha sido el precursor nacional de los diversos estilos artísticos. Y un infatigable humanista, presentando temas apegados a los derechos humanos y a la justicia social a lo largo de su carrera.

 

En la década de 1940 regreso de la Escuela de Artes graficas, sus profesores influyeron en su obra: José Mejía Vides con los temas del paisaje e indígenas, Y Luis Alfredo Cáceres Madrid con el muralismo Mexicano, el nuevo arte moderno de las Américas, que presentaba a la población rural en escenas propias del costumbrismo. El contenido se compone con lo social y lo político, y fundamenta las bases del artista.

 

En 1950, Cañas partió a España para estudiar artes, donde aprendió las corrientes modernistas europeas. Retorno al país en 1958, e introdujo la abstracción en El Salvador, continuando con contenidos sociales.

 

La década de los 1960 muestra series de abstracción matérica -pintura mezclada con materiales adicionales para resaltar la textura de la superficie-. La primera serie se enfoca en paisajes. La segunda se inspira en mobiliarios y elementos arquitectónicos. La tercera, titulada Serie Maya, es inspirada en el Popol Vuh, recupera un tema central de la histórica nacional en un estilo moderno. Esta década también presenta esculturas en hierro forjado, continuando la abstracción de las formas.

 

La siguiente década marco un cambio en estilo y contenidos. Impactado por la intervención militar en 1972 de la Universidad Nacional, comienza su serie de Testimonios que ilustran los abusos a los derechos humanos que ocurrían en manos de las dictaduras militares. Le sigue la Serie De Hospitales. Los cuerpos de ambas series muestran una deformación de los cuerpos que comunica lo trágico de las escenas. En la segunda mitad de la década dejo la abstracción por un realismo mágico, simbólico, haciendo uso de frutos, flores y personajes. Esta etapa culmino con una de sus obras maestras, el mural de la cúpula del teatro Nacional de San Salvador.

 

Durante el conflicto armado, continúo con temas de Testimonios pero también trata temas más propios del amor. Una de sus obras maestras, la representación de la masacre de El Sumpul, ha sido llamada la pintura histórica más importante de nuestra época contemporánea

 

Para la década de 1990, dejo a un lado el realismo de las décadas pasadas. Figuras son dibujadas con pintura en una pincelada y un colorido más expresionista, sin dejar a lado una sensación de irrealidad. Los bronces de esta década son figuras femeninas recostadas en estilos que van desde el realismo hacia un estilo mas simplificado.

 

Para el nuevo siglo, Cañas continuo el estilo y los temas de la década previa, pero en colores mas vividos y saturados, y con una línea mas grafica. Predominan representaciones de las mujeres. Actualmente, su obra sintetiza los colores y la línea grafica de las series previas, pero el estilo de las figuras recuerda la abstracción geométrica de su retorno de España en 1958.

 

Jorge Palomo.

Curador

       

Biografía

 

Carlos Cañas nació en 1924 en San Salvador. En 1944 egreso de bachiller en Arte y teoría de la Escuela Nacional de Artes Graficas. En 1947 fue dirigente del grupo de pintores independientes, quienes produjeron arte comprometido con la realidad política y social del país. En 1950 fue becado para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, España y permaneció en Europa hasta 1958. Cañas es parte de una generación de pintores salvadoreños que Estudiaron en Europa durante la década de los 1950 y que retornaron al país, cambiando el panorama de la pintura nacional. Carlos Cañas es el primer artista que exhibe pintura abstracta de corte cubista en El Salvador.

 

Desde 1958 hasta 1972, Cañas fue profesor en la facultad de Ingeniería y Agricultura de la Universidad Nacional de El Salvador, siendo nombrado jefe del Departamento de Teoría e Historia en 1969. En 1974, fue nombrado profesor en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas. Desde 1976, y por varios años, fue profesor de pintura y dibujo en el Centro Nacional de Artes, eventualmente fungiendo como director (1996-2001). Impartiendo Clases de pintura en su estudio desde la década de los ochenta hasta 2008.

 

Su obra es concurrente con el modernismo del siglo XX, empapándose de todas sus corrientes más importantes aplicadas temas nacionales. Su producción artística incluye pintura, murales, escultura, dibujo, grabado, ilustración de libros, diseño de escenografía y vestuario. Su larga carrera abarca diversos estilos como el indigenismo y paisajismo, el cubismo, obra abstracta matérica, el realismo mágico; así como el expresionismo a finales del siglo XX. Vemos un retorno a una abstracción geométrica en su obra reciente. Entre los murales pintados por Cañas se encuentran los del Teatro nacional de San Salvador (1977). Su temática por la excelencia ha sido el humanismo.

 

Además de mas de setenta exposiciones individuales y cientos de expresiones colectivas a nivel nacional, ha exhibido en Centroamérica, Cuba, México, los Estados Unidos, Sur América, Europa, Japón y Costa de Marfil. Ha participado en importantes bienales internacionales, incluyendo la XXIII Bienal de San Paulo (1996) donde represento al país de manera individual.

 

Cañas ha recibido numerosos reconocimientos como: el Reconocimiento por su labor por la Asamblea Legislativa de El Salvador (1988); la Orden del caballero de las Artes y Letras del gobierno de Francia (1990); la Condecoración José Matías Delgado del Gobierno de El Salvador (1992); la Condecoración Isabel la Católica del Gobierno de España (2001) el premio Nacional de Derechos Humanos de la Procuraduría para la Defensa de los Derechos Humanos de El Salvador (2002); el premio Valor Cultural 2003 del Consejo Nacional para la Cultura y el ARTE; la Cruz de Santiago del Centro Español y la Embajada de España (2009); la condecoración Miembro de Merito de la Fundación Carlos III del Teatro Real de Madrid 82012); y el Premio Nacional de Cultura, rama de Artes Plásticas, de la secretaria de Cultura de la Presidencia (2012).

 

Su obra se incluye en la colección Nacional de Pintura y Escultura, el Museo Forma y el Museo de Arte de El Salvador MARTE, así como el Museo José Luis Cuevas de México.

 

Señoras y señores , amigos y amigas! esto fue el comunicado que pusierón los señores del IED Madrid! ....

 

"Han finalizado las votaciones. Hoy a las 19:00 se publicarán los veinte finalistas de cada una de las cuatro categorías: los diez elegidos por el público y diez más elegidos por las escuelas correspondientes de IED Madrid. Una vez publicados los veinte finalistas de cada categoría el jurado los evaluará. La lista de ganadores se publicará el martes 28 de abril a las 20:00. ¡ Gracias a todos por vuestra participación!"

 

segun las reglas del concurso, pase a la final por que quede entre los 10 primeros votos! en 7 lugar ya que mucha gente "amigos! de mis cotrincantes votaban por mi en 1 estrella bajandome de lugar (pero bueno eso no importa) ya que conte con el apoyo de todos ustedes! siempre manteniendome entre los primeros 10 y bueno asi pasar a la final!! ohhh siii!! solo queda esperas dos cosas.

 

1. la confirmación hoy a la 1 pm (hora Colombia) de mi paso a la final

 

2. el otro martes el resultado final escogido por un jurado para saber los ganadores de la beca.

 

Bueno eso es todo, lo unico que me resta es darles a todos ustedes un infinito GRACIAS! por sú apoyo!!

 

--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

PASOS PARA LA VOTACIÓN:

 

1. registrese aqui con un nombre de usuario(cualquiera) y su correo electronico : quierosercreativo.es/wp-signup.php?notShow=1

 

2. le llegara un correo de activación de cuenta a sú correo con un vinculo (de click en él)

 

3. despues el sistema le dara una clave con el usuario que usted escribio.

 

4. poga la clave y su usuario aca: quierosercreativo.es/wp-login.php

 

5. despues que ya este dentro de su cuenta de quierosercreativo.es vaya a esta pagina:

quierosercreativo.es/artes-visuales/diseno-digital/hernan...

 

6. abajo del texto que escribi y del trabajo hay unas estrellas (5 estrellas) vote por las 5 estrellas y ya a terminado la forma de votar por mi

 

muchas gracias!

 

EXPLICACION DE PORQUE LA VOTACION!

 

Hola a todos esto es para pedirles un grandisimo favor:

estoy participando en un concurso para una beca en el IED madrid (ISTITUTO EUROPEO DI DESING) el concurso consiste en que tengo que contestar la siguente pregunta: por que quiero ser creativo? con un video y un pequeño texto, pues mi respuesta esta aqui,ya que gana el que mayor numero de votos tenga y tenga una buena respuesta. Les pido el favor si se pueden resgistrar y votar por mi, el registro aqui (obviamente si les gusta mi respuesta o simplemente si me quieren ayudar) muchas gracias!

 

FECHA CIERRE VOTACIONES: miércoles 22 de abril de 2009 (10:00 GMT+1)

 

p.d

para votar hay que hacerlo en las estrella de abajo, por favor poner las 5 estrellas.

seria bueno que me ayudaran a divulgar esta info, de nuevo gracias!

 

VOTE FOR METRALLO!

 

Hi everyone, i'm writing this to ask you a big favour:

I'm currently enrolled in a contest to win a full scholarship in the IED madrid (INSTITUTO EUROPEO DI DESIGN). The contest consists on answering the question "why do you want to be creative?" with a video and a small text.

 

My answer can be found here .

 

The winner is the one who gets the majority of votes and has the highest score. I ask of you to please register in the site and vote for me (if you like my answer or if you just simply want to help me out). You can do so until wednesday 22nd april 2009 (10:00 GMT+1)

 

Thanks a lot

 

PS: In order to vote you need to click on the stars below the video. Also, i would greatly appreciate if if you could pass this information along. Thanks again !!

 

Especial Arte y Tecnología

Conoce el quinto número de VISION aquí:

VISION 05 2012

¡Suscríbete!

Ofertas de Suscripción

Hazte adicto de nuestro blog:

Blog Visionario

En facebook:

www.facebook.com/VisionCHF

En Twitter:

@CHFVision

En LinkedIn:

Visionarios en Linkedin

Comunícate con nosotros:

info@chfvision.com

Revista VISION Espacio de Artes Visuales

Exposición Hanami

 

"Muestra de Artes Visuales a beneficio de la Fundación Sendero"

2 y 3 de agosto, de 14 a 19 hs, en Fundacion Alfredo Palacios (charcas 4741/Palermo)

 

ENTRADA: UN ALIMENTO NO PERECEDERO

  

Artistas:

 

Cortometrajes:

 

Debora Galun: www.deboragalun.com.ar/

Monica Zuluaga: www.flickr.com/photos/septima/

Gustavo Fontan: www.gustavo-fontan.blogspot.com/

Martin Pimentel: www.youtube.com/user/pimentelma

Mauricio Errani: www.errorvital.blogspot.com/

Gustavo Schammas: www.youtube.com/user/vinilofilms

Martin Deus: www.martindeus.com.ar

Laura Sayus: www.marialaurasayus.blogspot.com

Mario Bocchicchio: www.youtube.com/watch?v=aCQkjD68WV8

Luciana Depaola: vidslib.com/index.php?view=3740109

Ignacio Verguilla:

Adolfo Cabanchik:

 

Artes Plasticas y digital

 

Agostina Pazzia: www.flickr.com/photos/s_u_r_p_r_i_s_e_s/

Salome : www.flickr.com/photos/vorfas/

Nicolas Rubens: www.flickr.com/photos/olguinarte/

Franco Peralta: www.flickr.com/photos/cocococo

Seniorita Polyster : www.flickr.com/photos/senioritapolyester/

Andres Zerneri: www.andreszerneri.com.ar/

Silvia Cordero Vega: www.lacaligrafia.com

Guadalupe Bracaccini: www.flickr.com/photos/musicaderadio/

Mara Caffarone: www.flickr.com/photos/unknown_/

Gustavo Guarasci:

 

Fotografia:

 

Adriana Montaldo Vera: www.flickr.com/photos/adri_ana/

Veronica Noonan: www.flickr.com/photos/teleoalreves/

Rodrigo Narambuena: www.flickr.com/photos/rbsfoto/

Fabio Borquez: www.flickr.com/photos/fabioborquez/

Julia Feldman: www.flickr.com/photos/variationsonthewordsleep/

Matias Seranian: www.flickr.com/photos/le_cadreur

Matias Sinigoi: www.flickr.com/photos/solounser/

 

Street Art:

 

Monte Grande Stencil: www.fotolog.com/mtegdestncl

Daniela Bermejo: www.flickr.com/photos/hellocerise/

 

"Diseño e Ilustracion de Flyer Andrea Mila - Edicion Matias Seranian"

 

Adolfo Vasquez Rocca - Doctor en Filosofía

 

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

 

Doctor en Filosofía

  

www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html

   

Datos personales

 

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

   

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca/About

   

Doctor en Filosofía

   

Domicilio

   

Valparaiso, Chile

   

Adscripción Académica

   

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso

 

Universidad Andrés Bello UNAB

 

Universidad Complutense de Madrid

 

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

 

E-mail: adolfovrocca@gmail.com

     

TRAYECTORIA ACADÉMICA

     

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, mención Filosofía Contemporánea y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo, Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB Santiago. Profesor PEL Programa Especial de Licenciatura en Diseño, UNAB – DUOC UC – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la 'Fundación Hombre y Mundo' y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la 'Fundación Ética Mundial' de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de 'Konvergencias', Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis – Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV. –Asesor Consultivo de Enfocarte –Revista de Arte y Literatura– Cataluña / Gijón, Asturias, España. –Miembro del Consejo Editorial Internacional de 'Reflexiones Marginales' –Revista de la Facultad de Filosofía y Letras UNAM. –Editor Asociado de Societarts, Revista de artes y humanidades, adscrita a la Universidad Autónoma de Baja California. –Miembro del Comité Editorial de International Journal of Safety and Security in Tourism and Hospitality, publicación científica de la Universidad de Palermo. –Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) con sede en Bruselas, Bélgica. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. –Investigador Asociado a la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida por el Dr. Humberto Maturana. –Consultor del Consejo Nacional de innovación para la competitividad. – Artista conceptual. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011. Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, :copyright: 2012

     

PUBLICACIONES

   

Publicaciones Internacionales Catalogadas en DIALNET Directorio de Publicaciones Científicas Hispanoamericanas

   

dialnet.unirioja.es/servlet/autor?codigo=1053859

     

Publications Scientific

   

de.scientificcommons.org/adolfo_v%C3%A1squez_rocca

     

Biblioteket og Aarhus Universitet, Denmark | Det Humanistiske Fakultet

   

www.statsbiblioteket.dk/

     

BIBLIOTECA UNI>ERSIA – Unesco - CSIC

   

biblioteca.universia.net/search.do?q=Adolfo+V%C3%A1squez+...

     

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

 

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

     

Biblioteca Universidad Complutense de Madrid

 

Revistas Científicas Complutenses

     

Directorio de recursos digitales - Ministerio de Cultura, España

     

Biblioteca Asociación Filosófica UI

   

www.uruguaypiensa.org.uy/categoria_144_1_1.html

     

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

   

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca/About

     

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PH.D. - CURRICULUM ACADÉMICO ABREVIADO

   

www.linkedin.com/pub/adolfo-vasquez-rocca/25/502/21a

     

LIBROS

   

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

   

Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1

   

Libro: Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario [Compilación de Conferencias en México D.F.] Editorial Hombre y Mundo (H & M), México, 2009, 450 páginas I.S.B.N.: 978-3-7800-520-1

   

'LE NÉANT DANS LA PENSÉE CONTEMPORAINE' ,

 

Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC , , ISBN: 978-2-35424-151-3 , Bès Editions , París, :copyright: 2012 ,

   

- VV.AA., VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Antologado y Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, :copyright: 2012

     

INVESTIGACIÓN:

 

2009 - 2010

   

Proyecto de Investigación N° DI-10-09/JM - UNAB

   

“Ontología de las distancias en Sloterdijk, hacia una teoría antropotécnica de las comunicaciones”.

   

Dirección de Investigación, Universidad Andrés Bello – Fondo Jorge Millas 2009, Facultad de Humanidades y Educación UNAB

     

2011 - 2012

   

- Proyecto de Investigación N° DI-08-11/JM - UNAB

   

- Proyecto de Investigación: “Ontología del cuerpo en la Filosofía de Jean Luc Nancy, Biopolítica, Alteridad y Estética de la Enfermedad”.

   

Dirección General de Investigación y Desarrollo, (VRID) – Vicerrectoría de Investigación y Doctorado UNAB

   

Fondo Jorge Millas 2011 - 2012, Facultad de Humanidades y Educación. Universidad Andrés Bello

     

Asistente de Investigación:

 

Mag. Susanna Bozzetto: Universitat de Barcelona - Màster en Pensament Contemporani - Máster en Edición de Textos

     

ADOLFO VAŚQUEZ ROCCA PH.D. TRAYECTORÍA ACADÉMICA

     

TRAYECTORÍA ACADÉMICA

   

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética.

   

– PROFESOR DE POSTGRADO DEL INSTITUTO DE FILOSOFÍA DE LA PUCV – PROFESOR ASOCIADO AL GRUPO THEORIA PROYECTO EUROPEO DE INVESTIGACIONES DE POSTGRADO UCM

 

Philosophie und Sozialwissenschaften - Philosophy and Social Sciences - Philosophie des Sciences Sociales. GRUPO DE INVESTIGACIÓN - UNIVERSIDAD COMPLUTENSE | Madri+d UCM 1391 - COMUNIDAD AUTÓNOMA DE MADRID. www.ucm.es/info/eurotheo/

   

(1993) Profesor del Seminario "Lógica Contemporánea 'Wittgenstein y El Círculo de Viena' ", Instituto de Filosofía, Universidad Católica de Valparaíso

   

(1995-1998) Director de Investigación Teoría del Conocimiento -Theory of Knowledge Tok- The Mackay School, Bachillerato Internacional, International Baccalaureate.

   

(2005-2010) Profesor de Antropología, Escuela de Medicina, Universidad Andrés Bello.

