new icn messageflickr-free-ic3d pan white
View allAll Photos Tagged Akademische Kunst

www.twin-loc.fr

 

Le musée Guggenheim de Bilbao est un musée d'art moderne et contemporain situé à Bilbao au Pays basque Espagne qui a ouvert au public en 1997. C'est l'un des trois musées de la fondation Solomon R. Guggenheim. La structure innovante du bâtiment a été dessinée par Frank Gehry dans le style qui l'a rendu célèbre. Sa silhouette est le fruit d'un assemblage singulier de pierre et de verre, d'eau et de titane. Le musée devint rapidement un des bâtiments contemporains les plus connus et appréciés au monde, faisant énormément pour le renouveau et la notoriété de la ville1,2. Cet impact sur une ville est depuis nommé par les chercheurs par l'expression « Effet Guggenheim ».

En plus des pièces prêtées temporairement par la fondation mère new-yorkaise et par d'autres musées, le musée possède sa propre collection permanente, rassemblant des œuvres signées d'artistes majeurs de l'après-guerre.

La construction du musée a été décidée par le gouvernement basque et le gouvernement de Biscaye afin de donner une image à la région et la ville, qui, après avoir été plongées dans un marasme économique dû à la reconversion de l'industrie lourde, se relevait grâce aux importants investissements réalisés par la région lors du plan Bilbao Ria 2000 : extension de l'aéroport de Sondika, raccordement au réseau d'autoroutes européen, zones économiques à fiscalité avantageuse tournées vers les nouvelles technologies, etc. Le musée n'est qu'une des étapes d'un plan économique beaucoup plus ambitieux et l'effet Bilbao régulièrement avancé pour justifier la construction de bâtiments iconiques ne saurait être évoqué sans une compréhension plus large de toute la dynamique mise en place par la région, et dont le musée Guggenheim n'est que la partie la plus visible. Le coût du musée, financé par la "Diputación" de Biscaye et le Gouvernement Basque a été de 100 millions de dollars, les collections et leur gestion étant de la responsabilité de la fondation Guggenheim. L'ouverture du musée s'est faite le 17 octobre 1997.

Le musée par lui-même crée un très important afflux de touristes parfois plus intéressés par le bâtiment que par les collections, car ceux-ci s'intéressent plus au plaisir de contempler le musée qu'au plaisir de contempler les expositions. Quatorze ans après son ouverture, il est admis que le musée, qui accueille un million de visiteurs par an, contribue à hauteur de 1,57 milliard d'euros à l'économie du Pays basque espagnol et a généré 4 500 emplois directs ou indirects sur la période.

Le directeur général actuel du musée est Juan Ignacio Vidarte assisté de 13 directeurs associés.

Créé par Frank Gehry et son cabinet d'architectes, le bâtiment fut extrêmement novateur dans son approche technologique tant du point de vue de la réalisation des dessins et simulation de la faisabilité des courbes par conception assistée par ordinateur (CAO) grâce aux logiciels informatiques développés par la société Dream PGM, initialement réservé à l'aéronautique et à l'automobile (logiciel CATIA), que sur l'aspect de l'esthétique. Le projet développe l'approche déconstructivistes de Gehry promouvant des formes organiques et ondulantes, jouant des matières et des lumières.

Parmi les œuvres importantes du Guggenheim Bilbao, on peut citer les sculptures gigantesques de Richard Serra, les installations de Jenny Holzer, une Araignée de Louise Bourgeois (1999), ou bien encore le chien géant habillé de fleurs de Jeff Koons (1992) situé à l'entrée, que les Basques nomment affectivement « Puppy ». Les peintures et les sculptures traditionnelles sont en minorité par rapport aux arts moins académiques.

  

The Guggenheim Museum Bilbao is a modern and contemporary art museum in Bilbao in the Basque Country Spain, which opened to the public in 1997. This is one of the three museums of the Solomon R. foundation Guggenheim . The innovative structure of the building was designed by Frank Gehry in the style that made ​​him famous . Its silhouette is the result of a unique blend of stone and glass , water and titanium . The museum quickly became one of the most known and popular contemporary buildings in the world , doing so much for the renewal and awareness of the town1 2. This impact on the city has been named by researchers as the " Guggenheim effect ".

In addition to temporarily lent by the parent foundation in New York and other parts museums , the museum has its own permanent collection , collecting signed works by major artists of the postwar period.

The museum building was decided by the Basque Government and the Government of Biscay to give an image to the region and the city, which , after being immersed in a slump due to the conversion of heavy industry was recovering thanks to significant investments made by the region in the plane Bilbao Ria 2000 extension of the airport Sondika trunking European highways , economic zones favorable tax facing new technologies, etc. . The museum is only one step in a much more ambitious economic plan and regularly used to justify the construction of iconic buildings Bilbao effect can not be discussed without a broader understanding of all the dynamics introduced by the region, including the Guggenheim museum is only the most visible part . The cost of the museum, funded by the " Provincial Council " of Biscay and the Basque Government was $ 100 million , collections and management is the responsibility of the Guggenheim Foundation . The opening of the museum took place on 17 October 1997.

The museum itself creates a very large influx of tourists sometimes more interested in the building by the collections, because they are more interested in the pleasure of seeing the museum at the pleasure of watching the shows. Fourteen years after its opening, it is recognized that the museum , which hosts one million visitors per year , contributes 1.57 billion euros in the Spanish Basque Country economy and generated 4,500 direct and indirect jobs over the period.

The current CEO of the museum is assisted by Juan Ignacio Vidarte 13 managing partners .

Designed by Frank Gehry and his architectural firm , the building was extremely innovative in its technological approach from the point of view of the realization of designs and simulation feasibility curves by computer aided design ( CAD ) software developed by the the company Dream PGM , initially for the aviation and automotive ( CATIA ) , only the aspect of aesthetics. The project develops the deconstructivist approach Gehry promoting organic and undulating forms , playing materials and lights.

Among the important works from the Guggenheim Bilbao include the gigantic sculptures of Richard Serra, facilities Jenny Holzer, a spider by Louise Bourgeois (1999) , or even the dog dressed giant flowers Jeff Koons (1992) located entry, the Basques call emotionally " Puppy ". The paintings and sculptures are traditional minority compared to less academic arts.

  

古根海姆博物馆毕尔巴鄂是一个现代和当代艺术博物馆在毕尔巴鄂巴斯克西班牙,这向公众开放于1997年。这是所罗门·R基础的三大博物馆之一古根海姆博物馆。该建筑的创新结构由弗兰克·盖里在,使他成名的风格设计的。它的轮廓是一个独特的石头和玻璃,水和钛的结果。该博物馆迅速成为世界上最知名和流行的现代建筑之一,做了这么多的town1 2的更新和认识。对城市这种影响已被命名的研究人员为“古根海姆效应” 。

除了在纽约的父母基础和其他地区的博物馆暂时转借,该馆拥有自己的永久收藏,由战后时期的主要艺术家收集签名的作品。

该博物馆建筑由巴斯克政府和比斯开政府决定给图像的区域和城市,其中,沉浸在低迷由于重工业的转换后为恢复由于中继欧洲高速公路在平面毕尔包2000分机机场松迪卡所做的地区显著投资,经济特区面临着新的技术等税收优惠。该博物馆是唯一一个在一个更加雄心勃勃的经济计划的步骤,并定期用来证明的标志性建筑物毕尔巴鄂效应的建设离不开所有的动态更广泛地了解所引进的讨论区,包括古根海姆博物馆是唯一最可见部分。博物馆的费用,由“省议会”比斯开湾和巴斯克政府的资助为1亿美元,收藏和管理是古根海姆基金会的责任。博物馆的开放发生于1997年10月17日

博物馆本身造成游客的藏品,有时更感兴趣的是建筑的一个非常大的涌入,因为他们更感兴趣的是看到在博物馆看展览的愉悦快感。其开放十四年后,人们认识到了博物馆,每年举办一百万个访客,有利于1.57十亿欧元的西班牙巴斯克地区的经济和产生4,500直接和间接的就业机会在此期间。

博物馆的现任CEO是由胡安·伊格纳西奥Vidarte 13管理合作伙伴的协助。

由弗兰克·盖里和他的建筑公司设计,该建筑是在其技术方法极具创新性的观点,实现设计和仿真的可行性曲线由计算机辅助设计( CAD)软件的开发点公司梦PGM ,最初为航空及汽车( CATIA ) ,美学只有方面。该项目开发的解构主义方法盖里推动有机和起伏的形式,打材料和灯光。

其中从毕尔巴鄂古根海姆博物馆的重要作品包括理查德·塞拉,设施珍妮•霍尔泽,蜘蛛路易斯布尔乔亚( 1999)的巨大雕塑,甚至狗打扮巨型花杰夫·昆斯( 1992)设入门,巴斯克致电情绪“小狗” 。相比,少了学术艺术的绘画和雕塑作品是传统的少数民族。

  

El Museo Guggenheim Bilbao es un moderno y museo de arte contemporáneo en Bilbao en el País Vasco de España, que se abrió al público en 1997. Este es uno de los tres museos de la Fundación Solomon R. Guggenheim. La innovadora estructura del edificio fue diseñado por Frank Gehry en el estilo que lo hizo famoso . Su silueta es el resultado de una mezcla única de la piedra y el vidrio , el agua y el titanio . El museo se convirtió rápidamente en uno de los edificios contemporáneos más conocidos y populares en el mundo , haciendo tanto por la renovación y la conciencia de la town1 2 . Este impacto en la ciudad ha sido nombrado por los investigadores como el "efecto Guggenheim " .

Además de prestado temporalmente por la fundación de los padres en Nueva York y otros museos de piezas , el museo tiene su propia colección permanente , recogiendo obras firmadas por grandes artistas de la época de la posguerra.

El edificio del museo fue decidida por el Gobierno Vasco y la Diputación de Vizcaya para dar una imagen de la región y la ciudad, que , después de haber sido sumergido en una depresión debido a la conversión de la industria pesada fue recuperando gracias a las importantes inversiones realizadas por la región en el 2000 extensión avión Bilbao Ría del aeropuerto de Sondika trunking carreteras europeas , las zonas económicas fiscal favorable frente a las nuevas tecnologías , etc . El museo es sólo un paso en un plan económico mucho más ambicioso y se usa con regularidad para justificar la construcción de edificios emblemáticos efecto Bilbao no puede ser discutido sin una comprensión más amplia de toda la dinámica introducida por la región, incluyendo el Museo Guggenheim es sólo la parte más visible. El costo del museo , fundado por el "Consejo Provincial " de Bizkaia y el Gobierno Vasco fue de $ 100 millones, colecciones y la gestión es responsabilidad de la Fundación Guggenheim. La apertura del museo tuvo lugar el 17 de octubre de 1997.

El museo en sí crea una gran afluencia de turistas a veces más interesados ​​en el edificio por las colecciones , ya que están más interesados ​​en el placer de ver el museo en el placer de ver los espectáculos. Catorce años después de su apertura , se reconoce que el museo , que alberga a un millón de visitantes al año, contribuye € 1570 millones en la economía española del País Vasco y genera 4.500 empleos directos e indirectos durante el período.

El actual director general del museo está asistido por Juan Ignacio Vidarte 13 socios administrativos .

Diseñado por Frank Gehry y su estudio de arquitectura , el edificio fue muy innovador en su enfoque tecnológico desde el punto de vista de la realización de los diseños y las curvas de viabilidad de simulación mediante el diseño asistido por ordenador ( CAD) software desarrollado por el la empresa Sueño PGM , inicialmente para la aviación y del automóvil (CATIA ) , sólo el aspecto de la estética. El proyecto desarrolla el enfoque deconstructivista Gehry promoción de formas orgánicas y ondulantes , materiales de juego y las luces.

Entre las obras importantes desde el Guggenheim Bilbao se compone de las gigantescas esculturas de Richard Serra, instalaciones Jenny Holzer, una araña de Louise Bourgeois ( 1999 ) , o incluso los perros vestidos de flores gigantes Jeff Koons ( 1992 ) encuentra entrada , los vascos llaman emocionalmente " perrito" . Las pinturas y esculturas son minoría tradicional en comparación con menos de artes académicas.

  

Das Guggenheim Museum Bilbao ist ein moderner und zeitgenössischer Kunst -Museum in Bilbao im Baskenland, Spanien, das für die Öffentlichkeit im Jahr 1997 eröffnet. Dies ist eines der drei Museen der Stiftung Solomon R. Guggenheim . Die innovative Struktur des Gebäudes wurde von Frank Gehry in dem Stil, der ihn berühmt gemacht konzipiert. Seine Silhouette ist das Ergebnis einer einzigartigen Mischung aus Stein und Glas , Wasser und Titan. Das Museum wurde schnell zu einem der bekanntesten und beliebtesten zeitgenössischen Gebäude der Welt , tun so viel für die Erneuerung und das Bewusstsein für die town1 2 . Diese Auswirkungen auf die Stadt ist von den Forschern als " Guggenheim -Effekt" genannt.

Neben vorübergehend von der Mutter Stiftung in New York und anderen Teilen Museen geliehen hat das Museum seine eigene ständige Sammlung , sammeln unterzeichnet Werke bedeutender Künstler der Nachkriegszeit .

Das Museumsgebäude wurde von der baskischen Regierung und der Regierung von Biskaya beschlossen, ein Bild, um die Region und die Stadt, die , nachdem sie in einer Krise aufgrund der Umwandlung der Schwerindustrie eingetaucht war, erholt geben aufgrund der großen Investitionen, die von der Region, in der Ebene Bilbao Ria 2000 Erweiterung des Flughafens Sondika gemacht Trunking europäischen Autobahnen, Wirtschaftszonen günstigen Steuer vor neuen Technologien , etc.. Das Museum ist nur ein Schritt in einem sehr viel ehrgeiziger Wirtschaftsplan und regelmäßig verwendet werden, um den Bau von ikonischen Gebäuden Bilbao-Effekt rechtfertigt nicht ohne ein erweitertes Verständnis von all der Dynamik durch die eingebrachte diskutiert werden Region, darunter das Guggenheim-Museum ist nur der sichtbarste Teil . Die Kosten für das Museum, das von der " Provincial Council" von Biskaya und der baskischen Regierung finanziert betrug 100 Millionen US-Dollar Sammlungen und Verwaltung liegt in der Verantwortung der Guggenheim Foundation . Die Eröffnung des Museums fand am 17. Oktober 1997 .

Das Museum selbst schafft einen sehr großen Zustrom von Touristen manchmal mehr Interesse an dem Gebäude durch die Sammlungen , weil sie mehr Interesse an der Freude zu sehen, das Museum im Vergnügen, Ausstellungen . Vierzehn Jahre nach seiner Eröffnung wird anerkannt, dass das Museum, das eine Million Besucher pro Jahr veranstaltet , trägt 1570000000 € im spanischen Baskenland Wirtschaft und erzeugt 4.500 direkte und indirekte Arbeitsplätze über den Zeitraum .

Der bisherige CEO des Museums wird von Juan Ignacio Vidarte 13 Managing Partner unterstützt.

Das von Frank Gehry und sein Architekturbüro , war das Gebäude sehr innovativ in ihren technologischen Ansatz aus der Sicht der Realisierung des Designs und Simulation Machbarkeits Kurven, die durch Computer Aided Design (CAD) Software durch die entwickelte das Unternehmen Traum PGM , zunächst für die Luftfahrt-und Automobilindustrie ( CATIA ) , nur den Aspekt der Ästhetik. Das Projekt entwickelt den dekonstruktivistischen Ansatz Gehry Förderung der Bio- und wellenförmige Formen , Materialien und Licht spielen .

Zu den wichtigen Werken aus dem Guggenheim Bilbao sind die gigantischen Skulpturen von Richard Serra, Einrichtungen Jenny Holzer, eine Spinne von Louise Bourgeois (1999) , oder auch die Hund gekleidet riesige Blumen Jeff Koons (1992) liegt Eintrag , rufen Sie die Basken emotional " Welpe" . Die Gemälde und Skulpturen sind traditionelle Minderheit im Vergleich zu weniger akademische Kunst.

  

متحف جوجنهايم بلباو هو متحف الفن الحديث والمعاصر في بلباو في اقليم الباسك اسبانيا ، الذي افتتح للجمهور في عام 1997. هذا هو واحد من ثلاثة متاحف للمؤسسة سولومون ر. غوغنهايم . وقد تم تصميم بنية مبتكرة للمبنى عن طريق فرانك جيري في النمط الذي جعلته الشهيرة. صورة ظلية ل هو نتيجة ل مزيج فريد من الحجر والزجاج والماء و التيتانيوم. المتحف وسرعان ما أصبحت واحدة من المباني المعاصرة الأكثر شهرة و شعبية في العالم ، فعل الكثير من أجل التجديد و الوعي town1 2 . وقد سميت هذه الآثار على المدينة من قبل الباحثين باسم " تأثير غوغنهايم " .

بالإضافة إلى أقرض مؤقتا من قبل المؤسسة الأم في نيويورك وأجزاء أخرى من المتاحف ، و المتحف مجموعة دائمة خاصة بها ، وجمع المصنفات التي وقعتها الفنانين الكبار من فترة ما بعد الحرب .

وتقرر بناء المتحف من قبل حكومة الباسك وحكومة بسكاي لإعطاء صورة للمنطقة والمدينة، والتي، بعد أن مغمورة في ركود بسبب تحويل الصناعات الثقيلة كان يتعافى وذلك بفضل الاستثمارات الهامة التي قامت بها المنطقة في عام 2000 تمديد الطائرة بلباو ريا من المطار سونديكا الكابلات الطرق السريعة الأوروبية ، والمناطق الاقتصادية الضريبية المواتية التي تواجه التكنولوجيات الجديدة، وما إلى ذلك. المتحف هو خطوة واحدة فقط في خطة اقتصادية أكثر طموحا بكثير، و تستخدم بانتظام لتبرير تشييد المباني الأيقونية بلباو تأثير لا يمكن مناقشتها دون فهم أوسع من كل الديناميات التي أدخلتها المنطقة، بما في ذلك متحف غوغنهايم ليست سوى الجزء الأكثر وضوحا . كانت تكلفة المتحف، بتمويل من " مجلس محافظة " بسكاي وحكومة الباسك 100 مليون دولار، وإدارة مجموعات هي مسؤولية مؤسسة جوجنهايم . استغرق افتتاح المتحف في 17 أكتوبر 1997.

المتحف نفسه يخلق تدفق أعداد كبيرة جدا من السياح أكثر اهتماما في بعض الأحيان في المبنى من قبل مجموعات ، لأنهم أكثر اهتماما في دواعي سروري لرؤية المتحف في متعة مشاهدة العروض. بعد أربعة عشر عاما افتتاحه، فمن المسلم به أن المتحف، الذي يستضيف من مليون زائر سنويا، وتساهم 1570000000 € في الاقتصاد الباسك الإسبانية و لدت 4،500 فرصة عمل مباشرة و غير مباشرة خلال تلك الفترة.

ويساعد الرئيس التنفيذي الحالي للمتحف من قبل خوان اجناسيو Vidarte 13 شركاء إدارة.

صممه فرانك جيري و شركة الهندسة المعمارية له، وكان المبنى مبتكرة للغاية في النهج التكنولوجية من وجهة نظر إعمال التصاميم و المنحنيات المحاكاة الجدوى التي كتبها التصميم بمساعدة الحاسوب ( CAD ) والبرمجيات التي طورتها شركة دريم PGM ، في البداية للطيران والسيارات ( CATIA ) ، إلا جانب من جوانب الجماليات. يطور المشروع النهج deconstructivist جيري تعزيز الأشكال العضوية و متموجة ، ومواد اللعب و الاضواء.

من بين الأعمال المهمة من غوغنهايم بلباو تشمل تماثيل عملاقة ل ريتشارد سيرا ، ومرافق جيني هولزر ، العنكبوت التي كتبها لويز بورجوا (1999 ) ، أو حتى الكلب يرتدي الزهور العملاقة جيف كونز (1992 ) الواقعة الدخول، الباسك استدعاء عاطفيا " جرو " . اللوحات و المنحوتات هي الأقلية التقليدية بالمقارنة مع الفنون الأكاديمي أقل.

  

Музей Гуггенхайма в Бильбао является современным и музей современного искусства в Бильбао в Стране Басков Испании , который открылся для публики в 1997 году. Это один из трех музеев Фонда Соломона Р. Гуггенхайма. Инновационная структура здания была разработана Фрэнком Гери в стиле , который сделал его знаменитым. Его силуэт является результатом уникальной смеси камня и стекла , воды и титана. Музей быстро стал одним из самых известных и популярных современных зданий в мире , делает так много для обновления и осознания town1 2. Это воздействие на город был назван исследователями как "эффект Гуггенхайма " .

Кроме того , чтобы временно одолжил материнской основания в Нью-Йорке и других частей музеев , музей имеет собственную постоянную коллекцию , собирая подписанные произведения крупных художников послевоенного периода .

Здание музея было решено правительством Басков и Правительством Бискайском дать изображение на области и города , который после погружения в кризис за счет конверсии тяжелой промышленности был восстанавливается благодаря значительным капиталовложениям, осуществленным регионе в самолет Бильбао Риа 2000 расширение аэропорта Sondika магистральные европейских дорог, экономические зоны благоприятный налоговый сталкивается с новыми технологиями и т.д. . Музей является лишь одним шагом в гораздо более амбициозного экономического плана и регулярно используется для оправдания строительства знаковых зданий Бильбао эффекта не может обсуждаться без широкого понимания всех динамики введенным область, в том числе в музее Гуггенхайма только самая видимая часть . Стоимость музея , финансируется « провинциального совета " Бискайском и баскского правительства составила $ 100 млн. , коллекции и управление является обязанностью Фонда Гуггенхайма . Открытие музея состоялось 17 октября 1997 года .

Сам музей создает очень большой приток туристов иногда больше заинтересованных в здании по коллекций , потому что они более заинтересованы в удовольствие видеть музей в удовольствии смотреть шоу. Четырнадцать лет после его открытия , признается, что музей , в котором находится один миллион посетителей в год, способствует 1570000000 евро в испанской Страны Басков экономики и генерируется 4500 прямых и косвенных рабочих мест за период .

Нынешний генеральный директор музея помогают Хуан Игнасио Vidarte 13 управляющих партнеров .

Построен по проекту Франка Гери и его архитектурной фирмы , здание было очень инновационный в своем технологического подхода с точки зрения реализации проектов и кривых моделирования технико-экономических по автоматизированного проектирования (САПР ) , разработанной компания Мечта PGM , первоначально для авиации и автомобильной ( CATIA ) , только аспект эстетики. Проект развивает деконструктивистской подход Гери способствуя органические и волнообразные формы , играя материалы и источники света .

Среди важных работ из музей Гуггенхайма в Бильбао включают гигантские скульптуры Ричарда Серра , объектов Дженни Хольцер , паук Луизы Буржуа (1999) , или даже собака одетый гигантские цветы Джефф Кунс (1992) , расположенных вход, баски называют эмоционально " Щенок " . Картины и скульптуры традиционным меньшинством по сравнению с менее академических искусств.

www.twin-loc.fr

Le musée Guggenheim de Bilbao est un musée d'art moderne et contemporain situé à Bilbao au Pays basque Espagne qui a ouvert au public en 1997. C'est l'un des trois musées de la fondation Solomon R. Guggenheim. La structure innovante du bâtiment a été dessinée par Frank Gehry dans le style qui l'a rendu célèbre. Sa silhouette est le fruit d'un assemblage singulier de pierre et de verre, d'eau et de titane. Le musée devint rapidement un des bâtiments contemporains les plus connus et appréciés au monde, faisant énormément pour le renouveau et la notoriété de la ville1,2. Cet impact sur une ville est depuis nommé par les chercheurs par l'expression « Effet Guggenheim ».

