ART DECO et MODERNISME à PARIS

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Art Deco was a popular international design movement from 1925 until 1939, affecting the decorative arts such as architecture, interior design, and industrial design, as well as the visual arts such as fashion, painting, the graphic arts, and film. This movement was,in a sense, an amalgam of many different styles and movements of the early 20th century, including Constructivism, Cubism, Modernism, Bauhaus, Art Nouveau, and Futurism. Its popularity peaked in Europe during the Roaring Twenties[1] and continued strongly in the United States through the 1930s.[2] Although many design movements have political or philosophical roots or intentions, Art Deco was purely decorative. At the time, this style was seen as elegant, functional, and ultra modern.
History
After the Universal Exposition of 1900, various French artists formed a formal collective known as, La Société des artistes décorateurs (the society of the decorator artists). Founders included Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, and Emile Decour. These artists heavily influenced the principles of Art Deco as a whole. This society's purpose was to demonstrate French decorative art's leading position and evolution internationally. They organized the 1925 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (International Exposition of Modern Industrial and Decorative Art), which would feature French art and business interests. Russian artist Vadim Meller was awarded a gold medal for his scenic design there.
The initial movement was called Style Moderne.[citation needed] The term Art Deco was derived from the Exposition of 1925, though it was not until the late 1960s that this term was coined by art historian Bevis Hillier, and popularized by his 1968 book Art Deco of the 20s and 30s.[citation needed] In the summer of 1969, Hillier conceived organizing an exhibition called Art Deco at the Minneapolis Institute of Arts, which took place from July to September 1971. After this event, interest in Art Deco peaked with the publication of Hillier's 1971 book The World of Art Deco, a record of the exhibition.
Sources and attributes
The structure of art deco is based on mathematical geometric shapes. It was widely considered to be an eclectic form of elegant and stylish modernism, being influenced by a variety of sources. Among them were the, so called, "primitive" arts of Africa, Ancient Egypt, and Aztec Mexico, as well as Machine Age or streamline technology such as modern aviation, electric lighting, the radio, the ocean liner and the skyscraper. These design influences were expressed in fractionated, crystalline, faceted forms of decorative Cubism and Futurism, in Fauvism's palette. Other popular themes in art deco were trapezoidal, zigzagged, geometric, and jumbled shapes, which can be seen in many early pieces. Two great examples of these themes and styles are in Detroit, Michigan: the Fisher Building and the Guardian Building.
Corresponding to these influences, Art Deco is characterized by use of materials such as aluminium, stainless steel, lacquer, inlaid wood, sharkskin (shagreen), and zebraskin. The bold use of stepped forms and sweeping curves (unlike the sinuous, natural curves of the Art Nouveau), chevron patterns, and the sunburst motif are typical of Art Deco. Some of these motifs were ubiquitous — for example, sunburst motifs were used in such varied contexts as ladies' shoes, radiator grilles, the auditorium of the Radio City Music Hall, and the spire of the Chrysler Building.
Art Deco was an opulent style, and its lavishness is attributed to reaction to the forced austerity imposed by World War I. Its rich, festive character fitted it for "modern" contexts, including the Golden Gate Bridge, interiors of cinema theaters (a prime example being the Paramount Theater in Oakland, California) and ocean liners such as the Île de France, the Queen Mary, and Normandie. Art Deco was employed extensively throughout America's train stations in the 1930s[5], designed to reflect the modernity and efficiency of the train. The first Art Deco train station in the United States was the Union Station in Omaha, Nebraska.The unveiling of Streamline trains paralleled the construction of the Art Deco stations.
A parallel movement called Streamline Moderne, or simply Streamline, followed close behind. Streamline was influenced by the modern aerodynamic designs emerging from advancing technologies in aviation, ballistics, and other fields requiring high velocity. The attractive shapes resulting from scientifically applied aerodynamic principles were enthusiastically adopted within Art Deco, applying streamlining techniques to other useful objects in everyday life, such as the automobile. Although the Chrysler Airflow design of 1933 was commercially unsuccessful, it provided the lead for more conservatively designed pseudo-streamlined vehicles. These "streamlined" forms began to be used even for mundane and static objects such as pencil sharpeners and refrigerators.