   

(2005-2010) Profesor de Antropología Filosófica y Estética, Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello, UNAB

   

(2006-2012) Profesor de Estética, Facultad de Arquitectura, Universidad Andrés Bello UNAB

   

(2006 - 2007) - Profesor del MAGISTER EN ETNOPSICOLOGÍA y DIPLOMADO EN PSICOLOGÍA CLÍNICA "PSICOPATOLOGÍA, SUBJETIVIDAD Y CULTURA". ESCUELA DE PSICOLOGÍA PUCV

   

(2006 - 2012) Profesor de Estética Escuela de Arquitectura, Universidad Andrés Bello, UNAB

   

(2006-2012) Profesor de Fundamentos Culturales de la Comunicación. Escuela de Periodismo, Universidad Andrés Bello, UNAB

   

(2006-2010) Profesor de la Escuela de Psicología, Universidad Andrés Bello, UNAB

   

(2006-2007) Profesor invitado Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM

   

(2007- 2012) Profesor visitante de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, semestre de otoño 2007, BUAP

   

(2005-2008) Profesor de Postgrado, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, PUCV

   

(2005-2012) Profesor Asociado Grupo THEORIA Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado. UCM

   

(2009-2010) Profesor visitante Florida Christian University USA

   

(2010- 2011) Director Académico Carrera de Filosofía y Teología, Universidad Cristiana de Chile UCCH

   

(2012) Consultor del Consejo Nacional de innovación para la competitividad.

   

(2012) Investigador Asociado a la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida por el Dr. Humberto Maturana.

   

(2009-2012) Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello.

     

SEMINARIOS

   

Asignaturas de Postgrado impartidos:

     

2005 - 2º Seminario "Rorty: ironismo liberal y giro narrativo de la Filosofía".

   

2006 1º Seminario Sloterdijk: "Crítica de la Razón Cínica"

   

2006 2º Seminario "Nietzsche; Genealogía de la moral y voluntad de ficción"

   

2007 1º Seminario Sloterdijk - Nietzsche

   

2007 2º Seminario: Sloterdijk un pensador estético

   

2008 1º Seminario "Peter Sloterdijk - W. Benjamín; De la Filosofía a la Arquitectura"

   

2008 2º Seminario "Sloterdijk y Baudrillard; Ontología de las distancias y antropotécnica de las comunicaciones"

   

2011 2º Seminario "DERRIDA Y SLOTERDIJK; DE LOS ESPECTROS DE MARX A LOS ESTADOS GENERALES DEL PSICOANÁLISIS", Postgrado en Psicoanálisis, Universidad Ándres Bello UNAB, Escuela de Psicología.

     

ENTREVISTA:

   

“La Filosofía como teoría erótica. Entrevista a Adolfo Vásquez Rocca PhD". Entrevista en 'ALCANCES' Vol.I, Nº 1, año 2010 – REVISTA DE FILOSOFÍA – de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la UNIVERSIDAD DE CHILE.

 

www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81

     

PUBLICACIONES EN REVISTAS ACADÉMICAS INDEXADAS -CON COMITÉ EDITORIAL

   

PARTICIPACIÓN EN SEMINARIOS Y CONGRESOS

     

2004 Seminario Homenaje Prof. Dr. Mirko Skarica, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Ponencia: "Lógica paraconsistente y semántica de los mundos posibles", noviembre.

   

2004 Seminario "Raúl Ruiz y la vanguardia del Cine francés", organizado por la PUCV. UPLACED, ARCIS y Embajada de Francia. Conferencia: "Raúl Ruiz; Defensa retórica del arte de filmar y del cine como arte; plan secreto, sinfonía dramática y lógica narrativa", octubre.

   

2005 "El Dios Pensado: Estudios antropológicos acerca de lo divino" Ciclo de Conferencias en la Universidad Andrés Bello. Departamento de Artes y Humanidades - Campus República, UNAB. Conferencia: "Ludwig Wittgenstein; Mística, Filosofía y Silencio", septiembre

   

2006 Video-Conferencia UCM - UNED y A Parte Rei en ATEI Asociación de Televisión Educativa Iberoamericana, “El poder de la palabra; lenguaje y realidad”, Febrero, 2006, serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/video3.html

   

2006 Universidad Veracruzana en su 50' Aniversario y XI Encuentro Nacional de Pasantes de Filosofía. Conferencia Magistral: "La ficción del sujeto y las seducciones de la gramática en Nietzsche y Deleuze", octubre.

   

2006 Universidad Autónoma de Tlaxcala. Conferencia: "En el mismo barco: ensayo sobre la hiperpolítica, posmodernidad y globalización en Peter Sloterdijk", octubre.

   

2006 Universidad Autónoma de Tlaxcala. Cursillo Maestría en Filosofía: “El giro Estético de la epistemología; redescripciones de la posmodernidad”, 19 y 20 de octubre.

   

2006 1er Coloquio Hispanoamericano de Filosofía después de Auschwitz, en el Antiguo Colegio de Medicina, Ciudad de México; organizado por la UNAM, la Universidad Iberoamericana y La Asociación Filosófica de México. Ponencia: "Peter Sloterdijk; El Posthumanismo: sus fuentes teológicas y sus medios técnicos", octubre.

   

2006 Coloquio internacional: Repercusiones e interacciones políticas, filosóficas y teológicas entre oriente y occidente. UNAM, Mesa ética y Responsabilidad humana, Ponencia: "Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario", octubre.

   

2007 II Coloquio Franco-Hispano-Chileno de Etnopsicología y III Seminario Internacional sobre el Espacio "El Espacio y el Lenguaje". PUCV. Ponencia: "Metafórica de las Esferas; una aproximación al hombre como experimento sonoro", enero.

   

2007 Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso, Ciclo: "Diálogo: Ciencia, Política y Poder. ¿Es Chile una Sociedad Justa?". Conferencia: "Imaginarios, cartografía de las emociones escindidas y crisis del proyecto urbano, mayo.

   

2007 Congreso Internacional Nietzsche “Filosofía, Arte, religión, ciencia y política en Nietzsche: memorias de un caminante intempestivo”, organizado por la Universidad Veracruzana, México. Ponencia: "Nietzsche y Sloterdijk; depauperación del nihilismo, posthumanismo y complejidad extrahumana", octubre.

   

2007 Conferencia Magistral en el Colegio de Filosofía, introductoria a la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, “Peter Sloterdijk; Esferas, deriva biotecnológica y el cinismo difuso de nuestras sociedades Exhaustas”, octubre.

   

2007 Curso en el Colegio de Filosofía, introductoria a la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla: “Sloterdijk; Esferas, Flujos y Redes; Antropología y Estética Posmoderna”, octubre.

   

2007 Conferencia Magistral Aula Magna, Universidad Nacional Autónoma de México UNAM, Sloterdijk; Esferas y Temblores de Aire [Estética, Ontogénesis de los Espacios Humanos y Etno-terrorismo], octubre

   

2007 Congreso Internacional de Fenomenología y Hermenéutica, Universidad Andrés Bello, sección Estética. Ponencia: “Sloterdijk: Esferas, fenomenología y ontogénesis de los espacios humanos”, octubre.

   

2000 "Reflexiones sobre Alteridad y Reconocimiento". Encuentros de la Facultad de Filosofía UCM con pensadores contemporáneos alemanes. Goethe Institut Madrid. Octubre.

   

2000 Ponencia en Seminario "El Reto del Espacio: Pensar con Heidegger sobre la obra de Eduardo Chillida", Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Pontificia Comillas, Campus Cantoblanco, noviembre.

   

2000 Ponencia "El peso del mundo y el lento regreso del sujeto escindido en Peter Hanke", Encuentro Interdepartamental en torno a la Crisis de Fin de Siglo. Aspectos de la Identidad Europea. Facultad de Filosofía UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID. Diciembre.

   

2004 Seminario Homenaje Prof. Dr. Mirko Skarica, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso Ponencia:

 

Ponencia "Lógica paraconsistente y semántica de los mundos posibles" (noviembre).

   

2004 octubre Seminario "Raúl Ruiz y la vanguardia del Cine francés", organizado por la PUCV. UPLACED, ARCIS y EMBAJADA DE FRANCIA. Conferencia: "Raúl Ruiz; Defensa retórica del arte de filmar y del cine como arte; plan secreto, sinfonía dramática y lógica narrativa"

   

2005 "El Dios Pensado: Estudios antropológicos acerca de lo divino" Ciclo de Conferencias en la Universidad Andrés Bello. Departamento de Artes y Humanidades - Campus República, UNAB Conferencia: "Ludwig Wittgenstein; Mística, Filosofía y Silencio"

   

2006 I COLOQUIO FRANCO-HISPANO-CHILENO DE ETNOPSICOLOGÍA Y II SEMINARIO INTERNACIONAL SOBRE EL ESPACIO "EL ESPACIO Y EL OTRO". Enero, PUCV. Coloquio y moderación Ponencia de la Dra. Adela Cortina Orts

   

2007 CONGRESO INTERNACIONAL DE FENOMENOLOGÍA Y HERMENÉUTICA

 

Comunicación “Sloterdijk: Esferas, fenomenología y ontogénesis de los espacios humanos”,

 

Universidad Andrés Bello UNAB (17 - 19 de octubre, 2007)

   

2008 II Seminario "De la Filosofía a la Literatura"

 

Departamento de Artes y Humanidades, Universidad Andrés Bello UNAB (7 de noviembre, 2008)

 

Conferencia “Sloterdijk; Pensamiento, expedición y verdad”.

   

2008 Segundo Coloquio Interdisciplinario: “El Pensamiento de Carla Cordua y El Desarrollo de la Filosofía En Chile”.

 

Seminario Permanente Hegel – Marx. Facultad de Filosofía y Humanidades, Universidad de Chile UCH (13 de noviembre, 2008)

 

Ponencia: “En Torno a Sloterdijk y Heidegger: La recepción Filosófica”.

   

2008 Bienal de Artes Visuales de Honduras 2008: Diásporas del Futuro (BAVH)

 

Conferencia "El objetivo de la Crítica de Arte" [17 - 19 de noviembre, 2008]

   

2008 Congreso Internacional - Interdisciplinario de Filosofía, Córdoba, 2008. SAF Sociedad Argentina de Filosofía.

 

Museo - Palacio Martín Ferreyra (24 al 29 de noviembre, 2008)

 

Conferencia “Sloterdijk. Ontología de las distancias, concierto de transferencias e historia de la fascinación de proximidad”

   

2009 III Congreso Panamericano de Bioética OPS, 17 al 20 de junio, Caracas 2009.

 

Orden Hospitalaria San Juan de Dios. Conferencia inaugural:

 

“Sloterdijk, Heidegger y Agamben; Biopolítica o notas sobre el Parque Humano y la nuda vida”.

   

2009 “Seminario Internacional. Giorgio Agamben: Teología Política y Biopolítica”. Organizado por el Instituto de Humanidades de la Universidad Diego Portales. Ponencia: “Sloterdijk, Agamben y Nietzsche: Biopolítica, posthumanismo y Biopoder”. Septiembre

   

2009 Congreso “El sujeto de la Globalización” Organizado por la SAF Sociedad Asturiana de Filosofía, España. Conferencia: “Sloterdijk y el imaginario de la Globalización; mundo sincrónico y conciertos de transferencia” Octubre 2009 www.sociedadasturianadefilosofia.org/

   

- 2009 II Seminario Local de Pensamiento Ambiental y Filosofía Contemporánea, Universidad Nacional de Colombia-Sede Manizales, Universidad de Caldas. Auditorio Juan Hurtado Bloque H Piso -1, Diciembre 4 y 5 de 2009.

   

2010 Seminario de Postgrado, "Seminario Sloterdijk: Esferas y Posthumanismo; Sobre capitalismo, neuroglobalización y mundos asesores", Cátedra Inaugural de la Maestría en Estética, Universidad Nacional de Colombia, Medellín, Facultad de Ciencias Humanas y Económicas, Departamento de Estudios Filosóficos y Culturales, 10 al 12 de Agosto 2010, www.observacionesfilosoficas.net/seminariocolombia.htm

   

- 2011 International-Conference TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE, Conference "Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”, Lisboa, Portugal, 15 and 16 January 2001 www.trienaldelisboa.com/en/international-conference

   

- 2011 II Encuentro Internacional de Filosofía para no-filósofos. Filosofía 360', La Paz - "FILOSOFÍA 360': CINISMO, CRISIS Y CREATIVIDAD". Organizado por el GOETHE – INSTITUT y la Carrera de Filosofía UMSA, Universidad Mayor de San Ándres, La Paz - Bolivia

   

- 2011 III CONGRESO INTERNACIONAL DE FENOMENOLOGÍA Y HERMENÉUTICA: En torno a la crisis de la subjetividad. Santiago. Departamento de Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. 12, 13 y 14 de octubre, Campus Casona de Las Condes, Santiago Ponencia: Adolfo Vásquez Rocca PhD. PUCV: “El posthumanismo, sus fuentes filosóficas y sus medios técnicos: alteridad, reconfiguración de la subjetividad y ontología del cuerpo en Jean–Luc Nancy y Peter Sloterdijk”.

   

- 2011 COLOQUIO DE FILOSOFÍA 2011 UNIVERSIDAD NACIONAL _ COSTA RICA _ UNA Filosofía para la realidad actual_ CONFERENCIA INAUGURAL Dr. Adolfo Vásquez Rocca: “Sloterdijk: Esferas, Psicopolítica y neuroglobalizacion: concierto de transferencias e historia de la fascinación de proximidad”.

 

Facultad de Filosofía y Letras - Universidad Nacional, Heredia Costa Rica, (Del 18 al 20 de octubre).

   

- 2012 JORNADAS DE INVESTIGACIÓN: ALTOS ESTUDIOS EN HUMANIDADES UNAB 2012 11 y 12 de enero - UNIVERSIDAD ANDRÉS BELLO: Charlas de Investigadores Fondecyt y VRID: Áreas Historia, Literatura y Filosofía. Proyectos Fondecyt, Fondos internos de Investigación UNAB, Proyecto Jorge Millas (VRID) y Tesis Doctorales [Vicerrectoria de Investigación y Doctorado (VRID) Salón de Honor Campus Casona de Las Condes 10.00 hrs.

 

artesyhumanidades.unab.cl/jornadas-de-investigacion-en-hu...

 

Adolfo Vásquez Rocca PH.D. - Proyecto de Investigación N° DI-08-11/JM – UNAB: “Ontología del cuerpo en la filosofía de Jean Luc Nancy: Biopolítica, alteridad y estética de la enfermedad

   

CONFERENCIAS INTERNACIONALES

   

Octubre 2006

   

Ciclo de Conferencias en México invitado por la Fundación Hombre y Mundo y la UNAM, 0ctubre de 2006.

   

- UV Universidad Veracruzana en su 50' Aniversario y XI Encuentro Nacional de Pasantes de Filosofía.

 

Conferencia Magistral: "La ficción del sujeto y las seducciones de la gramática en Nietzsche y Deleuze".

 

serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/vasquez49.pdf

     

- 1° COLOQUIO HISPANOAMERICANO DE FILOSOFÍA DESPUÉS DE AUSCHWITZ, en el Antiguo Colegio de Medicina, Ciudad de México; organizado por la UNAM, la UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA Y LA ASOCIACIÓN FILOSÓFICA DE MÉXICO.

 

Ponencia: "Peter Sloterdijk; El Posthumanismo: sus fuentes teológicas y sus medios técnicos".

   

- UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE TLAXCALA

 

Conferencia: "El giro Estético de la Epistemología; el estatuto óntico-semiótico de la ficción".

   

- COLOQUIO INTERNACIONAL: REPERCUSIONES E INTERACCIONES POLÍTICAS, FILOSÓFICAS Y TEOLÓGICAS ENTRE ORIENTE Y OCCIDENTE

 

Conferencia Aula Magna, UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO. UNAM:

 

"Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario"

   

- Ponencia "Espacio y Arquitectura de la Memoria; Hölderlin Trakl y Teillier", En Taller de Investigación "Arquitectura y Humanidades", Programa de Maestría y Doctorado en ARQUITECTURA - UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO. UNAM

     

2007 - 2010

   

- II COLOQUIO FRANCO-HISPANO-CHILENO DE ETNOPSICOLOGÍA Y III SEMINARIO INTERNACIONAL SOBRE EL ESPACIO "EL ESPACIO Y EL LENGUAJE". 9 y 12 de Enero de 2007, PUCV

 

Conferencia: "Metafórica de las Esferas; una aproximación al hombre como experimento sonoro".

   

- INSTITUTO DE SISTEMAS COMPLEJOS DE VALPARAÍSO ISCV

 

Conferencia: "Imaginarios, cartografía de las emociones escindidas y crisis del proyecto urbano" En el marco del Ciclo: "Diálogo: Ciencia, Política y Poder – ¿Es Chile una Sociedad Justa?"

 

www.psikeba.com.ar/actualizaciones/archivo_06_07/Institut...

   

- EXPOSICIÓN "Esferas, flujos y complejidad extrahumana" Galería SONAR -Arte y Estudios Culturales- Buenos Aires.

 

comunicacion.unab.cl/index.php?option=com_content&tas...

 

[octubre - noviembre de 2007]

   

Exposición de Pintura: "La condición posthumana", En Espacio Expositivo Itaca -Homines- Málaga.

 

www.homines.com/itaca/vazquez_condicion_posthumana/index.htm

   

Exposición "La condition Posthumaine” En Psychanalyse Gallery Paris.

     

- Ciclo de Conferencias en México

   

- Conferencias y Congresos en México, invitado por la UNAM y la Fundación Cultural Hombre y Mundo

   

- CONGRESO INTERNACIONAL NIETZSCHE “Filosofía, Arte, religión, ciencia y política en Nietzsche: memorias de un caminante intempestivo”,

 

Universidad Veracruzana UV, México

 

Ponencia: "Nietzsche y Sloterdijk; depauperación del nihilismo, post humanismo y complejidad extrahumana".

 

[1 al 5 de octubre 2007]

   

- CONFERENCIA Y CURSILLO EN LA MAESTRÍA DE FILOSOFÍA

 

Benemérita Universidad Autónoma de Puebla BUAP [octubre 2007]

   

- CONFERENCIA MAGISTRAL AULA MAGNA de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México UNAM:

 

“Sloterdijk; Esferas y Temblores de Aire [Estética, Ontogénesis de los Espacios Humanos y Atmo-terrorismo]”

 

[9 de octubre 2007]

 

Agencia Universitaria de Noticias UNAM

 

aunam.politicas.unam.mx/Archivo/07/octubre/071010-pol.htm

   

- CONGRESO INTERNACIONAL DE FENOMENOLOGÍA Y HERMENÉUTICA

 

Sección ESTÉTICA

 

Comunicación “Sloterdijk: Esferas, fenomenología y ontogénesis de los espacios humanos”,

 

Universidad Andrés Bello UNAB [17 - 19 de octubre, 2007]

   

- SEMINARIO 'La Poética del Cine en Raúl Ruiz”, FESTIVAL DE CINE DE SEVILLA 2007, en colaboración con la Universidad Hispalense, Ponencia: "La Poética del Cine; sobre las permutaciones antropológicas en el cine de Raúl Ruiz”, 2 de noviembre 2007.

