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Jorge Vilches ‘Adiós a los niños’, ‘Goodbye to the Children’, 1989, Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

"Límite 60",

2012, Instalación,

136 x 225 cm

Exposición VII Premio MAVI/ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo, Museo de Artes Visuales

Dominick Bradbury Dockendorff ‘Del bosque espero ramas, hojas, sombras’, 'Of the Forest I Expect Branches, Leaves, Shadows', Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

 

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En el año de 1940 los hermanos José y Ángel Márquez Figueroa Maestros de la antigua Academia de Bellas Artes, hoy Instituto de Artes Visuales, llegan al Parián con un grupo de alumnos a impartir su cotidiana clase de pintura al aire libre, iniciando su actividad enmarcados por viejas casonas y vetustos patios típicos de la Época Colonial.

 

Habiendo transcurrido algunas horas, el maestro José Márquez interrumpe la clase y les dice a sus alumnos, “jóvenes, ustedes están próximos a salir de la academia, ya son pintores ¿no les gustaría tener un lugar, como estudio–taller para agruparse, desarrollarse y con el tiempo llegar a ser un núcleo de artistas que representen a nuestra ciudad?”. Todos contestaron claro que sí Maestro ¿pero dónde está ese lugar? El Maestro respondió: “aquí, frente a ustedes, imaginen todas estas accesorias ocupadas por artistas, dignificarían y rescatarían del abandono a este lugar haciendo del mismo un “Barrio del Artista”.

 

“Es tarea de ustedes pugnar por que las autoridades les entreguen estos espacios para lograr un Barrio Bohemio como en otras grandes ciudades ”.

 

Pasaron algunos meses y gracias a las empeñosas gestiones de este grupo logran una entrevista con el entonces Gobernador del Estado Dr. Gonzalo Bautista Castillo quien ve con agrado la idea expuesta y en coordinación con el Presidente Municipal Juan Manuel Treviño, ceden este espacio donde se funda la Unión de Artes Plásticas de Puebla siendo el primer Presidente de la misma el Maestro Faustino Salazar García y se organiza la primera exposición colectiva de esta Agrupación el 5 de mayo de 1941.

 

En el año de 1955 el Gobierno del Estado presidido por el Sr. General Rafael Ávila Camacho cede en custodia de la Agrupación la plazuela del factor, dada la importancia que va adquiriendo este lugar para el Turismo Nacional e Internacional, posteriormente se efectúa la construcción de la segunda planta y con motivo del primer centenario de la Batalla del 5 de mayo en 1962 es inaugurada la sala José Luis Rodríguez Alconedo presentándose una magna exposición pictórica con grandes Maestros de la Plástica Nacional (Diego Rivera, Frida Kalo, David A. Siqueiros, Saturnino Herran, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Fernando Murillo y otros mas que engalanaron la muestra haciendo historia en los anales del Arte Plástico en Puebla).

Exposición que corresponde inaugurar al entonces Gobernador del Estado Fausto M. Ortega y como invitado de honor al Sr. Secretario de Educación Publica de la Nación Dr. Jaime Torres Bodet siendo así como se logra cristalizar este sueño de contar con un espacio permanente para desarrollar los objetivos de la Agrupación rescatando las construcciones del viejo mercado popular conocido como el “ EL BARATILLO” que fue centro del comercio poblano en los tiempos coloniales cuando ahí se asentaban los estancos virreinales de diferentes mercaderías.

 

A este lugar se le llamaba el “PARIAN” nombrado así porque era paraje obligado de los arrieros procedentes de Veracruz, Oaxaca, La Costa Chica de Guerrero y la Capital de la Colonia, este mercado funcionó desde el año de 1760 hasta fines del siglo pasado, cuando en razón de la aparición del ferrocarril fue abandonado como centro de concentración de cargamentos y se convierte en la “PLAZA DEL BARATILLO” y surge el comercio menor de chucherias, apareciendo las pulcatas, piqueras y fritanguerías típicas, que con tanta fidelidad captará como una visión de aquel pasado, el Pincel Magistral de Agustín Arrieta.

 

Es innegable que el interés mostrado por la entonces Administración Municipal determinará el futuro de la agrupación, apoyando a sus fundadores:

 

-José y Ángel Márquez Figueroa,

-Carlos Teodoro Torres,

-Faustino Salazar,

-Desiderio Hernández Xochitiotzin,

-Roberto Castro,

-Raúl Fernández Mendoza,

-Julieta Sarmientos,

-Consuelo Munguía,

-Estela Mariscal,

-Anita Reyes Alegre,

-Eduardo Villanueva,

-Carlos Ochoa,

-Liberto Puyol,

-Nazario Corte,

-Juan Castellanos,

-Juan Centeno,

-Elías Alvarado,

-Manuel Morales

-Alfonso Pavello.