The Art Deco style celebrates the Machine Age through explicit use of man-made materials (particularly glass and stainless steel), symmetry, repetition, modified by Asian influences such as the use of silks and Middle Eastern designs. It was strongly adopted in the United States during the Great Depression for its practicality and simplicity, while still portraying a reminder of better times and the "American Dream".
Decorative arts
Among the decorative arts during this period, architecture and sculpture are easier to recognize than other forms of Art Deco, for they experienced the greatest popularity and with greater longevity than others, such as lacquering, glass work, and industrial design. Popular sculptors include (in alphetical order): Rene Paul Chambellan, Marshall Fredericks, C. Paul Jennewein, and Joseph Kiselewski. Lee Lawrie, Paul Manship.
Architects of this time include Albert Anis, Ernest Cormier, Banister Flight Fletcher, Bruce Goff, Charles Holden, Raymond Hood, Ely Jacques Kahn, Edwin Lutyens, William van Alen, Wirt C. Rowland, Giles Gilbert Scott, Joseph Sunlight, Ralph Walker, Thomas Wallis, and Owen Williams.
Other forms of decorative art were very focused on elegance, dynamic design, and bright colours, while expressing practical modernity. Many popular interior designers of this period were also furniture designers. Artists like Santiago Martinez Delgado, Tamara de Lempicka, Eileen Gray, Jules Leleu, and Émile-Jacques Ruhlmann all fit into this category.
A select few industrial designers were extremely popular, such as Walter Dorwin Teague, Maurice Ascalon, and Donald Deskey. Other notable artists were Georg Jensen (silversmith), Jean Dunand (lacquer), Edgar Brandt (wrought iron), Harry Clarke (stained glass) and Cartier (clocks and jewelry).
Decline
Art Deco slowly lost patronage in the West after reaching mass production, when it began to be derided as gaudy and presenting a false image of luxury. Eventually, the style was cut short by the austerities of World War II. In colonial countries such as India and the Philippines, it became a gateway for Modernism and continued to be used well into the 1960s. Before destruction in World War II, Manila demonstrated many Art Deco buildings; a symbol of the American colonial past. Theatres and Office Buildings have been lost in the war and recently demolished and abandoned for new development. A resurgence of interest in Art Deco came with graphic design in the 1980s, where its association with film noir and 1930s glamour led to its use in ads for jewelry and fashion. South Beach in Miami Beach, Florida has the largest collection of Art Deco architecture remaining in North America, as well as a section of Tulsa, Oklahoma. Napier, New Zealand has an almost entirely Art Deco town centre, rebuilt after a devastating earthquake, and mostly left unchanged since then.
Appropriate to the rich diversity of sources, some of the finest surviving examples of Art Deco art and architecture are found in Cuba, especially in Havana. Just as the 1950s automobiles from the U.S. have been preserved and restored, so has the Office of the Historian of Havana been restoring these buildings for the past ten years. The Bacardi Building is the best known of these; however, the style is found throughout all the districts of the city of Havana and in all the cities of Cuba. The style is expressed in the architecture of residences, businesses, hotels, and many pieces of decorative art, furniture, and utensils in these public buildings, as well as in private homes.
Another country with many examples of rich Art Deco architecture is Brazil, in cities like Cipó (Bahia), Iraí (Rio Grande do Sul) or even Rio de Janeiro, especially in Copacabana. The reason for the style being so widespread in Brazil is the coincidence with the quick growth and radical economic changes in the country during 1930-1940.
Art Deco in 1930s house design in the UK
Dwelling house design during the 1930s in the UK was also very much influenced by Art Deco. Straight white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds, Egyptian motifs, tall windows as well as convex curved metal corner windows or even round bull's eye windows (reminiscent of ocean liner design), all were characteristic of that period.
However, due to the double-glazing transformations during the last thirty years or so in the UK, many of the original Art Deco window features have been lost and replaced by much more undefined styles.
The 1930s were and remain the point at which the greatest construction of homes built specifically for sale took place in the UK. In spite of some classic art deco features being lost during remodelling in subsequent decades, the sheer proliferation of houses which remain from the period mean many fine examples of art deco housing can still be viewed.