   

- 2009 III Congreso Panamericano de Bioética OPS, 17 al 20 de junio, Caracas 2009.

 

Conferencia inaugural: “Sloterdijk, Heidegger y Agamben; Biopolítica o notas sobre el Parque Humano y la nuda vida”.

   

- 2009 “Seminario acerca de la verdad” Tercera Versión Departamento de Artes y Humanidades, Universidad Andrés Bello.

 

Campus Viña del Mar - 22 de junio

 

Ponencia: “Sloterdijk y Heidegger. Verdad y biopolítica después de la crisis del humanismo”.

   

- 2009 “Seminario Internacional. Giorgio Agamben: Teología Política y Biopolítica”. Organizado por el Instituto de Humanidades de la Universidad Diego Portales. Ponencia: “Sloterdijk, Agamben y Nietzsche: Biopolítica, posthumanismo y Biopoder”. Septiembre

   

- 2009 Congreso “El sujeto de la Globalización” Organizado por la SAF Sociedad Asturiana de Filosofía, Gigón - España. Conferencia: “Sloterdijk y el imaginario de la Globalización; mundo sincrónico y conciertos de transferencia” Octubre 2009 www.sociedadasturianadefilosofia.org/

 

- II Seminario Local de Pensamiento

   

- 2009 II Seminario Local de Pensamiento Ambiental y Filosofía Contemporánea, Universidad Nacional de Colombia-Sede Manizales, Universidad de Caldas. Auditorio Juan Hurtado Bloque H Piso -1, Diciembre 4 y 5 de 2009.

   

- 2010 Seminario de Postgrado, "Seminario Sloterdijk: Esferas y Posthumanismo; Sobre capitalismo, neuroglobalización y mundos asesores", Cátedra Inaugural de la Maestría en Estética, Universidad Nacional de Colombia, Medellín, Facultad de Ciencias Humanas y Económicas, Departamento de Estudios Filosóficos y Culturales, 10 al 12 de Agosto 2010, www.observacionesfilosoficas.net/seminariocolombia.htm

   

- 2011 International-Conference TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE, Conference "Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”, Lisboa, Portugal, 15 and 16 January 2001 www.trienaldelisboa.com/en/international-conference

     

PROYECTOS DE INVESTIGACIÓN

   

2009 - 2010

   

- Proyecto de Investigación N° DI-10-09/JM - UNAB

   

- Proyecto de Investigación: “Ontología de las distancias en Sloterdijk, hacia una teoría antropotécnica de las comunicaciones”.

   

Dirección General de Investigación y Desarrollo, (VRID) – Vicerrectoría de Investigación y Doctorado UNAB

   

Fondo Jorge Millas 2009, Facultad de Humanidades y Educación. Universidad Andrés Bello

     

2011 - 2012

   

- Proyecto de Investigación N° DI-08-11/JM - UNAB

   

- Proyecto de Investigación: “Ontología del cuerpo en la Filosofía de Jean Luc Nancy, Biopolítica, Alteridad y Estética de la Enfermedad”.

   

Dirección General de Investigación y Desarrollo, (VRID) – Vicerrectoría de Investigación y Doctorado UNAB

   

Fondo Jorge Millas 2009, Facultad de Humanidades y Educación. Universidad Andrés Bello

     

PROYECTOS DE CREACIÓN ARTÍSTICA

   

2007 - 2008

   

Exposición la Condición Post-Humana | Buenos Aires - Málaga |

 

Marco conceptual y Registro de Obras

   

ENTREVISTAS

   

2010

   

"Filosofía como teoría erótica. Entrevista a Adolfo Vásquez Rocca". Entrevista en 'ALCANCES' Vol.I, Nº 1, año 2010 – Revista de Filosofía – de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad de Chile. www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81

     

PARTICIPACIÓN EN DIRECTORIOS INTERNACIONALES Y CONCEJOS CIENTÍFICOS.

   

Director

   

Revista Observaciones Filosóficas

   

www.observacionesfilosoficas.net/

   

Revista de Filosofía Contemporánea, con secciones dedicadas a la Antropología, Estética, Epistemología, Ética, Psicología y Literatura. Indexada en Base de Datos de la Universidad Complutense de Madrid, Catalogada en UNIVERSIA.net Directorio de la Conferencia de Rectores de Universidades Españolas y el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC); DIALNET Directorio de publicaciones científicas hispanoamericanas; LATINDEX Sistema de Publicaciones Científicas Seriadas de América Latina, España y Portugal. En BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES; Les Signets de la BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DE FRANCE: Philosophie, Revues y Centre d'Études en Rhétorique, Philosophie et Historie des Idées, Paris. Asociada al Postgrado en Filosofía - Pontificia Universidad Católica de Valparaíso y al Grupo THEORIA Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado. ISSN 0718-3712

   

Secretario de Redacción de Philosophica, Revista del Instituto de Filosofía de la PUCV. ISSN0716–1913

   

Editor Asociado de Psikeba, Revista de Psicoanálisis y Estudios Culturales, Buenos Aires, ISSN 1850-339X www.psikeba.com.ar

   

Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) con sede en Bruselas, Bélgica.

   

Miembro del Consejo de Redacción de Revista Homines –Arte y Cultura– MA-739-2004, Málaga, España.

   

Miembro del Consejo Editorial Internacional de la Fundación Ética Mundial de México, www.eticamundial.com.mx/fundacion.html

   

Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil.

   

Miembro de la Sociedad Internacional de Bioética (SIBI) - 'Bioéticas'. Guía internacional de la Bioética

   

Miembro del Consejo Editorial Internacional de 'Cuadernos del Seminario' - Revista del Seminario del Espacio ISSN 0718-4247 Vicerrectoría de Investigación y Estudios Avanzados Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

   

Miembro del Consejo Editorial de Escáner Cultural - Revista de Arte Contemporáneo y nuevas tendencias, Santiago.

   

Miembro del Taller de Investigacion "Arquitectura y Humanidades" del Programa de Maestría y Doctorado en Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM

   

Miembro del Consejo Consultivo Internacional y dictaminador de Revista de Humanidades:Tecnológico de Monterrey, México.

   

Director del Consejo Consultivo Internacional de Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. ISSN 1669-9092

     

COLUMNISTA DE REVISTAS Y PUBLICACIONES INTERNACIONALES, entre las que se cuentan:

   

A PARTE REI ISSN: 1137-8204 -Revista de la Sociedad de Estudios Filosóficos de Madrid-

   

NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas ISSN 1578-6730 - Universidad Complutense de Madrid.

   

MARGEN CERO, Miembro fundador de la Asociación de Revistas Culturales de España, ISSN 1695-4807

   

CUENTA Y RAZÓN, Revista de la Fundación de Estudios Sociológicos (FUNDES) de Madrid, Fundada por Julián Marías, ISSN: 0211-1381

   

HETEROGÉNESIS [SWEDISH-SPANISH] _ Revista de arte contemporáneo. TIDSKRIFT FÖR SAMTIDSKONST

   

MODALOGÍA Filosofía della moda - Italia

   

EIKASIA Revista de Filosofía, ISSN 1885-5679 - Oviedo, España

   

ENFOCARTE Revista Internacional de Arte y Cultura, España

   

DAIMON Revista de Filosofía, Universidad de Murcia.

   

PRAXIS Revista – Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica.

   

SOCIETARTS Editor Asociado de Societarts, Revista de artes y humanidades, adscrita a la Universidad Autónoma de Baja California.

   

DEBATS Revista de Filosofía y crítica cultural, ISSN 0212-0585, Institució Alfons el Magnànim, Valencia.

       

LIBROS

   

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

   

Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1

   

Libro: Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario [Compilación de Conferencias en México D.F.] Editorial Hombre y Mundo (H & M), México, 2009, 450 páginas I.S.B.N.: 978-3-7800-520-1

   

CAPÍTULOS DE LIBROS

   

'LE NÉANT DANS LA PENSÉE CONTEMPORAINE' ,

 

Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC , , ISBN: 978-2-35424-151-3 , Bès Editions , París, :copyright: 2012 ,

   

- VV.AA., VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Antologado y Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, :copyright: 2012

   

ENTREVISTAS

   

2010

   

"Filosofía como teoría erótica. Entrevista a Adolfo Vásquez Rocca". Entrevista en 'ALCANCES' Vol.I, Nº 1, año 2010 – Revista de Filosofía – de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad de Chile. www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81

     

TESIS DIRIGIDAS

     

- Tesis: "Globalización y ontología de las distancias en Sloterdijk; hacia una teoría antropotécnica de las comunicaciones". Srta. Liliana Vásquez Rocca

 

Grado de Magíster en Filosofía. Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, 2010.

   

- Tesis: "El espacio interfacial de la convivencia; Micro-esfereología en Peter Sloterdijk". Srta. Lucía Muñiz, 2009

 

Grado de Magister en Filosofía Práctica, Colegio de Filosofía, Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, México.

   

- Tesis: "Antecedentes y Alcances del problema del humanismo en "Normas para el Parque Humano" de Sloterdijk". Sr. Dusan Vuskovic.

 

Grado de Licenciatura en Filosofía. Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, 2008.

   

- Tesis: "El desarrollo de la intimidad en el tránsito de la Psico-técnica", Sr. Jonathan Belmar Guzmán.

 

Grado de Licenciatura en Filosofía. Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, 2007.

     

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PH.D. - CURRICULUM ACADÉMICO ABREVIADO

   

PUBLICACIONES indexadas

   

Publicaciones Internacionales Catalogadas en los siguientes Directorios y Bases de Datos:

   

Directorio de contenidos científicos, DIALNET, Universidad de la Rioja, España.

 

dialnet.unirioja.es/servlet/autor?codigo=1053859

   

Directorio de recursos digitales - Ministerio de Cultura, España

 

roai.mcu.es/es/consulta/busqueda_referencia.cmd?campo=ida...

   

Revistas Científicas de la UCM - Editorial Board

   

Biblioteket og Aarhus Universitet, Denmark | Det Humanistiske Fakultet

   

ISOC, CIENCIAS SOCIALES Y HUMANIDADES - CINDOC (Centro de Información y Documentación Científica), CSIC (España)

   

Directorio de publicaciones científicas de América Latina LATINDEX

   

PHILOSOPHER'S INDEX

   

DIALNET

   

ISI

   

SciELO

   

DOAJ

 

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

 

Doctor en Filosofía

   

www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html

   

Datos personales

 

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

   

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca/About

   

E-mail: adolfovrocca@gmail.com

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA D. Phil

 

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Doctor en Filosofía

 

www.danoex.net/adolfovasquezrocca.html

 

Datos personales

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

 

Doctor en Filosofía

  

Adscripción Académica

 

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso

Universidad Andrés Bello UNAB

Universidad Complutense de Madrid

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

E-mail: adolfovrocca@gmail.com

 

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

 

TRAYECTORIA ACADÉMICA

  

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, mención Filosofía Contemporánea y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo, Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB Santiago. Profesor PEL Programa Especial de Licenciatura en Diseño, UNAB – DUOC UC – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la 'Fundación Hombre y Mundo' y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. –Miembro del Consejo Editorial Internacional de la 'Fundación Ética Mundial' de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de 'Konvergencias', Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis –Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV. –Asesor Consultivo de Enfocarte –Revista de Arte y Literatura– Cataluña / Gijón, Asturias, España. –Miembro del Consejo Editorial Internacional de 'Reflexiones Marginales' –Revista de la Facultad de Filosofía y Letras UNAM. –Editor Asociado de Societarts, Revista de artes y humanidades, adscrita a la Universidad Autónoma de Baja California. –Miembro del Comité Editorial de International Journal of Safety and Security in Tourism and Hospitality, publicación científica de la Universidad de Palermo. –Miembro Titular del Consejo Editorial Internacional de Errancia, Revista de Psicoanálisis, Teoría Crítica y Cultura –UNAM– Universidad Nacional Autónoma de México. –Miembro del Consejo Editorial de Revista “Campos en Ciencias Sociales”, Universidad Santo Tomás © , Bogotá, Colombia. –Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) con sede en Bruselas, Bélgica. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Eastern Mediterranean University - Academia.edu. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida por el Dr. Humberto Maturana. Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC)– Artista conceptual. Crítico de Arte. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011. Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, © 2012. Profesor de Postgrado, Magister en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013.

  

PUBLICACIONES

 

Publicaciones Internacionales Catalogadas en DIALNET Directorio de Publicaciones Científicas Hispanoamericanas

 

dialnet.unirioja.es/servlet/autor?codigo=1053859

  

Publications Scientific

 

de.scientificcommons.org/adolfo_v%C3%A1squez_rocca

  

Biblioteket og Aarhus Universitet, Denmark | Det Humanistiske Fakultet

 

www.statsbiblioteket.dk/

  

BIBLIOTECA UNI>ERSIA – Unesco - CSIC

 

biblioteca.universia.net/search.do?q=Adolfo+V%C3%A1squez+...

  

Dr. Adolfo Vásquez Rocca - Eastern Mediterranean University - Academia.edu

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

  

Biblioteca Universidad Complutense de Madrid

Revistas Científicas Complutenses

  

Directorio de recursos digitales - Ministerio de Cultura, España

  

Biblioteca Asociación Filosófica UI

 

www.uruguaypiensa.org.uy/categoria_144_1_1.html

  

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

 

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

  

Publicaciones Indexadas en la Revista Complutense - Nómadas. Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas UCM+Madrid - Dr. Adolfo Vásquez Rocca

 

Dr. Adolfo Vásquez Rocca – Filosofía Contemporánea Investigación: Peter Sloterdijk

 

Philosophy & Art: Pinterests Design

 

pinterest.com/adolfovrocca/

  

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PH.D. - CURRICULUM ACADÉMICO ABREVIADO

 

www.linkedin.com/pub/adolfo-vasquez-rocca/25/502/21a

  

LIBROS

 

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo

 

Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. 221 páginas | I.S.B.N.: 978-84-7822-523-1

 

Libro: Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario [Compilación de Conferencias en México D.F.] Editorial Hombre y Mundo (H & M), México, 2009, 450 páginas I.S.B.N.: 978-3-7800-520-1

 

'LE NÉANT DANS LA PENSÉE CONTEMPORAINE' ,

Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC , , ISBN: 978-2-35424-151-3 , Bès Editions , París, © 2012 ,

 

- VV.AA., VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, Antologado y Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, © 2012

  

INVESTIGACIÓN:

2009 - 2010

 

Proyecto de Investigación N° DI-10-09/JM - UNAB

 

“Ontología de las distancias en Sloterdijk, hacia una teoría antropotécnica de las comunicaciones”.

 

Dirección de Investigación, Universidad Andrés Bello – Fondo Jorge Millas 2009, Facultad de Humanidades y Educación UNAB

  

2011 - 2012

 

- Proyecto de Investigación N° DI-08-11/JM - UNAB

 

- Proyecto de Investigación: “Ontología del cuerpo en la Filosofía de Jean Luc Nancy, Biopolítica, Alteridad y Estética de la Enfermedad”.

 

Dirección General de Investigación y Desarrollo, (VRID) – Vicerrectoría de Investigación y Doctorado UNAB

 

Fondo Jorge Millas 2011 - 2012, Facultad de Humanidades y Educación. Universidad Andrés Bello

  

Asistente de Investigación:

Mag. Susanna Bozzetto: Universitat de Barcelona - Màster en Pensament Contemporani - Máster en Edición de Textos

  

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

 

Director de Revista Observaciones Filosóficas: Revista de Filosofía Contemporánea

  

ADOLFO VAŚQUEZ ROCCA PH.D. TRAYECTORÍA ACADÉMICA

  

ENTREVISTAS

 

VÍDEO: Entrevista al Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA –Filósofo– Programa “NUEVAS MIRADAS" -Ciencia y Tecnología, Canal TV. SENADO – República de Chile – Senador Carlos Cantero. Ex-Congreso Nacional – junio 2013 - Santiago.

1ª Parte: youtu.be/9qoFpWdvRdk

  

VÍDEO: Entrevista al Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA –Filósofo– Programa “NUEVAS MIRADAS" -Ciencia y Tecnología, Canal TV. SENADO – República de Chile – Senador Carlos Cantero. Ex-Congreso Nacional – junio 2013 - Santiago.

2ª Parte: youtu.be/Ee1GdX6JZpc

  

BLOG

TRANSVERSALES

philosophieliterature.blogspot.com/

 

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

arteaisthesis.blogspot.com/

  

THEORIA

theoriaucm.blogspot.com/

  

FILOSOFÍA CONTEMPORÁNEA

filosofoscontemporaneos.blogspot.com/

  

ESFERAS

authorarchive.blogspot.com/

  

TRAYECTORÍA ACADÉMICA

 

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Teoría del Conocimiento y Pensamiento Contemporáneo. Áreas de Especialización Antropología y Estética.

 

– PROFESOR DE POSTGRADO DEL INSTITUTO DE FILOSOFÍA DE LA PUCV – PROFESOR ASOCIADO AL GRUPO THEORIA PROYECTO EUROPEO DE INVESTIGACIONES DE POSTGRADO UCM

Philosophie und Sozialwissenschaften - Philosophy and Social Sciences - Philosophie des Sciences Sociales. GRUPO DE INVESTIGACIÓN - UNIVERSIDAD COMPLUTENSE | Madri+d UCM 1391 - COMUNIDAD AUTÓNOMA DE MADRID. www.ucm.es/info/eurotheo/

 

(1993) Profesor del Seminario "Lógica Contemporánea 'Wittgenstein y El Círculo de Viena' ", Instituto de Filosofía, Universidad Católica de Valparaíso

 

(1995-1998) Director de Investigación Teoría del Conocimiento -Theory of Knowledge Tok- The Mackay School, Bachillerato Internacional, International Baccalaureate.

 

(2005-2010) Profesor de Antropología, Escuela de Medicina, Universidad Andrés Bello.

 

(2005-2010) Profesor de Antropología Filosófica y Estética, Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello, UNAB

 

(2006-2012) Profesor de Estética, Facultad de Arquitectura, Universidad Andrés Bello UNAB

 

(2006 - 2007) - Profesor del MAGISTER EN ETNOPSICOLOGÍA y DIPLOMADO EN PSICOLOGÍA CLÍNICA "PSICOPATOLOGÍA, SUBJETIVIDAD Y CULTURA". ESCUELA DE PSICOLOGÍA PUCV.