En plus des pièces prêtées temporairement par la fondation mère new-yorkaise et par d'autres musées, le musée possède sa propre collection permanente, rassemblant des œuvres signées d'artistes majeurs de l'après-guerre.

La construction du musée a été décidée par le gouvernement basque et le gouvernement de Biscaye afin de donner une image à la région et la ville, qui, après avoir été plongées dans un marasme économique dû à la reconversion de l'industrie lourde, se relevait grâce aux importants investissements réalisés par la région lors du plan Bilbao Ria 2000 : extension de l'aéroport de Sondika, raccordement au réseau d'autoroutes européen, zones économiques à fiscalité avantageuse tournées vers les nouvelles technologies, etc. Le musée n'est qu'une des étapes d'un plan économique beaucoup plus ambitieux et l'effet Bilbao régulièrement avancé pour justifier la construction de bâtiments iconiques ne saurait être évoqué sans une compréhension plus large de toute la dynamique mise en place par la région, et dont le musée Guggenheim n'est que la partie la plus visible. Le coût du musée, financé par la "Diputación" de Biscaye et le Gouvernement Basque a été de 100 millions de dollars, les collections et leur gestion étant de la responsabilité de la fondation Guggenheim. L'ouverture du musée s'est faite le 17 octobre 1997.

Le musée par lui-même crée un très important afflux de touristes parfois plus intéressés par le bâtiment que par les collections, car ceux-ci s'intéressent plus au plaisir de contempler le musée qu'au plaisir de contempler les expositions. Quatorze ans après son ouverture, il est admis que le musée, qui accueille un million de visiteurs par an, contribue à hauteur de 1,57 milliard d'euros à l'économie du Pays basque espagnol et a généré 4 500 emplois directs ou indirects sur la période.

Le directeur général actuel du musée est Juan Ignacio Vidarte assisté de 13 directeurs associés.

Créé par Frank Gehry et son cabinet d'architectes, le bâtiment fut extrêmement novateur dans son approche technologique tant du point de vue de la réalisation des dessins et simulation de la faisabilité des courbes par conception assistée par ordinateur (CAO) grâce aux logiciels informatiques développés par la société Dream PGM, initialement réservé à l'aéronautique et à l'automobile (logiciel CATIA), que sur l'aspect de l'esthétique. Le projet développe l'approche déconstructivistes de Gehry promouvant des formes organiques et ondulantes, jouant des matières et des lumières.

Parmi les œuvres importantes du Guggenheim Bilbao, on peut citer les sculptures gigantesques de Richard Serra, les installations de Jenny Holzer, une Araignée de Louise Bourgeois (1999), ou bien encore le chien géant habillé de fleurs de Jeff Koons (1992) situé à l'entrée, que les Basques nomment affectivement « Puppy ». Les peintures et les sculptures traditionnelles sont en minorité par rapport aux arts moins académiques.

  

The Guggenheim Museum Bilbao is a modern and contemporary art museum in Bilbao in the Basque Country Spain, which opened to the public in 1997. This is one of the three museums of the Solomon R. foundation Guggenheim . The innovative structure of the building was designed by Frank Gehry in the style that made ​​him famous . Its silhouette is the result of a unique blend of stone and glass , water and titanium . The museum quickly became one of the most known and popular contemporary buildings in the world , doing so much for the renewal and awareness of the town1 2. This impact on the city has been named by researchers as the " Guggenheim effect ".

In addition to temporarily lent by the parent foundation in New York and other parts museums , the museum has its own permanent collection , collecting signed works by major artists of the postwar period.

The museum building was decided by the Basque Government and the Government of Biscay to give an image to the region and the city, which , after being immersed in a slump due to the conversion of heavy industry was recovering thanks to significant investments made by the region in the plane Bilbao Ria 2000 extension of the airport Sondika trunking European highways , economic zones favorable tax facing new technologies, etc. . The museum is only one step in a much more ambitious economic plan and regularly used to justify the construction of iconic buildings Bilbao effect can not be discussed without a broader understanding of all the dynamics introduced by the region, including the Guggenheim museum is only the most visible part . The cost of the museum, funded by the " Provincial Council " of Biscay and the Basque Government was $ 100 million , collections and management is the responsibility of the Guggenheim Foundation . The opening of the museum took place on 17 October 1997.

The museum itself creates a very large influx of tourists sometimes more interested in the building by the collections, because they are more interested in the pleasure of seeing the museum at the pleasure of watching the shows. Fourteen years after its opening, it is recognized that the museum , which hosts one million visitors per year , contributes 1.57 billion euros in the Spanish Basque Country economy and generated 4,500 direct and indirect jobs over the period.

The current CEO of the museum is assisted by Juan Ignacio Vidarte 13 managing partners .

Designed by Frank Gehry and his architectural firm , the building was extremely innovative in its technological approach from the point of view of the realization of designs and simulation feasibility curves by computer aided design ( CAD ) software developed by the the company Dream PGM , initially for the aviation and automotive ( CATIA ) , only the aspect of aesthetics. The project develops the deconstructivist approach Gehry promoting organic and undulating forms , playing materials and lights.

Among the important works from the Guggenheim Bilbao include the gigantic sculptures of Richard Serra, facilities Jenny Holzer, a spider by Louise Bourgeois (1999) , or even the dog dressed giant flowers Jeff Koons (1992) located entry, the Basques call emotionally " Puppy ". The paintings and sculptures are traditional minority compared to less academic arts.

  

古根海姆博物馆毕尔巴鄂是一个现代和当代艺术博物馆在毕尔巴鄂巴斯克西班牙,这向公众开放于1997年。这是所罗门·R基础的三大博物馆之一古根海姆博物馆。该建筑的创新结构由弗兰克·盖里在,使他成名的风格设计的。它的轮廓是一个独特的石头和玻璃,水和钛的结果。该博物馆迅速成为世界上最知名和流行的现代建筑之一,做了这么多的town1 2的更新和认识。对城市这种影响已被命名的研究人员为“古根海姆效应” 。

除了在纽约的父母基础和其他地区的博物馆暂时转借,该馆拥有自己的永久收藏,由战后时期的主要艺术家收集签名的作品。

该博物馆建筑由巴斯克政府和比斯开政府决定给图像的区域和城市,其中,沉浸在低迷由于重工业的转换后为恢复由于中继欧洲高速公路在平面毕尔包2000分机机场松迪卡所做的地区显著投资,经济特区面临着新的技术等税收优惠。该博物馆是唯一一个在一个更加雄心勃勃的经济计划的步骤,并定期用来证明的标志性建筑物毕尔巴鄂效应的建设离不开所有的动态更广泛地了解所引进的讨论区,包括古根海姆博物馆是唯一最可见部分。博物馆的费用,由“省议会”比斯开湾和巴斯克政府的资助为1亿美元,收藏和管理是古根海姆基金会的责任。博物馆的开放发生于1997年10月17日

博物馆本身造成游客的藏品,有时更感兴趣的是建筑的一个非常大的涌入,因为他们更感兴趣的是看到在博物馆看展览的愉悦快感。其开放十四年后,人们认识到了博物馆,每年举办一百万个访客,有利于1.57十亿欧元的西班牙巴斯克地区的经济和产生4,500直接和间接的就业机会在此期间。

博物馆的现任CEO是由胡安·伊格纳西奥Vidarte 13管理合作伙伴的协助。

由弗兰克·盖里和他的建筑公司设计,该建筑是在其技术方法极具创新性的观点,实现设计和仿真的可行性曲线由计算机辅助设计( CAD)软件的开发点公司梦PGM ,最初为航空及汽车( CATIA ) ,美学只有方面。该项目开发的解构主义方法盖里推动有机和起伏的形式,打材料和灯光。

其中从毕尔巴鄂古根海姆博物馆的重要作品包括理查德·塞拉,设施珍妮•霍尔泽,蜘蛛路易斯布尔乔亚( 1999)的巨大雕塑,甚至狗打扮巨型花杰夫·昆斯( 1992)设入门,巴斯克致电情绪“小狗” 。相比,少了学术艺术的绘画和雕塑作品是传统的少数民族。

  

El Museo Guggenheim Bilbao es un moderno y museo de arte contemporáneo en Bilbao en el País Vasco de España, que se abrió al público en 1997. Este es uno de los tres museos de la Fundación Solomon R. Guggenheim. La innovadora estructura del edificio fue diseñado por Frank Gehry en el estilo que lo hizo famoso . Su silueta es el resultado de una mezcla única de la piedra y el vidrio , el agua y el titanio . El museo se convirtió rápidamente en uno de los edificios contemporáneos más conocidos y populares en el mundo , haciendo tanto por la renovación y la conciencia de la town1 2 . Este impacto en la ciudad ha sido nombrado por los investigadores como el "efecto Guggenheim " .

Además de prestado temporalmente por la fundación de los padres en Nueva York y otros museos de piezas , el museo tiene su propia colección permanente , recogiendo obras firmadas por grandes artistas de la época de la posguerra.

El edificio del museo fue decidida por el Gobierno Vasco y la Diputación de Vizcaya para dar una imagen de la región y la ciudad, que , después de haber sido sumergido en una depresión debido a la conversión de la industria pesada fue recuperando gracias a las importantes inversiones realizadas por la región en el 2000 extensión avión Bilbao Ría del aeropuerto de Sondika trunking carreteras europeas , las zonas económicas fiscal favorable frente a las nuevas tecnologías , etc . El museo es sólo un paso en un plan económico mucho más ambicioso y se usa con regularidad para justificar la construcción de edificios emblemáticos efecto Bilbao no puede ser discutido sin una comprensión más amplia de toda la dinámica introducida por la región, incluyendo el Museo Guggenheim es sólo la parte más visible. El costo del museo , fundado por el "Consejo Provincial " de Bizkaia y el Gobierno Vasco fue de $ 100 millones, colecciones y la gestión es responsabilidad de la Fundación Guggenheim. La apertura del museo tuvo lugar el 17 de octubre de 1997.

El museo en sí crea una gran afluencia de turistas a veces más interesados ​​en el edificio por las colecciones , ya que están más interesados ​​en el placer de ver el museo en el placer de ver los espectáculos. Catorce años después de su apertura , se reconoce que el museo , que alberga a un millón de visitantes al año, contribuye € 1570 millones en la economía española del País Vasco y genera 4.500 empleos directos e indirectos durante el período.

El actual director general del museo está asistido por Juan Ignacio Vidarte 13 socios administrativos .

Diseñado por Frank Gehry y su estudio de arquitectura , el edificio fue muy innovador en su enfoque tecnológico desde el punto de vista de la realización de los diseños y las curvas de viabilidad de simulación mediante el diseño asistido por ordenador ( CAD) software desarrollado por el la empresa Sueño PGM , inicialmente para la aviación y del automóvil (CATIA ) , sólo el aspecto de la estética. El proyecto desarrolla el enfoque deconstructivista Gehry promoción de formas orgánicas y ondulantes , materiales de juego y las luces.

Entre las obras importantes desde el Guggenheim Bilbao se compone de las gigantescas esculturas de Richard Serra, instalaciones Jenny Holzer, una araña de Louise Bourgeois ( 1999 ) , o incluso los perros vestidos de flores gigantes Jeff Koons ( 1992 ) encuentra entrada , los vascos llaman emocionalmente " perrito" . Las pinturas y esculturas son minoría tradicional en comparación con menos de artes académicas.

  

Das Guggenheim Museum Bilbao ist ein moderner und zeitgenössischer Kunst -Museum in Bilbao im Baskenland, Spanien, das für die Öffentlichkeit im Jahr 1997 eröffnet. Dies ist eines der drei Museen der Stiftung Solomon R. Guggenheim . Die innovative Struktur des Gebäudes wurde von Frank Gehry in dem Stil, der ihn berühmt gemacht konzipiert. Seine Silhouette ist das Ergebnis einer einzigartigen Mischung aus Stein und Glas , Wasser und Titan. Das Museum wurde schnell zu einem der bekanntesten und beliebtesten zeitgenössischen Gebäude der Welt , tun so viel für die Erneuerung und das Bewusstsein für die town1 2 . Diese Auswirkungen auf die Stadt ist von den Forschern als " Guggenheim -Effekt" genannt.

Neben vorübergehend von der Mutter Stiftung in New York und anderen Teilen Museen geliehen hat das Museum seine eigene ständige Sammlung , sammeln unterzeichnet Werke bedeutender Künstler der Nachkriegszeit .

Das Museumsgebäude wurde von der baskischen Regierung und der Regierung von Biskaya beschlossen, ein Bild, um die Region und die Stadt, die , nachdem sie in einer Krise aufgrund der Umwandlung der Schwerindustrie eingetaucht war, erholt geben aufgrund der großen Investitionen, die von der Region, in der Ebene Bilbao Ria 2000 Erweiterung des Flughafens Sondika gemacht Trunking europäischen Autobahnen, Wirtschaftszonen günstigen Steuer vor neuen Technologien , etc.. Das Museum ist nur ein Schritt in einem sehr viel ehrgeiziger Wirtschaftsplan und regelmäßig verwendet werden, um den Bau von ikonischen Gebäuden Bilbao-Effekt rechtfertigt nicht ohne ein erweitertes Verständnis von all der Dynamik durch die eingebrachte diskutiert werden Region, darunter das Guggenheim-Museum ist nur der sichtbarste Teil . Die Kosten für das Museum, das von der " Provincial Council" von Biskaya und der baskischen Regierung finanziert betrug 100 Millionen US-Dollar Sammlungen und Verwaltung liegt in der Verantwortung der Guggenheim Foundation . Die Eröffnung des Museums fand am 17. Oktober 1997 .

Das Museum selbst schafft einen sehr großen Zustrom von Touristen manchmal mehr Interesse an dem Gebäude durch die Sammlungen , weil sie mehr Interesse an der Freude zu sehen, das Museum im Vergnügen, Ausstellungen . Vierzehn Jahre nach seiner Eröffnung wird anerkannt, dass das Museum, das eine Million Besucher pro Jahr veranstaltet , trägt 1570000000 € im spanischen Baskenland Wirtschaft und erzeugt 4.500 direkte und indirekte Arbeitsplätze über den Zeitraum .

Der bisherige CEO des Museums wird von Juan Ignacio Vidarte 13 Managing Partner unterstützt.

Das von Frank Gehry und sein Architekturbüro , war das Gebäude sehr innovativ in ihren technologischen Ansatz aus der Sicht der Realisierung des Designs und Simulation Machbarkeits Kurven, die durch Computer Aided Design (CAD) Software durch die entwickelte das Unternehmen Traum PGM , zunächst für die Luftfahrt-und Automobilindustrie ( CATIA ) , nur den Aspekt der Ästhetik. Das Projekt entwickelt den dekonstruktivistischen Ansatz Gehry Förderung der Bio- und wellenförmige Formen , Materialien und Licht spielen .

Zu den wichtigen Werken aus dem Guggenheim Bilbao sind die gigantischen Skulpturen von Richard Serra, Einrichtungen Jenny Holzer, eine Spinne von Louise Bourgeois (1999) , oder auch die Hund gekleidet riesige Blumen Jeff Koons (1992) liegt Eintrag , rufen Sie die Basken emotional " Welpe" . Die Gemälde und Skulpturen sind traditionelle Minderheit im Vergleich zu weniger akademische Kunst.

  

متحف جوجنهايم بلباو هو متحف الفن الحديث والمعاصر في بلباو في اقليم الباسك اسبانيا ، الذي افتتح للجمهور في عام 1997. هذا هو واحد من ثلاثة متاحف للمؤسسة سولومون ر. غوغنهايم . وقد تم تصميم بنية مبتكرة للمبنى عن طريق فرانك جيري في النمط الذي جعلته الشهيرة. صورة ظلية ل هو نتيجة ل مزيج فريد من الحجر والزجاج والماء و التيتانيوم. المتحف وسرعان ما أصبحت واحدة من المباني المعاصرة الأكثر شهرة و شعبية في العالم ، فعل الكثير من أجل التجديد و الوعي town1 2 . وقد سميت هذه الآثار على المدينة من قبل الباحثين باسم " تأثير غوغنهايم " .

بالإضافة إلى أقرض مؤقتا من قبل المؤسسة الأم في نيويورك وأجزاء أخرى من المتاحف ، و المتحف مجموعة دائمة خاصة بها ، وجمع المصنفات التي وقعتها الفنانين الكبار من فترة ما بعد الحرب .

وتقرر بناء المتحف من قبل حكومة الباسك وحكومة بسكاي لإعطاء صورة للمنطقة والمدينة، والتي، بعد أن مغمورة في ركود بسبب تحويل الصناعات الثقيلة كان يتعافى وذلك بفضل الاستثمارات الهامة التي قامت بها المنطقة في عام 2000 تمديد الطائرة بلباو ريا من المطار سونديكا الكابلات الطرق السريعة الأوروبية ، والمناطق الاقتصادية الضريبية المواتية التي تواجه التكنولوجيات الجديدة، وما إلى ذلك. المتحف هو خطوة واحدة فقط في خطة اقتصادية أكثر طموحا بكثير، و تستخدم بانتظام لتبرير تشييد المباني الأيقونية بلباو تأثير لا يمكن مناقشتها دون فهم أوسع من كل الديناميات التي أدخلتها المنطقة، بما في ذلك متحف غوغنهايم ليست سوى الجزء الأكثر وضوحا . كانت تكلفة المتحف، بتمويل من " مجلس محافظة " بسكاي وحكومة الباسك 100 مليون دولار، وإدارة مجموعات هي مسؤولية مؤسسة جوجنهايم . استغرق افتتاح المتحف في 17 أكتوبر 1997.

المتحف نفسه يخلق تدفق أعداد كبيرة جدا من السياح أكثر اهتماما في بعض الأحيان في المبنى من قبل مجموعات ، لأنهم أكثر اهتماما في دواعي سروري لرؤية المتحف في متعة مشاهدة العروض. بعد أربعة عشر عاما افتتاحه، فمن المسلم به أن المتحف، الذي يستضيف من مليون زائر سنويا، وتساهم 1570000000 € في الاقتصاد الباسك الإسبانية و لدت 4،500 فرصة عمل مباشرة و غير مباشرة خلال تلك الفترة.

ويساعد الرئيس التنفيذي الحالي للمتحف من قبل خوان اجناسيو Vidarte 13 شركاء إدارة.

صممه فرانك جيري و شركة الهندسة المعمارية له، وكان المبنى مبتكرة للغاية في النهج التكنولوجية من وجهة نظر إعمال التصاميم و المنحنيات المحاكاة الجدوى التي كتبها التصميم بمساعدة الحاسوب ( CAD ) والبرمجيات التي طورتها شركة دريم PGM ، في البداية للطيران والسيارات ( CATIA ) ، إلا جانب من جوانب الجماليات. يطور المشروع النهج deconstructivist جيري تعزيز الأشكال العضوية و متموجة ، ومواد اللعب و الاضواء.

من بين الأعمال المهمة من غوغنهايم بلباو تشمل تماثيل عملاقة ل ريتشارد سيرا ، ومرافق جيني هولزر ، العنكبوت التي كتبها لويز بورجوا (1999 ) ، أو حتى الكلب يرتدي الزهور العملاقة جيف كونز (1992 ) الواقعة الدخول، الباسك استدعاء عاطفيا " جرو " . اللوحات و المنحوتات هي الأقلية التقليدية بالمقارنة مع الفنون الأكاديمي أقل.

  

Музей Гуггенхайма в Бильбао является современным и музей современного искусства в Бильбао в Стране Басков Испании , который открылся для публики в 1997 году. Это один из трех музеев Фонда Соломона Р. Гуггенхайма. Инновационная структура здания была разработана Фрэнком Гери в стиле , который сделал его знаменитым. Его силуэт является результатом уникальной смеси камня и стекла , воды и титана. Музей быстро стал одним из самых известных и популярных современных зданий в мире , делает так много для обновления и осознания town1 2. Это воздействие на город был назван исследователями как "эффект Гуггенхайма " .

Кроме того , чтобы временно одолжил материнской основания в Нью-Йорке и других частей музеев , музей имеет собственную постоянную коллекцию , собирая подписанные произведения крупных художников послевоенного периода .

Здание музея было решено правительством Басков и Правительством Бискайском дать изображение на области и города , который после погружения в кризис за счет конверсии тяжелой промышленности был восстанавливается благодаря значительным капиталовложениям, осуществленным регионе в самолет Бильбао Риа 2000 расширение аэропорта Sondika магистральные европейских дорог, экономические зоны благоприятный налоговый сталкивается с новыми технологиями и т.д. . Музей является лишь одним шагом в гораздо более амбициозного экономического плана и регулярно используется для оправдания строительства знаковых зданий Бильбао эффекта не может обсуждаться без широкого понимания всех динамики введенным область, в том числе в музее Гуггенхайма только самая видимая часть . Стоимость музея , финансируется « провинциального совета " Бискайском и баскского правительства составила $ 100 млн. , коллекции и управление является обязанностью Фонда Гуггенхайма . Открытие музея состоялось 17 октября 1997 года .

Сам музей создает очень большой приток туристов иногда больше заинтересованных в здании по коллекций , потому что они более заинтересованы в удовольствие видеть музей в удовольствии смотреть шоу. Четырнадцать лет после его открытия , признается, что музей , в котором находится один миллион посетителей в год, способствует 1570000000 евро в испанской Страны Басков экономики и генерируется 4500 прямых и косвенных рабочих мест за период .

Нынешний генеральный директор музея помогают Хуан Игнасио Vidarte 13 управляющих партнеров .

Построен по проекту Франка Гери и его архитектурной фирмы , здание было очень инновационный в своем технологического подхода с точки зрения реализации проектов и кривых моделирования технико-экономических по автоматизированного проектирования (САПР ) , разработанной компания Мечта PGM , первоначально для авиации и автомобильной ( CATIA ) , только аспект эстетики. Проект развивает деконструктивистской подход Гери способствуя органические и волнообразные формы , играя материалы и источники света .

Среди важных работ из музей Гуггенхайма в Бильбао включают гигантские скульптуры Ричарда Серра , объектов Дженни Хольцер , паук Луизы Буржуа (1999) , или даже собака одетый гигантские цветы Джефф Кунс (1992) , расположенных вход, баски называют эмоционально " Щенок " . Картины и скульптуры традиционным меньшинством по сравнению с менее академических искусств.

  

Le musée Guggenheim de Bilbao est un musée d'art moderne et contemporain situé à Bilbao au Pays basque Espagne qui a ouvert au public en 1997. C'est l'un des trois musées de la fondation Solomon R. Guggenheim. La structure innovante du bâtiment a été dessinée par Frank Gehry dans le style qui l'a rendu célèbre. Sa silhouette est le fruit d'un assemblage singulier de pierre et de verre, d'eau et de titane. Le musée devint rapidement un des bâtiments contemporains les plus connus et appréciés au monde, faisant énormément pour le renouveau et la notoriété de la ville1,2. Cet impact sur une ville est depuis nommé par les chercheurs par l'expression « Effet Guggenheim ».

En plus des pièces prêtées temporairement par la fondation mère new-yorkaise et par d'autres musées, le musée possède sa propre collection permanente, rassemblant des œuvres signées d'artistes majeurs de l'après-guerre.