Of particular note in the typical "1930s semi" are sunrise symbol motif doors, garden gates and garages as well as the infamous suntrap window (featuring a distinct one sided curve) and the linear form of the famous "critall" window. Inside such homes, features such as monochrome wall and floor tiling and bakelite door knobs in simple geometric designs, sometimes with deco flourished finger plates or escutcheons.
Fine examples of luxurious art deco homes now exist withing the framework of organisations such as English Heritage or The National Trust in the UK. Both organisation seek to maintain and restore historic homes and have a programme of payed public access. A particularly beautiful example is Eltham Palace, built in 1936 by Stephen and Virginia Courtauld, close to the ruins of Henry VIII's boyhood home in London. It features a large, circular reception room with a glass roof, beautifully impressive bath, bed and dining rooms and all of the original furnishings and features, including a house wide radio system and an arterial vacuum cleaning system.
[edit] Modern applications
Although Art Deco fell out of vogue in the 1940s, it has had small rebirths over subsequent decades. Its designs frequently appear in modern architecture, entertainment, and media when a "classic retro" look is sought. In media, such examples are obvious in Batman: The Animated Series from the early 1990s in which the show's creators used Art Deco styling fused with a deliberate darkness to create an Art Deco variant style often referred to as Dark Deco. Films such as Sky Captain and the World of Tomorrow, Dick Tracy, and King Kong have various Art Deco elements as well. In Marilyn Manson's The Golden Age of Grotesque, he demonstrates an Art Deco style mixed with his Gothic trademark.
In Long Beach, California, much of the recent city development has been presented in an Art Deco-like, postmodern style. Similarly, Downtown Disney in Anaheim, California has an Art Deco-themed section. A section of the planned community of Ladera Ranch, California, has a shopping center themed to Art Deco.
Similarly in Santa Ana, California, new development has looked to replicate and complement the historical Art Deco structures already there.
In Singapore, the Parkview Square building , completed in 2002, is built in an Art Deco style and includes an Art Deco styled lobby.
Art Deco can also be seen in the graphic design of various video games, such as BioShock and the Fallout series, which use it to give their high tech settings a retro-futuristic feel. The film noir-type adventure game Grim Fandango largely takes place in a very pronounced Art Deco environment, and the strategy game Sim City 4 has similar influences as well.
Shanghai had a distinct Art Deco style. Today, some Shanghainese are attempting to save that architecture.


De 1920 à 1939, et en réaction à l'Art nouveau d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent surtout dans l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d'arts plastiques.
Le style Art déco tire son nom de l'Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes qui se tint à Paris en 1925.
1918 : fin de la Première Guerre mondiale, un monde était mort, une société très différente surgissait des décombres.
La France sort de quatre ans de cauchemars, de tranchées, et entend rattraper le temps perdu. La société a subi en quatre ans de conflits, des changements radicaux et irrémédiables. L’ordre bourgeois établi bascule, des fortunes colossales se sont établies pendant la guerre.
* Les découvertes
La relativité avec Albert Einstein, l’aviation intercontinentale avec Charles Lindbergh et Jean Mermoz, l’automobile, le téléphone, etc.
* Littérature
Jean Cocteau, André Breton et le surréalisme.
* Psychanalyse
Freud, qui découvre l'hystérie, auprès du Docteur Charcot (neurologue français), et se met en quête de ce qui deviendra la psychanalyse.
Le contexte artistique
Plusieurs événements artistiques ont provoqué des changements majeurs dans les arts décoratifs et particulièrement le mobilier.
* Les ballets russes de Serge Diaghilev
Mêlant danse, musique, peinture, au faste oriental, costumes de Lev Bakst, rideau de scène et décor de Picasso, de Derain, de Delaunay et encore bien d'autres, donnent le goût pour le côté « mille et une nuits », du luxe et de l’exotisme. D’où la mode des éventails des plumes, des jets d’eau, des couleurs vives. Les couleurs insolites vont s’imposer dans le décor du mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir. Vaslav Nijinsky en était le meilleur danseur, mais aussi le plus adulé, notamment pour ses interprétations du faune et du spectre de la rose.