 

(2006 - 2012) Profesor de Estética Escuela de Arquitectura, Universidad Andrés Bello, UNAB

 

(2006-2012) Profesor de Fundamentos Culturales de la Comunicación. Escuela de Periodismo, Universidad Andrés Bello, UNAB

 

(2006-2010) Profesor de la Escuela de Psicología, Universidad Andrés Bello, UNAB

 

(2006-2007) Profesor invitado Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM

 

(2007- 2012) Profesor visitante de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, semestre de otoño 2007, BUAP

 

(2005-2008) Profesor de Postgrado, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, PUCV

 

(2005-2012) Profesor Asociado Grupo THEORIA Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado. UCM

 

(2009-2010) Profesor visitante Florida Christian University USA

 

(2010- 2011) Director Académico Carrera de Filosofía y Teología, Universidad Cristiana de Chile UCCH

 

(2012) Investigador Asociado a la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida por el Dr. Humberto Maturana.

 

(2009-2012) Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello.

 

(2012) Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC)

 

(2013) Investigador y Profesor Adjunto del Magíster en Biología-Cultural dirigido por el Dr. Humberto Maturana dictado por Matríztica y Universidad Mayor

 

SEMINARIOS

 

Asignaturas de Postgrado impartidos:

  

2005 - 2º Seminario "Rorty: ironismo liberal y giro narrativo de la Filosofía".

 

2006 1º Seminario Sloterdijk: "Crítica de la Razón Cínica"

 

2006 2º Seminario "Nietzsche; Genealogía de la moral y voluntad de ficción"

 

2007 1º Seminario Sloterdijk - Nietzsche

 

2007 2º Seminario: Sloterdijk un pensador estético

 

2008 1º Seminario "Peter Sloterdijk - W. Benjamín; De la Filosofía a la Arquitectura"

 

2008 2º Seminario "Sloterdijk y Baudrillard; Ontología de las distancias y antropotécnica de las comunicaciones"

 

2011 2º Seminario "DERRIDA Y SLOTERDIJK; DE LOS ESPECTROS DE MARX A LOS ESTADOS GENERALES DEL PSICOANÁLISIS", Postgrado en Psicoanálisis, Universidad Ándres Bello UNAB, Escuela de Psicología.

  

ENTREVISTA:

 

“La Filosofía como teoría erótica. Entrevista a Adolfo Vásquez Rocca PhD". Entrevista en 'ALCANCES' Vol.I, Nº 1, año 2010 – REVISTA DE FILOSOFÍA – de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la UNIVERSIDAD DE CHILE.

www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81

  

PUBLICACIONES EN REVISTAS ACADÉMICAS INDEXADAS -CON COMITÉ EDITORIAL

 

PARTICIPACIÓN EN SEMINARIOS Y CONGRESOS

  

2004 Seminario Homenaje Prof. Dr. Mirko Skarica, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Ponencia: "Lógica paraconsistente y semántica de los mundos posibles", noviembre.

 

2004 Seminario "Raúl Ruiz y la vanguardia del Cine francés", organizado por la PUCV. UPLACED, ARCIS y Embajada de Francia. Conferencia: "Raúl Ruiz; Defensa retórica del arte de filmar y del cine como arte; plan secreto, sinfonía dramática y lógica narrativa", octubre.

 

2005 "El Dios Pensado: Estudios antropológicos acerca de lo divino" Ciclo de Conferencias en la Universidad Andrés Bello. Departamento de Artes y Humanidades - Campus República, UNAB. Conferencia: "Ludwig Wittgenstein; Mística, Filosofía y Silencio", septiembre

 

2006 Video-Conferencia UCM - UNED y A Parte Rei en ATEI Asociación de Televisión Educativa Iberoamericana, “El poder de la palabra; lenguaje y realidad”, Febrero, 2006, serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/video3.html

 

2006 Universidad Veracruzana en su 50' Aniversario y XI Encuentro Nacional de Pasantes de Filosofía. Conferencia Magistral: "La ficción del sujeto y las seducciones de la gramática en Nietzsche y Deleuze", octubre.

 

2006 Universidad Autónoma de Tlaxcala. Conferencia: "En el mismo barco: ensayo sobre la hiperpolítica, posmodernidad y globalización en Peter Sloterdijk", octubre.

 

2006 Universidad Autónoma de Tlaxcala. Cursillo Maestría en Filosofía: “El giro Estético de la epistemología; redescripciones de la posmodernidad”, 19 y 20 de octubre.

 

2006 1er Coloquio Hispanoamericano de Filosofía después de Auschwitz, en el Antiguo Colegio de Medicina, Ciudad de México; organizado por la UNAM, la Universidad Iberoamericana y La Asociación Filosófica de México. Ponencia: "Peter Sloterdijk; El Posthumanismo: sus fuentes teológicas y sus medios técnicos", octubre.

 

2006 Coloquio internacional: Repercusiones e interacciones políticas, filosóficas y teológicas entre oriente y occidente. UNAM, Mesa ética y Responsabilidad humana, Ponencia: "Rorty: el Giro narrativo de la Ética o la Filosofía como género literario", octubre.

 

2007 II Coloquio Franco-Hispano-Chileno de Etnopsicología y III Seminario Internacional sobre el Espacio "El Espacio y el Lenguaje". PUCV. Ponencia: "Metafórica de las Esferas; una aproximación al hombre como experimento sonoro", enero.

 

2007 Instituto de Sistemas Complejos de Valparaíso, Ciclo: "Diálogo: Ciencia, Política y Poder. ¿Es Chile una Sociedad Justa?". Conferencia: "Imaginarios, cartografía de las emociones escindidas y crisis del proyecto urbano, mayo.

 

2007 Congreso Internacional Nietzsche “Filosofía, Arte, religión, ciencia y política en Nietzsche: memorias de un caminante intempestivo”, organizado por la Universidad Veracruzana, México. Ponencia: "Nietzsche y Sloterdijk; depauperación del nihilismo, posthumanismo y complejidad extrahumana", octubre.

 

2007 Conferencia Magistral en el Colegio de Filosofía, introductoria a la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, “Peter Sloterdijk; Esferas, deriva biotecnológica y el cinismo difuso de nuestras sociedades Exhaustas”, octubre.

 

2007 Curso en el Colegio de Filosofía, introductoria a la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla: “Sloterdijk; Esferas, Flujos y Redes; Antropología y Estética Posmoderna”, octubre.

 

2007 Conferencia Magistral Aula Magna, Universidad Nacional Autónoma de México UNAM, Sloterdijk; Esferas y Temblores de Aire [Estética, Ontogénesis de los Espacios Humanos y Etno-terrorismo], octubre

 

2007 Congreso Internacional de Fenomenología y Hermenéutica, Universidad Andrés Bello, sección Estética. Ponencia: “Sloterdijk: Esferas, fenomenología y ontogénesis de los espacios humanos”, octubre.

 

2000 "Reflexiones sobre Alteridad y Reconocimiento". Encuentros de la Facultad de Filosofía UCM con pensadores contemporáneos alemanes. Goethe Institut Madrid. Octubre.

 

2000 Ponencia en Seminario "El Reto del Espacio: Pensar con Heidegger sobre la obra de Eduardo Chillida", Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Pontificia Comillas, Campus Cantoblanco, noviembre.

 

2000 Ponencia "El peso del mundo y el lento regreso del sujeto escindido en Peter Hanke", Encuentro Interdepartamental en torno a la Crisis de Fin de Siglo. Aspectos de la Identidad Europea. Facultad de Filosofía UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID. Diciembre.

 

2004 Seminario Homenaje Prof. Dr. Mirko Skarica, Instituto de Filosofía, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso Ponencia:

Ponencia "Lógica paraconsistente y semántica de los mundos posibles" (noviembre).

 

2004 octubre Seminario "Raúl Ruiz y la vanguardia del Cine francés", organizado por la PUCV. UPLACED, ARCIS y EMBAJADA DE FRANCIA. Conferencia: "Raúl Ruiz; Defensa retórica del arte de filmar y del cine como arte; plan secreto, sinfonía dramática y lógica narrativa"

 

2005 "El Dios Pensado: Estudios antropológicos acerca de lo divino" Ciclo de Conferencias en la Universidad Andrés Bello. Departamento de Artes y Humanidades - Campus República, UNAB Conferencia: "Ludwig Wittgenstein; Mística, Filosofía y Silencio"

 

2006 I COLOQUIO FRANCO-HISPANO-CHILENO DE ETNOPSICOLOGÍA Y II SEMINARIO INTERNACIONAL SOBRE EL ESPACIO "EL ESPACIO Y EL OTRO". Enero, PUCV. Coloquio y moderación Ponencia de la Dra. Adela Cortina Orts

 

2007 CONGRESO INTERNACIONAL DE FENOMENOLOGÍA Y HERMENÉUTICA

Comunicación “Sloterdijk: Esferas, fenomenología y ontogénesis de los espacios humanos”,

Universidad Andrés Bello UNAB (17 - 19 de octubre, 2007)

 

2008 II Seminario "De la Filosofía a la Literatura"

Departamento de Artes y Humanidades, Universidad Andrés Bello UNAB (7 de noviembre, 2008)

Conferencia “Sloterdijk; Pensamiento, expedición y verdad”.

 

2008 Segundo Coloquio Interdisciplinario: “El Pensamiento de Carla Cordua y El Desarrollo de la Filosofía En Chile”.

Seminario Permanente Hegel – Marx. Facultad de Filosofía y Humanidades, Universidad de Chile UCH (13 de noviembre, 2008)

Ponencia: “En Torno a Sloterdijk y Heidegger: La recepción Filosófica”.

 

2008 Bienal de Artes Visuales de Honduras 2008: Diásporas del Futuro (BAVH)

Conferencia "El objetivo de la Crítica de Arte" [17 - 19 de noviembre, 2008]

 

2008 Congreso Internacional - Interdisciplinario de Filosofía, Córdoba, 2008. SAF Sociedad Argentina de Filosofía.

Museo - Palacio Martín Ferreyra (24 al 29 de noviembre, 2008)

Conferencia “Sloterdijk. Ontología de las distancias, concierto de transferencias e historia de la fascinación de proximidad”

 

2009 III Congreso Panamericano de Bioética OPS, 17 al 20 de junio, Caracas 2009.

Orden Hospitalaria San Juan de Dios. Conferencia inaugural:

“Sloterdijk, Heidegger y Agamben; Biopolítica o notas sobre el Parque Humano y la nuda vida”.

 

2009 “Seminario Internacional. Giorgio Agamben: Teología Política y Biopolítica”. Organizado por el Instituto de Humanidades de la Universidad Diego Portales. Ponencia: “Sloterdijk, Agamben y Nietzsche: Biopolítica, posthumanismo y Biopoder”. Septiembre

 

2009 Congreso “El sujeto de la Globalización” Organizado por la SAF Sociedad Asturiana de Filosofía, España. Conferencia: “Sloterdijk y el imaginario de la Globalización; mundo sincrónico y conciertos de transferencia” Octubre 2009 www.sociedadasturianadefilosofia.org/

 

- 2009 II Seminario Local de Pensamiento Ambiental y Filosofía Contemporánea, Universidad Nacional de Colombia-Sede Manizales, Universidad de Caldas. Auditorio Juan Hurtado Bloque H Piso -1, Diciembre 4 y 5 de 2009.

 

2010 Seminario de Postgrado, "Seminario Sloterdijk: Esferas y Posthumanismo; Sobre capitalismo, neuroglobalización y mundos asesores", Cátedra Inaugural de la Maestría en Estética, Universidad Nacional de Colombia, Medellín, Facultad de Ciencias Humanas y Económicas, Departamento de Estudios Filosóficos y Culturales, 10 al 12 de Agosto 2010, www.observacionesfilosoficas.net/seminariocolombia.htm

 

- 2011 International-Conference TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE, Conference "Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”, Lisboa, Portugal, 15 and 16 January 2001 www.trienaldelisboa.com/en/international-conference

 

- 2011 II Encuentro Internacional de Filosofía para no-filósofos. Filosofía 360', La Paz - "FILOSOFÍA 360': CINISMO, CRISIS Y CREATIVIDAD". Organizado por el GOETHE – INSTITUT y la Carrera de Filosofía UMSA, Universidad Mayor de San Ándres, La Paz - Bolivia

 

- 2011 III CONGRESO INTERNACIONAL DE FENOMENOLOGÍA Y HERMENÉUTICA: En torno a la crisis de la subjetividad. Santiago. Departamento de Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. 12, 13 y 14 de octubre, Campus Casona de Las Condes, Santiago Ponencia: Adolfo Vásquez Rocca PhD. PUCV: “El posthumanismo, sus fuentes filosóficas y sus medios técnicos: alteridad, reconfiguración de la subjetividad y ontología del cuerpo en Jean–Luc Nancy y Peter Sloterdijk”.

 

- 2011 COLOQUIO DE FILOSOFÍA 2011 UNIVERSIDAD NACIONAL _ COSTA RICA _ UNA Filosofía para la realidad actual_ CONFERENCIA INAUGURAL Dr. Adolfo Vásquez Rocca: “Sloterdijk: Esferas, Psicopolítica y neuroglobalizacion: concierto de transferencias e historia de la fascinación de proximidad”.

Facultad de Filosofía y Letras - Universidad Nacional, Heredia Costa Rica, (Del 18 al 20 de octubre).

 

- 2012 JORNADAS DE INVESTIGACIÓN: ALTOS ESTUDIOS EN HUMANIDADES UNAB 2012 11 y 12 de enero - UNIVERSIDAD ANDRÉS BELLO: Charlas de Investigadores Fondecyt y VRID: Áreas Historia, Literatura y Filosofía. Proyectos Fondecyt, Fondos internos de Investigación UNAB, Proyecto Jorge Millas (VRID) y Tesis Doctorales [Vicerrectoria de Investigación y Doctorado (VRID) Salón de Honor Campus Casona de Las Condes 10.00 hrs.

artesyhumanidades.unab.cl/jornadas-de-investigacion-en-hu...

Adolfo Vásquez Rocca PH.D. - Proyecto de Investigación N° DI-08-11/JM – UNAB: “Ontología del cuerpo en la filosofía de Jean Luc Nancy: Biopolítica, alteridad y estética de la enfermedad

  

- 2012 Seminario: "Ciudad y Complejidad; Valparaíso y los bordes simbólicos, económicos y culturales", Instituto de Sistemas Complejos de Valparaiso ISCV, mayo 2012, Ponencia: "Del espacio público a la topología urbana; Aproximaciones semióticas y epistemológicas a una ciudad escindida", En Actas del Seminario y Memoria anual ISCV

 

- 2012 Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC): Informe 1º Encuentro - 30 Agosto

CONFERENCIA: "SLOTERDIJK: PRÁCTICAS ANTROPOTÉCNICAS Y CONSTITUCIÓN INMUNITARIA Y DE LA NATURALEZA HUMANA".

Diálogo e Investigación con el Dr. Fernando Flores Labra, Presidente de CNIC

  

- 2013 Conferencia: “Peter Sloterdijk: Experimentos con uno mismo, ensayos de intoxicación voluntaria y constitución psico-inmunitaria de la naturaleza humana” en el IV Congreso Internacional y VII Nacional de Filosofía del Derecho, Ética y Política , Organizado por la Facultad de Filosofía, de Derecho y la Oficina de Relaciones Interinstitucionales (ORI) de la Universidad Libre en Colombia, y la Facultad de Derecho del Centro Universitário Newton Paiva en Bello Horizonte – Brasil, 22, 23 y 24 de abril de 2013, Programa del Congreso

  

- 2013 Congreso Internacional de Psicología Teórica "Dialogue and Debate in the craft of Theoretical Psychology"; 3, 4, 6 y 7 de mayo - The International Society for Theoretical Psychology (ISTP) will hold its 15th Biennial conference in Santiago, Chile.

www.syntagmas.net/istp2013/

 

- 2013 Conferencia Magistral en el Magíster en Biología-Cultural dirigido por el Dr. Humberto Maturana dictado en Matríztica y Universidad Mayor

 

emui.academia.edu/AdolfoVasquezRocca

 

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso

Universidad Andrés Bello UNAB

Universidad Complutense de Madrid

Eastern Mediterranean University - Academia.edu

E-mail: adolfovrocca@gmail.com

  

Exposición

Nueve Mujeres en el Arte Salvadoreño en los Siglos XX y XXI

National Chiang Kai-Shek Memorial Hall, Taipei Republica de China (Taiwan)

Del 03 al 29 de Septiembre de 2013

Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué”

Del 01 al 24 de Noviembre de 2013

 

Desde sus comienzos precolombinos, El Salvador ha demostrado, independientemente de las situaciones históricas y políticas por las que ha atravesado, la expresión y fuerza de la plástica como una de sus manifestaciones más consolidadas a través de los tiempos. Las obras artísticas las hicieron manos y pensamientos de hombres y mujeres colectivamente, aun cuando durante la colonia las mujeres desarrollaran tareas de “arte menor” como el bordado y la costura, hasta la reproducción artesanal en barro y textiles, entre otras. Sin embargo, la educación republicana después de la Independencia permitió el acceso a la enseñanza artística de niños y niñas en las escuelas públicas y privadas; la mujer no fue excluida.

  

Esta exposición que presenta la Secretaria de Cultura de la Presidencia, que podemos apreciar en esta Sala Nacional de Exposiciones Salarrué, se exhibió con gran éxito del 3 al 29 de septiembre pasado en el Salón Conmemorativo Nacional de Chiang-Shek, en Taipei, con la invaluable colaboración del gobierno de China (Taiwán), no es caprichosa ni una casualidad: es en si una muestra de la fuerza artística de la mujer salvadoreña de los siglos XX y XXI. Es una oportunidad para, a través de su recorrido, conocer nuestra historia, vista y expresada por el ingenio de la mujer.

  

La selección de estas artistas ya consagradas – como lo son Julia Díaz, Rosa mena Valenzuela, Nicole Schwartz, Ana María Avilés de Martínez, Conchita Kuny Mena, Licry Bicard, Negra Álvarez, Mayra Barraza y Verónica Vides- han sido creada precisamente para acercar aún más a dos pueblos como China y El Salvador a través del arte y, en especial, de la mujer, fortaleza de una sociedad, de la familia, hacedora de valores que sostienen una nación.