 

El tiempo y el empeño de las autoridades y la constancia de la Agrupación va cambiando el aspecto de la zona otrora descuidada.

 

Restaurándose su imagen, custodiada por ese monumento de arquitectura colonial que es la Casa del Alfeñique y el joyel barroco que constituye el templo de San Francisco, la histórica fabrica de la violeta con sus esbeltas chimeneas de ladrillo y su estanque de pescaditos y el histórico Teatro Principal con su portalillo, (primer teatro de América). El “Barrio del Artista” ha sido venero e inspiración de músicos y poetas que amparados por el ambiente bohemio del lugar han expresado su poesía y su música a través de diferentes épocas de la Agrupación.

 

Los laureados José Recek S., Fray Jerónimo Verduzco, Don Gregorio Degante, Salvador Fidel Ibarra, Delfino S. Moreno, Ernesto M. Machuca, que dejaron escuchar y compusieron algunos de sus poemas en este Barrio. La nostalgia de aquellas inolvidables noches bohemias en compania del maestro Claudio Estrada, los hermanos Román Hernández (Agustín Román, compositor de excelentes piezas musicales hoy en el olvido), el maestro Raúl Fernández Mendoza con su romántico acordeón y sus composiciones de todo género, Salvador Salinas y su expresión campirana, Don Francisco Reina Reguera Director de la Orquesta Sinfónica de Puebla en aquel entonces, dando conciertos en este lugar, y tantos más identificados con el espíritu del “Barrio del Artista”.

 

Las visitas y convivencias de personajes de la talla de Diego Rivera y su esposa la señora Frida Kahlo, las amenas reuniones (para enjuagarse la boca) con el maestro Fernando Murillo (Doctor Atl.), la presencia del Maestro David A. Siqueiros, del gran pintor Francisco Cornejo y de tantos otros intelectuales y estrellas del cine nacional que apoyaron el sueño del “Barrio del Artista” que es y seguirá siendo un Rincón en el Arte.

 

Pero no todo ha sido bohemia e idealismos, la agrupación ha aportado a la Cultura de Puebla un gran número de Artistas Plásticos como: Faustino Salazar (prestigiado retratista), los maestros Desiderio Hernández Xochitiotzin, Eliseo Tenorio Velasco, Fernando Ramírez Osorio, precursores del movimiento muralístico de la Escuela Mexicana en la Puebla del siglo pasado, sin olvidar los nombres de Carlos Teodoro Torres, Eduardo Villanueva, Salomón Candia, Doctor Esteban Aguirre Beltrán, Martín Serrano, los hermanos Rafael y Aurelio Leonor Solís, el maestro Roberto Castro Silva y Miguel Ángel Domínguez, quienes con la expresión de su trabajo en diferentes técnicas y temas, han dado renombre a Puebla en latitudes fuera de nuestras fronteras.

 

Por décadas la Unión de Artes Plásticas ha promovido la expresión de nuestras tradiciones dando oportunidad de un espacio a escuelas de bailes folklóricos y teatrales, organizando festivales en la plazuela y diversas festividades de carácter popular (la quema de judas, el rosario de la Virgen de Dolores, las ofrendas de todos santos, la edición anual de las satíricas “calaveras de mi barrio” el festejar las posadas y pastorelas en la época navideña y el arraigado jueves de corpus , festividad profano religiosa de nuestra cultura y es la galería José Luis Rodríguez Alconedo el foro donde se muestra la actualidad de la música, la poesía y todo tipo de inquietudes culturales a diferentes niveles, contando con exposiciones individuales, colectivas, y de invitados de todo nuestro estado y del interior del país.

 

Fue en su momento que los socios de esta agrupación son cofundadores junto con otros artistas del Distrito Federal del Jardín del Arte de la ciudad de México (Parque Suliván).

 

En la actualidad cobija en sus espacios a un gran numero de jóvenes que se han formado en sus talleres y hoy en día son estos nuevos valores quienes transmitirán a venideras generaciones sus conceptos sobre la plástica. A pesar de todas las vicisitudes y limitaciones que se han tenido a través de 67 años y de que se nos detracte de ser un grupo con una imagen plástica conservadora, los nuevos elementos tienen la libertad de acogerse a las escuelas costumbristas o abrir su creatividad y potencialidad a nuevas expresiones plásticas.

 

Este es el “Barrio del Artista”, Barrio Bohemio, tradición del arte y la cultura en nuestra Puebla Histórica y Colonial.

 

FUENTE: www.corazondepuebla.com.mx/barriodelartista.html

Centro de Artes Visuales / Museo del Barro

Pintura sobre arte digital - 8 x 10 plgs

Nicolás Astorga Hering ‘Secreto’, ‘Secret’, (Serie ‘Dicen que dormer poco puede matarte’, Series ‘They Say that Sleeping Little May Kill You’), Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

Unidentified – No identificado, Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

Así quedó el montaje de Periferia en la exposición en el Círculo de Bellas artes de Madrid, dentro de la Muestra de artes visuales INJUVE.