* Le cubisme
Le cubisme se constitue autour de Braque et de Pablo Picasso. Le cubisme est né d'après Paul Cézanne qui théorise : « la nature peut se traiter par le cylindre, la sphère, le cône ». Picasso ira encore plus loin en reproduisant toutes les faces de l’objet sur un même plan. Ex : Les Demoiselles d'Avignon.
* Le fauvisme
La couleur l’emporte sur la forme et ne joue plus un rôle descriptif, mais l’emporte par son audace. Tons purs, couleurs primaires. La première œuvre fauve que l'on connaisse s'appelle le Talisman.
L’architecture fonctionnelle
La tour de brassage du Musée français de la brasserie de Saint-Nicolas-de-Port, est un bel exemple de l’architecture industrielle Art déco.
La tour de brassage du Musée français de la brasserie de Saint-Nicolas-de-Port, est un bel exemple de l’architecture industrielle Art déco.
Le béton armé devient d’utilisation courante. Il se prête à toutes les formes. Les architectes s’insurgent contre l’éclectisme. Ils revendiquent la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle. L’architecture fonctionnelle revendique que la forme exprime la fonction du bâtiment, sans ornements superflus. L’architecte Adolf Loos écrira « Ornement et crime ». À Lyon, Tony Garnier construit : le stade Gerland, la grande halle, mais aussi l’hôpital Édouard-Herriot et le quartier des États-Unis. En 1919 Walter Gropius crée une école appelé le Bauhaus, école d'art pluridisciplinaire ayant pour slogan : "Art et technique une nouvelle unité", cette école fait partie des avants gardes artistiques des années 20 avec entre autres le groupe hollandais De Stijl qui influença par la suite le Bauhaus dès l'arrivée à la direction de Theo van Doesburg.
Remarque : Charles-Édouard Jeanneret, dit Le Corbusier ira encore plus loin avec le pavillon de l’Esprit Nouveau, lors de l’exposition de 1925. Mais on le cache derrière des palissades. Il deviendra néanmoins une construction phare du mouvement moderne. Le Corbusier sera par la suite le grand théoricien de cette architecture fonctionnelle. Plus tard, il organisera le CIAM (Congrès International de l'Architecture Moderne), et en ressortira la Charte d'Athènes.
Caractéristiques
Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient exemple sur la nature, autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et essentiellement géométriques. La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaitre progressivement au profit de l'angle droit, notamment avec le courant De Stijl. Ce fut une véritable mais brève explosion artistique concernant de nombreuses disciplines artistiques :
* architecture : Chrysler Building (New York). Tony Garnier, Auguste Bluysen, Charles-Édouard Jeanneret (Le Corbusier) et son frère, Robert Mallet-Stevens.
* design : aménagement intérieur de l'Aubette (Strasbourg). Ludwig Mies van der Rohe. Amédée Ozenfant.
* cinéma : L'Inhumaine de Marcel L'Herbier avec des décors de Robert Mallet-Stevens.
* peinture : Tamara de Lempicka.
La période Art déco est directement liée à la garçonne, terme désignant l'émancipation de la femme et instaurant la femme au-dessus de l'homme, dans les années 1920. Le mot vient du roman du même nom écrit par Victor Margueritte. Les plus belles représentations de la garçonne sont Suzanne Lenglen (tennis), Louise Brooks (cinéma), Tamara de Lempicka (peinture) ou encore Joséphine Baker (danseuse noire)…
Après une période faste durant les années 1920, le courant s'essouffle peu à peu vers la fin des années 1930, progressivement remplacé par l'influence grandissante du Bauhaus et plus généralement du Style international qui accompliront le rêve des artistes de l’Art déco : la production en série. Et c'est ainsi que naquit les prémices de la société de consommation que nous connaissons, le beau à moindre prix.
Art déco designer Maurice Ascalon 1939-1950.
Art déco designer Maurice Ascalon 1939-1950.
L'un des thèmes en architecture était d'utiliser les formes des objets quotidiennement utilisés par le propriétaire du bâtiment afin d'expliquer la fonction de ce dernier, mais le concept fut étendu. Ainsi, le toit du Chrysler Building évoque les pare-chocs des voitures de la marque. Ce concept atteint son paroxysme avec le style California Crazy où l'objet surdimensionné est un élément ou le bâtiment entier.