La construction du musée a été décidée par le gouvernement basque et le gouvernement de Biscaye afin de donner une image à la région et la ville, qui, après avoir été plongées dans un marasme économique dû à la reconversion de l'industrie lourde, se relevait grâce aux importants investissements réalisés par la région lors du plan Bilbao Ria 2000 : extension de l'aéroport de Sondika, raccordement au réseau d'autoroutes européen, zones économiques à fiscalité avantageuse tournées vers les nouvelles technologies, etc. Le musée n'est qu'une des étapes d'un plan économique beaucoup plus ambitieux et l'effet Bilbao régulièrement avancé pour justifier la construction de bâtiments iconiques ne saurait être évoqué sans une compréhension plus large de toute la dynamique mise en place par la région, et dont le musée Guggenheim n'est que la partie la plus visible. Le coût du musée, financé par la "Diputación" de Biscaye et le Gouvernement Basque a été de 100 millions de dollars, les collections et leur gestion étant de la responsabilité de la fondation Guggenheim. L'ouverture du musée s'est faite le 17 octobre 1997.

Le musée par lui-même crée un très important afflux de touristes parfois plus intéressés par le bâtiment que par les collections, car ceux-ci s'intéressent plus au plaisir de contempler le musée qu'au plaisir de contempler les expositions. Quatorze ans après son ouverture, il est admis que le musée, qui accueille un million de visiteurs par an, contribue à hauteur de 1,57 milliard d'euros à l'économie du Pays basque espagnol et a généré 4 500 emplois directs ou indirects sur la période.

Le directeur général actuel du musée est Juan Ignacio Vidarte assisté de 13 directeurs associés.

Créé par Frank Gehry et son cabinet d'architectes, le bâtiment fut extrêmement novateur dans son approche technologique tant du point de vue de la réalisation des dessins et simulation de la faisabilité des courbes par conception assistée par ordinateur (CAO) grâce aux logiciels informatiques développés par la société Dream PGM, initialement réservé à l'aéronautique et à l'automobile (logiciel CATIA), que sur l'aspect de l'esthétique. Le projet développe l'approche déconstructivistes de Gehry promouvant des formes organiques et ondulantes, jouant des matières et des lumières.

Parmi les œuvres importantes du Guggenheim Bilbao, on peut citer les sculptures gigantesques de Richard Serra, les installations de Jenny Holzer, une Araignée de Louise Bourgeois (1999), ou bien encore le chien géant habillé de fleurs de Jeff Koons (1992) situé à l'entrée, que les Basques nomment affectivement « Puppy ». Les peintures et les sculptures traditionnelles sont en minorité par rapport aux arts moins académiques.

 

The Guggenheim Museum Bilbao is a modern and contemporary art museum in Bilbao in the Basque Country Spain, which opened to the public in 1997. This is one of the three museums of the Solomon R. foundation Guggenheim . The innovative structure of the building was designed by Frank Gehry in the style that made ​​him famous . Its silhouette is the result of a unique blend of stone and glass , water and titanium . The museum quickly became one of the most known and popular contemporary buildings in the world , doing so much for the renewal and awareness of the town1 2. This impact on the city has been named by researchers as the " Guggenheim effect ".

In addition to temporarily lent by the parent foundation in New York and other parts museums , the museum has its own permanent collection , collecting signed works by major artists of the postwar period.

The museum building was decided by the Basque Government and the Government of Biscay to give an image to the region and the city, which , after being immersed in a slump due to the conversion of heavy industry was recovering thanks to significant investments made by the region in the plane Bilbao Ria 2000 extension of the airport Sondika trunking European highways , economic zones favorable tax facing new technologies, etc. . The museum is only one step in a much more ambitious economic plan and regularly used to justify the construction of iconic buildings Bilbao effect can not be discussed without a broader understanding of all the dynamics introduced by the region, including the Guggenheim museum is only the most visible part . The cost of the museum, funded by the " Provincial Council " of Biscay and the Basque Government was $ 100 million , collections and management is the responsibility of the Guggenheim Foundation . The opening of the museum took place on 17 October 1997.

The museum itself creates a very large influx of tourists sometimes more interested in the building by the collections, because they are more interested in the pleasure of seeing the museum at the pleasure of watching the shows. Fourteen years after its opening, it is recognized that the museum , which hosts one million visitors per year , contributes 1.57 billion euros in the Spanish Basque Country economy and generated 4,500 direct and indirect jobs over the period.

The current CEO of the museum is assisted by Juan Ignacio Vidarte 13 managing partners .

Designed by Frank Gehry and his architectural firm , the building was extremely innovative in its technological approach from the point of view of the realization of designs and simulation feasibility curves by computer aided design ( CAD ) software developed by the the company Dream PGM , initially for the aviation and automotive ( CATIA ) , only the aspect of aesthetics. The project develops the deconstructivist approach Gehry promoting organic and undulating forms , playing materials and lights.

Among the important works from the Guggenheim Bilbao include the gigantic sculptures of Richard Serra, facilities Jenny Holzer, a spider by Louise Bourgeois (1999) , or even the dog dressed giant flowers Jeff Koons (1992) located entry, the Basques call emotionally " Puppy ". The paintings and sculptures are traditional minority compared to less academic arts.

 

古根海姆博物馆毕尔巴鄂是一个现代和当代艺术博物馆在毕尔巴鄂巴斯克西班牙,这向公众开放于1997年。这是所罗门·R基础的三大博物馆之一古根海姆 博物馆。该建筑的创新结构由弗兰克·盖里在,使他成名的风格设计的。它的轮廓是一个独特的石头和玻璃,水和钛的结果。该博物馆迅速成为世界上最知名和 流行的现代建筑之一,做了这么多的town1 2的更新和认识。对城市这种影响已被命名的研究人员为“古根海姆效应” 。

除了在纽约的父母基础和其他地区的博物馆暂时转借,该馆拥有自己的永久收藏,由战后时期的主要艺术家收集签名的作品。

该博物馆建筑由巴斯克政府和比斯开政府决定给图像的区域和城市,其中,沉浸在低迷由于重工业的转换后为恢复由于中继欧洲高速公路在平面毕尔包2000 分机机场松迪卡所做的地区显著投资,经济特区面临着新的技术等税收优惠。该博物馆是唯一一个在一个更加雄心勃勃的经济计划的步骤,并定期用来证明的标 志性建筑物毕尔巴鄂效应的建设离不开所有的动态更广泛地了解所引进的讨论区,包括古根海姆博物馆是唯一最可见部分。博物馆的费用,由“省议会”比斯开 湾和巴斯克政府的资助为1亿美元,收藏和管理是古根海姆基金会的责任。博物馆的开放发生于1997年10月17日

博物馆本身造成游客的藏品,有时更感兴趣的是建筑的一个非常大的涌入,因为他们更感兴趣的是看到在博物馆看展览的愉悦快感。其开放十四年后,人们认识 到了博物馆,每年举办一百万个访客,有利于1.57十亿欧元的西班牙巴斯克地区的经济和产生4,500直接和间接的就业机会在此期间。

博物馆的现任CEO是由胡安·伊格纳西奥Vidarte 13管理合作伙伴的协助。

由弗兰克·盖里和他的建筑公司设计,该建筑是在其技术方法极具创新性的观点,实现设计和仿真的可行性曲线由计算机辅助设计( CAD)软件的开发点公司梦PGM ,最初为航空及汽车( CATIA ) ,美学只有方面。该项目开发的解构主义方法盖里推动有机和起伏的形式,打材料和灯光。

其中从毕尔巴鄂古根海姆博物馆的重要作品包括理查德·塞拉,设施珍妮•霍尔泽,蜘蛛路易斯布尔乔亚( 1999)的巨大雕塑,甚至狗打扮巨型花杰夫·昆斯( 1992)设入门,巴斯克致电情绪“小狗” 。相比,少了学术艺术的绘画和雕塑作品是传统的少数民族。

 

El Museo Guggenheim Bilbao es un moderno y museo de arte contemporáneo en Bilbao en el País Vasco de España, que se abrió al público en 1997. Este es uno de los tres museos de la Fundación Solomon R. Guggenheim. La innovadora estructura del edificio fue diseñado por Frank Gehry en el estilo que lo hizo famoso . Su silueta es el resultado de una mezcla única de la piedra y el vidrio , el agua y el titanio . El museo se convirtió rápidamente en uno de los edificios contemporáneos más conocidos y populares en el mundo , haciendo tanto por la renovación y la conciencia de la town1 2 . Este impacto en la ciudad ha sido nombrado por los investigadores como el "efecto Guggenheim " .

Además de prestado temporalmente por la fundación de los padres en Nueva York y otros museos de piezas , el museo tiene su propia colección permanente , recogiendo obras firmadas por grandes artistas de la época de la posguerra.

El edificio del museo fue decidida por el Gobierno Vasco y la Diputación de Vizcaya para dar una imagen de la región y la ciudad, que , después de haber sido sumergido en una depresión debido a la conversión de la industria pesada fue recuperando gracias a las importantes inversiones realizadas por la región en el 2000 extensión avión Bilbao Ría del aeropuerto de Sondika trunking carreteras europeas , las zonas económicas fiscal favorable frente a las nuevas tecnologías , etc . El museo es sólo un paso en un plan económico mucho más ambicioso y se usa con regularidad para justificar la construcción de edificios emblemáticos efecto Bilbao no puede ser discutido sin una comprensión más amplia de toda la dinámica introducida por la región, incluyendo el Museo Guggenheim es sólo la parte más visible. El costo del museo , fundado por el "Consejo Provincial " de Bizkaia y el Gobierno Vasco fue de $ 100 millones, colecciones y la gestión es responsabilidad de la Fundación Guggenheim. La apertura del museo tuvo lugar el 17 de octubre de 1997.

El museo en sí crea una gran afluencia de turistas a veces más interesados ​​en el edificio por las colecciones , ya que están más interesados ​​en el placer de ver el museo en el placer de ver los espectáculos. Catorce años después de su apertura , se reconoce que el museo , que alberga a un millón de visitantes al año, contribuye € 1570 millones en la economía española del País Vasco y genera 4.500 empleos directos e indirectos durante el período.

El actual director general del museo está asistido por Juan Ignacio Vidarte 13 socios administrativos .

Diseñado por Frank Gehry y su estudio de arquitectura , el edificio fue muy innovador en su enfoque tecnológico desde el punto de vista de la realización de los diseños y las curvas de viabilidad de simulación mediante el diseño asistido por ordenador ( CAD) software desarrollado por el la empresa Sueño PGM , inicialmente para la aviación y del automóvil (CATIA ) , sólo el aspecto de la estética. El proyecto desarrolla el enfoque deconstructivista Gehry promoción de formas orgánicas y ondulantes , materiales de juego y las luces.

Entre las obras importantes desde el Guggenheim Bilbao se compone de las gigantescas esculturas de Richard Serra, instalaciones Jenny Holzer, una araña de Louise Bourgeois ( 1999 ) , o incluso los perros vestidos de flores gigantes Jeff Koons ( 1992 ) encuentra entrada , los vascos llaman emocionalmente " perrito" . Las pinturas y esculturas son minoría tradicional en comparación con menos de artes académicas.

 

Das Guggenheim Museum Bilbao ist ein moderner und zeitgenössischer Kunst -Museum in Bilbao im Baskenland, Spanien, das für die Öffentlichkeit im Jahr 1997 eröffnet. Dies ist eines der drei Museen der Stiftung Solomon R. Guggenheim . Die innovative Struktur des Gebäudes wurde von Frank Gehry in dem Stil, der ihn berühmt gemacht konzipiert. Seine Silhouette ist das Ergebnis einer einzigartigen Mischung aus Stein und Glas , Wasser und Titan. Das Museum wurde schnell zu einem der bekanntesten und beliebtesten zeitgenössischen Gebäude der Welt , tun so viel für die Erneuerung und das Bewusstsein für die town1 2 . Diese Auswirkungen auf die Stadt ist von den Forschern als " Guggenheim -Effekt" genannt.

Neben vorübergehend von der Mutter Stiftung in New York und anderen Teilen Museen geliehen hat das Museum seine eigene ständige Sammlung , sammeln unterzeichnet Werke bedeutender Künstler der Nachkriegszeit .

Das Museumsgebäude wurde von der baskischen Regierung und der Regierung von Biskaya beschlossen, ein Bild, um die Region und die Stadt, die , nachdem sie in einer Krise aufgrund der Umwandlung der Schwerindustrie eingetaucht war, erholt geben aufgrund der großen Investitionen, die von der Region, in der Ebene Bilbao Ria 2000 Erweiterung des Flughafens Sondika gemacht Trunking europäischen Autobahnen, Wirtschaftszonen günstigen Steuer vor neuen Technologien , etc.. Das Museum ist nur ein Schritt in einem sehr viel ehrgeiziger Wirtschaftsplan und regelmäßig verwendet werden, um den Bau von ikonischen Gebäuden Bilbao-Effekt rechtfertigt nicht ohne ein erweitertes Verständnis von all der Dynamik durch die eingebrachte diskutiert werden Region, darunter das Guggenheim-Museum ist nur der sichtbarste Teil . Die Kosten für das Museum, das von der " Provincial Council" von Biskaya und der baskischen Regierung finanziert betrug 100 Millionen US-Dollar Sammlungen und Verwaltung liegt in der Verantwortung der Guggenheim Foundation . Die Eröffnung des Museums fand am 17. Oktober 1997 .

Das Museum selbst schafft einen sehr großen Zustrom von Touristen manchmal mehr Interesse an dem Gebäude durch die Sammlungen , weil sie mehr Interesse an der Freude zu sehen, das Museum im Vergnügen, Ausstellungen . Vierzehn Jahre nach seiner Eröffnung wird anerkannt, dass das Museum, das eine Million Besucher pro Jahr veranstaltet , trägt 1570000000 € im spanischen Baskenland Wirtschaft und erzeugt 4.500 direkte und indirekte Arbeitsplätze über den Zeitraum .

Der bisherige CEO des Museums wird von Juan Ignacio Vidarte 13 Managing Partner unterstützt.

Das von Frank Gehry und sein Architekturbüro , war das Gebäude sehr innovativ in ihren technologischen Ansatz aus der Sicht der Realisierung des Designs und Simulation Machbarkeits Kurven, die durch Computer Aided Design (CAD) Software durch die entwickelte das Unternehmen Traum PGM , zunächst für die Luftfahrt-und Automobilindustrie ( CATIA ) , nur den Aspekt der Ästhetik. Das Projekt entwickelt den dekonstruktivistischen Ansatz Gehry Förderung der Bio- und wellenförmige Formen , Materialien und Licht spielen .

Zu den wichtigen Werken aus dem Guggenheim Bilbao sind die gigantischen Skulpturen von Richard Serra, Einrichtungen Jenny Holzer, eine Spinne von Louise Bourgeois (1999) , oder auch die Hund gekleidet riesige Blumen Jeff Koons (1992) liegt Eintrag , rufen Sie die Basken emotional " Welpe" . Die Gemälde und Skulpturen sind traditionelle Minderheit im Vergleich zu weniger akademische Kunst.

 

متحف جوجنهايم بلباو هو متحف الفن الحديث والمعاصر في بلباو في اقليم الباسك اسبانيا ، الذي افتتح للجمهور في عام 1997. هذا هو واحد من ثلاثة متاحف للمؤسسة سولومون ر. غوغنهايم . وقد تم تصميم بنية مبتكرة للمبنى عن طريق فرانك جيري في النمط الذي جعلته الشهيرة. صورة ظلية ل هو نتيجة ل مزيج فريد من الحجر والزجاج والماء و التيتانيوم. المتحف وسرعان ما أصبحت واحدة من المباني المعاصرة الأكثر شهرة و شعبية في العالم ، فعل الكثير من أجل التجديد و الوعي town1 2 . وقد سميت هذه الآثار على المدينة من قبل الباحثين باسم " تأثير غوغنهايم " .

بالإضافة إلى أقرض مؤقتا من قبل المؤسسة الأم في نيويورك وأجزاء أخرى من المتاحف ، و المتحف مجموعة دائمة خاصة بها ، وجمع المصنفات التي وقعتها الفنانين الكبار من فترة ما بعد الحرب .

وتقرر بناء المتحف من قبل حكومة الباسك وحكومة بسكاي لإعطاء صورة للمنطقة والمدينة، والتي، بعد أن مغمورة في ركود بسبب تحويل الصناعات الثقيلة كان يتعافى وذلك بفضل الاستثمارات الهامة التي قامت بها المنطقة في عام 2000 تمديد الطائرة بلباو ريا من المطار سونديكا الكابلات الطرق السريعة الأوروبية ، والمناطق الاقتصادية الضريبية المواتية التي تواجه التكنولوجيات الجديدة، وما إلى ذلك. المتحف هو خطوة واحدة فقط في خطة اقتصادية أكثر طموحا بكثير، و تستخدم بانتظام لتبرير تشييد المباني الأيقونية بلباو تأثير لا يمكن مناقشتها دون فهم أوسع من كل الديناميات التي أدخلتها المنطقة، بما في ذلك متحف غوغنهايم ليست سوى الجزء الأكثر وضوحا . كانت تكلفة المتحف، بتمويل من " مجلس محافظة " بسكاي وحكومة الباسك 100 مليون دولار، وإدارة مجموعات هي مسؤولية مؤسسة جوجنهايم . استغرق افتتاح المتحف في 17 أكتوبر 1997.

المتحف نفسه يخلق تدفق أعداد كبيرة جدا من السياح أكثر اهتماما في بعض الأحيان في المبنى من قبل مجموعات ، لأنهم أكثر اهتماما في دواعي سروري لرؤية المتحف في متعة مشاهدة العروض. بعد أربعة عشر عاما افتتاحه، فمن المسلم به أن المتحف، الذي يستضيف من مليون زائر سنويا، وتساهم 1570000000 € في الاقتصاد الباسك الإسبانية و لدت 4،500 فرصة عمل مباشرة و غير مباشرة خلال تلك الفترة.

ويساعد الرئيس التنفيذي الحالي للمتحف من قبل خوان اجناسيو Vidarte 13 شركاء إدارة.

صممه فرانك جيري و شركة الهندسة المعمارية له، وكان المبنى مبتكرة للغاية في النهج التكنولوجية من وجهة نظر إعمال التصاميم و المنحنيات المحاكاة الجدوى التي كتبها التصميم بمساعدة الحاسوب ( CAD ) والبرمجيات التي طورتها شركة دريم PGM ، في البداية للطيران والسيارات ( CATIA ) ، إلا جانب من جوانب الجماليات. يطور المشروع النهج deconstructivist جيري تعزيز الأشكال العضوية و متموجة ، ومواد اللعب و الاضواء.

من بين الأعمال المهمة من غوغنهايم بلباو تشمل تماثيل عملاقة ل ريتشارد سيرا ، ومرافق جيني هولزر ، العنكبوت التي كتبها لويز بورجوا (1999 ) ، أو حتى الكلب يرتدي الزهور العملاقة جيف كونز (1992 ) الواقعة الدخول، الباسك استدعاء عاطفيا " جرو " . اللوحات و المنحوتات هي الأقلية التقليدية بالمقارنة مع الفنون الأكاديمي أقل.

 

Музей Гуггенхайма в Бильбао является современным и музей современного искусства в Бильбао в Стране Басков Испании , который открылся для публики в 1997 году. Это один из трех музеев Фонда Соломона Р. Гуггенхайма. Инновационная структура здания была разработана Фрэнком Гери в стиле , который сделал его знаменитым. Его силуэт является результатом уникальной смеси камня и стекла , воды и титана. Музей быстро стал одним из самых известных и популярных современных зданий в мире , делает так много для обновления и осознания town1 2. Это воздействие на город был назван исследователями как "эффект Гуггенхайма " .

Кроме того , чтобы временно одолжил материнской основания в Нью-Йорке и других частей музеев , музей имеет собственную постоянную коллекцию , собирая подписанные произведения крупных художников послевоенного периода .

Здание музея было решено правительством Басков и Правительством Бискайском дать изображение на области и города , который после погружения в кризис за счет конверсии тяжелой промышленности был восстанавливается благодаря значительным капиталовложениям, осуществленным регионе в самолет Бильбао Риа 2000 расширение аэропорта Sondika магистральные европейских дорог, экономические зоны благоприятный налоговый сталкивается с новыми технологиями и т.д. . Музей является лишь одним шагом в гораздо более амбициозного экономического плана и регулярно используется для оправдания строительства знаковых зданий Бильбао эффекта не может обсуждаться без широкого понимания всех динамики введенным область, в том числе в музее Гуггенхайма только самая видимая часть . Стоимость музея , финансируется « провинциального совета " Бискайском и баскского правительства составила $ 100 млн. , коллекции и управление является обязанностью Фонда Гуггенхайма . Открытие музея состоялось 17 октября 1997 года .

Сам музей создает очень большой приток туристов иногда больше заинтересованных в здании по коллекций , потому что они более заинтересованы в удовольствие видеть музей в удовольствии смотреть шоу. Четырнадцать лет после его открытия , признается, что музей , в котором находится один миллион посетителей в год, способствует 1570000000 евро в испанской Страны Басков экономики и генерируется 4500 прямых и косвенных рабочих мест за период .

Нынешний генеральный директор музея помогают Хуан Игнасио Vidarte 13 управляющих партнеров .

Построен по проекту Франка Гери и его архитектурной фирмы , здание было очень инновационный в своем технологического подхода с точки зрения реализации проектов и кривых моделирования технико-экономических по автоматизированного проектирования (САПР ) , разработанной компания Мечта PGM , первоначально для авиации и автомобильной ( CATIA ) , только аспект эстетики. Проект развивает деконструктивистской подход Гери способствуя органические и волнообразные формы , играя материалы и источники света .

Среди важных работ из музей Гуггенхайма в Бильбао включают гигантские скульптуры Ричарда Серра , объектов Дженни Хольцер , паук Луизы Буржуа (1999) , или даже собака одетый гигантские цветы Джефф Кунс (1992) , расположенных вход, баски называют эмоционально " Щенок " . Картины и скульптуры традиционным меньшинством по сравнению с менее академических искусств.

Image Picture Photo Photographie.

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

  

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

  

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

  

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

  

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

  

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

  

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

Go to Page with image in the Internet Archive

Title: Die Kunst das menschliche Leben zu verlängern

Creator: Hufeland, Christoph Wilhelm, 1762-1836

Creator: University of Leeds. Library

Publisher: Jena : In der akademische Buchhandlung

Sponsor: Jisc and Wellcome Library

Contributor: University of Leeds Library

Date: 1798

Language: ger

Description: The University of Leeds Library

Later published under title: Makrobiotik, oder Die Kunst das menschliche Leben zu verlängeren

Includes bibliographical references

This material has been provided by The University of Leeds Library. The original may be consulted at The University of Leeds Library

 

If you have questions concerning reproductions, please contact the Contributing Library.

 

Note: The colors, contrast and appearance of these illustrations are unlikely to be true to life. They are derived from scanned images that have been enhanced for machine interpretation and have been altered from their originals.

 

Read/Download from the Internet Archive

 

See all images from this book

See all MHL images published in the same year

Flauberto

 

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünfJahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungenu.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichenund aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In denStraßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfachüberklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischenElemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischenGestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention desStriches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissenAußenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

 

Eine sich aufweitende Kunst -Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

 

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Jose Rufino

 

Kontakt: Flauberto

Torstrasse 220 10115

berlin mitte

Tel: 280 45878

email: flauberto.world@gmail.com

Flauberto Artist Berlin Germany Photo Instalation 2006 Gallery Berlin Am Meer

----------------------------------------------------------------------------------------------

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

     

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

---------------------------------------------------------

Kontakt:

-------------

flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------

www.flickr.com/photos/flaubertoplasticartist/

 

---------------------------------------------------------------------

The first records of Flauberto´s plastic espression starts already

 

in his childhood in Juazeirinho, a poor and small town two halves by the BR-230 motorway, stuck in the scalding and desolate region of Paraiba`s cariri.