 

En breve itineracia por Lima, Montevideo y Buenos aires

 

www.carlosalbala.com

 

Truffa&Cabezas ‘Así aman los chilenos’, 'This is how Chileans Make Love', 1999, Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

El Arte Pop (Pop Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.

 

Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.

 

El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.

 

Jimi Hendrix - Art Attack by Denny Dent

es.youtube.com/watch?v=yv8ovqebOGY&feature=related

 

ping pong bitches - roc ya body

es.youtube.com/watch?v=I2D3bI0QK9A

 

The Velvet Underground-Sunday Morning

es.youtube.com/watch?v=0cWzxJvgWc8

 

COMIC & POP ART

es.youtube.com/watch?v=aPQKI1ejcWA&feature=related

 

Andy Warhol

es.youtube.com/watch?v=_UGUYiU8BDQ&feature=related

 

RECOMIENDO VER LOS MARAVILLOSOS VIDEOS!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

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The Pop Art (Pop Art, "Folk Art") was an artistic movement emerged in the late 1950s in England and the United States, its features are the use of images and themes drawn from the world of mass communication applied to visual arts.

 

Iconographic underscores the value of the consumer society. The term "Pop Art" was first used by the Dutch critic Lawrence Alloway in 1958 to define the works of Richard Hamilton and Eduardo Paolozzi among others. Another critic, Lewis Gennig, emphasized that name to 1962 to define the art that some young people were doing with the use of popular images, and thus was relegated the term Neo-Dada or neodadaísmo for the then-new wave aesthetic.

 

The pop art is the manifestation of a plastic culture (pop) is characterized by technology, capitalism, fashion and consumerism, where the objects are no longer unique to be designed as serial products. In this type of culture, art also fails to be unique and becomes an addiction. The greatest exponent of the movement, Andy Warhol, stated that "The reason that I paint in this way is because I want to be a machine." It is also symbolic affirmation of Richard Hamilton with respect to its desire that art should be "short-lived, popular, cheap, mass produced, young, ingenious." All these qualities would be equivalent to those of the consumer society.

  

VER EN GRANDE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

View On Black

 

Nicolás Astorga Hering ‘Pacto’, ‘Pact’, (Serie ‘Dicen que dormer poco puede matarte’, Series ‘They Say that Sleeping Little May Kill You’), Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

Truffa&Cabezas ‘Así aman los chilenos’, 'This is how Chileans Make Love', 1999, Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

Recopilación de dibujos, diagramas, fotografías, etc. A partir de las exploraciones en CanalCorpóreo. Fotografías através del Tubo corpóreo.

ARTE CERÁMICO - ARTE TEXTIL - GRABADO

10 de diciembre 2013 - 4 de marzo 2014 — en Palais de Glace.

El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa, es un museo ubicado en el Parque Sarmiento, en la ciudad de Córdoba, Argentina. Es dependiente de la provincia de Córdoba y fue construido en 1915 bajo la dirección del arquitecto Juan Kronfuss. La forma curva y la orientación del núcleo edilicio no sólo se debe a una caracterización arquitectónica: por sus vanos (puertas, ventanas, tragaluces, claraboyas) ingrese morigeradamente la auténtica luz solar hasta las salas internas de exposición. De este modo, el espectador de las obras de arte puede observar las obras en las salas expuestas con el color natural con que fueron concebidas; obviamente que cuando cesan las horas de luz solar las obras son, de forma sustitutiva, excelentemente iluminadas con focos de luz artificial. El edificio donde funciona, de estilo neoclásico, fue remodelado dos veces desde su inauguración y actualmente, -ampliado con un sector diseñado con la volumetría cúbica de la arquitectura estilo internacional-, dispone de 9 salas de exposición. En su interior se exponen muestras transitorias de artistas de Córdoba y Argentina principalmente. Como archivo artístico, su función es la colección, preservación, estudio, promoción y difusión de las artes visuales en Córdoba.

 

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The Museum of Fine Arts Emilio Caraffa, is a museum located in the Parque Sarmiento, in the city of Cordoba, Argentina. It is dependent on the province of Cordoba and was built in 1915 under the direction of architect Juan Kronfuss. The curved shape and orientation of the core building complex is not only due to an architectural characterization: for their openings (doors, windows, skylights, skylights) morigeradamente enter the real sunlight to internal exhibition halls. Thus, the viewer of art works can be seen in the exposed rooms with natural color that were intended, obviously cease when daylight hours are works, such replacement, well lit with bulbs artificial light. The building where neoclassical style, was remodeled twice since it opened and now expanded with an industry-designed with cubic volumes of international-style architecture, has 9 showrooms. Inside are exhibited transient artists mainly Cordoba and Argentina. As artistic file, its function is the collection, preservation, study, dissemination and promotion of the visual arts in Cordoba.