Le style Art déco ou style 1925 - 1939
Le mot "Art déco" est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris en 1925.
En effet, la réaction contre l’Art nouveau apparait dès 1910 en France, et encore plus tôt à l’étranger comme en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, ... On qualifie les formes Art nouveau de "molles" ou encore de "style nouille". On s’oriente par réaction vers des lignes simples, des formes droites, inspirées par la peinture cubiste et l’architecture aux structures orthogonales de béton armé.
Deux tendances très différentes coexistent :
* La tendance traditionnelle : c’est le style "ART DECO", pour une élite fortunée.
* La tendance moderne, fonctionnelle : c’est le début du design, recherchant une production industrielle, pour une clientèle de masse.
Style Art déco, tendance traditionaliste
Luxe et perfection
Le mobilier Art déco est l’œuvre d’artistes décorateurs pour des commandes de la part d’une clientèle riche, ayant soif de nouveauté, tout en restant conformiste. Ce sont des meubles réalisés en ébénisterie qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont donc des pièces uniques.
Formes
Les formes restent classiques, avec parfois des rappels aux styles antérieurs : Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe. Mais l’art cubiste va pousser à une simplification des formes.
Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs, ou arrondis, ou à pans coupés. Le cercle et l’octogone sont également appréciés.
Les meubles sont souvent supportés par des socles.
La mouluration est rare.
Deux écoles « révolutionnaires »
Le Bauhaus
En 1919 ouvrit en Allemagne un centre de formation esthétique connu sous le nom de Bauhaus. Sous la direction de Walter Gropius, il devint l'un des plus influents de ce siècle, et fut actif jusqu'en 1933. Son seul but était de former des artistes à travailler pour l'industrie, et même si l'on a parfois exagéré son influence, le Bauhaus imprima sa marque sur le design du vingtième siècle. À partir de matériaux industriels modernes réduits à leur forme la plus élémentaire et dénués de tout ornement, les créateurs du Bauhaus tentaient de créer des produits débarrassés de toutes références historiques. Cet objectif n'était pas toujours atteint. La célèbre chaise Wassily de Marcel Breuer présente nombre des caractéristiques associées "au style Bauhaus" : en acier tubulaire, de forme géométrique dépouillée, elle doit sa construction au talent de l'artisan et de la machine. Le plus grand succès du Bauhaus fut ses méthodes d'enseignement, qui furent copiées sur toute la planète. Gropius attira des artistes célèbres, comme Wassily Kandinsky, Josef Albers et Paul Klee, et des architectes reconnus comme Marcel Breuer
Le VKhUTEMAS
École de design d'avant-garde qui ouvrit à Moscou en 1920. Son nom était le sigle des ateliers techniques d'état comme le Bauhaus, le but de l'école était de former des artistes à l'industrie. Elle partageait les caractéristiques de l'école allemande, Wassily Kandinsky et El Lissitzky participaient aux deux organisations. Alexandre Rodtchenko, dessina des meubles pour le cercle des travailleurs à l'exposition de Paris de 1925. Cependant aucun des prototypes de meubles créés par cette école, ne devint une réalité industrielle.
Décoration et textile
Si la ligne est épurée, le mobilier affiche une décoration soignée et souvent luxueuse.
La sculpture est très méplate. Elle utilise un répertoire géométrique, floral ou animal, très stylisé, géométrisé. La rose est très présente en bouquet, en corbeille, en guirlande.
Le traitement de surface : dorure, laque.
La marqueterie et l’incrustation de filets, de plaquettes en ivoire (art nègre) de nacre ou de métal (argent, cuivre, laiton, aluminium).
La coloration de certains bois tel l’érable, teinté en rouge, bleu, vert ou gris (goût de la polychromie né des ballets russes).
Les figures sont stylisées, les motifs régulièrement répétés. Le tissu sature souvent les intérieurs de rythmes saccadés et vifs qui rappellent ceux de la musique légère de l’époque. Tous les motifs et influences déjà cités se répètent avec une constance qui contribue, certes, à l’unité du style, mais finit aussi par rendre les intérieurs étouffants.
Le Corbusier et les modernistes prêchent quant à eux, "la loi du Ripolin" : le retour au simple mur blanc, qui s’imposera progressivement.