 

His unrest behaviour did neither spare the walls of the houses and school, nor the huge doors of the stores, not to mention the schools´ chairs and rooms. It is this remote memory that builds the emotional face for his work today, being the world and life at his reach, it this road that cuts his history by the half.

 

More than consciousness, the object of his art is the obsession with limits. He vindicates his own condition. Flauberto´s works cry for urgency. They vibrante with his own time.

 

Flauberto is living his life and woking with art without a particular self knowledge. His restless thoughts are registered in any kind of material.

 

And with no strict definition, the artist believes that what he does comes from the answers to thes questions: Who am I? Where am I? Where am going to? In this way he captures spontaneous artistic expressions from his innerself transforming them into old and rudimentary paintings.

 

Later, he turns ideas to material, in various languages: painting, object, sculpture, site-specific, photografy, and new medias. And repeat the process all over again.

 

I am an autodidactic artist. My personal life and art flow parallel on to another. About my art have to say that I don´t belong to any art school, my painting is developed in a very personal base. I don´t need and I don´t have any attraction to academics of the art history. My paintings are very open and free. My inspiration comes from darkness. My ideas are materialized spontaneously, i am don´t plan my painting, that means i only need to have the art materials in my hands and than I start to paint what comes in my head at that moment. If I plan my work, I can not make it. I am a compulsive artist, obsessive. In reality I make an artwork, whenever I need to say something. Sometimes I think I take part of the time of the cavern man, spontaneous, primitive, as the ideas come as vocanoes and eartrquake inside myself that have to be expelled and than to be materialized in any kind of art suport. I don´t have a daily timetable in my art, my art does not care about art that way. I am not worried if my work grows or if am included in certain art systems. This kind of decision from critics who decide what is art does not make part of my personal universe. Art as I see, must be free. The artist ought to be free in any circunstance. For me it is important the quality of art, the material quality too. The art has a good message to the society, the message could be good or bad, but it is important that generations after mine could see and admire and also that part of my ideas in my art works.

 

For me the reciprocity and the distance between the public and private world are something questionable.

 

For me the real art and the truly function from art is somethings unknown; my real vision of art is ART IS ATTITUDE. I am not different from the mostly artist, I elaborate my art production alone, the art is something very individual and unilateral. So I have the relation artist and art production. I have no notion of the effect or impact on public after my art production is finished. At my vernissages, through 10 years as artist, I have heard a lot about what the people feel: some people do not understand, some think whatever they want, some understad in a frame of their knowledge. I enjoy and have fun watching the people: I like the public interaction, artist and art, it is like a party for me . I do not support the intellectual side of art.

 

The interaction makes public take part of the creation process of the artist and I like it very much; and it is natural. In reality anyone can be an artist, it dependes on if one develops its art abilities or not.

 

The idea of actuality is my everyday routine. I live the present and my paintings register exactly my life at present, but my artistc know-know and inspiration come from the darkness, I do not ask the present as artist. I know that I have to say and do something that comes from inside myself: So is my art present at the actuality of the world and all its diferences and problems: They come as positive signal to me, the actuality does not bother my creative process. I can not have a daly routine as artist. This would be a torture for me, but I don´t have nothing against. My mind works very fast and spontaneous and that happens in my art process too. My daily project begins with the ideas that come in my mind. This is my first priority, then begin timeless work of putting my ideas on the canvas on as an artists everyday.

 

The artist Flauberto live and work 7 years in Berlin.

Flauberto is one of the outstanding artists of the Brazilian art scene in Germany. His works, which are paintings, photographs and drawings showing a unique style and are in permanent collections in the Brazilian Embassy, and the Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand, and private collections Russia,and Switzerland, Germany and the USA. Moreover, it is taken by the Brazilian media on the main current five visual artists of the State of Paraíba important in Brazil.

The artist presented their works among others in 2003 at the Bienal of Novosibirsk in Russia and an exhibition at the Academy of Arts in Berlin, in 2002, the prize of the museum in Berlin-Dahlem asexcellent artists of the Brazilian art scene Germany.

2002 Exhibition the Brazilian Cultural Institute (ICBRA), but also other exhibitions in Germany and abroad, how to participate as a representative of Brazil in the project, United Buddy Bears" in Berlin, Tokyo, Sydney, Istanbul, Shanghai and Beijing. In 1998 Exhibition gallery in Zurich and Basel. In 1995 workshop in Minneapolis (USA) presented and discussed.

Contact:

Flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

Eine sich aufweitende Kunst -

 

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

 

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

 

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

 

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

 

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

 

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Texto de( Flauberto e Jose Rufino)

 

Text von Flaubero und Jose Rufino

 

flaubertocontato@yahoo.com

     

Os primeiros registros da expressão artística de Flauberto surgem já na infância

em Juazeirinho, uma cidade pequena e pobre cortada ao meio pela Br-230,

encravada na escaldante e desolada região do Cariri paraibano.

A sua inquietude não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio.

É essa memória remota que vai se constituir na carga emocional de seu trabalho atual, quando o mundo e a vida estão ao seu alcance, nessa estrada que corta a sua

história ao meio.

Mais do que consciência, o objeto de sua arte é a obsessão dos limites. Seus trabalhos gritam por urgência, trepidam como o seu próprio tempo, reinvidicando a condição coletiva.

“Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte tenham

caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo

desenvolvi uma forma obsessiva, sistemática e compulsiva de se fazer arte. Nos últimos

dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura,

mas também desenvolvi, projetos como escultura e instalação.

Os temas da minha vida sempre foram também os da minha arte. Sexo, poder,

dinheiro e religião sempre foram elementos pertubadores e condicionadores da minha

existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição à outra ( da vida para a arte) , pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandonei em definitivo os estudos da universidade.

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto e percebo-me como um indivíduo

compulsivo, obsessivo, agonizante o qual retira do escuro a sua própria luz.

Eu procuro responder à perguntas como: Quem sou ? a quem pertenço? ou por que a minha arte reverbera na minha condição e no meu processo criativo?

Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne.

Não consigo parar de observar o meu redor, seja em João Pessoa, Salvador,

Rio de Janeiro, Basel, na Suíça, ou em Berlim, cidades que compõem a minha tragetória de vida.

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio

e suporte. através de técnicas como colagem, foto-montagem, e manipulação digital.

Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparentes quanto os outros suportes que já explorei, e que continuo explorando.

Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer.

Tudo o que eu faço é parte de uma resolução extremamente pessoal.

Quando resolvi incluir a fotografia no meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minha idéias.

Este projeto inicial de fotos que iniciei em 2002, reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos privados pela vida e os meus olhos diante do mundo.

Para a realização deste projeto, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos ou imagens produzidas por outros artistas, em fim, tudo o que eu vou alcançando com o meu olhar carnal. Nos caminhos de ida e volta para casa vou juntando pedaços da vida que mexem com os meus desejos. ”

 

A peversão da cores.

 

Não havia outra saída para Flauberto a não ser a arte. A natureza

reservou para ele uma espécie de peversão das cores. Quando criança seus fins de tarde na cidade de Juazeirinho, Cariri paraibano, eram involutariamente invadidos por uma luminosidade “verde de doer nos olhos”.

Quando caiam a chuvas e a vegetação se enchia rapidamente de folhas, o olhar de Flauberto se perdia na “vermelhidão” dos juazeiros, umbuzeiros e catingueiras.

O olhar de Flauberto é assim; diferente,distorcido e enganoso. Mais que uma questão

de semânticas, as cores para ele sempre foram um desafio, era preciso aprender

não apenas seus nomes, mas também conviver com uma espécie de magia maldosa a qual fazia com que algumas cores, principalmente o verde, desaparecesse de acordo

com o contexto no qual estavam as mesmas inseridas.

Atualmente Flauberto tem um aparente domnio desta situação: as cores parecem estar

codificadas, dominadas para pintar. Ele desenvolveu uma técnica quase mecanizada

onde para cada tinta há um lugar pré-determinado. Mantendo cada uma, uma certa distancia da outra e cada cor é preparada e aplicada de uma só vez, nunca apartir de vários potes ao mesmo tempo.

Conheci a pintura de Flauberto antes mesmo de conhecê-lo ao entrar distraidamente

em uma agência bancária, cujo lugar destinado à exposicoes, sempre me causou

sorrisos no canto da boca. Naquele dia fui desviado com espanto para um conjunto

de grandes pinturas de cores fortes e composições rudimentares.

De perto percebi a imaturidade do artista no preparo das tintas e das telas e fiquei confuso em aceitar aceitar aquilo como arte primitiva ou uma manifestação consciênte e erudita de um jovem artista. Sai dali fazendo associações com o s grafismos de Keith Hering, e com as figuras toscas de A. R. Penk, e com as pinturas infantilizadas de Donald Baechler, sem saber que o então iniciante Flauberto desconhecia totalmente a producao destes artistas.

Os grafismos vigorosos de Flauberto são exercícios de dicotomia, oscilam como uma

dança desengonçada entre uma organização cartesiana, e um caos descontrolado e rudimentar. Variam entre grossas pinceladas de pintor de parede até finos e delicados

traços que se perdem nas composições mais pesadas.

Suas cores vão do artificialismo de um laranja fluorescente de causar náuseas, ao pacifico tons pastéis. Personalidade e pintura alternam-se entre o vibrante e o opaco,

o rude o delicado, o popular e o erudito, o esperto e o ingênuo, o consciênte e o alienado.

As últimas pinturas de Flauberto já revelam uma aproximação com alguns conceitos

apreendidos do turbilhão de imagens da arte contemporânea a qual o artista tem

se submetido nos últimos anos.

Mas ele parece tratar tudo isso com muita personalidade. Conceitos academicos como

equilibrio e unidade, ainda presente na maioria dos artistas da nossa geração,

são completamente ingnorados. A “organizacao” do espaço pictórico de Flauberto

chega a causar um desconforto no olhar. Figuras pesadas são colocadas em cima das

leves, àrvores horizontais pendem das laterais e figuras duras cortam tudo de forma

desconcertante e incômoda.

Sua pintura muda de ritmo como se pintasse ao som de música popular brasileira e rock pesado. Desconheço qualquer artista que tenha traçado para sí próprio uma espécie de cronograma de ação que vai desde o aprimoramento técnico até ações de marketing. Flauberto tem pressa na sua conquista e está sempre se espelhando em estrelas da música popular. Ele almeja galgar rapidamente os degraus que outros artistas jovens nem cogitam.

Quando o interpelo sobre algumas de suas pinturas, Flauberto parece já ter uma resposta para meus questionamentos. Confesso que demoro algum tempo para processar seus resultados, e fico sempre com vontade de dizer , por exemplo, que eu jamais usaria este vermelho ou aquele roxo. A pintura de Flauberto sempre passa do ponto onde eu pararia.

Eu poderia evocar aqui Jean Dubuffet, com seu conceito de Art Brut, ou por outro lado,

recorrer as discurssões dos criticos de arte contemporânea nesses tempos turvos de

multiculturalismo, para tentar compreender o trabalho de Flauberto, mais prefiro permanecer no campo das dúvidas, abertos para os golpes inesperados da pintura deste Flauberto do Cariri.

  

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

     

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

---------------------------------------------------------

Kontakt:

-------------

flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------

www.flickr.com/photos/flaubertoplasticartist/

 

---------------------------------------------------------------------

The first records of Flauberto´s plastic espression starts already

 

in his childhood in Juazeirinho, a poor and small town two halves by the BR-230 motorway, stuck in the scalding and desolate region of Paraiba`s cariri.

 

His unrest behaviour did neither spare the walls of the houses and school, nor the huge doors of the stores, not to mention the schools´ chairs and rooms. It is this remote memory that builds the emotional face for his work today, being the world and life at his reach, it this road that cuts his history by the half.

 

More than consciousness, the object of his art is the obsession with limits. He vindicates his own condition. Flauberto´s works cry for urgency. They vibrante with his own time.

 

Flauberto is living his life and woking with art without a particular self knowledge. His restless thoughts are registered in any kind of material.

 

And with no strict definition, the artist believes that what he does comes from the answers to thes questions: Who am I? Where am I? Where am going to? In this way he captures spontaneous artistic expressions from his innerself transforming them into old and rudimentary paintings.

 

Later, he turns ideas to material, in various languages: painting, object, sculpture, site-specific, photografy, and new medias. And repeat the process all over again.

 

I am an autodidactic artist. My personal life and art flow parallel on to another. About my art have to say that I don´t belong to any art school, my painting is developed in a very personal base. I don´t need and I don´t have any attraction to academics of the art history. My paintings are very open and free. My inspiration comes from darkness. My ideas are materialized spontaneously, i am don´t plan my painting, that means i only need to have the art materials in my hands and than I start to paint what comes in my head at that moment. If I plan my work, I can not make it. I am a compulsive artist, obsessive. In reality I make an artwork, whenever I need to say something. Sometimes I think I take part of the time of the cavern man, spontaneous, primitive, as the ideas come as vocanoes and eartrquake inside myself that have to be expelled and than to be materialized in any kind of art suport. I don´t have a daily timetable in my art, my art does not care about art that way. I am not worried if my work grows or if am included in certain art systems. This kind of decision from critics who decide what is art does not make part of my personal universe. Art as I see, must be free. The artist ought to be free in any circunstance. For me it is important the quality of art, the material quality too. The art has a good message to the society, the message could be good or bad, but it is important that generations after mine could see and admire and also that part of my ideas in my art works.

 

For me the reciprocity and the distance between the public and private world are something questionable.

 

For me the real art and the truly function from art is somethings unknown; my real vision of art is ART IS ATTITUDE. I am not different from the mostly artist, I elaborate my art production alone, the art is something very individual and unilateral. So I have the relation artist and art production. I have no notion of the effect or impact on public after my art production is finished. At my vernissages, through 10 years as artist, I have heard a lot about what the people feel: some people do not understand, some think whatever they want, some understad in a frame of their knowledge. I enjoy and have fun watching the people: I like the public interaction, artist and art, it is like a party for me . I do not support the intellectual side of art.

 

The interaction makes public take part of the creation process of the artist and I like it very much; and it is natural. In reality anyone can be an artist, it dependes on if one develops its art abilities or not.

 

The idea of actuality is my everyday routine. I live the present and my paintings register exactly my life at present, but my artistc know-know and inspiration come from the darkness, I do not ask the present as artist. I know that I have to say and do something that comes from inside myself: So is my art present at the actuality of the world and all its diferences and problems: They come as positive signal to me, the actuality does not bother my creative process. I can not have a daly routine as artist. This would be a torture for me, but I don´t have nothing against. My mind works very fast and spontaneous and that happens in my art process too. My daily project begins with the ideas that come in my mind. This is my first priority, then begin timeless work of putting my ideas on the canvas on as an artists everyday.

 

The artist Flauberto live and work 7 years in Berlin.

Flauberto is one of the outstanding artists of the Brazilian art scene in Germany. His works, which are paintings, photographs and drawings showing a unique style and are in permanent collections in the Brazilian Embassy, and the Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand, and private collections Russia,and Switzerland, Germany and the USA. Moreover, it is taken by the Brazilian media on the main current five visual artists of the State of Paraíba important in Brazil.

The artist presented their works among others in 2003 at the Bienal of Novosibirsk in Russia and an exhibition at the Academy of Arts in Berlin, in 2002, the prize of the museum in Berlin-Dahlem asexcellent artists of the Brazilian art scene Germany.

2002 Exhibition the Brazilian Cultural Institute (ICBRA), but also other exhibitions in Germany and abroad, how to participate as a representative of Brazil in the project, United Buddy Bears" in Berlin, Tokyo, Sydney, Istanbul, Shanghai and Beijing. In 1998 Exhibition gallery in Zurich and Basel. In 1995 workshop in Minneapolis (USA) presented and discussed.

Contact:

Flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

Eine sich aufweitende Kunst -

 

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

 

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

 

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

 

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

 

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

 

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Texto de( Flauberto e Jose Rufino)

 

Text von Flaubero und Jose Rufino

 

flaubertocontato@yahoo.com

     

Os primeiros registros da expressão artística de Flauberto surgem já na infância

em Juazeirinho, uma cidade pequena e pobre cortada ao meio pela Br-230,

encravada na escaldante e desolada região do Cariri paraibano.

A sua inquietude não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio.

É essa memória remota que vai se constituir na carga emocional de seu trabalho atual, quando o mundo e a vida estão ao seu alcance, nessa estrada que corta a sua

história ao meio.

Mais do que consciência, o objeto de sua arte é a obsessão dos limites. Seus trabalhos gritam por urgência, trepidam como o seu próprio tempo, reinvidicando a condição coletiva.

“Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte tenham

caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo

desenvolvi uma forma obsessiva, sistemática e compulsiva de se fazer arte. Nos últimos

dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura,

mas também desenvolvi, projetos como escultura e instalação.

Os temas da minha vida sempre foram também os da minha arte. Sexo, poder,

dinheiro e religião sempre foram elementos pertubadores e condicionadores da minha

existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição à outra ( da vida para a arte) , pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandonei em definitivo os estudos da universidade.

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto e percebo-me como um indivíduo

compulsivo, obsessivo, agonizante o qual retira do escuro a sua própria luz.

Eu procuro responder à perguntas como: Quem sou ? a quem pertenço? ou por que a minha arte reverbera na minha condição e no meu processo criativo?

Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne.

Não consigo parar de observar o meu redor, seja em João Pessoa, Salvador,

Rio de Janeiro, Basel, na Suíça, ou em Berlim, cidades que compõem a minha tragetória de vida.

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio

e suporte. através de técnicas como colagem, foto-montagem, e manipulação digital.

Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparentes quanto os outros suportes que já explorei, e que continuo explorando.

Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer.

Tudo o que eu faço é parte de uma resolução extremamente pessoal.

Quando resolvi incluir a fotografia no meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minha idéias.

Este projeto inicial de fotos que iniciei em 2002, reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos privados pela vida e os meus olhos diante do mundo.

Para a realização deste projeto, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos ou imagens produzidas por outros artistas, em fim, tudo o que eu vou alcançando com o meu olhar carnal. Nos caminhos de ida e volta para casa vou juntando pedaços da vida que mexem com os meus desejos. ”

 

A peversão da cores.

 

Não havia outra saída para Flauberto a não ser a arte. A natureza

reservou para ele uma espécie de peversão das cores. Quando criança seus fins de tarde na cidade de Juazeirinho, Cariri paraibano, eram involutariamente invadidos por uma luminosidade “verde de doer nos olhos”.

Quando caiam a chuvas e a vegetação se enchia rapidamente de folhas, o olhar de Flauberto se perdia na “vermelhidão” dos juazeiros, umbuzeiros e catingueiras.

O olhar de Flauberto é assim; diferente,distorcido e enganoso. Mais que uma questão

de semânticas, as cores para ele sempre foram um desafio, era preciso aprender

não apenas seus nomes, mas também conviver com uma espécie de magia maldosa a qual fazia com que algumas cores, principalmente o verde, desaparecesse de acordo

com o contexto no qual estavam as mesmas inseridas.

Atualmente Flauberto tem um aparente domnio desta situação: as cores parecem estar

codificadas, dominadas para pintar. Ele desenvolveu uma técnica quase mecanizada

onde para cada tinta há um lugar pré-determinado. Mantendo cada uma, uma certa distancia da outra e cada cor é preparada e aplicada de uma só vez, nunca apartir de vários potes ao mesmo tempo.

Conheci a pintura de Flauberto antes mesmo de conhecê-lo ao entrar distraidamente

em uma agência bancária, cujo lugar destinado à exposicoes, sempre me causou

sorrisos no canto da boca. Naquele dia fui desviado com espanto para um conjunto

de grandes pinturas de cores fortes e composições rudimentares.

De perto percebi a imaturidade do artista no preparo das tintas e das telas e fiquei confuso em aceitar aceitar aquilo como arte primitiva ou uma manifestação consciênte e erudita de um jovem artista. Sai dali fazendo associações com o s grafismos de Keith Hering, e com as figuras toscas de A. R. Penk, e com as pinturas infantilizadas de Donald Baechler, sem saber que o então iniciante Flauberto desconhecia totalmente a producao destes artistas.

Os grafismos vigorosos de Flauberto são exercícios de dicotomia, oscilam como uma

dança desengonçada entre uma organização cartesiana, e um caos descontrolado e rudimentar. Variam entre grossas pinceladas de pintor de parede até finos e delicados

traços que se perdem nas composições mais pesadas.

Suas cores vão do artificialismo de um laranja fluorescente de causar náuseas, ao pacifico tons pastéis. Personalidade e pintura alternam-se entre o vibrante e o opaco,

o rude o delicado, o popular e o erudito, o esperto e o ingênuo, o consciênte e o alienado.

As últimas pinturas de Flauberto já revelam uma aproximação com alguns conceitos

apreendidos do turbilhão de imagens da arte contemporânea a qual o artista tem

se submetido nos últimos anos.

Mas ele parece tratar tudo isso com muita personalidade. Conceitos academicos como

equilibrio e unidade, ainda presente na maioria dos artistas da nossa geração,

são completamente ingnorados. A “organizacao” do espaço pictórico de Flauberto

chega a causar um desconforto no olhar. Figuras pesadas são colocadas em cima das

leves, àrvores horizontais pendem das laterais e figuras duras cortam tudo de forma

desconcertante e incômoda.

Sua pintura muda de ritmo como se pintasse ao som de música popular brasileira e rock pesado. Desconheço qualquer artista que tenha traçado para sí próprio uma espécie de cronograma de ação que vai desde o aprimoramento técnico até ações de marketing. Flauberto tem pressa na sua conquista e está sempre se espelhando em estrelas da música popular. Ele almeja galgar rapidamente os degraus que outros artistas jovens nem cogitam.

Quando o interpelo sobre algumas de suas pinturas, Flauberto parece já ter uma resposta para meus questionamentos. Confesso que demoro algum tempo para processar seus resultados, e fico sempre com vontade de dizer , por exemplo, que eu jamais usaria este vermelho ou aquele roxo. A pintura de Flauberto sempre passa do ponto onde eu pararia.

Eu poderia evocar aqui Jean Dubuffet, com seu conceito de Art Brut, ou por outro lado,

recorrer as discurssões dos criticos de arte contemporânea nesses tempos turvos de

multiculturalismo, para tentar compreender o trabalho de Flauberto, mais prefiro permanecer no campo das dúvidas, abertos para os golpes inesperados da pintura deste Flauberto do Cariri.

  

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

     

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

---------------------------------------------------------

Kontakt:

-------------

flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------

www.flickr.com/photos/flaubertoplasticartist/

 

---------------------------------------------------------------------

The first records of Flauberto´s plastic espression starts already

 

in his childhood in Juazeirinho, a poor and small town two halves by the BR-230 motorway, stuck in the scalding and desolate region of Paraiba`s cariri.

 

His unrest behaviour did neither spare the walls of the houses and school, nor the huge doors of the stores, not to mention the schools´ chairs and rooms. It is this remote memory that builds the emotional face for his work today, being the world and life at his reach, it this road that cuts his history by the half.

 

More than consciousness, the object of his art is the obsession with limits. He vindicates his own condition. Flauberto´s works cry for urgency. They vibrante with his own time.

 

Flauberto is living his life and woking with art without a particular self knowledge. His restless thoughts are registered in any kind of material.