  

Entretejiendo su labor con el enero masculino en el devenir de la plástica, es importante la creación femenina dentro de esta retrospectiva cronológica y contextualizada estilísticamente con la contemporaneidad de sus alcances, sabiendo interpretar, gracias a la luz y la sombra o la irradiación del color más luminoso, cada una de las pulsaciones de nuestra sangre salvadoreña, nuestras emociones, nuestras preocupaciones y, sobre todo, nuestros sueños y anhelos más atesorados como país.

  

Ana Madalena Granadino

Secretaria de Cultura de la Presidencia.

  

Nueve Mujeres en el Arte Salvadoreño en los Siglos XX y XXI

 

*Mayra Barraza: Nació en 1966 de padre salvadoreño y madre española. De 1989 a 1991 estudió la Licenciatura en Bellas Artes en la Escuela de Arte Corcoran, Washington D.C. (EEUU).

 

Trabaja por excelencia la figura humana, en dibujo como en pintura, abordando temas de la identidad y realidad salvadoreña, la problemática urbana, lo efímero y la memoria. Realiza obras con visión intimista así como trabajos de fuerte contenido social, siendo evidentes en su producción el aumento en los formatos y el paso de un arte figurativo de gran precisión a una expresión más abstracta con fuertes contrastes de texturas. Su obra comprende también instalaciones e intervenciones.

 

Ha sido fundadora de organizaciones como la Asociación de Mujeres en las Artes (1999) y del colectivo La Fabri-K (2007) y ha sido curadora de las exposiciones Ruta 06: Intervenciones en el centro histórico (2006) y LIBRo+arte (2005). Se ha desempeñado como docente en la Universidad Dr. José Matías Delgado y actualmente en la Escuela de Comunicaciones Mónica Herrera, además ha impartido talleres de dibujo artístico y conferenciassobre arte en el país.

 

Su obra ha sido presentada en exhibiciones individuales y colectivas en El Salvador, Guatemala, Honduras, Perú, Estados Unidos de América y Europa, en espacios importantes como el Museo del Barrio (Nueva York) y el Centro Atlántico de Arte Contemporáneo (Las Palmas, Gran Canarias).

 

Algunos reconocimientos recibidos son: Beca de Residencia Artística en Almería, España, por la Fundación Valparaíso (2002); Premio Único en la categoría de Instalaciones y Glifo de Plata en la categoría de pintura en la I Bienal de Arte Paiz El Salvador (2001); Premio igualitario, VI Salón de Dibujo de Santo Domingo, República Dominicana (2007); Premio MOLAA, categoría obras en papel, del Museo de Arte Latinoamericano, Estados Unidos de América (2008).

 

*Licry Bicard: Lilian Cristina Andreu de Bicard, conocida en el medio artístico como Licry Bicard, nació en San Salvador, en 1944. Aunque se considera en gran medida autodidacta, recibió clases en el Centro Nacional de Artes en 1972, con maestros como José Sánchez Carralero (España 1942) y en 1975 con Valero Lecha. De forma adicional, entre 1978 y 1979 tomó clases de dibujo anatómico con el escultor y dibujante español Benjamín Saúl.

 

Ha desarrollado una trayectoria artística muy fructífera que refleja sus exploraciones formales, estilísticas y temáticas, a través de la pintura, escultura, dibujos y grabados en diversas técnicas y estilos, incursionando también en las instalaciones. Además de trabajar en su propia obra, Licry Bicard ha realizado restauración de obras artísticas desde 1994.

 

Ha expuesto individualmente en El Salvador en más de quince ocasiones y ha tomado parte en más de 150 exhibiciones colectivas a nivel mundial. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en Centroamérica, Estados Unidos, Colombia, Perú, España, Italia, Suiza e Israel. En 1995, publicó su catálogo de obras Licry Bicard y el don alado de la imaginación.

 

Ha ilustrado varios libros de autores salvadoreños, entre ellos la primera edición de Cuentos del mar, de Ricardo Lindo, La cantata de mayo, de Rolando Elías, y varias revistas.

 

Entre las distinciones que ha recibido están el Diploma de Honor del Certamen Nacional Calificatorio de Pintura “José Mejía Vides” del Centro Cultural Salvadoreño, en 1990; un reconocimiento por el Club Rotario San Salvador Cuscatlán en 1999 y el título de Pintora Meritísima, otorgado por la Asamblea Legislativa de El Salvador en 2004.

  

*Conchita Kuny Mena: Hija de padre alemán y madre salvadoreña, nació el 20 de diciembre de 1944 en Crystal City, Estados Unidos de América, aunque después se radicó en El Salvador. Estudió en la Academia de Dibujo y Pintura del maestro español Valero Lecha desde 1965 hasta 1967, conocimientos que luego ha transmitido mediante clases particulares.

 

Ha desarrollado dentro de su obra las técnicas de óleo, acuarela y grabado, representando escenas que tienden a ser misteriosas debido al contraste poco usual de los elementos utilizados en amplios espacios abiertos y de los efectos de luces y sombras. Entre estos elementos se pueden mencionar muñecas antiguas, bolsas de papel, sogas, frutas y telas, los cuales son plasmados con tanta fidelidad y atención al detalle, que ha llevado a calificar a su obra como hiperrealista. En varias de sus representaciones se encuentra un manejo de símbolos y referentes a problemas sociales (como el consumismo) o a defectos humanos (como la hipocresía).

 

Ha participado en importantes eventos, como la V, VI y VII Bienal de Artes Plásticas de Valparaíso, Chile y la I y III Bienal de Pintura del Caribe y Centro América de Santo Domingo, República Dominicana, así como en otras exhibiciones colectivas, llegando a acumular veinte exhibiciones individuales.

 

Obtuvo el Premio Nacional del Tercer Salón Internacional Xerox (San Salvador, 1979), un reconocimiento de la Galería 91 (San Salvador, 1992) y una mención honorífica de la Fundación Barceló en Montelimar, Nicaragua (1995).

 

*Rosa Mena Valenzuela (1913-2004): nació en San Salvador en 1913. Egresada de la Academia de Dibujo y Pintura abierta en la capital salvadoreña por el maestro español Valero Lecha, viajó a diversos países de Europa, donde continuó sus estudios gracias a una beca otorgada por el gobierno de Italia y la cual fue tramitada para ella por Salarrué.

 

Toño Salazar describió su obra con las siguientes palabras: “Ese dibujo no termina nunca, corre y vuela, tiene pies y alas. Cuando Rosa Mena Valenzuela pinta muestra angustia y su pasión. El caso creativo de Rosa desconcierta porque el dibujo y el color tienen la misma importancia”.

 

Una de las principales exponentes del expresionismo en El Salvador, su práctica híbrida entre el dibujo y la pintura se constituyó como un elemento único en la pintura salvadoreña.

 

A ella puede dársele el crédito de romper con la pintura de caballete e hibridizar la práctica de la pintura, alejándose del óleo como medio e introduciendo el grafito, los pasteles, lápices de color, pinturas industriales y hasta maquillaje en sus obras. Además de utilizar todos estos materiales como medio pictórico, hizo uso de materiales industriales como retazos de telas, pinturas, hilos y papeles como soporte y usados generalmente para crear collages.

 

Como artista participó en numerosas exhibiciones dentro y fuera de El Salvador. Así mismo, recibió premios nacionales e internacionales. Su escuela de pintura, con más de 30 años de existencia, produjo a nuevos artistas nacionales, como Luis Lazo y Camila Sol, por mencionar algunos.

 

Falleció en San Salvador, el 6 de enero de 2004.

 

*Ana María de Martínez (1937 - 2012): nació en la ciudad de Santa Ana, el 28 de mayo de 1937. Hermana del destacado pintor Ernesto “San” Avilés, Ana María se formó de manera autodidacta.

 

Su interés por el arte prehispánico y sus visitas a sitios arqueológicos mesoamericanos, la motivaron a presentar su primera exhibición con pinturas de temas mayas. Posteriormente, su obra evoluciona a otras representaciones en donde incluye contenidos simbólicos a través de elementos como muros, insectos y otros.

 

En los últimos años, dentro de su temática, ha desarrollado principalmente el paisaje y los motivos tomados de la naturaleza, destacando las frutas en composiciones muy originales no exentas de misterio y simbolismo. La fidelidad y gran atención al detalle dentro de estas representaciones pictóricas, ha llevado a ubicar la producción de esta artista dentro del híper-realismo latinoamericano. Su técnica en éstos últimos años se ha enriquecido con la combinación de ceras y acrílicos.

 

Ha estado presente en varias exhibiciones en ciudades americanas y europeas y sus obras se encuentran en importantes colecciones. El Gobierno de Japón adquirió dos de sus pinturas y algunas de ellas algunas han sido reproducidas por UNICEF. En 1986, por invitación del Gobierno de Italia, participó en el Festival Dei Due Mondi que se desarrolla todos los años en la ciudad de Spoleto, Italia. En el 2010, una de sus obras ha sido incluida en la exhibición ¡Latinas! del Museo de Arte del Condado Nassau (Nueva York) junto con otras obras de artistas latinoamericanos como Fernando Botero (Colombia) y Vik Muniz (Brasil).

  

Falleció el 16 de diciembre de 2012

  

*Julia Díaz Velásquez: nació en Cojutepeque, el 23 de mayo de 1917. Se inició en las artes plásticas en la Academia del Maestro Valero Lecha. La temática de Julia Díaz varió desde los géneros formales como el retrato y el paisaje, hasta sus característicos niños. En sus pinturas predominaron las figuras de grupos familiares campesinos cuya representación reflejaba su interés en la realidad social que la rodeaba.

 

Gran promotora de las artes, en 1954 abrió su Estudio en los altos del Edificio Letona, en la capital salvadoreña, pero ese noble esfuerzo fue devastado al poco tiempo por un incendio. Varios años después, en 1958, fundó la Galería Forma, un espacio histórico para las artes salvadoreñas, ya que en él comenzó a funcionar el primer foro abierto para las diferentes expresiones artísticas del país.

 

El 1 de marzo de 1983, fundó el primer museo de arte en El Salvador, el Museo Forma, que abrió sus puertas con la colección personal que la artista había atesorado a lo largo de veinticinco años. Por desgracia, ese lugar fue destruido por el terremoto del 10 de octubre de 1986.

 

Recibió numerosas distinciones y premios: Diploma al mérito, otorgado por el Ateneo de El Salvador (1960), Mención Honorífica en la VI Bienal del Museo de Arte Moderno de Sao Paolo, Brasil (1961), Laurel de Oro, Establecimientos Ancalmo (1986), Presea de Reconocimiento otorgado por CONCULTURA y por la Dirección de Promoción Cultural (1995). El 17 de abril de 1998 la Asamblea Legislativa la declaró Pintora Meritísima, por su incalculable aporte a la cultura de El Salvador.

 

Para darle continuidad a su obra, la Fundación que lleva su nombre se dio a la tarea de restaurar su colección y obtener un edificio para el nuevo Museo Forma, el cual abrió sus puertas en el año 2008.

 

Falleció en San Salvador, el 22 de octubre de 1999.

 

*Elena Margarita Álvarez de Martínez: nació en la ciudad de Santa Ana, en 1948. Entre 1967 y 1969, estudió en la Academia de Bellas Artes en Lovaina (Bélgica) y luego en el Instituto St. Luc (Bruselas, Bélgica), de donde egresó en 1970. Además, tomó clases de cerámica en la Universidad Internacional de Florida (1973-1974). De vuelta en El Salvador, tomó clases de dibujo de la figura humana con el artista español Benjamín Saúl (1978-1979) y de pintura con Carlos Cañas (1980-1981).

 

Su obra incluye escultura y pintura, a menudo de manera simultánea dentro de un mismo campo estético. Pinta en óleo, acuarela y acrílico y sus esculturas son elaboradas en madera o bronce. Además, ocupa las técnicas de collage, repujado en metal, y grabado. La incorporación de materiales encontrados dentro de su obra es notable, lo cual, según Astrid Bahamond, “ha dejado honda huella en la historia del arte regional”. Los temas centrales de su obra incluyen la maternidad, iconografía simbólica de la naturaleza local y temas político-sociales como los terremotos y el conflicto armado. Principalmente conocida por sus “esculturas pintadas”, Verónica Sedano Álvarez las describe así: “coquetean con el lenguaje contemporáneo. Esto se pone de manifiesto en la hibridez de sus propuestas, las que tienden a infringir la clásica separación entre pintura y escultura. De igual manera, podemos apreciar en algunas de ellas un fuerte sentido instalativo y la incorporación de objetos encontrados: desde el propio tronco que muchas veces sirve de soporte a la obra, hasta frutos que posteriormente integra al conjunto. No obstante, no puede perderse de vista que un elemento esencial que define estas obras es su apego a la escultura popular salvadoreña, y por tanto, a lo tradicional; lo que evidencia, además, una característica general del arte latinoamericano actual: el peso de los contextos locales”.

 

Ha expuesto individualmente en veinte ocasiones en El Salvador y Guatemala. Además, ha participado en más de sesenta exhibiciones colectivas en Centroamérica, Estados Unidos, México, Canadá, Colombia, Brasil, Ecuador, Suiza, y Bélgica. Entre las más importantes se destacan la XVIII Bienal de Sao Paulo (1985); Escultura de las Américas hacia los años 90 en el Museo de las Américas de la Organización de Estados Americanos (OEA, Washington, D.C., 1991); la VII y XI Bienal Internacional de Valparaíso (Chile, 1985 y 1989); la Bienal Iberoamericana celebrada en el Palacio de Bellas Artes (México, 1988) y Dioses, espíritus y leyendas en el Museo del Barrio (Nueva York, 1999).

 

Ha sido distinguida por su contribución artística con el grado de Caballero de la Orden de las Artes y Letras del Gobierno de Francia (1993). Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas, como el Museo de las Américas de la OEA, la Colección Forma de la Fundación Julia Díaz, la Colección Nacional de Pintura, el Museo José Luis Cuevas de México y la Colección del Banco Cuscatlán; al igual que de colecciones privadas en El Salvador, México, Chile, Colombia, Venezuela, Suiza, Canadá, Estados Unidos, Guatemala y Costa Rica.

 

En 1994, publicó un libro sobre su obra, titulado Negra Alvarez y el espíritu de la materia.

 

*Nicole Schwartz nació en 1938 en París (Francia). Inició sus estudios de pintura en San Salvador con el maestro Valero Lecha y posteriormente estudió historia del arte así como grabado y pintura dentro del Bachillerato en Artes, recibiendo también clases de dibujo con el maestro Benjamín Saúl. En 1982 ingresó a la Academia de Port-Royal (París).

 

Con respecto a su obra, la curadora Astrid Bahamond nos dice: Para la artista el color constituye, en este sentido, el soporte ideal que le da el carácter a la obra,

a veces fragmentario, de un mundo visible, un mundo de estratos y de segmentos,

animado y profundo, dotado de un relieve que repentinamente aparece, ya que la

luz es en sí misma un deslumbramiento irreal, sin contrastes discriminatorios de

colores y valores…… Dentro de un contexto pictórico, donde predomina el arte representacional, su pintura, trazada enérgica y gestualmente, sigue un proceso

de creación ilimitado, rompiendo con ello la tradición de un arte preciosista o

decorativo. (Portal CLIC, 2007)

 

Con 19 exhibiciones individuales, realizadas en El Salvador, Francia y Guatemala, ha participado además en dos Bienales de Arte, incluyendo la Bienal de Sao Paulo (Brasil) en 1994 y en más de cuarenta y cinco muestras colectivas.

 

Entre las distinciones recibidas, se cuentan el Gran Premio de la Academia de Port-Royal (1990) y el 1er. Premio del Salón de la Acuarela y el Dibujo en el Grand Palais de París (2008). En el año 2007, el Liceo Francés (San Salvador) presentó su obra pictórica en una muestra titulada “Homenaje a Nicole Schwartz”.

 

* Verónica Vides (1979) :Nació en San Salvador, en 1970. Cursó estudios de diseño gráfico en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad “Dr. José Matías Delgado” y recibió cursos de cerámica de alta temperatura con el mexicano Hugo Velásquez. Obtuvo una beca de estancia para producción artística en la Escuela de Artes Plásticas La Esmeralda, en la ciudad de México, otorgada por la Secretaria de Relaciones Exteriores de México en el año 2000. En la actualidad, forma parte del colectivo de artistas salvadoreños ADOBE.

 

Exhibe individualmente desde 1996 en El Salvador, Nicaragua, México, Argentina y Australia. Cuenta con más de treinta exhibiciones colectivas en Centro América, México, Estados Unidos y Australia, de las cuales sobresalen Once Miradasen el Centro Nacional de las Artes de México, D.F., From a Woman’s Perspective – 7 Mujeres Artistas Latinoamericanas en el Centro Cultural Latino de Chicago y Aldo Castillo Gallery y 7 Artistas, 3 Generaciones en la Galería GDS en San José, Costa Rica. Fue invitada a exhibir en el Museo de Arte de El Salvador su instalación Polillas de hierro desde finales de 2004 hasta diciembre de 2005. Como artista seleccionada, representó a El Salvador en la III y IV Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano, celebradas en Nicaragua (2002) y en Panamá (2004). Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica y se encuentra en algunas de las colecciones más importantes de El Salvador.

 

Ha recibido varios premios y reconocimientos, entre los que se destacan Premio “Joven Talento” otorgado por el Centro Cultural de la Embajada de México y Galería 91 en 1999; mención de honor en la Categoría Escultura de la I Bienal de Arte Paiz de El Salvador en 2002; primer lugar en HABITART, Kent en 2003; premio único en la Categoría Arte Alternativo de la II Bienal de Arte Paiz de El Salvador; primer lugar en el Certamen Juannio 2002 en Guatemala y mención de honor en la IV Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano en Panamá en 2004.

 

Como parte del programa Artista del Mes del MARTE presentó Caparachos, una de sus más recientes creaciones. En esta obra, la artista juega con impresiones de distintos sellos para dejar su marca en las paredes como un estilo de graffiti, donde ella manifiesta su miedo al vivir en San Salvador. Caparachos es una respuesta a este miedo y a las experiencias de ella en la capital salvadoreña. Según la artista, ” Hay que ser valiente para vivir allí o inconsciente, ciego, sordo o acostumbrarse a fuerza de ir perdiendo el asombro… mis dibujos son una alusión a mi mecanismo de defensa, a mi caparacho que me alberga y me libra por momentos de un entorno tan hostil”.

 

Sala Nacional de Exposiciones Salarrué

 

Dirección: Costado norte del Parque Cuscatlán, San Salvador El Salvador, Centroamérica.