Obra preseleccionada para el Segundo Concurso de Arte Joven del MAVI (Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile). Sept, 2007.

Copia Lambda, 1,80 mts. x 1,20 mts.

 

"Éste fotomontaje digital está fuertemente vinculado a lo pictórico, más específicamente, a la estética del cuadro barroco.

El eje temático de la obra se basa en la historia de Santa Apolonia, virgen que fue martirizada arrancándole los dientes en el siglo IV por mantener su fé cristiana, y en su iconografía (concretamente en el cuadro de Zurbarán, del mismo nombre). La artista escogió su relato, pues al no ser ampliamente difundido en la cultura popular chilena, vacía sus signos del sentido religioso, convirtiéndolos en significantes que enriquecen la escena en lo puramente estético. En ella, diversos elementos temáticos de la pintura barroca se dan cita: el paisaje evoca la representación rica en detalles de la pintura flamenca del siglo XXVII, de los paisajes en los que se sitúan las escenas de caza, donde en una misma imagen conviven el claroscuro y los cielos con nubes bien formadas , como las obras de Jan Fyt y Snyders. La manzana en el piso, donde se asoma un gusano, hace referencia a las naturalezas muertas de Caravaggio, quien evidenciaba la decadencia y transitoriedad de la vida, exponiendo la suciedad y la descomposición en la representación de los elementos naturales. La paradoja se genera en esta obra, pues se trata de una manzana plástica que no está sujeta a los embates de la vida y la muerte. De modo similar, los pájaros, que están allí casi como espectadores, al igual que los animales “vivos” representados en las naturalezas muertas de Chardin; son copias que parecen llevar aún más lejos su voluntad mimética: plumas reales (aunque teñidas de un color artificial) esconden su materialidad real.

La tensión entre una estética proveniente de una temporalidad distante y su recreación (simulación) en un contexto actual, gracias a procedimientos tecnológicos digitales, posibilita y articula este trabajo."

 

Tomás Fernández Díaz

-artista visual-

www.artenlinea.cl/tomas-fernandez-diaz

  

"Existen en la Historia nombres de personajes que dejaron la huella de una vida mártir en los cimientos de la Iglesia. La santa patrona de la Ciencia Odontológica, Santa Apolonia, es la que investigamos a través del tiempo y cánones literarios, encontrando un ejemplo de vida y sacrificio que la lleva a convertirse en mártir.

Ocurre pues, un acontecimiento en siglos del Imperio Romano, donde una mujer de Alejandría entrega su vida antes de renunciar a la fe Cristiana pero que golpeada en la cara, pierde sus dientes, y es allí donde ofrece su dolor por el de quienes alguna vez pudieran sentir algo similar, intercediendo gustosamente por estos desvalidos. Convirtiéndosele en la Patrona de los Odontólogos y enfermedades relacionadas con esta ciencia".

(Texto citado de internet).

Jacinta Besa ‘Ciervo sin identidad’, 'Deer Without Identity', 2012, Museo de Artes Visuales, MAVI, Santiago de Chile.

Guillermo Yáñez Tapia es Doctor (c) en Filosofía (becario CONICYT), además de Magister en Teoría del Arte y Postítulo en Artes y Nuevas Tecnologías; todos estos por la Universidad de Chile. Tiene también una Licenciatura en Fotografía y el título Profesional de Fotógrafo. Ha desarrollado una actividad académica que tiene como principales áreas los Estudios Visuales, la Teoría de la Imagen Técnica, la Estética de lo Digital y la Teoría del Montaje Digital, la Estética Fotográfica y la Teoría Fotográfica. Sus artículos y ensayos, publicados nacional e internacionalmente, se han desarrollado en la línea de la representación, los dispositivos técnicos para la imagen, la nueva disposición del referente y la circulación de imágenes en el régimen escópico contemporáneo.

 

Su labor investigativa se inicio con el Proyecto Mal Ojo (2001-2003) que se sitúo como un sitio web para pensar y mostrar el quehacer de la imagen fija en tiempos de la tecnología digital. Entre el 2003 y el 2006 lideró Dproyectos, otro sitio web que se abrió como un ámbito para la investigación de la cuestión de la interactividad.

 

Hoy su labor como académico, investigador y ensayista se enfoca a plantear la necesidad de establecer un lugar para pensar lo visual y la representación técnica de la imagen. Concentrado principalmente en las consecuencias culturales de la instalación de la imagen generada por aparatos al interior de un modelo para el consumo y la estetización de las mercancías.

 

Se desempeña como docente en distintas instituciones e investigador en el Centro de Estudios Visuales (CeVi) donde es Director del Área de Investigación.

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