 

And with no strict definition, the artist believes that what he does comes from the answers to thes questions: Who am I? Where am I? Where am going to? In this way he captures spontaneous artistic expressions from his innerself transforming them into old and rudimentary paintings.

 

Later, he turns ideas to material, in various languages: painting, object, sculpture, site-specific, photografy, and new medias. And repeat the process all over again.

 

I am an autodidactic artist. My personal life and art flow parallel on to another. About my art have to say that I don´t belong to any art school, my painting is developed in a very personal base. I don´t need and I don´t have any attraction to academics of the art history. My paintings are very open and free. My inspiration comes from darkness. My ideas are materialized spontaneously, i am don´t plan my painting, that means i only need to have the art materials in my hands and than I start to paint what comes in my head at that moment. If I plan my work, I can not make it. I am a compulsive artist, obsessive. In reality I make an artwork, whenever I need to say something. Sometimes I think I take part of the time of the cavern man, spontaneous, primitive, as the ideas come as vocanoes and eartrquake inside myself that have to be expelled and than to be materialized in any kind of art suport. I don´t have a daily timetable in my art, my art does not care about art that way. I am not worried if my work grows or if am included in certain art systems. This kind of decision from critics who decide what is art does not make part of my personal universe. Art as I see, must be free. The artist ought to be free in any circunstance. For me it is important the quality of art, the material quality too. The art has a good message to the society, the message could be good or bad, but it is important that generations after mine could see and admire and also that part of my ideas in my art works.

 

For me the reciprocity and the distance between the public and private world are something questionable.

 

For me the real art and the truly function from art is somethings unknown; my real vision of art is ART IS ATTITUDE. I am not different from the mostly artist, I elaborate my art production alone, the art is something very individual and unilateral. So I have the relation artist and art production. I have no notion of the effect or impact on public after my art production is finished. At my vernissages, through 10 years as artist, I have heard a lot about what the people feel: some people do not understand, some think whatever they want, some understad in a frame of their knowledge. I enjoy and have fun watching the people: I like the public interaction, artist and art, it is like a party for me . I do not support the intellectual side of art.

 

The interaction makes public take part of the creation process of the artist and I like it very much; and it is natural. In reality anyone can be an artist, it dependes on if one develops its art abilities or not.

 

The idea of actuality is my everyday routine. I live the present and my paintings register exactly my life at present, but my artistc know-know and inspiration come from the darkness, I do not ask the present as artist. I know that I have to say and do something that comes from inside myself: So is my art present at the actuality of the world and all its diferences and problems: They come as positive signal to me, the actuality does not bother my creative process. I can not have a daly routine as artist. This would be a torture for me, but I don´t have nothing against. My mind works very fast and spontaneous and that happens in my art process too. My daily project begins with the ideas that come in my mind. This is my first priority, then begin timeless work of putting my ideas on the canvas on as an artists everyday.

 

The artist Flauberto live and work 7 years in Berlin.

Flauberto is one of the outstanding artists of the Brazilian art scene in Germany. His works, which are paintings, photographs and drawings showing a unique style and are in permanent collections in the Brazilian Embassy, and the Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand, and private collections Russia,and Switzerland, Germany and the USA. Moreover, it is taken by the Brazilian media on the main current five visual artists of the State of Paraíba important in Brazil.

The artist presented their works among others in 2003 at the Bienal of Novosibirsk in Russia and an exhibition at the Academy of Arts in Berlin, in 2002, the prize of the museum in Berlin-Dahlem asexcellent artists of the Brazilian art scene Germany.

2002 Exhibition the Brazilian Cultural Institute (ICBRA), but also other exhibitions in Germany and abroad, how to participate as a representative of Brazil in the project, United Buddy Bears" in Berlin, Tokyo, Sydney, Istanbul, Shanghai and Beijing. In 1998 Exhibition gallery in Zurich and Basel. In 1995 workshop in Minneapolis (USA) presented and discussed.

Contact:

Flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

Eine sich aufweitende Kunst -

 

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

 

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

 

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

 

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

 

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

 

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Texto de( Flauberto e Jose Rufino)

 

Text von Flaubero und Jose Rufino

 

flaubertocontato@yahoo.com

     

Os primeiros registros da expressão artística de Flauberto surgem já na infância

em Juazeirinho, uma cidade pequena e pobre cortada ao meio pela Br-230,

encravada na escaldante e desolada região do Cariri paraibano.

A sua inquietude não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio.

É essa memória remota que vai se constituir na carga emocional de seu trabalho atual, quando o mundo e a vida estão ao seu alcance, nessa estrada que corta a sua

história ao meio.

Mais do que consciência, o objeto de sua arte é a obsessão dos limites. Seus trabalhos gritam por urgência, trepidam como o seu próprio tempo, reinvidicando a condição coletiva.

“Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte tenham

caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo

desenvolvi uma forma obsessiva, sistemática e compulsiva de se fazer arte. Nos últimos

dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura,

mas também desenvolvi, projetos como escultura e instalação.

Os temas da minha vida sempre foram também os da minha arte. Sexo, poder,

dinheiro e religião sempre foram elementos pertubadores e condicionadores da minha

existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição à outra ( da vida para a arte) , pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandonei em definitivo os estudos da universidade.

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto e percebo-me como um indivíduo

compulsivo, obsessivo, agonizante o qual retira do escuro a sua própria luz.

Eu procuro responder à perguntas como: Quem sou ? a quem pertenço? ou por que a minha arte reverbera na minha condição e no meu processo criativo?

Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne.

Não consigo parar de observar o meu redor, seja em João Pessoa, Salvador,

Rio de Janeiro, Basel, na Suíça, ou em Berlim, cidades que compõem a minha tragetória de vida.

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio

e suporte. através de técnicas como colagem, foto-montagem, e manipulação digital.

Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparentes quanto os outros suportes que já explorei, e que continuo explorando.

Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer.

Tudo o que eu faço é parte de uma resolução extremamente pessoal.

Quando resolvi incluir a fotografia no meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minha idéias.

Este projeto inicial de fotos que iniciei em 2002, reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos privados pela vida e os meus olhos diante do mundo.

Para a realização deste projeto, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos ou imagens produzidas por outros artistas, em fim, tudo o que eu vou alcançando com o meu olhar carnal. Nos caminhos de ida e volta para casa vou juntando pedaços da vida que mexem com os meus desejos. ”

 

A peversão da cores.

 

Não havia outra saída para Flauberto a não ser a arte. A natureza

reservou para ele uma espécie de peversão das cores. Quando criança seus fins de tarde na cidade de Juazeirinho, Cariri paraibano, eram involutariamente invadidos por uma luminosidade “verde de doer nos olhos”.

Quando caiam a chuvas e a vegetação se enchia rapidamente de folhas, o olhar de Flauberto se perdia na “vermelhidão” dos juazeiros, umbuzeiros e catingueiras.

O olhar de Flauberto é assim; diferente,distorcido e enganoso. Mais que uma questão

de semânticas, as cores para ele sempre foram um desafio, era preciso aprender

não apenas seus nomes, mas também conviver com uma espécie de magia maldosa a qual fazia com que algumas cores, principalmente o verde, desaparecesse de acordo

com o contexto no qual estavam as mesmas inseridas.

Atualmente Flauberto tem um aparente domnio desta situação: as cores parecem estar

codificadas, dominadas para pintar. Ele desenvolveu uma técnica quase mecanizada

onde para cada tinta há um lugar pré-determinado. Mantendo cada uma, uma certa distancia da outra e cada cor é preparada e aplicada de uma só vez, nunca apartir de vários potes ao mesmo tempo.

Conheci a pintura de Flauberto antes mesmo de conhecê-lo ao entrar distraidamente

em uma agência bancária, cujo lugar destinado à exposicoes, sempre me causou

sorrisos no canto da boca. Naquele dia fui desviado com espanto para um conjunto

de grandes pinturas de cores fortes e composições rudimentares.

De perto percebi a imaturidade do artista no preparo das tintas e das telas e fiquei confuso em aceitar aceitar aquilo como arte primitiva ou uma manifestação consciênte e erudita de um jovem artista. Sai dali fazendo associações com o s grafismos de Keith Hering, e com as figuras toscas de A. R. Penk, e com as pinturas infantilizadas de Donald Baechler, sem saber que o então iniciante Flauberto desconhecia totalmente a producao destes artistas.

Os grafismos vigorosos de Flauberto são exercícios de dicotomia, oscilam como uma

dança desengonçada entre uma organização cartesiana, e um caos descontrolado e rudimentar. Variam entre grossas pinceladas de pintor de parede até finos e delicados

traços que se perdem nas composições mais pesadas.

Suas cores vão do artificialismo de um laranja fluorescente de causar náuseas, ao pacifico tons pastéis. Personalidade e pintura alternam-se entre o vibrante e o opaco,

o rude o delicado, o popular e o erudito, o esperto e o ingênuo, o consciênte e o alienado.

As últimas pinturas de Flauberto já revelam uma aproximação com alguns conceitos

apreendidos do turbilhão de imagens da arte contemporânea a qual o artista tem

se submetido nos últimos anos.

Mas ele parece tratar tudo isso com muita personalidade. Conceitos academicos como

equilibrio e unidade, ainda presente na maioria dos artistas da nossa geração,

são completamente ingnorados. A “organizacao” do espaço pictórico de Flauberto

chega a causar um desconforto no olhar. Figuras pesadas são colocadas em cima das

leves, àrvores horizontais pendem das laterais e figuras duras cortam tudo de forma

desconcertante e incômoda.

Sua pintura muda de ritmo como se pintasse ao som de música popular brasileira e rock pesado. Desconheço qualquer artista que tenha traçado para sí próprio uma espécie de cronograma de ação que vai desde o aprimoramento técnico até ações de marketing. Flauberto tem pressa na sua conquista e está sempre se espelhando em estrelas da música popular. Ele almeja galgar rapidamente os degraus que outros artistas jovens nem cogitam.

Quando o interpelo sobre algumas de suas pinturas, Flauberto parece já ter uma resposta para meus questionamentos. Confesso que demoro algum tempo para processar seus resultados, e fico sempre com vontade de dizer , por exemplo, que eu jamais usaria este vermelho ou aquele roxo. A pintura de Flauberto sempre passa do ponto onde eu pararia.

Eu poderia evocar aqui Jean Dubuffet, com seu conceito de Art Brut, ou por outro lado,

recorrer as discurssões dos criticos de arte contemporânea nesses tempos turvos de

multiculturalismo, para tentar compreender o trabalho de Flauberto, mais prefiro permanecer no campo das dúvidas, abertos para os golpes inesperados da pintura deste Flauberto do Cariri.

        

A fotografia de Flauberto

Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte sempre tenham caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo desenvolvi uma forma obesessiva, sistemática e compulsiva de fazer arte. Nos últimos dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura, mas desenvolvi também projetos com escultura e instalação.

Os temas da minha vida sempre foram também os temas da minha arte. Sexo, poder, dinheiro e religião sempre foram elementos perturbadores e condicionadores da minha existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição a outra (da vida para a arte), pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandono em definitivo os estudos na faculdade.

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto-me e percebo-me como um indivíduo compulsivo, obsessivo, agonizante que retira do escuro a sua luz própria. Perguntas como: Quem sou eu?, A quem pertenço? ou Porquê a minha arte? reverberam na minha condição e no meu processo criativo. Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne. Não consigo parar de observar o meu entorno, seja em João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel ou Berlim, cidades que compõem a minha trajetória de vida.

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio e suporte, através de técnicas como colagem, foto-montagem e manipulação digital. Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparente quanto os outros suportes que já explorei e que continuo explorando. Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer. Tudo o que eu faço parte de uma resolução extremamente pessoal. Quando resolvi incluir a fotografia mo meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minhas idéias. Este projeto reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos pela vida e refletem a minha visão de mundo.

Para a realização deste projeto que desenvolvo há pouco mais de quatro anos, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos de outros artistas, imagens produzidas por outros artistas, enfim, tudo o que vou alcançando com o meu olhar. No caminho de ida e volta para casa vou juntando os pedaços da vida que mechem com os meus desejos, transformando-os em novas imagens. Um sentido aleatório norteia as minhas composições fazendo surtir efeitos inesperados, o que me seduz profundamente neste processo. Qualquer forma de expressão anônima ou autoral, pública ou privada me interessam. Durante o processo de manipulação das imagens surge a minha identificação com o resultado.

Flauberto.

 

CURRICULUM / LEBENSLAUF

   

ARTISTA PLÁSTICO AUTODIDATA

 

AUTODIDACT PLASTIC ARTIST

 

AUTODIDACT BILDENDER KÜNSTLER

      

FLAUBERTO

FLAUBERTO

FLAUBERTO

FLAUBERTO

FLAUBERTO

 

NASCEU / BORN / GEBOREN

02. Mai 1967 – Juazeirinho/ Paraíba / Brasil

----------------------------------------------------------

 

Contact Brazil / Kontakt Brasilien

 

Rua Cícero Caldas 236 / B.dos estados / João Pessoa / Pb / Brasil

Cep 58031-040

Tel. (0xx83) 224 3785

 

 Kontaktadresse / Deutschland

C/O GRAFE

Flauberto Q. de Medeiros

Torstrasse 220 / 10115 / Berlin /Mitte

Tel. 0021493028045878

   

E-Mail

flaubertocontato@yahoo.com

flaubertocontato@hotmail.de

 

Galerias / Galerie / Gallery / Internet

 

www.flauberto.de

   

Exposições Individuais

Einzelausstellungen

Solo Exhibition

---------------------------------------------------------------

 

2005 – Pinturas Brazine Berlin Germany

 

2005 – Restrospectiva – 10 anos de desenhos

Galeria Archidy Picado – FUNESC

João Pessoa – PB – Brasil/ Brazil/ Brazilien

 

2004 - Brasilianische Botschaft Berlin- Brazilian Embassy in Berlin

Anlässlich des Benefizkonzerts des Klenke-Quartetts Weimar

Am 25. Mai 2004 Beehrt sich die Brasilianische Botschaft

Bilder von Flauberto Pinturas / Gämalde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2003 - Anlässlich des Nationalfeiertages

Am 9. September 2003 Beehrt sich die Brasilianische Botschaft

Bilder von Flauberto- Exposição do feriado Nacional – Brazil National Holiday. Pinturas / Gämalde / Paintings Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2003 – Brasilianische Künstler in Berlin- Brazilian Artist in Berlin

Preisträger des Forums im Ethnologischen Museum Dahlem

Brasilianische Botschaft – Artistas brasileiros em Berlim.

Flauberto Pinturas / Gämalde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2003 - Mercedes Benz Berlin

Flauberto / Pinturas / Gämalde /Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2002 – Akademie Der Kunst Berlin – Academie of art from Berlin

Flauberto / Pinturas / Gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin – Germany.

 

2002 - Where Does The Sun Come First?

Brasilianische Botschaft – Brazilian Embassy – Embaixada do Brasil

Flauberto Pinturas / gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2001 - Diamantés Surround

Brasilianisches Kulturinstitut in Deutschland / Brazilian´s Institut of Culture in Germany Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2001 - Unbewußt Unterbewußt

Galerie Gert Papke, Bamberg, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

1998 - Eu Flauberto- Ich Flauberto – I Flauberto

Pinacoteca UFPB, Flauberto Pinturas /Gemälde / Paintings

João Pessoa PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1997- Flauberto Pinturas

Núcleo de Arte Contemporânea, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings, João Pessoa PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1997 - Eu Flauberto- Ich Flauberto – I Flauberto

Galerie Aliança Francesa, Flauberto Desenhos / Zeichnung / Drawing

João Pessoa PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1997 - Pichações e Paixões Juazeirinho

Galerie Caixa Econômica, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

João Pessoa PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1995 - Depois Que O Rio Passou

Galerie Aliança Francesa, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

João Pessoa PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

   

Exposições Coletivas

Gruppenausstellunge/Group Exhibition

 

2005- OFF COPA Berlin Germany

 

2004 – United Buddy Bears

Kitzbuehel – Österreich www.united-bears.com

 

2004 – United Buddy Bears

Pequin / China www.united-bears.com

 

2004 – United Buddy Bears

Hong Kong / China www.united-bears.com

 

2003 – United Buddy Bears

Brandenburger – Tor

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2002 – United Buddy Bears

Brandenburger – Tor

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

2000 - Kunst zum Verschenken

Galerie No Ter, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

1999 - Museum Haus Checkpoint Charlie

Weihnachtsversteigerung

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland / Berlin - Germany.

 

1999 – Geração 90

Núcleo de Arte Contemporânea

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Arte Contemporânea da Paraíba

Museu de Arte Assis Chateaubriand

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Canpina Grande - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 – 1.500 Via Pedro II

Centro Cultural São Francisco

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

Kurator / Curador: Fabio Queiroz

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Galerie Gamela 20 anos

Flauberto Pinturas / Gemälde /Paintings

Kuratorin / Curadora: Roseli Garcia

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien /Brazil.

 

1999 - Salão Funjop

Fundação Cultural de João Pessoa

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

João Pessoa - PB /Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Banco de Dados Itaú Cultural

Itaú Cultural, São Paulo

Flauberto Pinturas /Gemälde / Paintings

São Paulo / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1998 - 1ª Revista da Pintura Paraibana

Núcleo de Arte Contemporânea

Kurator / Curador: Cacá Santa Cruz

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1998 - Em Defesa das Águas

Parque Sólon de Lucena

João Pessoa –PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1997 - Arte da Paraíba

Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand

Campina Grande - PB – Brasilien - Brazil.

 

1996 - Apocalipse VII

Centro Cultural São Francisco

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil

  

1996 - Coletiva NAC

 

Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

Campina Grande - PB - Brasilien – Brazil.

 

1996 - Coletiva NAC

Núcleo de Arte Contemporânea da UFPB

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

João Pessoa -PB – Brasilien – Brazil.

 

1996 - Momento Contemporâneo

Sebrae

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1996 - Momento Contemporâneo

Manaira Shopping

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1995 - Arte da Paraíba

Fundação Espaço Cultural da Paraíba

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1995 - COPEART

Galeria Teatro Municipal Severino Cabral

Campina Grande - PB – Brasilien – Brazil.

 

1995 - Extase Up

Galpão Porto do Capim

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1994 - Recentes Pinturas Verdes Pintores

Galerie Caixa Econômica

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1994 - Recentes pinturas Verdes Pintores

Galerie Teatro Municipal Severino Cabral

Campina Grande - PB – Brasilien – Brazil.

Bienal

Biennale

Biennial

 

2003 – Novosibirsk / Rússia / Russland

Bienal / Desenho / Drawing / Zeichnung /

  

Salão de Art / Kunstsalon /Art salon

   

1994 VI - Samap

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil

 

1996 - V Salão / Sesc / Prêmio/ Prize /Preis

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1996 - VII - SAMAP / Prêmio

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1998 - VIII - SAMAP

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

Oficinas de Arte

Workshops

  

2005 – Oficina de desenho exprimental

Ministrante Flauberto, FUNESC, João Pessoa, PB, Brasil

 

1998 - EU

Ministrante Flauberto e Fabiano Gonper João Pessoa, PB Brazil

 

1998 - Pedras de Fogo

Intercâmbio Suíça e Paraíba / Dadi Wirz coordenação João Pessoa PB Brazil

 

1997 - Coisas

Fenart / FUNESC /João Pessoa PB Brazil

 

1996 - Visões do Cabo Branco

FUNESC João Pessoa PB Brazil

 

Bibliografia

Bibliography

Bibliographie

 

Jornal A União 2005

Flauberto abre workshop de desenho experimental

 

Jornal Correio da Paraíba janeiro de 2005

Flauberto abre exposição retrospectiva de desenho

Jornal da Paraíba janeiro de 2005

Flauberto abre exposição retrospectiva de desenho

United Buddy Bears Berlin 2003

Catálogo / www.united-buddy-bears.com

Berlin / Alemanha / Deutschland / Germany

Jornal Correio da Paraíba 04 / 01 / 2003

Paraibano representa o Brasil na Alemanha por ( Bianca Donatangelo ) www.jornalcorreiodaparaiba.com.br

Jornal a União 18 / 07 / 2002

Paraibanos em Berlim (Adriana Crisanto)

www.auniao.jpa.com.br/anteriores/18.07.2002/cultural.html

Neues Deutschland 06 / 08 / 2002

Brasilianische Kunst Zeigt Viel Brisanz, Galerie der Botschaft Zeigt zwei Ausstellungen ( Von Almut Schöter ) redaktion@nd-online.de

Jornal da Paraíba 07 / 08 / 2002

Paraibanos em Berlim ( Andre Cananea )

www.jornaldaparaiba.globo/vida-2-070802.html

18 / 07 /2002 Hannah Abullah

Vielseitig! Brasilianische Zeitgnössische kunst

Die Ausdehnung und Weite des Lands spiegelt sich der kunst Wider

2001 – A arte e os artistas da Paraíba.

Perfis jornalísticos – Elinaldo Rodrigues.

Der tagesspiegel 10 /06 / 2001

Berlin Kultur Seite 28 n°17432 ( DER LANGE VEG NACH MITTE) www.tagesspigel.de

22 / 02 / Bis 07 / 03 / 2001 Ilustrierte stadzaeitung ZITTYN° 5 / 2001 / A 8.500 www.zitty.de Diamantés Surround drei wahlberliner unterschiedlicher herkunft präsentiert das Icbra

08 / 03 / bis 21 / 03 / 2001 Ilustriet ( ZITTY ) stadzaeitung

N° 6 / 2001 Für iedes Bedürfnis Sabiana Maria Van Der linden Flauberto, Ogar Grafe, Ausstellung "Diamantés Surround " in der icbra galeria www.zity.de/kunst

TIP MAGAZIN 22 / 02 /2002

Instituto Cultural Brasileiro em Berlin ( DIAMANTES SURROUND )

ARTERY BERLIN 2001

Brasilianisches Kulturinstitut (Diamantes Surroud ) grenzgänge entre fronteiras Sabina Maria Calligraphy Niederlande, Flauberto Brasilien Malerei/ Painting, Ogar Grafe Deutschland stickrei, fotografia und obejcts mail. artery-berlin@t-online.de

Jornal O Norte 01 /03 / 2001

Paraibano expõe suas obras em importante galeria na Alemanha www.jornaldaparaiba.globo.com/

Jornal Correio da Paraíba 24 / 02 / 2001

Paraibano expõe na Alemanha www.correiodaparaiba.com.br

Frankischertag 23 / 08 / 2000 Bamberg

167 / nummer 193 www.frankischer-tag.de

Brasilien Meets Bamberg maler flauberto der Sandkerwa Zu Gast zur 8 H-aus-stellung Hat Der gallery gert Papke den Brasilianischen Künstler Flauberto Eingelanden

WOCHEN BLATT 23/ 08 / 2000

n° 34 Bamberg der Brasilianische Maler Flauberto zu gast bei der sandkerwa gallery Get Papke www.wochenblatt-bamberg.de

Fankische Nacht 23 / 08 / 2000

Monatsmagazin für Bamberg und gebung N° 160 / 14 Brasilien Meets Bamberg www.fraenkischer-tag.de

Frankischertag 23 / 08/ 2000 Bamberg

167 N° 193 Brasilien Mets Bamberg maler Fauberto www.fraenkischer-tag.de

Jornal a União 03 / 07 / 1999

1 500 VIA PEDRO II Exposição no Centro Cultural São Francisco termina.