Teléfonos: (503) 2261-0372

(503) 2221-7255

(503)2222-4959

Abierto de martes a domingo

8.00 a.m a 5:30 p.m

Lunes cerrado al público

Salanacionaldeexposiciones.sv@gmail.com

Entrada gratuita.

Siguenos en facebook

   

El sueño del enfermo solitario

1973

  

Retrospectiva en homenaje al Maestro

CARLOS CAÑAS

Premio Nacional de Cultura 2012

Artes Plásticas

6 al 18 de noviembre de 2012

 

La Secretaria de Cultura de la Presidencia de la Republica, tiene el grato honor de presentar la obra retrospectiva del artista Carlos Cañas en la Sala Nacional de Exposiciones “Salarrué” en el marco de celebración del premio Nacional de Cultura 2012, dedicado a las Artes Plásticas.

 

Carlos Cañas nace el 3 de septiembre de 1924 en San Salvador. Ingresa a la Escuela Nacional de Artes Graficas en 1950, donde permanece por ocho años. Elige en su inicial periodo la temática indigenista aproximadamente en los años cuarenta y cincuenta del siglo XX

 

Durante su estadía en España, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se enfrenta a novedosas corrientes en boga, especialmente al informalismo y la abstracción. A su regreso a El Salvador en 1958 irrumpe con sus nuevos conocimientos la tradición pictórica y se dedica a la abstracción, como segundo periodo de creación, iniciando en este sentido una nueva corriente para el desarrollo del arte nacional, partiendo de que el ancestralismo telúrico precolombino es el contenido simbólico de su innovación estilística.

 

En su tercera etapa, utiliza el dibujo expresionista dedicado| a contenidos políticos de la realidad salvadoreña en la que denota una valoración sobre la miseria, desamparo y angustia de su pueblo. Su credo estético consiste en que considera al arte como expresión que debe cumplir una función socio-política-cultural.

 

La cuarta etapa corresponde a la del “realismo mágico” en la cual regresa a la figuración preciosista, donde demuestra la perfección pictórica. La mejor muestra de este periodo se puede apreciar en los frescos que decoran la cúpula del Teatro Nacional de San Salvador. Su pintura figurativa conoce tres aspectos fundamentales: el realismo mágico, el mestizaje cultural y la ideología como esencia fundamental.

 

De tal manera que la armonía, como tipificación persiste de la creación de Carlos Cañas en todas las formas cognoscitivas de las artes visuales, se mantiene en sus distintos comportamientos en la relación tiempo-espacio, y, su arte ha sido contemporáneo tanto a los contextos históricos que le han rodeado como a los de su creación aislada y profundamente sensible.

 

Por eso y por mucho más esta exposición esta consagrada a uno de los mejores artistas integrales del siglo XX y XXI: Carlos Gonzalo Cañas, ganador del premio Cultura 2012 en la rama de Artes Plásticas.

 

“Maestrísimo Carlos Cañas, talento y baluarte nacional con quien la sociedad salvadoreña tenia una deuda moral, y, en esta ocasión cuando en nombre de la misma, se le rinde tributo en la Sala Nacional de Exposiciones Salarrué”, bajo esta exposición curada por Jorge Palomo.

 

Ana Magdalena Granadino

Secretaria de Cultura de la Presidencia.

      

Maestro Carlos Cañas, Premio Nacional de Cultura 2012

 

Esta exposición presenta una selección de la obra del Maestro Carlos Cañas, ganador del premio Nacional de cultura de este año. Se incluyen 48 piezas que abarcan más de 70 años de trabajo, con obras de cada década, e incluyen sus obras maestras. La exposición esta organizada en un recorrido cronológico.

 

Cañas ha llamado su obra “la gran síntesis” refiriéndose a la mezcla entre estilos de arte extranjeros modernistas con temas nacionales. Es portador de un vasto bagaje cultural universal y de un entendimiento de las realidades de nuestro país. Ha sido el precursor nacional de los diversos estilos artísticos. Y un infatigable humanista, presentando temas apegados a los derechos humanos y a la justicia social a lo largo de su carrera.

 

En la década de 1940 regreso de la Escuela de Artes graficas, sus profesores influyeron en su obra: José Mejía Vides con los temas del paisaje e indígenas, Y Luis Alfredo Cáceres Madrid con el muralismo Mexicano, el nuevo arte moderno de las Américas, que presentaba a la población rural en escenas propias del costumbrismo. El contenido se compone con lo social y lo político, y fundamenta las bases del artista.

 

En 1950, Cañas partió a España para estudiar artes, donde aprendió las corrientes modernistas europeas. Retorno al país en 1958, e introdujo la abstracción en El Salvador, continuando con contenidos sociales.

 

La década de los 1960 muestra series de abstracción matérica -pintura mezclada con materiales adicionales para resaltar la textura de la superficie-. La primera serie se enfoca en paisajes. La segunda se inspira en mobiliarios y elementos arquitectónicos. La tercera, titulada Serie Maya, es inspirada en el Popol Vuh, recupera un tema central de la histórica nacional en un estilo moderno. Esta década también presenta esculturas en hierro forjado, continuando la abstracción de las formas.

 

La siguiente década marco un cambio en estilo y contenidos. Impactado por la intervención militar en 1972 de la Universidad Nacional, comienza su serie de Testimonios que ilustran los abusos a los derechos humanos que ocurrían en manos de las dictaduras militares. Le sigue la Serie De Hospitales. Los cuerpos de ambas series muestran una deformación de los cuerpos que comunica lo trágico de las escenas. En la segunda mitad de la década dejo la abstracción por un realismo mágico, simbólico, haciendo uso de frutos, flores y personajes. Esta etapa culmino con una de sus obras maestras, el mural de la cúpula del teatro Nacional de San Salvador.

 

Durante el conflicto armado, continúo con temas de Testimonios pero también trata temas más propios del amor. Una de sus obras maestras, la representación de la masacre de El Sumpul, ha sido llamada la pintura histórica más importante de nuestra época contemporánea

 

Para la década de 1990, dejo a un lado el realismo de las décadas pasadas. Figuras son dibujadas con pintura en una pincelada y un colorido más expresionista, sin dejar a lado una sensación de irrealidad. Los bronces de esta década son figuras femeninas recostadas en estilos que van desde el realismo hacia un estilo mas simplificado.

 

Para el nuevo siglo, Cañas continuo el estilo y los temas de la década previa, pero en colores mas vividos y saturados, y con una línea mas grafica. Predominan representaciones de las mujeres. Actualmente, su obra sintetiza los colores y la línea grafica de las series previas, pero el estilo de las figuras recuerda la abstracción geométrica de su retorno de España en 1958.

 

Jorge Palomo.

Curador

       

Biografía

 

Carlos Cañas nació en 1924 en San Salvador. En 1944 egreso de bachiller en Arte y teoría de la Escuela Nacional de Artes Graficas. En 1947 fue dirigente del grupo de pintores independientes, quienes produjeron arte comprometido con la realidad política y social del país. En 1950 fue becado para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, España y permaneció en Europa hasta 1958. Cañas es parte de una generación de pintores salvadoreños que Estudiaron en Europa durante la década de los 1950 y que retornaron al país, cambiando el panorama de la pintura nacional. Carlos Cañas es el primer artista que exhibe pintura abstracta de corte cubista en El Salvador.

 

Desde 1958 hasta 1972, Cañas fue profesor en la facultad de Ingeniería y Agricultura de la Universidad Nacional de El Salvador, siendo nombrado jefe del Departamento de Teoría e Historia en 1969. En 1974, fue nombrado profesor en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas. Desde 1976, y por varios años, fue profesor de pintura y dibujo en el Centro Nacional de Artes, eventualmente fungiendo como director (1996-2001). Impartiendo Clases de pintura en su estudio desde la década de los ochenta hasta 2008.

 

Su obra es concurrente con el modernismo del siglo XX, empapándose de todas sus corrientes más importantes aplicadas temas nacionales. Su producción artística incluye pintura, murales, escultura, dibujo, grabado, ilustración de libros, diseño de escenografía y vestuario. Su larga carrera abarca diversos estilos como el indigenismo y paisajismo, el cubismo, obra abstracta matérica, el realismo mágico; así como el expresionismo a finales del siglo XX. Vemos un retorno a una abstracción geométrica en su obra reciente. Entre los murales pintados por Cañas se encuentran los del Teatro nacional de San Salvador (1977). Su temática por la excelencia ha sido el humanismo.

 

Además de mas de setenta exposiciones individuales y cientos de expresiones colectivas a nivel nacional, ha exhibido en Centroamérica, Cuba, México, los Estados Unidos, Sur América, Europa, Japón y Costa de Marfil. Ha participado en importantes bienales internacionales, incluyendo la XXIII Bienal de San Paulo (1996) donde represento al país de manera individual.

 

Cañas ha recibido numerosos reconocimientos como: el Reconocimiento por su labor por la Asamblea Legislativa de El Salvador (1988); la Orden del caballero de las Artes y Letras del gobierno de Francia (1990); la Condecoración José Matías Delgado del Gobierno de El Salvador (1992); la Condecoración Isabel la Católica del Gobierno de España (2001) el premio Nacional de Derechos Humanos de la Procuraduría para la Defensa de los Derechos Humanos de El Salvador (2002); el premio Valor Cultural 2003 del Consejo Nacional para la Cultura y el ARTE; la Cruz de Santiago del Centro Español y la Embajada de España (2009); la condecoración Miembro de Merito de la Fundación Carlos III del Teatro Real de Madrid 82012); y el Premio Nacional de Cultura, rama de Artes Plásticas, de la secretaria de Cultura de la Presidencia (2012).

 

Su obra se incluye en la colección Nacional de Pintura y Escultura, el Museo Forma y el Museo de Arte de El Salvador MARTE, así como el Museo José Luis Cuevas de México.

 

I find my princess talking to the moon taking races to see who is the biggest bitch.

 

www.youtube.com/watch?v=L3zMbvleA1A

 

El término modelo, deriva de moda, se refiere a una persona que viste una prenda, ropa o accesorio con el fin de exhibirlo a terceros.

Usualmente se asocia la profesión al género femenino, sin embargo, en su más amplio sentido abarca tanto a hombres como a adolescentes y niños. De acuerdo con el concepto moderno de modelo, se trata de una persona con condiciones específicas de edad, estatura, medidas, belleza, etc., para conseguir que los artículos presentados resulten muy atractivos para el target a quien se dirige la publicidad o la campaña de comunicación, los periodistas, la televisión, etc.

En el modelaje (o actividad de presentar al público ropa) es posible distinguir dos grandes categorías: las modelos de pasarela (asociadas a presentar vestimentas de diseñadores de moda), y las modelos de fotografía (vinculadas a la publicidad de productos y a las artes visuales y diseño). Cada una de estas categorías requiere un perfil específico. Así, por ejemplo, la cantante Françoise Hardy y la actriz Brigitte Bardot fueron modelos de alta costura y prêt-à-porter, respectivamente, pero sólo fotográficos y no de pasarela.

www.moma.org/

-------------------------------

El MoMA es el acrónimo en inglés de Museum of Modern Art, Museo de Arte Moderno de Nueva York, nombre por el que es conocido. Sus edificios permanentes se encuentran situados en Manhattan en el 11 West con la calle 53 de Nueva York. El MoMA abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929, fundado por los filántropos estadounidenses Lillie P. Bliss, Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller para “ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo”. El MoMA es uno de los mejores museos de arte moderno del mundo.

El Museo se fundó como entidad privada, beneficiándose de numerosas donaciones de sus miembros y de empresas, siendo un ejemplo para otros museos de su clase, ampliando las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras galerías.

Es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Alberga piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1906) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos.

Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, gran parte del público de aquella época despreciaba el cubismo y el arte abstracto, porque chocaban con las líneas directrices que hasta ese momento marcaban la pauta del "verdadero arte".

De las primeras vanguardias del siglo XX, el MoMA conserva obras clave de Pablo Picasso, Marc Chagall, Kandinsky, Mondrian, Henri Matisse, etc. Tiene un Jardín de Esculturas con obras Auguste Rodin, Alexander Calder, Louise Nevelson, Pablo Serrano y Aristide Maillol, además de una sala de cine.

Después de cuatro años de reformas, en 2004 fue inaugurado el nuevo MoMA, con casi el doble de espacio. El museo tiene dos restaurantes y una cafetería. Este museo está abierto de miércoles a lunes desde las 11 hasta las 18 horas; los jueves, hasta las 21 horas. Está cerrado al público los martes y los días de Acción de gracias y Navidad.

En: Wikipedia

------------------

The Museum of Modern Art (MoMA) is an art museum located in Midtown Manhattan in New York City, on 53rd Street, between Fifth and Sixth Avenues. It has been singularly important in developing and collecting modernist art, and is often identified as the most influential museum of modern art in the world. The museum's collection offers an unparalleled overview in modern and contemporary art, including works of architecture and design, drawings, painting, sculpture, photography, prints, illustrated books and artist's books, film, and electronic media.

MoMA's library and archives hold over 300,000 books, artist books, and periodicals, as well as individual files on more than 70,000 artists. The archives contain primary source material related to the history of modern and contemporary art. It also houses an award-winning fine dining restaurant, The Modern, run by Alsace-born chef Gabriel Kreuther.

Técnica: Lápiz

Honestamente decidi no pintarlo.. me gusto mucho como quedo y temía arruinarlo.

Seguimos ablandando la mano!

Espero les guste

  

NOMBRE: Madero Office

UBICACIÓN: Ciudad autónoma de Buenos Aires - Puerto Madero

ARQUITECTO: Mario Roberto Alvarez y asociados.http://www.mraya.com.ar/

  

Este edificio esta pensado como un hito en si mismo, como portal a la ciudad de buenos aires, ya que desde el aeropuerto Jorge Newbery y desde el puerto se puede observar como entrada a la ciudad.

La torre presenta dos núcleos donde se ubican todos los servicios, dejando una extensa planta alargada que permite obtener grandes visuales desde toda la superficie de la misma. A su vez esta es el primer edificio en Argentina pre certificado GBC LEED según el estudio, pero en este punto siempre hay diferencias por el tipo de certificación, muchos estudios se adjudican el primer puesto(www.usgbc.org/ - www.argentinagbc.org.ar/) Entre sus particularidades que permitieron su certificación se puede nombrar: Courtain Wall de DVH(doble vidrio hermetico) con la particularidad de repeler los rayos solares en verano y permitir su paso en invierno, vestuario para cilcistas, utilización de agua de lluvia y de aire acondicionado para riego, colocación de paneles solares térmicos para proveer agua caliente a los baños, utilización de equipos de aire acondicionado de alto rendimiento, sistemas de griferia para el ahorro de agua corriente.

  

Personalmente no me parece el mejor diseño de ahorro energético, fundamentalmente por el alto costo del mismo (problema del comitente en este caso) y por no tener una orientación totalmente especifica dejando totalmente expuesta una cara al lado frío(sur en estas latitudes) a pesar de tener un excelente sistema de cerramiento. Otro punto que me parece negativo es la no ventilación directa y natural del edificio, sigue siendo una caja cerrada que depende totalmente de un sistema artificial, cosa extraña en los edificios del arq. Alvarez. Pero también demuestra que con buena predisposición del comitente y del diseñador se pueden realizar este tipo de edificios sin sacrificar el lado estético.

  

En la primera imagen se puede observar la Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat de Rafael Viñoly. Este edifico cuenta con un sistema de persianas que se desplazan, controlando la entrada de luz natural según las necesidades internas. En otro post pondré fotos de detalle de esta obra.

 

Exposición

"De la Semilla de Dios, al árbol y sus frutos"

Del 3 de diciembre de 2013 al 5 de enero de 2014

 

En honor al maestro Fernando Llort, Premio Nacional de Cultura 2013, Edición XXV, dedicado a la Gestión Cultura. El recorrido de la exposición inicia con una semblanza del maestro Llort a través de la cual el público puede conocer algunas interioridades de su vida personal, familia, amigos, gustos, creencias, y personalidad del artista visual, entre otros.Otras facetas de Llort que se muestran en la exposición son las del artista -su obra y evolución hacia otras formas y materiales-; su emprendedurismo al montar -primero en el garaje de su casa- su empresa El árbol de Dios en 1981, la cual se desarrolló, diversificó y está vigente.

 

La exposición se montó con el apoyo de los artistas visuales José Roberto Suárez y Salvador Llort; los textos han sido escritos por la investigadora cultural Astrid Bahamond; y el director de Publicaciones e Impresos, Eric Lemus; el diseño fue realizado por Salvador Vásquez de la Fundación Llort y el trabajo de museografía y montaje por Oscar Batres y Jesús Benítez.

 

BIOGRAFIA DE FERNANDO LLORT

 

Por Rodolfo F. Molina

 

Fernando Llort Choussy nació el 7 de abril de 1949 en San Salvador, El Salvador, uno de los seis hijos del hogar formado por Baltasar Llort y Victoria Choussy. Llort es de ascendencia española: su abuelo, Pablo Llort Angles, originario de España, se estableció en El Salvador en 1897.

 

Desde su niñez, Fernando mostró interés por el dibujo y las manualidades, y en su juventud, cuando todavía estudiaba en el Liceo Salvadoreño, en 1964, toma clases de cerámica con el maestro Cesar Sermeño. Al graduarse de bachiller, se inscribió en la Universidad Nacionalcon la intención de estudiar arquitectura, pero solo cursó las materias de áreas comunes pues luego decidió seguir otro camino y se retiró de la institución.

 

Fernando comenzó sus estudios religiosos en el Seminariola Ceja, Medellín, Colombia, en 1966. De allí, partió a estudiar Filosofía en la Universidadde Toulouse, Francia, donde permaneció por tres años. En este periodo, Llort comenzó a pintar, su primera exhibición tiene lugar en Francia y, según el artista, las obras de este periodo inicial, tienen una clara evocación a la cultura maya. Su interés por la idea de identidad está marcado desde muy temprano en su carrera, este interés se incrementó al alejarse de su tierra natal. Posteriormente, estudia teología en Lovaina, Bélgica, adonde permanece seis meses. Otro aspecto importante que se encuentra presente a lo largo del desarrollo del trabajo de Llort es el sentido religioso.