Matériaux et techniques
Les bâtis sont le plus souvent en chêne. Les structures moulurées ou plaquées utilisent l’acajou, le palissandre, le thuya, l’amarante, le citronnier… Contrastes de bois clairs (citronnier) et de bois foncés (amarante), de couleurs et de matières.
Principaux créateurs
Jean Dunand, dinandier d'exception tout autant que maître de l'art du laque, crée des vases de toutes formes, des panneaux décoratifs, des paravents, des meubles, des bijoux, des accessoires de mode.
L’homme de l’époque, c’est Jacques-Émile Ruhlmann. Il travaille sur commande, pour une élite fortunée. Il s’inspire du passé mais étire les lignes, fusèle les formes et crée des décors savants. Il utilise des bois rares et dessine avec une précision inouïe chaque détail pour que l’exécution (par les artisans) soit parfaite.
Pierre Legrain, Pierre Chareau, également marqués par l’influence de l’art nègre et du cubisme, créent des meubles aux lignes strictes. Néanmoins ces meubles ne sont pas pour une fabrication en série, mais pour une clientèle d’exception. Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.
Esprit et variété des meubles
Les sièges sont souvent d’inspiration Directoire ou Restauration. Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes. Le bois est peu apparent et souvent dissimulé par un recouvrement de cuir ou de textile.
Le cosy-corner, création de l’époque, fait fureur. C’est un divan d’angle, encastré dans une boiserie avec diverses étagères.
Les commodes et meubles d’appui ont une façade très souvent galbée, voire ventrue.
Les tables sont soit rondes, ovales, rectangulaires avec les angles cassés. Les coiffeuses et bureaux de dames sont particulièrement raffinés.
On retiendra que le style Art déco fut celui d’une clientèle restreinte et fortunée. Il a hésité entre esthétique nouvelle (sous l’influence du cubisme, du fauvisme et de l’art nègre) et tradition dans l’inspiration des styles du passé, dans l’ornementation.
Dernier témoin d’une longue tradition française, il sombrera dès 1939 avec Hitler et le nazisme.
Pendant que les traditionalistes de l’Art déco font recette auprès de la bourgeoisie et des artistes en vogue, quelques ateliers méconnus, tenus à l’écart, s’intéressent à la production en série de meubles bon marché : les fonctionnalistes, prophètes du "style contemporain", jetteront les bases du design en s'éloignant de l'esthétique artisanale pour se laisser gagner par l'esthétique industrielle. Dès 1917, un groupe de peintres, d'architectes, de designers et de philosophes hollandais créèrent un collectif baptisé De Stijl, le style. S'éloignant des formes naturelles de l'architecture et du design, le groupe De Stijl tenta de créer un langage visuel capable d'exprimer une nouvelle esthétique industrielle en utilisant une palette réduite et en se limitant à des droites.



Le Mouvement moderne ou encore l’Architecture moderne est un courant de l’architecture apparu dans la première moitié du XXe siècle avec le mouvement du Bauhaus, caractérisé par un retour au décor minimal, aux lignes géométriques et fonctionnelles et la subordination des formes à l'emploi de techniques nouvelles. Il s'est développé notamment par les architectes Walter Gropius, Adolf Loos, Auguste Perret, Ludwig Mies van der Rohe, Oscar Niemeyer et Le Corbusier.
Ce mouvement influença durablement la pensée architecturale et marqua l’ensemble du siècle. Si les critères exacts de ce style restent encore ouverts et sujets à débat chez ses contempteurs, on les trouve assez bien définis chez ses détracteurs comme Peter Blake dans Form follows fiasco.
Certains historiens voient l’évolution de l’Architecture moderne comme un fait social, lié au projet de modernité et donc proche des Lumières. Ce serait l’aboutissement des révolutions sociales et politiques.

D’autres voient le Mouvement moderne comme résultante du développement technique tant il est vrai que les possibilités des nouveaux matériaux comme le fer, l’acier, le béton et le verre ont conduit à l’invention de nouvelles techniques de construction contribuant à la révolution industrielle.