Beliner Kunst Kalender 1999

Museu Haus am Checkpoint Charlie Berlin

25° Weihnachtsverdteigerung moderation Detlef gosselek Berlin deutschland

Jornal O Norte 04 / 06 / 1999

Os primeiros registros de Flauberto surgem na infância.

por Celia Leal, João Pessoa PB Brazil

Jornal A União 03 /07 /1999

Seus trabalhos gritam urgências trepidam como seu próprio tempo. Fabio Queiroz, João Pessoa PB Brazil.

jornal o Norte 10 / 12 / 1998

Pintura em revista no NAC Flauberto revelação recente da arte da Paraíba. João Pessoa PB Brazil Caca Santa Cruz.

Jornal O Norte 03 / 12 / 1997

A natureza revelou para ele uma espécie de perversão das cores Jose Rufino,João Pessoa PB Brazil

Jornal a União 16 / 10 / 1997

Flauberto e assim mesmo vai fundo em suas raízes e explode seus sentidos em desenhos e pinturas. Margarete Naponuceno João Pessoa PB Brazil.

Jornal Correio da Paraíba 15 / 01 / 1997

Flauberto abre exposição a partir de hoje no NAC ( Carlos Azevedo ) João Pessoa PB Brazil.

Jornal o Norte 15 / 01 / 1997Telas disformes em mostra no NAC vida registrada em pinturas coloridas e desenhos disformes ( Sheila Raposo) João Pessoa PB Brazil.

Jornal Correio da Paraíba 01 / 12 / 1997

A obra do artista está calcada na infância, o artista e declaradamente infantil

Augusto Magalhães, João Pessoa PB Brazil.

Jornal a União 13 / 12 / 1997

Excertos de corpo e memória o olhar de Flauberto sobre a existência, passa pelos devaneios e surpresas de um curioso menino de Juazeirinho ( Jose Rufino ) João Pessoa PB Brazil.

Jornal o Norte 01 / 11 / 1996

Mostra NAC 96 A nova artes plástica da Paraíba

João Pessoa PB Brazil ( Sheila Raposo )

Jornal A União 17 / 11 / 1995

Flauberto abre hoje na aliança francesa a exposição (depois que o rio passou ) João Pessoa PB Brazil.

Jornal O Norte 01 / 11 /1994

Coletiva na cef tem abstracionismo predominante, Flauberto sua obra e a fusão visual das emoções da infância, com as de hoje ( Ricardo Anísio ) João Pessoa PB Brazil.

Textos

Texts

I am an autodidactic artist. My personal life and art flow paralel one to another. About my art I have to say that I don't belong to any art school, my painting is developed in a very personal base. I don't need and I don't have attraction to any academicism of the art history. I painting are very open and free. My inspiration comes from darkness. My ideas are materialized spontaneously, I can not plan my painting, that means I only need to have the art materials in my hands and than I start to paint what comes in my head at that moment. If I plan my work , I can not make it. I am a compulsive artist, obsessiv. In reality I make an art work, whenever I need to say something. Sometimes I think I take part of the time of the cavern man, spontaneous, primitive, as the ideas come as volcanoes and earthquake inside myself that have to be expelled and than to be materialized in any kind of art support. I do not have a daily timetable in my art, my art does not work that way. I am not worried if my work grows or if I am included in certain art systems. I do not care about art that are in , or is fashionable, or else if certain art galleries decide if this or that kind of art is fashion. I am also not worried whatever the art critics say about my works. This kind of decision from critics who decide art does not make part of my personal universe. Art, as I see, must be free. The artist ought to be free in any circunstance. For me it is important the quality of art, the material quality too, and that the art has a good message to the society, the message could be good or bad, but it is important that generations after mine could see and admire and also that part of my ideas in my art works.

For me the reciprocity and the distance between the public and private world is something questinable. For me the real art and the truly function from art is something unknown; my real vision of art is ART IS ATTITUDE. I am not different from the mostly artist, I elaborate my art production alone, then art is something very individual and unilateral. So I have the relation artist and art production. I have no notion of the effect or impact on public after my art production is finished. At my vernissages, through 15 years as artist, I have heard a lot about what the people feel: some don not understand, some think whatever they want, some understand in a frame of their knowloges. I enjoy and have fun watch the people: I like the public interaction, artist and art, it is like a party for me. I do not support the intelectual side of art. This interaction makes public take part of the creation process of the artist and I like this very much, it is grateful and natural. In reality anyone can be an artist, it depends of if one develops its art habilities or not. And the chance of taking part of a workshop is very good, then it makes art more domocratic. I am sure that a workshop open to public, like the one you are organizing in this project will open the minds of many visitors to the studios, and then they will also feel they are creative and art gives them a chance to open and develop their artistic hability and interact with the resident artists. The idea of actuallity is my everyday routine. I live the present and my paintings register exactly my life at present, but my artistic know-how and inspiration come from the darkness, I do not ask the present as artist. I know I have to say and do something that comes from inside myself . So is my art present at the actuality of the world and all its differences and problems. They come as a positive signal for me, the actuality does not bother my creative process. I can not have a daily routine as artist. This would be a torture for me, but I am not against. My mind works very fast and spontaneous and that happens in my art process too. My daily project begins with the ideas that come in my mind. This is my first priority, then I begin a timeless work of putting my ideas on the canvas on as an artists that changes everyday.

  

FLAUBERTO

wurde 1967 in der kleinen Stadt Juazeirinho, Paraíba geboren. Der Künstler sieht sich ganz bewußt als ein aleatoriches Wesen, das von Geburt an stets den unwiderstehlichen Drang in sich verspürt, eine neue Welt zu entdecken. Er bemüht sich, seinem Innersten spontan und unvermittelt künstlerisch Ausdruck zu verleihen und in rudimentärer, an Höhlenmalerei gemahnenden Art Unruhe, Selbsterkenntnis, Alltagserfahrungen und Erlebnisse künstlerisch zu verarbeiten. Als überzeugter Materialist sieht er Luxus und Elend stofflich und geistig auf ein und der selben Ebene. In seinen Werken spiegelt sich wider, wie sehr ihn Sintfluten und Erdbeben in endlos wiederkehrenden Bildern existentiell bedrängen. Seine extrem ichbezogene Malerei ist spontan und ursprünglich und führt den Betrachter zurück zu den Anfängen der Kunst, zu Ausdrucksweisen der urzeitlichen Menschheit. Seine großformatigen farbigen Gemälde stehen mit ihrer überbordenden Symbolik unzusammenhängend nebeneinander und drücken in ihrer Klarheit und gleichzeitigen Überspanntheit bewußt das Lebensgefühl des Künstlers aus. Flauberto ist vor sechs Jahren nach Berlin übergesiedelt. Unter dem Titel Diamantés Surround widmete ihm das Brasilianische Kulturinstitut in Deutschland ICBRA Berlin eine Einzelausstellung. Er nahm an bedeutenden Gemeinschaftsausstellungen u.a. in Brasilien, USA und Deutschland teil.

  

Gert Papke zur Ausstellung 'Unbewußt & Unterbewußt' in Bamberg 2001:

 

"Die 'Bilder aus dem Unterberwußtsein' visualisieren die Gedanken des Künstlers. Durch Flaubertos starke Ausdruckskraft zeigt sich das Innere seiner Seele. Was wir hier sehen können, sind Emotionen, Leidenschaften in Worten, Zeichen, Schraffuren und Farben auf Leinwand. Flauberto versteht sein Handwerk, seine Werke regen zum Nachdenken an. Auch wenn uns der Ausdruck seiner kulturellen Identität in seinen Bildern anfangs fremd erscheint, können wir die Kraft spüren, die aus diesen Bildern spricht."

   

"Where does the sun come first?" - Zeitgenössische Kunst aus Paraíba, Brasilien

 

Die Kulturabteilung der Brasilianischen Botschaft in Berlin hat es sich zur Aufgabe gemacht, die deutsche Öffentlichkeit an brasilianische Gegenwartskunst heranzuführen, die in ihrer großen Vielfalt die Ausdehnung und Weite des Landes widerspiegelt. Die Ausstellung "Where does the sun com first" präsentiert Werke von Fabiano Gonper, Flauberto, Mário Simões und Murilo Campelo. Diese vier jungen Künstler stammen aus Paraíba, einem im Nordosten Brasiliens gelegenen Bundesstaat - weit entfernt von den großen Kunstmetropolen Rio de Janeiro und São Paulo.

 

Die vier Künstler haben sich im Laufe der neunziger Jahre im zeitgenössischen Kunstbetrieb einen Namen gemacht. Sie waren in Brasilien bei wichtigen Ausstellungen und Workshops vertreten und pflegen einen regen Austausch mit Deutschland, Frankreich und der Schweiz.

 

Flauberto wurde 1967 in der kleinen Stadt Juazeirinho, Paraíba geboren. Der Künstler sieht sich ganz bewußt als ein aleatorisches Wesen, das von Geburt an stetig den unwiderstehlichen Drang in sich verspürt, eine neue Welt zu entdecken. Er bemüht sich, seinem Innersten spontan und unvermittelt künstlerischen Ausdruck zu verleihen und in einer rudimentären, an Höhlenmalerei gemahnenden Art Unruhe, Selbsterkenntnis, Alltagserfahrungen und Erlebnisse künstlerisch zu verarbeiten. Als überzeugter Materialist sieht er Luxus und Elend stofflich und geistig auf ein und der selben Ebene. In seinen Werken spiegelt sich wider, wie sehr ihn Sintfluten und Erdbeben in endlos wiederkehrenden Bildern existentiell bedrängen. Seine extrem ichbezogene Malerei ist spontan und ursprünglich und führt den Betrachter zurück zu den Anfängen der Kunst, zu rudimentären Ausdrucksweisen der urzeitlichen Menschheit. Seine großformatigen farbigen Gemälde stehen mit ihrer überbordenden Symbolik unzusammenhängend nebeneinander und drücken in ihrer Klarheit und gleichzeitigen Überspanntheit bewußt das Lebensgefühl des Künstlers aus. Flauberto ist vor fünf Jahren nach Berlin übergesiedelt. Unter dem Titel "Diamantes Surround" widmete ihm das Brasilianischen Kulturinstitut ICBRA, Berlin, 2001 eine Einzelausstellung. Er nahm an bedeutenden Gemeinschaftsausstellungen u.a. in João Pessoa und in Berlin (Museum am Check Point Charly, Galerie No Tre) teil.

 

Die Ausstellung "Where does the sun come first?" Zeitgenössische Kunst aus Paraíba, Brasilien zeigt Gemälde, Fotografien, Zeichnungen, Graphiken, Installationen und Objekte, mit denen der Betrachter in das künstlerische Schaffen der vier genannten Künstler eingeführt wird. Diese lassen sich in ihrer schöpferischen Arbeit von ihrer Umwelt inspirieren. So setzen sie beispielsweise ihre Erfahrungen in der Berliner U-Bahn, auf der Transamazônica, in einem Schweizer Café oder auf den Straßen von João Pessoa bildnerisch um und beziehen den Betrachter in die Fragen

ein, die sie an die Gegenwart stellen.

 

Maria bonita vira urso em Berlim. Artista paraibano representa o Brasil na capital da Alemanha

[por Bianca Donatangelo]

 

O artista plástico Flauberto Medeiros homenageou a rainha do cangaço do Brasil ao pintar o símbolo de Berlim -um urso- para o projeto United Buddy Bears. "Maria Bonita” representará o Brasil em meio a outros 130 ursos, cada qual pintado por um artista de nacionalidade diferente, e será disposta a partir da metade de junho ao lado de outro grande símbolo da cidade, o Brandenburger Tor. "

Eu queria surpreender, evitar as cores verde, amarelo e azul sem perder o brasileirismo. Nada melhor que um símbolo de nossa cultura, mulher e guerreira”, afirma Flauberto. Convidado por intermédio da Embaixada do Brasil na Alemanha, o artista paraibano forneceu cores fortes ao urso esculpido em tamanho natural, como o vermelho, o rosa-choque e o dourado.

Natural de Juazeirinho (PB), Flauberto pisou em Berlim a primeira vez em 1999 quando, com exclusividade, expôs suas pinturas no Museu Checkpoint Charlie (que, para quem desconhece, é especializado na Guerra Fria e situa-se acerca do portão onde as pessoas tentavam entrar e sair do setor norte-americano, na então ilha capitalista existente dentro da Berlim socialista).

Na ocasião, sob o título "Weihnachts-Versteigerung”, foram também expostas obras de Picasso, Elvira Bach, Joseph Beuys, Max Ernst, Christo, Alberto Giacometi, Keith Haring, Roy Lichtenstein, A. R. Penck, Miró e outros grandes nomes da arte mundial.

No ano seguinte, em agosto de 2000, Flauberto realizou sua primeira exposição individual na Alemanha, trazendo grande repercurssão para a galeria Gert Papke na cidade de Bamberg. Chamada "Unbewusst – Unterbewusst”, ou seja, Consciente e Inconsciente, a mostra obteve um enorme sucesso de público.

O mesmo veio a acontecer mais tarde no Instituto Cultural Brasileiro na Alemanha (ICBRA), onde o artista apresentou pinturas de 1995 a 2000 em uma retrospectiva intitulada "Diamantés Surrounding”.

A fase de portas abertas em que se encontra o artista paraibano desde então será reforçada por mais uma exposição, a ser inaugurada dia 17 de julho na Embaixada do Brasil sob o tema "Onde o sol nasce primeiro?”. Nela, Flauberto Medeiros vai expor sua produção em 2002. Ao seu lado, trabalhos de três conterrâneos: Fabiano Gomper, Murilo Campelo e Mário Simões.DA SECA PARA A FAMA: UMA TRAJETÓRIA DE LUTA E ESFORÇOS

Flauberto Medeiros tem formação autodidata. Os primeiros registros de sua expressão plástica surgiram na infância quando, na ausência de seus pais, montava com lençóis um diminuto palco teatral no quintal de sua casa para, em seguida, apresentar-se aos colegas da pequena e pobre Juazeirinho, uma cidade cortada ao meio pela BR 230, encravada na escaldante e desolada região da Cariri Paraibano, nordeste do Brasil.

Na sua inquietude, Flauberto não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio. "Não tínhamos contato com o mundo exterior, não tínhamos televisão e vivíamos num ambiente de pressão, onde o dinheiro era quase visto como assunto proibido”, conta o artista, "desde meus onze anos, tinha vontade de explodir. Tanto que decidi ir a pé a João Pessoa”.

O impulso adolescente acabou acontecendo com o apoio da mãe e, de Juazeirinho, Flauberto foi para a capital paraibana. Ao longo de vinte anos, perambulou por Salvador, Rio de Janeiro e Basel (Suíça), até chegar a Berlim.

A memória remota constitui a carga emocional do trabalho atual de Flauberto. Em suas pinturas, as palavras e figuras atuam como relances de suas próprias experiências e expectativas. Mais do que consciência, o objeto da sua arte tem a obsessão dos limites, reinvidica sua própria condição no mundo e, como reflexo, a condição coletiva. "Seus trabalhos gritam urgências e trepidam como seu próprio tempo”, disse certa vez seu irmão e amigo Fábio Queiroz, vocalista do grupo de rock Flavio C.

"Sinto-me como um ser de índole aleatória, que busca compulsivamente algo no mundo. Tento arrancar expressões artísticas espontâneas e súbitas de dentro de meu corpo de uma forma rupestre e rudimentar”, fala Flauberto, "com isso procuro ilustrar o espaço da arte com inquietações, auto-conhecimento, experiências do cotidiano e história de vida”, conclui.

De fato, a concepção de vida de Flauberto Medeiros torna sua arte genuinamente brasileira, pois, como o Brasil, engloba de uma só vez o luxo e a pobreza, o material e o espiritual, todas as cores, todas as realidades, o passado, o presente e o futuro.

       

“Where Does The Sun Come First?” “Where Does The Sun Come First?”

  

WHERE DOES THE SUN COME FIRST?

  

“Where Does The Sun Come First?” “Where Does The Sun Come First?” “Where Does The Sun Come First?”Parte inferior do formulário

A mostra “Where Does The Sun Come First?” – Contemporary Art from Paraiba – Brasil apresenta a produção recente desses quatro artistas que surgiram no panorama da arte contemporânea dos anos 90, estando presentes em importantes mostras nacionais, workshops e intercâmbios com Alemanha, Suíça e França.

Flauberto (Juazeirinho PB Brasil 1967) conscientemente sente-se e percebe-se como um ser de índole aleatória que sempre buscou compulsiva

Go to Page with image in the Internet Archive

Title: Die Kunst das menschliche Leben zu verlängern

Creator: Hufeland, Christoph Wilhelm, 1762-1836

Creator: University of Leeds. Library

Publisher: Jena : In der akademische Buchhandlung

Sponsor: Jisc and Wellcome Library

Contributor: University of Leeds Library

Date: 1798

Language: ger

Description: The University of Leeds Library

Later published under title: Makrobiotik, oder Die Kunst das menschliche Leben zu verlängeren

Includes bibliographical references

This material has been provided by The University of Leeds Library. The original may be consulted at The University of Leeds Library

 

If you have questions concerning reproductions, please contact the Contributing Library.

 

Note: The colors, contrast and appearance of these illustrations are unlikely to be true to life. They are derived from scanned images that have been enhanced for machine interpretation and have been altered from their originals.

 

Read/Download from the Internet Archive

 

See all images from this book

See all MHL images published in the same year

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünf

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

Außenwelt unter freiem Himmel.“

Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.

 

Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.

2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen.

     

Eine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Flauberto Bildender Künstler Aus Brasilien

Lebt und arbeitet in Berlin Deutschland

---------------------------------------------------------

Kontakt:

-------------

flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------

www.flickr.com/photos/flaubertoplasticartist/

 

---------------------------------------------------------------------

The first records of Flauberto´s plastic espression starts already

 

in his childhood in Juazeirinho, a poor and small town two halves by the BR-230 motorway, stuck in the scalding and desolate region of Paraiba`s cariri.

 

His unrest behaviour did neither spare the walls of the houses and school, nor the huge doors of the stores, not to mention the schools´ chairs and rooms. It is this remote memory that builds the emotional face for his work today, being the world and life at his reach, it this road that cuts his history by the half.

 

More than consciousness, the object of his art is the obsession with limits. He vindicates his own condition. Flauberto´s works cry for urgency. They vibrante with his own time.

 

Flauberto is living his life and woking with art without a particular self knowledge. His restless thoughts are registered in any kind of material.

 

And with no strict definition, the artist believes that what he does comes from the answers to thes questions: Who am I? Where am I? Where am going to? In this way he captures spontaneous artistic expressions from his innerself transforming them into old and rudimentary paintings.

 

Later, he turns ideas to material, in various languages: painting, object, sculpture, site-specific, photografy, and new medias. And repeat the process all over again.

 

I am an autodidactic artist. My personal life and art flow parallel on to another. About my art have to say that I don´t belong to any art school, my painting is developed in a very personal base. I don´t need and I don´t have any attraction to academics of the art history. My paintings are very open and free. My inspiration comes from darkness. My ideas are materialized spontaneously, i am don´t plan my painting, that means i only need to have the art materials in my hands and than I start to paint what comes in my head at that moment. If I plan my work, I can not make it. I am a compulsive artist, obsessive. In reality I make an artwork, whenever I need to say something. Sometimes I think I take part of the time of the cavern man, spontaneous, primitive, as the ideas come as vocanoes and eartrquake inside myself that have to be expelled and than to be materialized in any kind of art suport. I don´t have a daily timetable in my art, my art does not care about art that way. I am not worried if my work grows or if am included in certain art systems. This kind of decision from critics who decide what is art does not make part of my personal universe. Art as I see, must be free. The artist ought to be free in any circunstance. For me it is important the quality of art, the material quality too. The art has a good message to the society, the message could be good or bad, but it is important that generations after mine could see and admire and also that part of my ideas in my art works.

 

For me the reciprocity and the distance between the public and private world are something questionable.

 

For me the real art and the truly function from art is somethings unknown; my real vision of art is ART IS ATTITUDE. I am not different from the mostly artist, I elaborate my art production alone, the art is something very individual and unilateral. So I have the relation artist and art production. I have no notion of the effect or impact on public after my art production is finished. At my vernissages, through 10 years as artist, I have heard a lot about what the people feel: some people do not understand, some think whatever they want, some understad in a frame of their knowledge. I enjoy and have fun watching the people: I like the public interaction, artist and art, it is like a party for me . I do not support the intellectual side of art.

 

The interaction makes public take part of the creation process of the artist and I like it very much; and it is natural. In reality anyone can be an artist, it dependes on if one develops its art abilities or not.

 

The idea of actuality is my everyday routine. I live the present and my paintings register exactly my life at present, but my artistc know-know and inspiration come from the darkness, I do not ask the present as artist. I know that I have to say and do something that comes from inside myself: So is my art present at the actuality of the world and all its diferences and problems: They come as positive signal to me, the actuality does not bother my creative process. I can not have a daly routine as artist. This would be a torture for me, but I don´t have nothing against. My mind works very fast and spontaneous and that happens in my art process too. My daily project begins with the ideas that come in my mind. This is my first priority, then begin timeless work of putting my ideas on the canvas on as an artists everyday.

 

The artist Flauberto live and work 7 years in Berlin.

Flauberto is one of the outstanding artists of the Brazilian art scene in Germany. His works, which are paintings, photographs and drawings showing a unique style and are in permanent collections in the Brazilian Embassy, and the Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand, and private collections Russia,and Switzerland, Germany and the USA. Moreover, it is taken by the Brazilian media on the main current five visual artists of the State of Paraíba important in Brazil.

The artist presented their works among others in 2003 at the Bienal of Novosibirsk in Russia and an exhibition at the Academy of Arts in Berlin, in 2002, the prize of the museum in Berlin-Dahlem asexcellent artists of the Brazilian art scene Germany.

2002 Exhibition the Brazilian Cultural Institute (ICBRA), but also other exhibitions in Germany and abroad, how to participate as a representative of Brazil in the project, United Buddy Bears" in Berlin, Tokyo, Sydney, Istanbul, Shanghai and Beijing. In 1998 Exhibition gallery in Zurich and Basel. In 1995 workshop in Minneapolis (USA) presented and discussed.

Contact:

Flaubertocontato@yahoo.com

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

Eine sich aufweitende Kunst -

 

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

 

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

 

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

 

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

 

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

 

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Texto de( Flauberto e Jose Rufino)

 

Text von Flaubero und Jose Rufino

 

flaubertocontato@yahoo.com

     

Os primeiros registros da expressão artística de Flauberto surgem já na infância

em Juazeirinho, uma cidade pequena e pobre cortada ao meio pela Br-230,

encravada na escaldante e desolada região do Cariri paraibano.

A sua inquietude não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio.

É essa memória remota que vai se constituir na carga emocional de seu trabalho atual, quando o mundo e a vida estão ao seu alcance, nessa estrada que corta a sua

história ao meio.

Mais do que consciência, o objeto de sua arte é a obsessão dos limites. Seus trabalhos gritam por urgência, trepidam como o seu próprio tempo, reinvidicando a condição coletiva.

“Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte tenham

caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo

desenvolvi uma forma obsessiva, sistemática e compulsiva de se fazer arte. Nos últimos

dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura,

mas também desenvolvi, projetos como escultura e instalação.

Os temas da minha vida sempre foram também os da minha arte. Sexo, poder,

dinheiro e religião sempre foram elementos pertubadores e condicionadores da minha

existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição à outra ( da vida para a arte) , pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandonei em definitivo os estudos da universidade.

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto e percebo-me como um indivíduo

compulsivo, obsessivo, agonizante o qual retira do escuro a sua própria luz.