 

Después de estudiar en Lovaina, Fernando regresa a El Salvador y a la vida civil. Por un periodo de aproximadamente un año, Fernando forma parte de “La Bandadel Sol” un grupo de música interesado en hacer composiciones relacionadas con la religión, el amor, la unidad, intereses que corresponden a los ideales de la juventud de este periodo. A partir de mediados de los años sesenta, la cultura hippie, y el arte Pop habían ganado popularidad internacional, la música representaba una nueva fuerza de expresión que dialogaba con los nuevos valores de libertad, paz y amor. En la escena salvadoreña, surgen en ese momento varias bandas conformadas por jóvenes que de alguna manera sentían que su participación en dichas agrupaciones les permitía establecer un precedente en la conservadora sociedad salvadoreña. En “La Bandadel Sol” participaron, entre otros, Manuel Martínez Daglio, Max Martínez, Carlos Aragón, Ricardo Archer y Alejandro Bella Battle. Otro aspecto relacionado con la música, pero más privado, son sus textos, composiciones, frases y poemas, con los que a veces acompaña su trabajo.

 

Posteriormente, Llort es enviado por su padre a Louisiana State University, en Baton Rouge, a estudiar arquitectura, permanece seis meses en Louisiana estudiando arte. En esta etapa, se le ocurre la idea de regresar a su país y formar una “comunidad de arte”. Aunque entregado a su trabajo, Llort se sentía especialmente incómodo con las actitudes racistas de sus compañeros hacia las personas de color, recordemos que el problema racista aún pesaba mucho al final de los sesenta, especialmente en el sur de los Estados Unidos (Martin Luther King fue asesinado en 1968). Según Llort, de un día para otro decide regresar a El Salvador aprovechando que su amigo Roberto Sánchez viajaba en carro desde Louisiana. Durante esta travesía, el artista se plantea el regresar a la pintura, a la búsqueda de su propia identidad y a conformar un centro de arte.

 

Fernando Llort regresa a El Salvador en 1971. Para este momento, el país había alcanzado ciertos logros en el ámbito social, y la escena cultural se consolidaba.

 

Galería Forma, de Julia Díaz, se había convertido en un centro de actividad cultural y es notoria la apertura de nuevos espacios para exposiciones y de nuevas oportunidades para la música culta, como los festivales de música organizados por Pro Arte, y patrocinados por la empresa privada. La muy discutida reforma educativa de Walter Beneke y sus bachilleratos diversificados, con una política de reclutamiento en el interior del país trajeron nuevos impulsos para el Centro Nacional de Artes.

 

Sin embargo, en el ámbito político, la década de los setenta representa el periodo de gestación del conflicto armado que habría de abatir a la sociedad salvadoreña entre 1979 y 1992. El régimen militar que detentaba el poder desde 1932 veía acercarse su fin, y la represión desencadenada en este periodo vino a provocar reacciones incontrolables durante la siguiente década.

 

A su regreso a El Salvador, en 1971, Llort encuentra un país económicamente optimista, a pesar de la reciente guerra con Honduras (1969), con una escena artística que crecía y que acoge a Llort con una exposición en la Galería Forma.Con las ganancias de esta muestra, el artista decide marcharse de San Salvador, y establecerse en la población de La Palma en el departamento de Chalatenango, lugar que le traía buenos recuerdos ya que lo había frecuentado desde su niñez, gracias a que su familia tenía allí una propiedad.

 

Fernando Llort llega a La Palmaen 1972, a los 23 años, con la idea de pintar, y con un horizonte idealista, Caminando por las calles del pueblo encuentra a un niño que frotando una semilla de copinol conseguía una superficie blanca y dura. De esta semilla, que luego él transformaría en producto artesanal, viene el nombre de su primer taller: “La Semilla de Dios”.

 

Más tarde,La Semilla de Dios se transformó en una cooperativa-escuela, en la que Llort enseñaba a un grupo de habitantes de La Palmaa trabajar la artesanía en madera. Los diseños fueron desarrollados por el artista inspirados en el entorno del pueblo y en la naturaleza. En la exposición mostramos su libreta de apuntes donde se puede apreciar cómo los dibujos se fueron transformando y simplificando; a partir de los dibujos originales, el artista desarrolló plantillas que pudieran ser usadas por los artesanos, estableciendo una escuela que pronto fue creciendo La Fundación Fernando Llort cuenta con más de 6000 dibujos y plantillas que fueron utilizadas para el aprendizaje de los habitantes del Municipio dela Palma, durante los talleres desarrollados en forma gratuita por más de diez años. La cooperativa se formaliza en 1977, y luego se multiplicó en otros talleres.

 

En 1978, Carlos Cañas imparte un taller de grabado a Fernando en la Palma.

 

En 1973, el artista conoce a Estela Chacón, se casa con ella en la Palma, y forman una familia de tres hijos. Los Llort permanecieron en La Palma hasta 1979, año en que se establecen en San Salvador debido a la situación de inseguridad que se vivía en ese momento.

 

En San Salvador, el artista abre el centro Cultural “El Árbol de Dios” en 1981. Aquí Llort prosiguió con su labor de enseñanza y los artesanos, venían desde La Palma a entrenarse.

 

Paralelamente, el artista continuó desarrollando su trabajo. A este respecto es importante mencionar que la presente muestra no pretende ilustrar el desarrollo del proceso artesanal en la Palma, más bien intenta hacer un acercamiento, al trabajo personal de Fernando Llort, el cual a veces nos ha parecido esquivo debido a la maquinaria artesanal que lo rodea; sin embargo, es el propio Llort quien ha marcado como esencial la función social de su trabajo, que tan generosamente se ha convertido en herramienta para el beneficio de muchos.

 

Esta exposición representa el momento importante para hablar sobre el significado del trabajo de Fernando Llort como artista. En ese sentido, este ejercicio curatorial, intenta ofrecer una visión, ciertamente parcial, que ofrece al público la oportunidad de tener una mejor comprensión de la obra del artista, se trata de hacer visible su proceso de trabajo sus desarrollos paulatinos, sus intereses y su simbolismo. Desde los años setenta, los salvadoreños adoptamos esta simbología y la hicimos nuestra porque nos refiere a una identidad idealizada, limpia y alegre, exactamente lo contrario a la dura realidad de los años ochenta. Veamos ahora el verdadero simbolismo detrás de esas formas, líneas y colores.

   

INICIOS

 

El trabajo de Fernando Llort comienza a desarrollarse durante su estadía en Francia, cerca de 1968, con trabajos marcados por el interés por nuestras culturas ancestrales y el sentido de identidad. A su regreso a El Salvador, en 1971, su obra se distingue por el uso del collage, los materiales tridimensionales y cierta afinidad con la abstracción. Esto se hace evidente en el uso de piezas de madera, y tela, así como la utilización de texturas en algunas superficies. Este momento inicial en el trabajo de Llort representa una etapa de búsqueda especialmente interesante, en cuanto se encuentra apartada totalmente de los principios académicos que regían a otros artistas salvadoreños en ese momento. Las piezas tienen un carácter fresco, expresivo y desenfadado; en algunas ya se perfila el uso de simbología religiosa, la utilización de la línea, el dibujo, y de elementos de la naturaleza.

   

LA PALMA

 

La naturaleza, el ambiente rural y la sencillez de los habitantes del municipio deLa Palmaen 1972, contrastaban con el ambiente de desasosiego político que se estaba gestando en San Salvador y que después de un periodo complicado habría de estallar, al final de esa década, en el conflicto armado. Para Fernando Llort,La Palma representaba más que un escape de su cotidianeidad, una puerta que conducía a múltiples posibilidades que correspondían a sus deseos de desarrollo artístico, el de encontrar un propósito para su trabajo, y el poder sentirse libre de las ataduras tradicionales de la sociedad salvadoreña. En el contexto de El Salvador de los años setenta, la idea de que un joven de clase media decidiera apartarse de la sociedad y de su familia para irse a vivir a un pueblo, debió haber levantado más de alguna ceja, por decir lo menos. Este posicionamiento poco convencional vino a sentar precedentes en los que ahora ni siquiera pensamos cuando vemos el desarrollo turístico de otros pueblos como Ataco o Alegría.

   

DESARROLLO ESTILÍSTICO

 

Impulsado por el sentido de libertad, y renovado por el cambio de escenario, el trabajo de Fernando Llort experimentó una notable transformación a partir de su llegada a La Palma. Elartista comenzó expresándose en un nuevo lenguaje que implicaba la simplificación y estilización de las formas a un nuevo código, que logró conjugar ideas modernistas con un sentido de ingenuidad, de idealismo. Empezó entonces a trabajar en la insinuación de un sentido de lo local, con la introducción de casitas, techos o torres de iglesia, que en realidad pueden ser de cualquier pueblo. Esta simbología con colores alegres y formas limpias aparece de repente en un país que en ese momento, a pesar del régimen militar, de las injusticias y los atropellos políticos, tenía aspiraciones de progreso y desarrollo económico, de manera que este nuevo lenguaje ideográfico vino de alguna manera a abanderar la idea de un país “progresista”, y pronto fue adoptado como parte de la parafernalia de la simbología nacional. Este fenómeno no formaba parte de la agenda del artista, pero vino a proyectar su obra a nivel internacional, además del impulso que tomó la escena artesanal de La Palma.

   

LOS MEDIOS

 

Los materiales con que ha trabajado varían en diferentes momentos: A su regreso a El Salvador en el 71, el artista utiliza principalmente el collage y el ensamblaje. Una vez en La Palma, el artista comienza a experimentar con materiales locales como la madera de pino y las semillas de copinol para las artesanías. Ya establecida la escuela en “La Semilla de Dios”, que así se llamó el primer taller, se utilizaba la témpera barnizada sobre madera. También existe obra pintada del artista en la que ha utilizado esta técnica. Durante los años ochenta, Llort comienza a pintar sobre paneles hechos de estireno, también a producir grabados, y regresa a la cerámica, con la que había practicado cuando estudió con el maestro Se rmeño en su juventud. La variación de materiales así como el desarrollo en el trabajo de Llort ha ocurrido gradualmente. Actualmente, una nueva línea de trabajos está siendo realizada en vidrio con Vitrales de El Salvador, gracias a Margarita Llort de Saade y al técnico Salvador Vásquez Tamayo.

   

TEMÁTICA Y SIMBOLOGÍA

 

Las temáticas que han estado presentes a lo largo de la carrera de Fernando Llort son los temas de identidad, religiosidad e idealismo.

 

La identidad: está representada en la reinterpretación de la naturaleza: flores, animales y pájaros han pasado por un proceso estilístico y, como antes mencionaba, también se sugiere la celebración de lo local por medio de la utilización de simbologías específicas como grupos de casas o colinas. Debe destacarse que algunas de las formas utilizadas por el artista en las representaciones humanas, tienen también influencia de diseños precolombinos y algunos detalles como los ojos rasgados en las figuras femeninas simbolizan la belleza de la mezcla de razas. La cuma en posición vertical es un símbolo de la dignidad del trabajo.

 

El tema religioso: está contenido en una serie de símbolos que son utilizados por el artista para acentuar el escenario idealizado que presenta en sus obras: Las manos abiertas o hacia arriba son símbolos de alabanza, esperanza, acción de gracias, súplica y amor. El pájaro es visto como símbolo de la creación, y el sol como símbolo del Padre de la creación. El sol con doce rayos circundantes es Jesús con sus doce apóstoles. El fuego simboliza la unidad y la esperanza. Algunas figuras femeninas simbolizan directamente ala Virgen María.

 

El Idealismo: está representado por el paisaje que conforman los diferentes elementos de las composiciones: las casas, animales, plantas y personas, son plasmadas por el artista como un todo armónico, un paisaje limpio armonioso y feliz. Como si se tratase de la representación de una arcadia latinoamericana.

 

“El objetivo principal que persigo a través de mis pinturas y artesanías es reencontrarme con mis raíces como latinoamericano, y así contribuir a definir nuestra gente en su dimensión tanto humana como espiritual”. Fernando Llort

 

LA SEMILLA DE DIOS

 

El taller-cooperativa “La semilla de Dios” fue fundado enLa Palma en 1977; Fernando había comenzado con su esposa Estela, un taller conformado originalmente por diez personas. A este grupo original, Fernando le enseñó las técnicas de dibujo, pintura y acabado para las primeras artesanías, comenzó trabajando con semillas de copinol decoradas con tinta, coloreadas con marcadores, y barnizadas, también encontró en la zona madera de pino, con la que se comenzaron a trabajar objetos, estos se pintaban con témpera y luego se barnizaban. Debido al aumento de la demanda de productos artesanales, más personas se unieron a trabajar en el taller. La conformación dela Cooperativa en 1977 obedece a la necesidad de constituirse formalmente, y fue la manera de concretar el proyecto de Llort para beneficiar a la comunidad, ya que las ganancias se repartían de manera equitativa.

 

EL ÁRBOL DE DIOS

 

Fernando Llort regresó a San Salvador en 1979, debido a amenazas recibidas, se asume que de parte de delincuentes comunes. La situación política se complicaba, y la inseguridad comenzaba aprevenir a los clientes de ir ala Palma. A finales de 1979, el artista viaja a México, acompañado de su familia. Allá permanece por un periodo de unos seis meses, Llort regresa entonces a trabajar en San Salvador, y en 1985 funda “El Árbol de Dios”: un centro cultural con una colección de obras de Llort, una sala de exhibiciones, tienda, enmarcado y área de talleres. Aquí se continuó con la venta de la artesanía dela Palmay se organizaban exhibiciones de arte, charlas y conciertos.

 

LA FUNDACIÓN FERNANDO LLORT

 

El veinticinco de julio de 1989, Fernando Llort crea una fundación de utilidad pública, “Fundación Fernando Llort para el Fomento del Arte y la Cultura”, la que entra en funcionamiento en el año 2006, recibiendo formalmente el legado de Llort, y estableciendo como su función el fomento del arte y la cultura. Su misión es la de ser una entidad que promueva, a través de la pedagogía, del arte y la cultura, el bienestar y desarrollo integral del ser humano. Entre sus objetivos están el trabajar en gestión e investigación del área artesanal y artística, así como el ejecutar obras de beneficio social y cultural.

 

PROYECTOS ESPECIALES

 

Después de 1980, la obra de Fernando Llort fue exhibida en base permanente enla Galería1-2-3 de San Salvador y en la Galería SummaArtis en la ciudad de México, en la que expuso por primera vez en 1977.

 

Entre los proyectos especiales que el artista ha realizado podemos mencionar:

 

En 1980, realiza un mural de30 metros en el Hotel Presidente Hyatt (1980) (La obra fue destruida en una remodelación).

 

En 1983, con motivo de la visita del Papa Juan Pablo II, le fue encargado a Llort la decoración del templete para la misa pontificia. Así como el diseño de la estola Papal para la ceremonia.

 

En 1985, trabaja en la decoración dela Capilla Monseñor Romero en la UCA. San Salvador.

 

Ese mismo año, diseña el mural “Homenaje al Sol”, de 36 metros cuadrados para la fachada de El Árbol de Dios.

 

En 1997, diseña el mural y las verjas “El Camino Real de mi Pueblo”, en el Hotel Camino Real de San Salvador.

 

El mural dela Catedral: También en 1997, los arquitectos españoles Joaquín Lorda y Joaquín González, que habían sido contratados porla Comisiónde Reconstrucción de Catedral seleccionaron a Fernando Llort para que presentase alternativas al proyecto de un mural para la fachada de Catedral, con la idea de agregar elementos de color y estética que le añadiera carácter latinoamericano al edificio. Los diseños fueron aprobados porla Fundación Catedraljunto al Arzobispo Fernando Sáenz Lacalle, los arquitectos españoles y la Empresa Suárez Consolidados (que había sido contratada en 1995 para llevar a cabo la remodelación). La elaboración y colocación del mural duró un año entero, e involucró el trabajo de más de cien personas.

 

En 1998, la fachada principal dela Catedral Metropolitana de San Salvador estuvo terminada, la remodelación de catedral fue inaugurada el 19 de marzo de 1999,

 

En el mural de cerámica están representados alegóricamente el pueblo de Dios, el nuevo hombre y la nueva mujer con los instrumentos que utilizan para su trabajo, los ángeles guardianes, la paloma, símbolo de la paz y, coronándolo todo, una representación de la Última Cena y el símbolo de Dios.

 

En el año 2003, Fernando Llort recibe dela Asamblea Legislativa de El Salvador la distinción honorífica de Hijo Meritísimo de El Salvador, por sus aportes artísticos en pro de la identidad artesanal de El Salvador y por su trayectoria artística y humanística.

 

El mural de la fachada de catedral fue destruido en diciembre de 2011.

 

SOBRE EL TRABAJO DEL ARTISTA

 

No esperemos entender el trabajo de Fernando Llort de acuerdo a parámetros tradicionales. De manera independiente, el artista ha ido “abriendo camino” y se ha forjado un escenario propio, con prioridades diferentes orientadas a la función social, a la enseñanza y al beneficio comunitario. Su trabajo parece ignorar las fronteras entre arte culto, arte popular y artesanía; su obra tiene influencias modernistas y del arte POP, pero absorbe lo local y lo tradicional transformándolo a su propia dimensión, donde ha transpuesto con desenfado, y con gran sentido de libertad, lo étnico, lo local y lo religioso.

 

En relación con la distribución del espacio en el paisaje de sus obras, el artista parece hacer referencia a la pintura prerrenacentista y a los estilos precolombinos, con el uso de superficies planas y la ausencia de perspectiva.

 

Esta conjunción de influencias estilísticas, elementos con carácter ingenuo, simbología y formas naturales y arquitectónicas estilizadas conforman un mundo idealizado que de alguna manera emula la concepción de comunidad que el artista debe haber imaginado en La Palma. Los elementos religiosos han sido parte integral de su trabajo a lo largo de su carrera y las características de identidad también han sido importantísimas en el desarrollo de su obra.

 

El lenguaje desarrollado por Llort a partir de1972, ha sido interiorizado por los salvadoreños y forma ya parte de la cultura visual de la republica. En su afán por hacer arte y beneficiar a los habitantes dela Palma, Llort ha sentando precedentes importantes de cooperación y transversalidad entre el arte y la comunidad. Dejando del lado las convenciones, y auxiliado por una metodología clara y directa, logro establecer una iconografía para expresar sus ideas de harmonía paz y convivencia, en un momento en que el país se hundía en la vorágine de la guerra. Quizás sea esta coincidencia histórica la que confiere a su obra personal el atractivo y el misterio de lo utópico.

 

Es difícil pensar en el trabajo de Llort sin pensar en artesanía. La selección de trabajos que mostramos es una rara oportunidad de apreciar la obra de Fernando Llort en su dimensión original. Esperamos que esta muestra invite al público a reflexionar sobre el tema de la identidad cultural, y de un futuro construido por una sociedad pacifica, armoniosa y trabajadora como la que habita en los paisajes de Llort.