Le Crystal Palace de Joseph Paxton lors de la grande exposition de 1851 fut un exemple précoce de la construction de fer et de verre. Sans doute le meilleur exemple est le développement des gratte-ciel à structure en acier à Chicago construits par William Le Baron Jenney et Louis Sullivan en 1890. Les premières structures à employer le béton comme expression architecturale (et non seulement comme structure utilitaire cachée) sont l’Unity Temple de Frank Lloyd Wright construit en 1906 près de Chicago, et le Goetheanum de Rudolf Steiner construit près de Bâle en 1926.
D’autres historiens voient encore l’Architecture moderne comme une recherche esthétique, en réaction contre l’Éclectisme et ses succédanés plus récents et néanmoins ornementalistes comme l’Art nouveau.
Les œuvres de Louis Sullivan et Frank Lloyd Wright à Chicago, Victor Horta à Bruxelles, Antoni Gaudi à Barcelone, Otto Wagner à Vienne et Charles Rennie Mackintosh à Glasgow, peuvent être analysées comme une lutte commune entre l’ancien et le nouveau.
C’est dans les années 20 que les plus importantes figures de l’Architecture moderne établirent leur réputation. Le trio de tête est généralement reconnu comme étant Le Corbusier en France (qui lui préférait parler de mouvement puriste), Ludwig Mies van der Rohe et Walter Gropius en Allemagne. Mies van der Rohe et Gropius étaient tout deux directeurs du Bauhaus, école d’architecture et d’arts appliqués fortement tournée vers les techniques industrielles.
La carrière de Frank Lloyd Wright leur fut parallèle et les influença énormément, notamment grâce à son Wasmuth portfolio, mais il a toujours refusé d’être considéré comme un des leurs. Il eut une grande influence sur Gropius et Mies, bien qu’il en eut une aussi sur tout le courant de l’Architecture organique.
En 1932 eut lieu une importante exposition au MoMA : l’exposition d’architecture moderne, dirigée par Philip Johnson. Johnson avec son collaborateur Henry-Russell Hitchcock créèrent des continuités, réunirent des tendances distinctes, les identifiant comme ayant un style similaire et des visées communes, et les enfermèrent dans ce qu’ils appelèrent le Style international.
Ce fut un tournant important. Avec la Deuxième Guerre mondiale, les figures importantes du Bauhaus fuirent aux États-Unis, à Chicago, à Harvard et au Black Mountain College. Alors que le Mouvement moderne ne fut jamais prédominant dans la construction de villas et de logements, il le devint en ce qui concerna les bâtiments institutionnels et l’architecture commerciale. Son influence fut majeure jusque dans l’enseignement de l’architecture, depuis les années trente jusqu’aux années quatre-vingt.

Les architectes qui ont œuvré dans le Style international voulaient rompre avec la tradition architecturale, et sont venus à des volumétries simples, sans ornementation. Les matériaux privilégiés furent le verre pour les façades, l’acier pour les supports extérieurs et le béton pour les planchers et les supports intérieurs. Les plans étaient fonctionnels et logiques. Le style devint plus évident pour les gratte-ciel. Les monuments les plus célèbres sont peut-être le bâtiment des Nations unies de Le Corbusier, Oscar Niemeyer et Sir Howard Roberton, le Seagram de Mies van der Rohe et le Lever House de Skidmore, Owings et Merrill, tous à New York ; et en ce qui concerne les villas, la Lovell House de Richard Neutra à Los Angeles.
Les détracteurs du Style international mirent en avant le manque d’humanité et de chaleur de cette géométrie cubique aride et sans compromission. Le Corbusier avait décrit ses immeubles comme des « machines à habiter », mais les gens ne sont pas des machines et on lui suggéra que les gens ne voulaient pas vivre dans des machines. Même Philip Johnson admit qu’il en avait assez des boîtes (« bored with the box »). Depuis le début des années quatre-vingt, beaucoup d’architectes ont délibérément cherché à échapper aux lignes droites en variant les styles. Au milieu du siècle certains commencèrent à expérimenter des formes organiques qu’ils estimaient plus proches de la sensibilité humaine et plus accessibles. Alvar Aalto et Eero Saarinen furent deux architectes et designers parmi les plus prolifiques de ce courant qui influença le modernisme contemporain.

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