Eu procuro responder à perguntas como: Quem sou ? a quem pertenço? ou por que a minha arte reverbera na minha condição e no meu processo criativo?

Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne.

Não consigo parar de observar o meu redor, seja em João Pessoa, Salvador,

Rio de Janeiro, Basel, na Suíça, ou em Berlim, cidades que compõem a minha tragetória de vida.

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio

e suporte. através de técnicas como colagem, foto-montagem, e manipulação digital.

Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparentes quanto os outros suportes que já explorei, e que continuo explorando.

Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer.

Tudo o que eu faço é parte de uma resolução extremamente pessoal.

Quando resolvi incluir a fotografia no meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minha idéias.

Este projeto inicial de fotos que iniciei em 2002, reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos privados pela vida e os meus olhos diante do mundo.

Para a realização deste projeto, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos ou imagens produzidas por outros artistas, em fim, tudo o que eu vou alcançando com o meu olhar carnal. Nos caminhos de ida e volta para casa vou juntando pedaços da vida que mexem com os meus desejos. ”

 

A peversão da cores.

 

Não havia outra saída para Flauberto a não ser a arte. A natureza

reservou para ele uma espécie de peversão das cores. Quando criança seus fins de tarde na cidade de Juazeirinho, Cariri paraibano, eram involutariamente invadidos por uma luminosidade “verde de doer nos olhos”.

Quando caiam a chuvas e a vegetação se enchia rapidamente de folhas, o olhar de Flauberto se perdia na “vermelhidão” dos juazeiros, umbuzeiros e catingueiras.

O olhar de Flauberto é assim; diferente,distorcido e enganoso. Mais que uma questão

de semânticas, as cores para ele sempre foram um desafio, era preciso aprender

não apenas seus nomes, mas também conviver com uma espécie de magia maldosa a qual fazia com que algumas cores, principalmente o verde, desaparecesse de acordo

com o contexto no qual estavam as mesmas inseridas.

Atualmente Flauberto tem um aparente domnio desta situação: as cores parecem estar

codificadas, dominadas para pintar. Ele desenvolveu uma técnica quase mecanizada

onde para cada tinta há um lugar pré-determinado. Mantendo cada uma, uma certa distancia da outra e cada cor é preparada e aplicada de uma só vez, nunca apartir de vários potes ao mesmo tempo.

Conheci a pintura de Flauberto antes mesmo de conhecê-lo ao entrar distraidamente

em uma agência bancária, cujo lugar destinado à exposicoes, sempre me causou

sorrisos no canto da boca. Naquele dia fui desviado com espanto para um conjunto

de grandes pinturas de cores fortes e composições rudimentares.

De perto percebi a imaturidade do artista no preparo das tintas e das telas e fiquei confuso em aceitar aceitar aquilo como arte primitiva ou uma manifestação consciênte e erudita de um jovem artista. Sai dali fazendo associações com o s grafismos de Keith Hering, e com as figuras toscas de A. R. Penk, e com as pinturas infantilizadas de Donald Baechler, sem saber que o então iniciante Flauberto desconhecia totalmente a producao destes artistas.

Os grafismos vigorosos de Flauberto são exercícios de dicotomia, oscilam como uma

dança desengonçada entre uma organização cartesiana, e um caos descontrolado e rudimentar. Variam entre grossas pinceladas de pintor de parede até finos e delicados

traços que se perdem nas composições mais pesadas.

Suas cores vão do artificialismo de um laranja fluorescente de causar náuseas, ao pacifico tons pastéis. Personalidade e pintura alternam-se entre o vibrante e o opaco,

o rude o delicado, o popular e o erudito, o esperto e o ingênuo, o consciênte e o alienado.

As últimas pinturas de Flauberto já revelam uma aproximação com alguns conceitos

apreendidos do turbilhão de imagens da arte contemporânea a qual o artista tem

se submetido nos últimos anos.

Mas ele parece tratar tudo isso com muita personalidade. Conceitos academicos como

equilibrio e unidade, ainda presente na maioria dos artistas da nossa geração,

são completamente ingnorados. A “organizacao” do espaço pictórico de Flauberto

chega a causar um desconforto no olhar. Figuras pesadas são colocadas em cima das

leves, àrvores horizontais pendem das laterais e figuras duras cortam tudo de forma

desconcertante e incômoda.

Sua pintura muda de ritmo como se pintasse ao som de música popular brasileira e rock pesado. Desconheço qualquer artista que tenha traçado para sí próprio uma espécie de cronograma de ação que vai desde o aprimoramento técnico até ações de marketing. Flauberto tem pressa na sua conquista e está sempre se espelhando em estrelas da música popular. Ele almeja galgar rapidamente os degraus que outros artistas jovens nem cogitam.

Quando o interpelo sobre algumas de suas pinturas, Flauberto parece já ter uma resposta para meus questionamentos. Confesso que demoro algum tempo para processar seus resultados, e fico sempre com vontade de dizer , por exemplo, que eu jamais usaria este vermelho ou aquele roxo. A pintura de Flauberto sempre passa do ponto onde eu pararia.

Eu poderia evocar aqui Jean Dubuffet, com seu conceito de Art Brut, ou por outro lado,

recorrer as discurssões dos criticos de arte contemporânea nesses tempos turvos de

multiculturalismo, para tentar compreender o trabalho de Flauberto, mais prefiro permanecer no campo das dúvidas, abertos para os golpes inesperados da pintura deste Flauberto do Cariri.

  

Flauberto Artist Photo AEine sich aufweitende Kunst -

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

  

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

 

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird ?

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin- und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Die Perversion der Farben.

 

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

 

Texto de( Flauberto e Jose Rufino)

Text von Flaubero und Jose Rufino

 

flaubertocontato@yahoo.com

www.flauberto.de

   

rt 2005

Danke dank. Tolle Sache. Wollt ich auch schon posten. Ich stell mal hier

das Programm vom Sonntag rein, daß uns am ehesten mit seiner

Ausrichtung auf Bildende Kunst interessieren könnte:

 

Tagungsprogramm Sonntag, 24.06.2012

 

10.00-12.30 Uhr:

 

Design und Freiraum

 

Jörg Stürzebecher (Frankfurt am Main)

 

Moderation: Lena Trüper (Frankfurt am Main)

 

im Anschluss: Diskussion

 

"Trust Your Angst" Kritische Soziologie des Kunstbetriebs

 

Rosa Perutz (Berlin)

 

im Anschluss: Diskussion

 

12.30 Uhr:

 

Mittagessen

 

14.00-17.00 Uhr:

 

Realismus als Form emanzipierter Kunst

 

Moderation: Paul Stephan (Frankfurt am Main)

 

Realismus als Konzept kritischer und emanzipatorischer Kunst

 

Gruppe "free class ffm" (Frankfurt am Main)

 

im Anschluss:

 

Gespräch zwischen free class und Juliane Rebentisch (Frankfurt am Main)

 

Moderation: Paul Stephan (Frankfurt am Main)

 

>

> Vom 22. bis 24. Juni 2012 findet in Frankfurt am Main die Tagung Kunst Erkenntnis Problem.

> Möglichkeiten emanzipatorischer Kunst heute statt. Die Grundfrage der Tagung dreht sich um die

> Möglichkeiten einer progressiven Kunst in der gegenwärtigen gesellschaftlichen Situation und den

> Sinn von Kunst in einer radikalen Emanzipation der Menschen. Es werden theoretische Vorträge,

> theoretische und praktische Workshops, sowie Kunstveranstaltungen verschiedener Art stattfinden.

>

> Beteiligt sind zum großen Teil Gruppen und Personen aus politischen Zusammenhängen, aber auch

> unabhängige Künstler_innen und (nicht nur akademische) Wissenschaftler_innen .

> Weitere Informationen: www.kunst-erkenntnis-problem.de

> Für die Verpflegung ist gesorgt, und auch Schlafplätze können wir voraussichtlich im IvI zur

> Verfügung stellen. Dafür ist jedoch eine formlose Anmeldung der Teilnehmenden dringend

> notwendig, damit wir die benötigten Essensmengen abschätzen und die angemessene Anzahl an

> Essen bereitstellen können. Ihr könnt Euch auf unserer Website www.kunst-erkenntnis-problem.de

> anmelden. Gebt bitte bei der Anmeldung auch an, ob ihr einen Schlafplatz benötigt.

>

> Bei Fragen und zur Anmeldung ist die Tagungsgruppe unter der e-mail Adresse:

> kunsterkenntnisproblem [at] ymail [dot]3 com zu erreichen.

 

* * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * *

* Follow me:

* www.facebook.com/thingfrankfurt

* * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * *

N A M E : Leona, A L T E R : 33, B E R U F : Kunsthinstorikerin,

Kuratorin

 

Na, mein Künstler!

 

Ist dir auch schon so langweilig wie mir? Ich habe einfach die Nase

voll, dass mein Mann nie zu Hause ist und mir meine Bedürfnisse nicht

befriedigen kann. Jetzt bin ich gezwungen mir einen richtigen Künstler

zu suchen, den ich wieder mal so richtig ausstellen kann! Wenn du also

mein Künstler sein willst, egal ob für eine Nacht oder für

Langzeitbeziehungen, ich bin für beides zu haben!

 

Hol dir jetzt einfach einen Zugang für 50 EURO, du findest mich mit dem

Usernamen Leona33-art, ich habe dort meine Heimadresse und meine

Handynummer hinterlassen, melde dich bei mir und besuche mich, oder ich

komme zu dir.

 

kunstnutte.de

 

Schau Dich jetzt auf der grön, deutschsprachigen Kuratorendatenbank

(Deutschland, Osterreich, Schweiz) um, denn hier findest Du die

Ausstellungsmacher, die genau das gleiche suchen wie Du!

 

In unserer Datenbank findest Du mehr als 250,000 Profile kunstgeiler

Schlampen, die es mal wieder symbolisch so richtig besorgt bekommen

wollen, bevor sie endlich schwanger werden.

 

Als Mitglied hast Du die Möchkeit in diesen Profilen zu stören and Dir

den Kurator, der Dir gefällt heraus zu suchen um mit ihm in Kontakt zu

treten.

 

..und entscheide Dich für mich! Mein Username ist Leona33-art

bis dann...

 

Deine akademische LEONA -:)

 

Wenn Du diesen Newsletter nicht mehr erhalten möest, klicke einfach auf

diesen Link:

Flauberto Künstler

 

Curriculum

   

Einzelausstellungen

 

Exposições Individuais

     

2013 „ Wer kontrolliert, was Sie denken“ „Who Controls What You Think” Embassy of Brazil in Berlin 15 years retrospective of art, paintings, photography and drawings.

   

2012 Galeria A livararia Berlim „ Wer kontrolliert, was Sie denken „ „Who Controls What You Think „ five years retrospective of photography.

   

2009 Galeria Syguaraia Berlim „O Bolo do casamento“ "The Wedding Cake". photos and paintings

   

2005 – Restrospectiva – 10 anos de desenhos / Retrospective - 10 years of drawings

 

Galeria Archidy Picado – FUNESC João Pessoa – PB – Brazil

   

2004 - Brasilianische Botschaft Berlin- Brazilian Embassy in Berlin Anlässlich des Benefizkonzerts des Klenke-Quartetts Weimar Am 25. Mai 2004 Beehrt sich die Brasilianische Botschaft Pinturas Berlim - Alemanha

   

2003 - Anlässlich des Nationalfeiertages Am 9. September 2003 Beehrt sich die Brasilianische Botschaft - Exposição do feriado Nacional . Pinturas Berlim - Alemanha

   

2003 – Brasilianische Künstler in Berlin- Brazilian Artist in Berlin Preisträger des Forums im Ethnologischen Museum Dahlem Brasilianische Botschaft – Artistas brasileiros em Berlim.

 

Flauberto Pinturas / Berlim – Alemanha

   

2003 - Mercedes Benz BerlinFlauberto / Pinturas / Gämalde /Paintings

 

Berlim - Alemanha / Berlin - Deutschland

   

2002 – Akademie Der Kunst Berlin – Art Academy Berlin

 

Flauberto / Pinturas / Gemälde / Paintings Berlin - Deutschland / Berlin – Germany.

   

2002 - Where Does The Sun Come First?

 

Brasilianische Botschaft – Brazilian Embassy – Embaixada do Brasil

 

Flauberto Pinturas / gemälde / Paintings Berlim - Alemanha

   

2001 - Diamantés Surround Brasilianisches Kulturinstitut in Deutschland / Brazilian´s Institut of Culture in Germany Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

Berlim - Alemanha

   

2001 - Unbewußt Unterbewußt

 

Galerie Gert Papke, Bamberg, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

Berlim - Alemanha

   

1998 - Eu Flauberto- Ich Flauberto – I Flauberto Pinacoteca UFPB, Flauberto Pinturas /Gemälde / Paintings João Pessoa PB / Brazil.

   

1997- Flauberto Pinturas Núcleo de Arte Contemporânea, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings, João Pessoa PB / Brazil

   

1997 - Eu Flauberto- Ich Flauberto – I Flauberto Galerie Aliança Francesa, Flauberto Desenhos / Zeichnung / Drawing João Pessoa PB Brazil

   

1997 - Pichações e Paixões Juazeirinho Galerie Caixa Econômica, Flauberto Pinturas João Pessoa PB / Brazil

   

1995 - Depois Que O Rio Passou Galerie Aliança Francesa, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings João Pessoa PB / Brazil /

   

Exposições Coletivas / Collective Exhibition

   

2004 – United Buddy Bears

 

Kitzbuehel – Österreich www.united-bears.com

 

2004 – United Buddy BearsPequin / China www.united-bears.com

 

2004 – United Buddy Bears

 

Hong Kong / China www.united-bears.com

 

2003 – United Buddy Bears

 

Brandenburger – Tor

 

Berlim - Alemanha /

 

2002 – United Buddy Bears

 

Brandenburger – Tor

 

Berlim - Alemanha .

 

2000 - Kunst zum Verschenken

 

Galerie No Ter, Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

Berlim - Alemanha /

 

1999 - Museum Haus Checkpoint Charlie

 

Weihnachtsversteigerung

 

Flauberto Pinturas Berlim - Alemanha

 

1999 – Geração 90

 

Núcleo de Arte Contemporânea

 

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Arte Contemporânea da Paraíba

 

Museu de Arte Assis Chateaubriand

 

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

Canpina Grande - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 – 1.500 Via Pedro II

 

Centro Cultural São Francisco

 

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

Kurator / Curador: Fabio Queiroz

 

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Galerie Gamela 20 anos

 

Flauberto Pinturas / Gemälde /Paintings

 

Kuratorin / Curadora: Roseli Garciaoão Pessoa - PB / Brasil

 

1999 - Salão Funjop

 

Fundação Cultural de João Pessoa

 

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

João Pessoa - PB /Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1999 - Banco de Dados Itaú Cultural

 

Itaú Cultural, São Paulo

 

Flauberto Pinturas /Gemälde / Paintings

 

São Paulo / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1998 - 1ª Revista da Pintura Paraibana

 

Núcleo de Arte Contemporânea

 

Kurator / Curador: Cacá Santa Cruz

 

Flauberto Pinturas / Gemälde / Paintings

 

João Pessoa - PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1998 - Em Defesa das Águas

 

Parque Sólon de Lucena

 

João Pessoa –PB / Brasil / Brasilien / Brazil.

 

1997 - Arte da Paraíba

 

Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand

 

Campina Grande - PB – Brasilien - Brazil.

 

1996 - Apocalipse VII

 

Centro Cultural São Francisco

 

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

 

João Pessoa - PB – Brasilien - Brazil

 

1996 - Coletiva NAC

 

Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand

 

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

 

Campina Grande - PB - Brasilien – Brazil.

 

1996 - Coletiva NAC

 

Núcleo de Arte Contemporânea da UFPB

 

Kurator / Curador: Gabriel Bechara

 

João Pessoa PB – Brasilien – Brazil.

 

1996 - Momento Contemporâneo

 

Sebrae

 

João Pessoa - PB – – Brazil.

 

1996 - Momento Contemporâneo

 

Manaira Shopping

 

João Pessoa - PB – – Brazil.

 

1995 - Arte da Paraíba

 

Fundação Espaço Cultural da Paraíba

 

João Pessoa - PB – – Brazil.

 

1995 - COPEART

 

Galeria Teatro Municipal Severino Cabral

 

Campina Grande - PB – – Brazil.

 

1995 - Extase Up

 

Galpão Porto do Capim

 

João Pessoa - PB – – Brazil.

 

1994 - Recentes Pinturas Verdes Pintores

 

Galerie Caixa Econômica

 

João Pessoa - PB – – Brazil.

 

1994 - Recentes pinturas Verdes Pintores

 

Galerie Teatro Municipal Severino Cabral

 

Campina Grande - PB – – Brazil.

   

Bienal

 

2003 – Novosibirsk / Rússia / Russland

 

Bienal / Desenho / Drawing / Zeichnung /

   

Salão de Arte / Art Salon

   

1994 VI - SamapJoão Pessoa - PB – Brasilien – Brazil

 

1996 - V Salão / Sesc / Prêmio/ Prize /Preis

 

João Pessoa - PB – Brasilien – Brazil.

 

1996 - VII - SAMAP / Prêmio

   

Oficinas e Arte / Workshops

   

2005 – Oficina de desenho exprimental

 

Ministrante Flauberto, FUNESC, João Pessoa, PB, Brasil

 

1998 - EU

 

Ministrante Flauberto e Fabiano Gonper João Pessoa, PB Brazil

 

1998 - Pedras de Fogo

 

Intercâmbio Suíça e Paraíba / Dadi Wirz coordenação João Pessoa PB Brazil

   

1997 - Coisas

 

Fenart / FUNESC /João Pessoa PB Brazil

 

1996 - Visões do Cabo Branco

 

FUNESC João Pessoa PB Brazil

   

Bibliografia / Bibliographie

     

2013 www.tagesspiegel.de/kultur/finissage/8847078.html

 

Flauberto: Artworks 1997 bis 2013.

 

2012 - www.tagesspiegel.de/kultur/vernissage/7271356.html

 

2012-http://www.berlinda.org/Kalender/Kalender/Eintrage/2012/11/19_17.11.2012__Tag_der_afro-brasilianischen_Kultur___Naunyn_Ritze_2.html

 

Jornal A União 2005

 

Flauberto abre workshop de desenho experimental

 

Jornal Correio da Paraíba janeiro de 2005

 

Flauberto abre exposição retrospectiva de desenho

 

Jornal da Paraíba janeiro de 2005

 

Flauberto abre exposição retrospectiva de desenho

 

United Buddy Bears Berlin 2003

 

Catálogo / www.united-buddy-bears.com/

 

Berlin / Alemanha / Deutschland / Germany

 

Jornal Correio da Paraíba 04 / 01 / 2003

 

Paraibano representa o Brasil na Alemanha por ( Bianca Donatangelo ) www.jornalcorreiodaparaiba.com.br

 

Jornal a União 18 / 07 / 2002

 

Paraibanos em Berlim (Adriana Crisanto)

 

www.auniao.jpa.com.br/anteriores/18.07.2002/cultural.htm

 

Neues Deutschland 06 / 08 / 2002

 

Brasilianische Kunst Zeigt Viel Brisanz, Galerie der Botschaft Zeigt zwei Ausstellungen ( Von Almut Schöter ) redaktion@nd-online.de

 

Jornal da Paraíba 07 / 08 / 2002

 

Paraibanos em Berlim ( Andre Cananea )

 

www.jornaldaparaiba.globo/vida-2-070802.html

 

18 / 07 /2002 Hannah Abullah

 

Vielseitig! Brasilianische Zeitgnössische kunst

 

Die Ausdehnung und Weite des Lands spiegelt sich der kunst Wider

 

2001 – A arte e os artistas da Paraíba.

 

Perfis jornalísticos – Elinaldo Rodrigues.

 

Der tagesspiegel 10 /06 / 2001

 

Berlin Kultur Seite 28 n°17432 ( DER LANGE VEG NACH MITTE) www.tagesspigel.de

 

22 / 02 / Bis 07 / 03 / 2001 Ilustrierte stadzaeitung ZITTY

 

N° 5 / 2001 / A 8.500 www.zitty.de Diamantés Surround drei wahlberliner unterschiedlicher herkunft präsentiert das Icbra

 

08 / 03 / bis 21 / 03 / 2001 Ilustriet ( ZITTY ) stadzaeitung

 

N° 6 / 2001 Für iedes Bedürfnis Sabiana Maria Van Der linden Flauberto, Ogar Grafe, Ausstellung "Diamantés Surround " in der icbra galeria www.zity.de/kunst

 

TIP MAGAZIN 22 / 02 /2002

 

Instituto Cultural Brasileiro em Berlin ( DIAMANTES SURROUND

 

ARTERY BERLIN 2001

 

Brasilianisches Kulturinstitut (Diamantes Surroud ) grenzgänge entre fronteiras Sabina Maria Calligraphy Niederlande, Flauberto Brasilien Malerei/ Painting, Ogar Grafe Deutschland stickrei, fotografia und obejcts mail. artery-berlin@t-online.de

 

Jornal O Norte 01 /03 / 2001

 

Paraibano expõe suas obras em importante galeria na Alemanha www.jornaldaparaiba.globo.com/

 

Jornal Correio da Paraíba 24 / 02 / 2001

 

Paraibano expõe na Alemanha www.correiodaparaiba.com.br

 

Frankischertag 23 / 08 / 2000 Bamberg

 

167 / nummer 193 www.frankischer-tag.de

 

Brasilien Meets Bamberg maler flauberto der Sandkerwa Zu Gast zur 8 H-aus-stellung Hat Der gallery gert Papke den Brasilianischen Künstler Flauberto Eingelanden

 

WOCHEN BLATT 23/ 08 / 2000

 

n° 34 Bamberg der Brasilianische Maler Flauberto zu gast bei der sandkerwa gallery Get Papke www.wochenblatt-bamberg.de

 

Fankische Nacht 23 / 08 / 2000

 

Monatsmagazin für Bamberg und gebung N° 160 / 14 Brasilien Meets Bamberg www.fraenkischer-tag.de

 

Frankischertag 23 / 08/ 2000 Bamberg

 

167 N° 193 Brasilien Mets Bamberg maler Fauberto www.fraenkischer-tag.de

 

Jornal a União 03 / 07 / 1999

 

1 500 VIA PEDRO II Exposição no Centro Cultural São Francisco

 

Beliner Kunst Kalender 1999

 

Museu Haus am Checkpoint Charlie Berlin

 

25° Weihnachtsverdteigerung moderation Detlef gosselek Berlin deutschland

 

Jornal O Norte 04 / 06 / 1999

 

Os primeiros registros de Flauberto surgem na infância.

 

por Celia Leal, João Pessoa PB Brazil

 

Jornal A União 03 /07 /1999

 

Seus trabalhos gritam urgências trepidam como seu próprio tempo. Fabio Queiroz, João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal o Norte 10 / 12 / 1998

 

Pintura em revista no NAC Flauberto revelação recente da arte da Paraíba. João Pessoa PB Brazil Caca Santa Cruz.