 

Funete: fernandollort.npo-index.net/

 

MUNA

Museo de Antropologia Dr. David J. Guzman

 

Dirección: Av. La Revolución, frente a Centro Internacional de Ferias y Convenciones, CIFCO, Col. San Benito, San Salvador, El Salvador Centroamérica

Teléfonos:(503) 2243-3750

Fax: (503) 2243-3927

E-mail: info@cultura.gob.sv

www.cultura.gob.sv/muna/

guias.muna@gmail.com

  

“Heme Aquí en Cuerpo y sin Voz”

Cuerpos de Karen Pazán en el Mall Plaza Vespucio.

 

Lo primero que me interesaría destacar de Karen Pazán, antes de entrar a reflexionar sobre sus propuestas visuales, es su condición de extranjera en el territorio chileno. En efecto, Karen Pazán es una mujer con nacionalidad colombiana nacida en la ciudad de Cuenca, que realiza estudios de arte en Chile y decide radicarse en nuestro país, desarrollando su trabajo de creación para una colectividad y en un territorio al cual no pertenece.

 

Este dato de su vida no me parece anecdótico, dado que instalarse en las tierras del otro no sólo supone, para ella, adaptarse a condiciones culturales que no le son familiares, sino que, también, estar fuera de su lugar de origen, le exige continuamente pensarse en la diferencia y la transversalidad simbólica. Karen Pazán, por ende, articula sus propuestas visuales desde bordes y aristas que, estando presentes en nuestro espacio cultural, comparecen invisibles a una mirada cegada por los misterios políticos y poéticos de nuestra incipiente sociedad

global.

 

Su labor mas allá de proponernos un mosaico de operaciones conceptuales inorgánicas, nos introduce en un espacio de contra interpretaciones identitarias en el cual la posición corporal del otro, sea éste femenino, nativo o minoritario,

es reposicionada en toda su espesura y violencia discursiva. Debido a esto y realizando una mirada detenida sobre su producción visual, se hace evidente que las preocupaciones de la artista no forman parte del inventario estético de la escena

local.

 

Su trabajo contrariamente exhibe temas y tratos con el fenómeno de creación que exceden una praxis artística originada desde la centralidad y certeza territorial. Este aspecto multicultural de su estética es especialmente interesante ya que, a través del mismo, se recuperan problemáticas, conflictos y políticas que están en la base de la sociedad occidental. Con esto me refiero a que Pazán teje historias y zurce relatos

marginales a toda historia oficial o universal, mostrando ese revés de contrasentidos que subyacen a todo intento de hegemonía cultural.

 

Yo diría que los objetos, instalaciones y fotografías confeccionados por la artista, son dispositivos estético-políticos, que conforman una escena en la cual los fragmentos y los residuos dejados por los procesos de colonización y, actualmente, por los discursos de integración, comparecen desvestidos de sus metáforas ideológicas, estéticas y filosóficas, exhibiendo de este modo, las desnúdeces implícitas en esos macro movimientos del poder.

 

De acuerdo a lo recién enunciado, no es casual que a artista haya elegido como nicho de desplazamiento critico ciertos momentos históricos de la moda europea. Esta elección, que recae sobre las modelizaciones estéticas del cuerpo femenino occidental, en función de paradigmas de belleza, seducción y erotismo, se llenan de complejidad cuando la entre comillas historia del vestir es sometida a una mirada que efectúa su desmoldaje arqueológico. Los hallazgos que aparecen después de realizado este levantamiento técnico, no sólo revelan el carácter represivo y disciplinante del vestuario sino que, también, ponen en escena los calces que dichos imaginarios del cuerpo establecen con otros procesos de organización y sujeción, emprendidos por el hombre occidental en su afán colonizador.

 

A modo de ejemplo, me gustaría hacer referencia a un trabajo de Pazán donde estos asuntos se materializan y cumplen a cabalidad. La obra a la que deseo aludir es la instalación titulada “Continente” expuesta en el Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile. En esta propuesta visual la artista reproduce en papel un vestido del siglo XVIII, sobre la superficie de este barroco atuendo, trascribe o tatúa los dibujos realizados por el peruano de origen inca Felipe Huamán Poma de Ayala, dibujos que muestran las atrocidades cometidas en la empresa de colonización. El choque de ambas realidades históricas, una referida al diseño y la moda, la otra vinculada a un ilimitado ejercicio de poder, muestra y hace visible, de

manera brutal y directa, el trasfondo biopolítico escondido en la campaña de evangelización de las Américas.

 

Claramente lo expuesto alude a que este proceso de conversión del indígena no fue más que una operación de producción de cuerpos, quiero decir que, el verdadero objetivo de la conquista fue producir al mestizo, al otro nativo, al criollo como suplemento retórico de Occidente. Este hacer del otro un pliegue de lo mismo,

es nuestra historia. Más aún, es nuestra forma de ser in-vestidos, modelizados en pos de la fabricación de una diferencia necesaria para la consolidación de los dispositivos de figuración dominantes.

 

Por otra parte, como lo plantea Hall Foster en el capítulo El artista como etnógrafo de su libro “El Retorno de lo Real”, Pazán se apropia de esta metáfora etnográfica y desde allí, invierte, pervierte, descentrando esa mirada moderna

que pensó al otro, en términos puramente estéticos, negando completamente su contingencia política. “Continente” de esta manera se nos presenta como un espacio de cualidades múltiples cuyo punto o núcleo de cuestionamiento es ese conjunto

de doctrinas y saberes inventados por el hombre blanco, en pos de preservar, a una distancia ritual, aquellas corporalidades informes e inclasificables que amenazaban desnivelar las economías espirituales subyacentes en sus mecanismos de

representación.

 

Esta coyuntura de subordinación biológica es tratada de forma análoga en la serie de fotografías titulada “Hábito de Memoria”. En ellas, la artista aborda este tema a partir de la confección de imágenes que evocan los dibujos y pinturas realizados por los pintores viajeros, quienes tuvieron la misión de ingresar en la matriz de representación europea, los nuevos territorios a ocupar. Este ejercicio de trascripción política tuvo un especial acento en la captura de las fisonomías nativas que,

en dibujos, pinturas y grabados, fueron convertidas en hermosas estampas, destinadas al ornamento y al conocimiento de las nuevas especies. Indudablemente la empresa de colonización fue un monumental proceso de edición y montaje cuyo objetivo, en gran medida, consistió en reducir la presencia del otro a la degradante categoría de objeto de curiosidad científica o, tanto peor, de ensoñación romántica.

 

Estas operaciones biopolíticas son nuestros antecedente simbólicos. Al parecer, son la plataforma imaginaria desde de la cual Karen Pazán invierte los disciplinamientos corporales que sostuvieron las jerarquías afectivas, entre dominadores y dominados (nativos y blancos), al inicio del proceso colonizador. Efectivamente la artista, asumiendo doblemente su condición de pintora viajera y, al mismo tiempo, de nativa codificada en la mirada del otro, decide post-producir ese conjunto de asimetrías oníricas que fijaron los marcos relacionales entre amos y esclavos. Además,

este proceso de recomposición semiótica, se ve acentuado

por las micro-tecnologías constructivas que utiliza en la formación de sus imágenes; éstas al igual que en obras anteriores consisten en labores manuales de arqueología femenina, es decir, estrategias de corte y recorte, pegado y maquillaje de fragmentos discontinuos imposibles de ser emplazados en el

rigor lineal de la historia.

 

“Habito de Memoria” es una obra que problematiza las complicidades erótico-emocionales (amor/terror, deseo/muerte) presentes en la totalidad de los ejercicios de poder, pero los problematiza desde instancias conceptuales y estéticas, que nos obligan a tomar posiciones desestabilizadas respecto al problema en cuestión. Si bien es cierto que, la artista busca seducirnos con sus barrocas figuraciones, también es real que su deseo apunta a sumergirnos en una profunda desazón identitaria, ya que al ver sus pequeñas estampas llenas de exótica calidez, no podemos evitar preguntarnos por el lugar que ocupamos en ellas ¿somos amos o seremos esclavos? La respuesta es imposible, nos somos ni amos ni esclavos, somos escuetamente, una geografía corporal intervenida por oscuros sueños de superioridad y poder.

 

Antes de escribir algunas líneas específicas sobre su actual trabajo titulado “Heme aquí en cuerpo y sin voz”, me gustaría hacer una breve reseña a la conversación que sostuvimos con Karen Pazán, previa a la redacción de este texto. En dicha plática, la artista, hizo referencia a la idea de su casa como un espacio productor de informaciones y sobre su forma de trabajo como un sistema que le permitía recolectar, conectar e interconectar estos inusuales contenidos o significados. Este par de indicaciones me hicieron pensar dos cosas: primero, que el espacio doméstico para Pazán no es tan doméstico ni familiar como siempre se piensa y, segundo, que su hacer no es un ejercicio enmarcado en las habituales

retóricas feministas.

 

Contrariamente lo que me planteaba la artista, con sus palabras, era un pensar el hogar y su praxis artística no ya desde un formato fijo y sedentario, sino que, lo percibiera más en términos virtuales e imprecisos, como un deseo nómade

que busca ver lo siempre visto desde ángulos y perspectivas en fuga. Ambas situaciones no sólo me calzaban con su evidente preferencia y conocimiento del barroco y el manierismo, movimientos caracterizados por el descentramiento de la mirada y por un profundo cuestionamiento de la identidad, sino que, lo que más provocó mi atención, fue descubrir que Pazán entendía ese paisaje de banalidades cruzado por el mundo y su inevitable mundialización.

 

Estas situaciones se tornaron más claras, para mí, cuando la artista me explicó que

sus metodologías de creación ya no consistían en la búsqueda y montaje lineal de un tema especifico, opuestamente su manera de trabajar se había convertido en un proceso abierto y transversal en el cual las informaciones que traman

nuestra subjetividad y organizan digitalmente nuestros cuerpos, se mezclan y re-mezclan exhibiendo sus violencias y contradicciones.

 

Comentar los referentes y la manera de afrontar el trabajo de Karen Pazán, me ha parecido esencial para abordar elanálisis de su última propuesta visual, porque, a diferencia de sus proyectos pasados, las operaciones efectuadas por la artista,

ponen en escena los movimientos de colonización psíquica llevados a cabo en la sociedad del capitalismo cognitivo. Estas nuevas formas de sujeción, como todos saben, ya no se manifiestan a través de modalidades de captura física, sino que, su

naturaleza inmaterial les permite desarrollar axiomáticas de envolvimiento

y clausura virtual que actúan directamente sobre las dimensiones imaginarias en las que se concibe nuestra identidad. Somos, de esta manera, mentalidades programadas y corporalidades preformadas que nos constituimos en la exterioridad

alienante del consumo, pero más aún, somos cuerpos vacíos que, como lo plantea Paula Sibilia en su libro “El hombre Postorgánico”, nos vivenciamos a partir de modelos subjetivos efímeros y descartables, vinculados exclusivamente a las caprichosas propuestas y a los volátiles intereses del mercado.

 

El proceso social que denominamos globalización se inaugura en la década del noventa con el derrumbe del bloque soviético. Dicho fenómeno, consolida el triunfo del modelo capitalista por sobre cualquier otro sistema económico o político que difiera de las axiomáticas del capital, asegurando la anulación de toda alternativa cultural y existencial que pudiera amenazar su inevitable expansión. La consecuencia mas nociva de este acontecimiento histórico es la configuración de una idea de mundo que carece de afueras, es decir, la promoción de un espacio colectivo en el cual los individuos se experimentan a si mismos y al otro sin un margen imaginario o simbólico desde donde poder habitar y encontrar sus singula-

ridades constitutivas.

 

Esta particular situación, además, genera un tipo de subjetividad y corporalidad debilitada que, al igual que nuestra concepción de mundo, se reproduce en línea con los objetivos y fines del sistema. Es justamente esta noción de cuerpo y subjetividad liquidas las que Pazán aborda en su instalación escultórica emplazada en la Sala de Arte de Mall Plaza Vespucio. La presencia de sus ambivalentes corporeidades en ese espacio de exposición no es fruto de un azar, sino que,

forma parte de una compleja estrategia visual que busca hacer evidente a los espectadores-consumidores los mecanismos retóricos y estéticos en los que queda encriptado su deseo.

 

Sin lugar a dudas, las intenciones de Pazán, al mezclar en una misma puesta en escena aspectos tan dispares como son nuestras ensoñaciones oníricas, nuestras alucinadas percepciones infantiles, con las muñecas y muñecos, y el idílico paisaje de las vitrinas con sus seductores y artificiales cuerpos femeninos, es

mostrarnos los andamiajes estructurales que están en la base de nuestras percepciones de la realidad. Sin embargo, más allá de exponer este sustrato de simulación, sus piezas revelan las complicidades imaginarias que el sistema provoca al momento de efectuar su eficaz proceso de conversión del individuo en una suerte de objeto disponible al consumo de si mismo.

 

Estas operaciones, como recién enuncié, se apoyan en tres aspectos claves: en primer lugar en la utilización del cuerpo femenino y el inventario de útiles domésticos, propios de la clase media chilena; con ellos, la artista configura híbridos

que evocan los juegos de infancia. Esta alusión al universo de la niñez no sólo posee un valor poético y surreal, sino que, aquí, ese reenvío al pasado, hace evidente el carácter infantil- arcaico de la subjetividad contemporánea, denunciando su extrema permeabilidad e ingenuidad política. En segundo lugar; la hechura de los cuerpos, confeccionados en papel maché y pintados con colores lechosos sin identidad cromática, que imitan los ficticios publicitarios, aluden de forma directa a la experiencia de una corporalidad que ha perdido los índices que cifran su particularidad e individualidad. En efecto, estos cuerpos suspendidos entre lo orgánico y lo inorgánico, portadores de una belleza tan artificial, como la de cualquier producto del mercado, nos hablan de un espacio societal en el cual la distancia crítica, que nos separa de las cosas y los sistemas de intercambio económico, se ha franqueado definitivamente. Tales cuerpos, iguales a si mismos, no poseen historia, más bien, son figuraciones que han reemplazado ese anclaje identitario por la efímera espectacularidad de su superficie.

 

En tercer lugar y para concluir con el análisis de “Heme aquí sin cuerpo y sin voz”, desearía hablar de algunos detalles del montaje que me parecen decidores respecto de los problemas asumidos por la artista. Los detalles a los que hago referencia tienen relación con la disposición de los cuerpos en el espacio a mostrar. Esta disposición, lúdica, teatral y seductora, hace que la sala en cuestión, se transfigure a ratos un espacio comercial. Con esto quisiera indicar que la puesta en escena, realizada por Pazán al interior del Mall Plaza Vespucio, no busca intervenir dicho espacio desde la implantación de una diferencia, al contrario, lo pretendido por la artista, es hacer que su montaje se vea investido o catequizado por la visualidad entorno (vitrinas).

 

¿Pero qué quiere Pazán al involucrar a sus posibles espectadores en un espacio de simulación? Lo que ambiciona es hacerlos repetir el guión del consumo pero esta vez en un espacio que no obedece a sus lógicas de alienación. Hacer que esto ocurra no sólo supone dejar al consumidor en la intemperie de su inerte expectación, sino que, lo principal y mas crítico de la puesta en artificio, es mostrarles que su experiencia del deseo está siendo constantemente intervenida por las rutinas redundantes de la economía neoliberal. Este asunto es de mucho interés porque nos moviliza existencialmente. Ya no es ni una ideología ni un

credo espiritual, sino que, lo que nos mueve actualmente, son pulsiones vacías y desechables, cuya naturaleza no tiene orígen ni en nosotros ni en nadie en particular. Estas sensaciones que vivencio como propias y que cifran mi identidad no me pertenecen, sin embargo, no puedo evitar dejarlas de sentir como mías, de allí la paradoja que los cuerpos de Pazán plantean.

 

Para terminar, me gustaría aludir de manera general a los ribetes mas críticos que percibo en la obra de Karen Pazán. Tienen que ver con una profunda reflexión sobre el poder y la líbido que lo alimenta. El itinerario desarrollado por la artista a través de las invisibles formas de sujeción, a las cuales históricamente hemos estado expuestos, tiene como objetivo mostrarnos el trasfondo emocional-psíquico que subyace en las mecánicas de representación que utilizamos diariamente

para comunicarnos, vincularnos y, por qué no, amarnos en una sociedad que ha eliminado todos sus misterios e integrado la totalidad de sus diferencias.

 

MAURICIO BRAVO CARREÑO.

Artista visual y teórico independiente.

Docente Universidad Uniacc, Arcis Valparaíso y Universidad

Tecnológica de Chile.

  

Hola!!

 

Villavicencio 323 es conocido dentro del barrio Lastarria por ser un espacio multicultural, donde se desarrollan distintas ramas de las artes, como danza, canto, arquitectura, diseño, pintura, etc. El dia domingo 8 de febrero se abrira este gran colectivo para aquellos diseñadores interesados en exponer sus trabajos.

 

Si quieres participar y reservar un puesto, escribenos a nomade.feria@gmail.com.

 

la feria: Domingo 8 de febrero

12:00 - 21:00 hrs

Barrio Lastarria. Villavicencio 323.

valores: $ 10.000 accesorios

$ 13.000 ropa.

  

Organiza:Atomica bolsos y NeoChapitas

  

Saludos!!

 

Fernando

PROGRAMA CULTURAL

FERIA NOMADE

VILLAVICENCIO 323

 

14:00 a 14:45hrs Almorzando Papas Fritas

Almuerzo con el artista Papas Fritas y Enrique Flores,

donde entrevistarán a sabrosos personajes de la escena

popular-artística nacional.

Si quieren comer, el valor será de almuerzo es de $ 1500 (vegetariano/no vegetariano)

 

15:00 a 15:45hrs Cortometrajes 1

Sesión de visuales y cortometrajes realizado por cinética producciones

 

16:00 a 16:45hrs Música

Martina Lecaros

 

18:00 a 18:15hrs Performance

CRUEL (fir)

 

19:00 a 19:45hrs Once Poesía

Once poemas de cinco autores + proyecciones de vídeo

Óscar Saavedra

Elizabeth Neira

Marcela Saldaño

Raúl Hernández

 

20:00 a 21:30hrs Cortometrajes 2

Sesión de visuales y cortometrajes realizado por Cinética Producciones