 

Jornal O Norte 03 / 12 / 1997

 

A natureza revelou para ele uma espécie de perversão das cores Jose Rufino,João Pessoa PB Brazil

 

Jornal a União 16 / 10 / 1997

 

Flauberto e assim mesmo vai fundo em suas raízes e explode seus sentidos em desenhos e pinturas. Margarete Naponuceno João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal Correio da Paraíba 15 / 01 / 1997

 

Flauberto abre exposição a partir de hoje no NAC ( Carlos Azevedo ) João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal o Norte 15 / 01 / 1997

 

Telas disformes em mostra no NAC vida registrada em pinturas coloridas e desenhos disformes ( Sheila Raposo) João Pessoa PB Brazil.Jornal Correio da Paraíba 01 / 12 / 1997

 

A obra do artista está calcada na infância, o artista e declaradamente infantil

 

Augusto Magalhães, João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal a União 13 / 12 / 1997

 

Excertos de corpo e memória o olhar de Flauberto sobre a existência, passa pelos devaneios e surpresas de um curioso menino de Juazeirinho ( Jose Rufino ) João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal o Norte 01 / 11 / 1996

 

Mostra NAC 96 A nova artes plástica da Paraíba

 

João Pessoa PB Brazil ( Sheila Raposo )

 

Jornal A União 17 / 11 / 1995

 

Flauberto abre hoje na aliança francesa a exposição (depois que o rio passou ) João Pessoa PB Brazil.

 

Jornal O Norte 01 / 11 /1994

 

Coletiva na cef tem abstracionismo predominante, Flauberto sua obra e a fusão visual das emoções da infância, com as de hoje ( Ricardo Anísio ) João Pessoa PB Brazil.

   

Information about the art of the artist.

   

Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit zehn

 

Jahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungen

 

u.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.

 

„Flauberto findet seine Inspiration in der überfüllten Welt unserer Alltäglichen

 

und aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In den

 

Straßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfach

 

überklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischen

 

Elemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischen

 

Gestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention des

 

Striches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,

 

geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissen

 

Außenwelt unter freiem Himmel.“ Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt. Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“. 2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besproche.

   

Dr:Tiago de Oliveira Pinto

     

Eine sich aufweitende Kunst

 

Oder vielleicht eine Unordnung, die aus dem dunkeln der Rohmaterie seiner Kunst entnommen ist

     

Die ersten Aufzeichnungen des künstlerischen Schaffens von Flauberto stammen aus seiner Kindheit in Juazeirinho, einer kleinen und armen Stadt, die durch die Bundesstrasse BR-230 in der Mitte durchschnitten wird, eingewachsen in der gühenden Hitze in der desolaten Region von Cariri im Bundesstaat Paraiba. Seine Unruhe verschonte nicht die Wände der Häuser, die Mauern des Klassenzimmers, die grossen Türen der Lagerhäuser, die Banken und die Wände der Schule.

 

Es ist dieses weit zurückliegende Gedächtnis, welches sich in der emotionalen Fracht seiner aktuellen Arbeit verfasst, wenn die Welt und das Leben in Reichtweite ist, auf diesem Weg der seine Geschichte in der Mitte zerschneidet.

   

Das Ziel seiner Kunst ist mehr als die Bewusstheit, es ist die Besessenheit an Grenzüberschreitungen. Seine Arbeiten schreien nach Dringlichkeiten, sie beben wie die eigene Zeit und verlangen nach der Kolektivität.

 

“Ich habe ab 1994 angefangen intensiv Kunst zu machen, so dass Leben und Kunst in einem gemeinsamen Weg meinen künstlerischen Prozess begleitet haben. Bei der künstlerischen Tätigkeit habe ich sehr früh eine besessene, systematische und impulsive Form entwickelt . In den letzten 19 Jahren meines Schaffens habe ich mich besonders mit Zeichnungen und Malerei beschäftigt, habe aber auch Projekte mit Skulptur und Instalationen entwickelt. Die Themen meines Lebens waren immer die meines Lebens, wie Sex, Macht, Geld, und Religion, die immer verwirrende und festigende Elemente meiner Existenz waren.

 

Ich wusste nie zu erklären wie sich diese Dinge von einer Form in die andere (im Leben und in der Kunst) wandelten, jedoch bin ich ein autodidaktischer Künstler mit Intension und Selbstbildung. Sehr früh habe ich eine Art von Aversion zum Model der schulischen Bildung entwickelt , als ich das Studium an der Universität verlassen habe.

 

Seit Juazeirinho, die Stadt in der ich geboren bin und gelebt habe, fühle ich mich wie ein impulsives, obzesives und ängstliches Individuum, welches sich aus der Dunkelheit mit seinem eigenen Licht entzieht.

 

Ich will Fragen beantworten: Wer bin ich? zu wem gehöre ich? oder warum meine Kunst in meiner Kondition und meinem kreativen Prozess nachhallen wird

 

Ich und meine Kunst gehören zusammen, von den vorhandenen Händen mit der verzweifelten Lust am Fleisch.

 

Ich schaffe es nicht aufzuhören meinen Umkreis zu observieren, sei es in João Pessoa, Salvador, Rio de Janeiro, Basel, in der Schweiz, oder in Berlin.Städte die die Tragig meines Lebens darstellen.

 

Ab 2002 begann ich einen Prozess zu entwickeln der Fotografie mit Techniken wie Kollage, Foto-Kollage und digitale Manipulation, als Mittel oder Unterstützung aufweist. Ich habe in der Fotogafie ein Mittel gefunden, der persönlichen und pofessionellen Verwirklichung so klar und Transparent wie anderen Unterstützungen die ich schon genutzt habe, und die ich noch nutze. Ich setze in meine Fotografien die Unnachgiebigkeit und die Obzession der Grenzen von meiner Lust. Alles was ich mache ist ein Teil einer extrem persönlichen Entschlossenheit. Als ich mich entschloss die Fotografie in meinen Prozess der Produktion und Kreation einzubinden, machte ich dies, um an eine Objektivität und Tranzperenz des Mittels zu glauben um meine Ideen zu transportieren. Das erste Projekt von Fotos, dass ich 2002 begonnen hatte, versammelt 500 Fotografien die meine privaten Wünsche des Lebens und meine Augen vor der Welt ausdrücken. Um das Projekt zu realisieren, griff ich zum Universum der Informationen, wie Zeitungen, Jornale, Bücher, Fotos und Bilder die von anderen Künstlern gemacht wurden, also letztendlich alles was ich mit meinem lüsternden Blick erreichen konnte. Auf dem Weg der Hin und Rückfahrt nach Hause werde ich Stücke des Lebens gesammelt haben, die meine Wünschen berühren. »

 

Flauberto Artist

     

Die Perversion der Farben.

   

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfeiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen. Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Os primeiros registros da expressão artística de Flauberto surgem já na infância

 

em Juazeirinho, uma cidade pequena e pobre cortada ao meio pela Br-230,

 

encravada na escaldante e desolada região do Cariri paraibano.

 

A sua inquietude não poupava as paredes das casas, os muros do grupo escolar, as imensas portas dos armazéns de estivas, as carteiras e as paredes do colégio.

 

É essa memória remota que vai se constituir na carga emocional de seu trabalho atual, quando o mundo e a vida estão ao seu alcance, nessa estrada que corta a sua

 

história ao meio. Mais do que consciência, o objeto de sua arte é a obsessão dos limites. Seus trabalhos gritam por urgência, trepidam como o seu próprio tempo, reinvidicando a condição coletiva. “Comecei a produzir profissionalmente a partir de 1994, embora a vida e a arte tenham

 

caminhado juntas no desenvolvimento do meu processo artístico. Desde muito cedo

 

desenvolvi uma forma obsessiva, sistemática e compulsiva de se fazer arte. Nos últimos

 

dez anos a minha produção esteve baseada principalmente no desenho e na pintura,

 

mas também desenvolvi, projetos como escultura e instalação.

 

Os temas da minha vida sempre foram também os da minha arte. Sexo, poder,

 

dinheiro e religião sempre foram elementos pertubadores e condicionadores da minha

 

existência. Eu nunca soube explicar como estas coisas se transmutaram de uma condição à outra ( da vida para a arte) , pois sou um artista de intenção e formação autodidatas. Desde muito cedo desenvolvi um tipo de aversão ao modelo de aprendizado escolar, quando abandonei em definitivo os estudos da universidade.

 

Desde Juazeirinho, cidade onde nasci e vivi, sinto e percebo-me como um indivíduo

 

compulsivo, obsessivo, agonizante o qual retira do escuro a sua própria luz.

 

Eu procuro responder à perguntas como: Quem sou ? a quem pertenço? ou por que a minha arte reverbera na minha condição e no meu processo criativo?

 

Eu e minha arte estamos juntos, de mãos dadas com o desesperador prazer da carne.

 

Não consigo parar de observar o meu redor, seja em João Pessoa, Salvador,

 

Rio de Janeiro, Basel, na Suíça, ou em Berlim, cidades que compõem a minha tragetória de vida.

 

A partir de 2002 comecei a desenvolver um processo que tem a fotografia como meio

 

e suporte. através de técnicas como colagem, foto-montagem, e manipulação digital.

 

Encontrei na fotografia um meio de realização pessoal e profissional tão claro e transparentes quanto os outros suportes que já explorei, e que continuo explorando.

 

Coloco nas minhas fotografias a intransigência e a obsessão dos limites do meu prazer.

 

Tudo o que eu faço é parte de uma resolução extremamente pessoal.

 

Quando resolvi incluir a fotografia no meu processo de produção e criação, fiz por acreditar na objetividade e transparência do meio para veicular minha idéias.

 

Este projeto inicial de fotos que iniciei em 2002, reúne quinhentas fotografias que expressam os meus desejos privados pela vida e os meus olhos diante do mundo.

 

Para a realização deste projeto, lanço mão do universo da informação como revistas, jornais, livros, fotos ou imagens produzidas por outros artistas, em fim, tudo o que eu vou alcançando com o meu olhar carnal. Nos caminhos de ida e volta para casa vou juntando pedaços da vida que mexem com os meus desejos. ”

 

Texto: Fabio Queiroz + Flauberto

   

A peversão da cores.

   

Não havia outra saída para Flauberto a não ser a arte. A natureza

 

reservou para ele uma espécie de peversão das cores. Quando criança seus fins de tarde na cidade de Juazeirinho, Cariri paraibano, eram involutariamente invadidos por uma luminosidade “verde de doer nos olhos”.

 

Quando caiam a chuvas e a vegetação se enchia rapidamente de folhas, o olhar de Flauberto se perdia na “vermelhidão” dos juazeiros, umbuzeiros e catingueiras.

 

O olhar de Flauberto é assim; diferente,distorcido e enganoso. Mais que uma questão

 

de semânticas, as cores para ele sempre foram um desafio, era preciso aprender

 

não apenas seus nomes, mas também conviver com uma espécie de magia maldosa a qual fazia com que algumas cores, principalmente o verde, desaparecesse de acordo

 

com o contexto no qual estavam as mesmas inseridas.

 

Atualmente Flauberto tem um aparente domnio desta situação: as cores parecem estar

 

codificadas, dominadas para pintar. Ele desenvolveu uma técnica quase mecanizada

 

onde para cada tinta há um lugar pré-determinado. Mantendo cada uma, uma certa distancia da outra e cada cor é preparada e aplicada de uma só vez, nunca apartir de vários potes ao mesmo tempo.

 

Conheci a pintura de Flauberto antes mesmo de conhecê-lo ao entrar distraidamente

 

em uma agência bancária, cujo lugar destinado à exposicoes, sempre me causou

 

sorrisos no canto da boca. Naquele dia fui desviado com espanto para um conjunto

 

de grandes pinturas de cores fortes e composições rudimentares.

 

De perto percebi a imaturidade do artista no preparo das tintas e das telas e fiquei confuso em aceitar aceitar aquilo como arte primitiva ou uma manifestação consciênte e erudita de um jovem artista. Sai dali fazendo associações com o s grafismos de Keith Hering, e com as figuras toscas de A. R. Penk, e com as pinturas infantilizadas de Donald Baechler, sem saber que o então iniciante Flauberto desconhecia totalmente a producao destes artistas.

 

Os grafismos vigorosos de Flauberto são exercícios de dicotomia, oscilam como uma

 

dança desengonçada entre uma organização cartesiana, e um caos descontrolado e rudimentar. Variam entre grossas pinceladas de pintor de parede até finos e delicados

 

traços que se perdem nas composições mais pesadas.

 

Suas cores vão do artificialismo de um laranja fluorescente de causar náuseas, ao pacifico tons pastéis. Personalidade e pintura alternam-se entre o vibrante e o opaco,

 

o rude o delicado, o popular e o erudito, o esperto e o ingênuo, o consciênte e o alienado.

 

As últimas pinturas de Flauberto já revelam uma aproximação com alguns conceitos

 

apreendidos do turbilhão de imagens da arte contemporânea a qual o artista tem

 

se submetido nos últimos anos.

 

Mas ele parece tratar tudo isso com muita personalidade. Conceitos academicos como

 

equilibrio e unidade, ainda presente na maioria dos artistas da nossa geração,

 

são completamente ingnorados. A “organizacao” do espaço pictórico de Flauberto

 

chega a causar um desconforto no olhar. Figuras pesadas são colocadas em cima das

 

leves, àrvores horizontais pendem das laterais e figuras duras cortam tudo de forma

 

desconcertante e incômoda.

 

Sua pintura muda de ritmo como se pintasse ao som de música popular brasileira e rock pesado. Desconheço qualquer artista que tenha traçado para sí próprio uma espécie de cronograma de ação que vai desde o aprimoramento técnico até ações de marketing. Flauberto tem pressa na sua conquista e está sempre se espelhando em estrelas da música popular. Ele almeja galgar rapidamente os degraus que outros artistas jovens nem cogitam.

 

Quando o interpelo sobre algumas de suas pinturas, Flauberto parece já ter uma resposta para meus questionamentos. Confesso que demoro algum tempo para processar seus resultados, e fico sempre com vontade de dizer , por exemplo, que eu jamais usaria este vermelho ou aquele roxo. A pintura de Flauberto sempre passa do ponto onde eu pararia.

 

Eu poderia evocar aqui Jean Dubuffet, com seu conceito de Art Brut, ou por outro lado,

 

recorrer as discurssões dos criticos de arte contemporânea nesses tempos turvos de

 

multiculturalismo, para tentar compreender o trabalho de Flauberto, mais prefiro permanecer no campo das dúvidas, abertos para os golpes inesperados da pintura deste Flauberto do Cariri.

 

Texto Jose Rufino Artista plastico

     

Finissage 26 / 09 / 2013

     

Ausstellung / Exhibition

   

Künstler - Artist Flauberto

     

Who Controls What You Think

     

Artworks 1997 bis 2013 / Kunstwerke 1997 bis 2013

   

Finissage 26- 09- 2013

 

Open 18 hours to 20 hours

   

Exhibition show September 6 to September 30, 2013

   

Open in embassy visits from 10 to 17 hours

   

Visiting hours a week: Monday to Friday

   

Ausstellung und Show 5. September - 31. September, 2013

 

Zeit in Botschaft Besuche von 10 bis 17 Stunden

 

Besuch Tage von Montag bis Freitag

   

Brasilianische Botschaft in Berlin / Embassy of Brazil in Berlin

 

Adresse:

 

Wallstrasse 57

 

10179 – Berlin

 

cultural.berlim@itamaraty.gov.br

 

Artist Contact. flauberto.world@gmail.com Flauberto ist in der kleinen Stadt Juazeirinhio, Paraiba geboren. Er lebt seit fünfJahren in Berlin und nahm bereits an bedeutenden Gemeinschaftsaustellungenu.a. in Brasilien, USA, Deutschland und de Schweiz teil.„Flauberto findet seine Inspiration in

 

der überfüllten Welt unserer Alltäglichenund aus Wortfetzen bestehenden, von Hektik geprägten Umwelt. In denStraßen der Großstadt, den Korridoren von U-Bahnhöfen oder den tausendfachüberklebten Outdoors an den Häuserwänden finden sich die grafischenElemente seiner Bilder wieder. Die Leinwand scheint den gestalterischenGestus von Flauberto nur vorübergehend festzuhalten, denn die Intention desStriches und der Farbkombinantionen weisen weit aus dem verschlossenen,geordneten Innenleben eines Raumes in die Unbegrenztheit einer ungewissenAußenwelt unter freiem Himmel.“Flauberto“ ist einer der herausragenden Künstler der brasilianischen Kunstszene in Deutschland. Seine Werke, das sind Gemälde, Fotos und Zeichnungen zeigen einen einzigartigen Stil und befinden sich in ständigen Sammlungen der brasilianischen Botschaft, dem „Museu de Arte Contemporânea Assis Chateaubriand“ und Privatsammlungen in Russland, Schweiz, Deutschland und den USA. Außerdem wird er von den brasilianischen Medien zu den wichtigsten fünf aktuellen bildenden Künstlern des Bundesstaates Paraíba in Brasilien gezählt.Der Künstler präsentierte seine Werke unter anderem im Jahr 2003 auf der Bienale von Novosibirsk in Russland und in einer Ausstellung in der Akademie der Künste in Berlin, erhielt im Jahr 2002 den Preis des Museums in Berlin-Dahlem als „ausgezeichneter Künstler der brasilianischen Kunstszene Deutschland“.2002 realisierter er ebenfalls eine Retrospektive in den ehemaligen Räumen des brasilianischen Kulturinstituts (ICBRA) aber auch weitere Ausstellungen in Deutschland und im Ausland, wie die Teilnahme als Repräsentant Brasiliens am Projekt „United-Buddy-Bears“ in Berlin, Tokio, Sidney, Istambul, Shangai und Peking. 1998 wurde er in einer Galerie in Zürich und auch in Basel gehandelt. 1995 wurden seine Werke in einem Workshop in Minneapolis (USA) vorgestellt und besprochen

   

Die Perversion der Farben.

   

Es gab keinen anderen Weg für Flauberto wenn nicht die Kunst. Die Natur hat ihm eine Art der Perversation der Farben bereitgestellt. Als Kind seine Ziele am Abend in Juazeirinho, Paraibanischen Cariri, waren unfreiwilligerweise einfallen durch eine Leuchtende Kraft des “in den Augenen stechenden Grüns”.

 

Als Regen fiel füllte sich die Vegetation mit Blättern, und der Blick Flaubertos verlohr sich im kräftigen Grün des Juazeiro-Baumes, des Umbu-Baumes und des Catinga-Baumes.

 

Der Blick Flaubertos ist so - unterschiedlich, verzerrt und trügerisch. Aber in einer semantischen Frage, waren die Farben für Ihn immer eine Herausforderung, denn er muss nicht nur seine Namen lernen, denn auch mit einer Art bösen Magie leben, die mit einigen Farben, prinzipiell mit Grün, erscheint, die in Zusammenhang mit dem Kontext in welchem die gleichen eingefügt waren hervorstechen.

 

Aktuell hat Flauberto eine Sicht dieser Situation: die Fraben sehen wie kodiert aus, dominiert um zu malen.

 

Er entwickelte eine quasi machanisiert Technik, wo es für jede Farbe einen vorbestimmten Platz gibt. Jede Farbe hält eine bestimmte Distanz zur anderen und jede Farbe ist vorbereitet und nur einmal anwendbar, niemals aber in vielen Töpfen zur gleichen Zeit.

 

Ich lernte die Malerei von Flauberto kennen bevor ich Ihn persönlich kennengelernt habe, als ich an etwas anderes denkend eine Bank betrat, an jenem Platz der für Ausstellungen vorgesehen war, die mir immer ein Lächeln in meinen

 

Mundwinkeln hervorrief. An diesem Tag hielt ich verblüfft vor einer ausgestellten Zusammenstellung an.

 

Vom Nahen stellte ich die Unvollkommenheit in der Vorbeitung der Farben und der Leinwände des Künstlers fest und blieb verwirrt im Akzeptieren der primitiven Kunst oder einer bewussten oder gelehrten Manifestation von einem jungen Künstler.

 

Ich ging heraus mit Assoziationen von Grafiken von Keith Hering, und mit den unbearbeiteten Figuren von A.R. Penk, und mit den infantilen Malereien von Donald Baechler, ohne zu wissen was sozusagen der noch unbekannte Anfänger Flauberto mit der Produktion dieser Künstler gemeinsam hatte.

 

Die vigorosen Grafiken Flaubertos sind Übungen der Dichotomie, schwingen wie ein taumelnder und aus den Fugen tretender Tanz zwischen einer kartesische Organisation und einem unkontrolliertem und rudimentären Kaos.

 

Es sind Variiationen zwischen ausschweifenden Pinselstrichen des Malers bis hin zu den feinen Linien und Strichen die sich in den etwas grosseren Kompositionen verlieren. Seine Farben gehen von der Künstlichkeit von einem fluesziereneden Orange die Übelkeit hervorrufen, bis zu friedlichen Pasteltönen.

 

Persönlichkeit und Malerei wechseln sich zwischen lebhaft und trüb, grob und fein, populär und gelehrt, klever und naiv, bewusst und verwirt ab. Die letzten Malereien von Flauberto zeigen schon eine Annäherung mit einigen Konzepten, die im Wiebelwind von Aufnahmen der zeitgenossischen Kunst gelernt wurden in der der Künstler sich in den letzten Jahren befand.

 

Es scheint aber, dass er alles mit viel Personalität behandelt. Akademische Konzepte wie Gleichgewicht und Einigkeit die bei den meisten Künstlern aus unser Generation noch zu finden sind werden meistens missachtet. Die Organisation von Flaubertos Arbeitsmaterial wirkt in den Augen zu aller erst trostlos. Schwere Figuren werden auf leichte gelegt, senkrechte Bäume schweben aus den Seiten und harte Figuren drängeln sich in außergewöhnlicher und störender Masse durch.

 

Seine Malerei ändert sich als ob er sie aufgrund der brasilianischen Musik und Rock geschaffen hat. Ich selber kenne keinen anderen Maler der für sich selbst eine Art von chronologischen Aktionen, die von der technischen Verbesserung bis hin zu Marketing-Aktionen gehen und sich in Stars der brasilianische Musik hineinversetzt. Er hat sich selbst vorgenommen Sachen zu schaffen, die sich jüngere Maler gar nicht trauen.

 

Wenn ich mit Ihnen über einige seiner Malereien spreche, scheint es als ob er immer schon einen fertige Antwort zu meinen Fragen hat. Ich muss zugeben, dass ich einige Zeit benötige um die Ergebnisse verarbeiten zu können und will meistens auch schon mal sagen z.B. dass ich nie solch ein Rot oder Lila benutzen würde. Seine Malereien überschreiten immer den Punkt bis zu dem ich kommen würde.

 

An diesem Punkt könnte ich Jean Dubuffet mit seinem Art Brut Konzept erwähnen, oder andererseits in diesen wirren Zeiten der Multikulturalität die Diskussionen der Kritiker der modernen Kunst durchgehen, um zu versuchen die Arbeit von Flauberto zu verstehen, aber ich verbleibe lieber auf dem Feld der Zweifel, offen für die unerwarteten Schläge der Malerei von Flauberto aus Cariri

   

Texto Von ( Jose Rufino)

 

Künstler - Artist Flauberto

   

Who Controls What You Think

   

Artworks 1997 bis 2013 / Kunstwerke 1997 bis 2013

   

Finissage 27 /09 / 2013

   

exhibition and show September 6 to September 29, 2013

 

Time in embassy visits from 10 to 17 hours

 

Visiting hours a week: Monday to Friday

   

Ausstellung und Show 6. September - 29. September, 2013

 

Zeit in Botschaft Besuche von 10 bis 17 Stunden

 

Besuch Tage von Montag bis Freitag

   

Brasilianische Botschaft in Berlin / Embassy of Brazil in Berlin

 

Adresse:

 

Wallstrasse 57

 

10179 – Berlin

 

cultural.berlim@itamaraty.gov.br

 

Artist Contact. flauberto.world@gmail.com